Si c’est le Colorado qui l’a vu naître, Joséphine Foster est aujourd’hui établie à Nashville. Et non seulement ce berceau de la musique country se prête particulièrement bien à sa musique, mais il l’inspire. Et après plus de vingt années de carrière et plus d’une dizaine d’albums au compteur, la songwritrice semble toujours aussi motivée à plonger dans l’âme américaine et à mettre en valeur le terroir musical du Sud des Etats-Unis.
Soutenue par Matthew Schneider, Josephine Foster propose huit excellents morceaux qui puisent essentiellement leurs racines dans le blues et le folk. On s’imagine écouter cette musique sur le porche d’une maison face aux bayous de la Louisiane. En s’accompagnant simplement au piano ou armée d’une guitare et parfois d’un banjo voire d’une pedal steel, l’Américaine à la voix fluette dessine de belles ballades qui se dévoilent au fil des écoutes.
« No Harm Done » donne envie de parcourir les Etats du Sud du pays de l’Oncle Sam afin d’assister aux concerts de bluegrass dans de vieux troquets, tout en savourant un excellent poulet cajun…
Madame Monsieur, binôme sexué, s’est fait connaître auprès du grand public lors du Concours Eurovision de la chanson en 2018. Il y défendait l’étendard tricolore d’Outre Quiévrain en interprétant le titre fédérateur « Mercy ». Une chanson inspirée de l’histoire vraie d’une enfant née un an plus tôt sur l’Aquarius, un navire qui porte secours aux migrants.
Derrière ce patronyme, on retrouve Emilie Satt et Jean-Karl Lucas. Ils se sont rencontrés en 2008. Une rencontre fructueuse, puisque le succès est immédiatement au rendez-vous. « Human Bear » devient l’hymne qui vantera les mérites de la Ford Mondeo. Et dans la foulée, la demoiselle pose sa voix sur différents spots publicitaires (Materne, Balisto, etc.)
« Tandem », projet sorti de l’imagination fertile de la paire, a bénéficié du concours de la bagatelle de 26 collaborations ; des artistes et groupes aux univers diamétralement différents, parmi lesquels figurent Kyo, Oxmo Puccino, Claudio Capéo et Lili Poe.
Ces coopérations nées au feeling reflètent une volonté de nous plonger au sein d’un univers clairement étiqueté ‘Monsieur Madame’ tout en laissant la créativité musicale des différents acteurs s’exprimer. Avec en filigrane, bien évidemment, ce désir commun de coucher sur papier une ode à la perfection.
Bon gré, mal gré, ce projet à l’origine saugrenu s’est globalement traduit en succès, l’album nous réservant de belles chansons radiophoniques aux mélodies très pop. Quant aux thématiques, elles sont sans doute nombreuses, mais collent parfaitement à la philosophie de ses auteurs et de ses interprètes. A l’instar de « Sa beauté » (sauvegarde de la planète), « Paparazzo » (les paparazzis) ou encore de « On m’a dit » (le harcèlement).
On reprochera peut-être cette œuvre d’être un peu trop longue (NDR : près d’une heure trente d’écoute, quand même). Ce qui, inévitablement, entraîne des moments plus faibles. A ce sujet, on épinglera une prestation peu convaincante de Bandido, mais surtout le concours pas vraiment judicieux de Black M.
Mais qu’importe, puisque l’objectif final est atteint. Et pour cause, ce projet est né pour défendre une cause unique : apporter de la joie et la bonne humeur.
Bref, un « Tandem » qui a le vent en poupe !
Malgré une longue pause observée entre 1995 et 2005, The Bats affiche le même line up depuis 1982. Soit le bassiste Paul Kean, le batteur Malcolm Grant, la guitariste Kaye Woodward et le chanteur/guitariste Robert Scott. Ce dernier a, outre sa carrière solo, milité chez The Magick Heads, Electric Blood, Gina Rocco & the Rockettes ainsi que Greg Franco & The Wandering Bear, mais il est toujours impliqué dans l’aventure de The Clean, en compagnie des frères Kilgour, cependant comme bassiste, autre formation néo-zélandaise qui appartient à ce que les médias ont baptisé de ‘Dunedin sound’, un mouvement qui a marqué de son empreinte la scène indie, de 1980 à 1995. Des formations comme Pavement, R.E.M. et Mudhoney le reconnaissent même comme une de leurs influences majeures.
Rafraîchissante, caractérisée par ses mélodies limpides, ses harmonies vocales soignées, la ligne de basse raffinée, ses cordes de gratte carillonnantes, chatoyantes, tintinnabulantes et sa rythmique enlevée, la musique de ce quatuor kiwi mêlait astucieusement pop, psychédélisme, folk et post punk, un peu dans l’esprit des Feelies, à leurs débuts. Et près de 40 ans plus tard, la recette n’a guère changé, même si elle est un peu plus mélancolique et un peu moins turbulente. Quoique ! « Foothills » constitue le dixième elpee de The Bats, un disque qui a été enregistré dans une maison de campagne, près de la chaîne de montagne des Alpes du Sud, en Nouvelle-Zélande.
La plupart des 12 plages de « Foothills » sont tramées sur la conjugaison entre cordes électriques et acoustiques ou semi-acoustiques. Parfois jouées en picking. Ponctuellement, un clavier vient s’immiscer discrètement dans l’ensemble. Du glockenspiel s’invite même sur « Changes all ». Et à l’écoute du propulsif, énergique et enjoué « Warwick » on ne peut s’empêcher de penser à Rolling Blackouts Coastal Fever, digne héritier de ce fameux ‘Dunedin sound’… Superbe !
Issu de San Francisco, Glenn Donaldson a déjà multiplié les projets (Skygreen Leopards, Jewelled Antler, FWY ! et la liste est loin d’être exhaustive). Son dernier, il l’a baptisé The Reds Pinks & Purple ; et cette formation nous propose son deuxième album, un disque qui fait suite à « Anxiety art », paru en 2019. A première écoute, on en déduit que ce combo aurait pu figurer au sein de l’écurie Sarah Records. Issu de Bristol, ce label arty a sévi de 1987 à 1995 et a notamment hébergé des groupes comme sur The Orchids, Field Mice et Sweetest Ache. C’est d’ailleurs d’abord à ces bands que l’on pense en écoutant la musique de The Reds Pinks & Purples. Elle sonne plutôt britannique. Douces-amères, mélancoliques ou ensoleillées, suivant les morceaux, elle s’appuie sur d’élégantes mélodies tissées par des cordes de guitare chatoyantes, tintinnabulantes voire cristallines (Lotus Eaters ?), alors que les inflexions vocales de Glenn rappellent plutôt celles de Paddy McAloon (Prefab Sprout). Enfin, le titre maître qui clôt cet opus, semble même hanté par The Smiths, les accords de gratte semblant même empruntés à Johnny Marr…
Une excellente surprise !
Responsable de la production de ses quatre premiers elpees, Terry Date est de retour pour mettre en forme le neuvième opus de Deftones. Intitulé « Ohm » il fait suite à « Gore », paru en 2016.
Bien que fondée en 1988, la formation n’a dû changer de line up qu’à une seule reprise, en 2013. Un cas de force majeure. Victime d’un grave accident de voiture en 2008, Chi Cheng, le bassiste, était tombé dans un coma semi-conscient. Et est décédé 5 ans plus tard. Il avait été remplacé par Sergio Vega, qui militait alors chez Quicksand.
Découpé en 10 plages, « Ohm » joue de nouveau sur les contrastes entre les moments empreints de sérénité entretenus par les claviers éthérés et les envolées métalliques percutantes, impétueuses, grinçantes et tranchantes que s’autorise Stephen Carpenter à la guitare, et dont le rôle de dynamiteur lui correspond bien mieux. Et dans ce contexte, la voix de Chino Moreno, entre murmures et hurlements, épouse parfaitement l’expression sonore. Une voix qui évoque parfois celle de Perry Farrell (Jane's Addiction, Porno for Pyros) mais aussi de Billy Corgan (Smashing Pumpkins). De cet LP très homogène, on épinglera quand même deux pistes. Tout d’abord « This link is dead ». A l’issue de son intro atmosphérico-indus, le morceau libère une intensité électrique digne de Killing Joke. Et puis, en final, l’excellent titre maître. Une plage au cours de laquelle Stephen se sert d’une gratte à 9 cordes. Paru en single, il aurait d’ailleurs pu figurer sur l’album « Siamese Dream » de Smashing Pumpkins.
Née à Cologne, Zola Mennenöh a développé de nombreux projets musicaux avant-gardistes, à travers le monde. Etablie à Copenhague, au Danemark, cette multi-instrumentiste a décidé de se poser en gravant un premier opus solo, dont elle signe les dix titres. Intitulé « Longing for Belonging », il est paru sur chez Figureight, un label new-yorkais qui a notamment publié des œuvres de Gyða Valtýsdóttir (Mùm), Brian Eno ou encore Jon Hopkins.
Pour enregistrer cet elpee, elle a reçu le concours de trois musiciennes. En l’occurrence une préposée à la viole de gambe, une pianiste et un percussionniste. Sombre et mélancolique, sa musique reflète des images de paysages hivernaux rencontrées au sein des pays nordique. Le piano sert de fil conducteur à son folk minimaliste qu’elle chante d’une voix intimiste. Et qu’elle colore parfois de nuances plus jazzy et bucoliques, à l’instar de « I will always be yours, forever ». Mais elle n’en oublie pas pour autant ses expérimentations. Comme tout au long des 12 minutes de « Make things simple ».
Difficile à appréhender, « Longing for Belonging » exige plusieurs écoutes avant d’en déceler toutes les subtilités. N’espérez cependant pas entendre une quelconque mélodie à siffloter sous la douche. Ce long playing nous plonge surtout dans une ambiance plutôt que de se distinguer par ses différents morceaux…
Né à New York, en 1971, Kelley Stoltz a enregistré une quinzaine albums depuis le début de sa carrière, entamée en 1999. Ses influences majeures ? Nick Drake, le Velvet Underground, Brian Wilson et Echo & The Bunnymen, dont il est un fan inconditionnel. Ainsi dès 2001, il ose une adaptation de l’album « Crocodiles ». En 2010, il ouvre pour la tournée de ses idoles, puis est invité à assurer la guitare rythmique lors de leur périple accompli entre 2016 et 2018, en Europe et aux States. Et pour le remercier, Will Sergeant est venu lui apporter son concours lors de l’enregistrement de son elpee, « Ah ! Etc. »
Multi-instrumentiste, ce grand ami de John Dwyer et Ty Segall a presque tout fait sur cet opus. Un superbe essai au cours duquel, on retrouve, ça et là, ses références initiales. A l’instar du nerveux « Team earth », dont les harmonies vocales sont aussi soignées que chez les Beach Boys. Ou du velvetien « Cold ». Will Sergeant est venu donner un coup de gratte à « Quiet ones », une sorte de cha-cha-cha tapissé d’orgue vintage et stimulé par une ligne de basse post punk. Et puis déclame d’une voix grave sur « Moon shy », une bossanova groovy à laquelle l’ex-Dance Hall Crashers, Karina Denike, participe aux vocaux, alors que la fin de parcours nous propulse dans l’univers du « Dark side of the moon » du Floyd. Allyson Baker (Dirty Ghosts) se consacre au micro sur « She likes noise », une plage dansante, hypnotique, sculptée dans le surf/punk. Le timbre de Kelley rappelle curieusement celui de Colin Newman tout au long du post punk accrocheur, « Dodget a bullet ».
Les influences des 60’s, on les retrouve sur « Some other time ». A cause des cordes de guitare bringuebalantes, réminiscentes des Byrds voire de Big Star. Une mélancolie douce berce le très pop « Never change enough », une piste qui finit par véhiculer des accents empruntés à Aztec camera. Le long playing nous réserve encore quelques morceaux psyché/pop, parfois teintés de surf et se clôt par le plus glam « Havin fun », nonobstant son tempo bien rock’n’roll. Brilliant !
Ce 7ème elpee de Cloud Nothings a été réalisé en pleine période de confinement, via l’échange de fichiers entre Dylan Baldi et Jayson Gercyz. Le premier cité se charge des parties vocales et de toute l’instrumentation, hormis la batterie, que se réserve le second, et le synthé, confié à Chris Madak (Beemask) pour le seul « An average world », une plage au refrain contagieux et aux harmonies et contre-harmonies vocales réminiscentes des Beach Boys.
La plupart des morceaux de « The black hole understand » baignent au sein d’un cocktail de noisy (power) pop, rock ou punk voire de shoegaze qui évoque tour à tour Posies, Teenage Fanclub, Hüsker Dü et même Wedding Present. Dylan chante en falsetto ces compos aux mélodies accrocheuses, souvent mélancoliques, aux guitares carillonnantes, granuleuses, limpides, pétillantes, scintillantes, joyeusement discordantes ou chargées de reverb, alors que Gercyz impressionne par l’amplitude et la richesse de son drumming (« The sound of everyone » en est la plus belle démonstration). Enfin, tant les arrangements que la mise en forme sont impeccables, sans pour autant aseptiser les compos. Un véritable tour de force pour cette formation qui non content d’avoir déjà gravé un nouvel album début décembre, vient également de sortir près de 30 elpees ‘live’, uniquement disponibles via le téléchargement.
Christina Schneider apprécie, apparemment, les pseudos bizarres pour ne pas dire alambiqués. L’Américaine a ainsi baptisé ses projets Jepeto Solutions et C.E. Schneider Topical, mais également Locate S,1., pour lequel elle a gravé « Healing contest », en 2018, et « Personalia », en mars dernier. Ce nouvel opus nous réserve une collection de compos indie pop plutôt enthousiasmantes qui s’épanouit sur l’excellente maison Captured Tracks. On y croise des réminiscences 80’s, notamment à travers des claviers pop, mises au service de textes féministes publiés depuis l’état de Géorgie (Athens) tellement central en ces temps d’élections sénatoriales américaines. Mise en forme par le farfelu Kevin Barnes (la tête pensante et constamment en ébullition d’Of Montreal), la musique de Locate S, 1 s’inspire manifestement des mélodies sucrées d’ABBA tout en respectant une exigence d’écriture digne de Kate Bush. Conclusion facile mais pertinente : « Personalia » affiche une vraie personnalité !
Alors qu’en août dernier, Indochine publiait un premier recueil réunissant tous ses singles, commis entre 2001 et 2021, un second volume vient de paraître. Intitulé « Singles collection 2 », il se concentre sur la période sise entre 1981 et 2001.
Formé en 1981, le combo a vécu quelques changements de line up depuis ses débuts. Ce qui ne l’empêche pas, aujourd’hui encore, d’attirer de nouveaux fans et surtout d’établir un pont entre différentes générations. Et notamment entre les parents nostalgiques et les enfants en recherche perpétuelle de renouveau.
Car un des principaux défis du combo, c’est d’expérimenter tout en conservant une approche populaire de la musique.
Cette compile réunit 32 titres, parmi lesquels figurent les nombreux tubes d’Indochine. Mais ils prennent ici une dimension toute particulière grâce aux effets dynamiques que les nostalgiques des sonorités des années 80-90 risquent de regretter amèrement.
Parmi les modifications marquantes, on épinglera l’ajout de paroles sur certains morceaux, et tout particulièrement sur « Stef II » ; mais aussi, et à l’instar du premier chapitre, quelques pépites épurées sobrement baptisées ‘les pianos sans voix’ ou encore ‘la guitare voix’, soit des versions de compos que les moins de 20 ans connaissent forcément.
Enfin, l’énigmatique Christine and the Queens partage un duo avec Nicola pour le « 3e sexe » (NDR : ce titre figurait également sur l’album « 3 », gravé en 1986 !), hymne à la tolérance sexuelle plus que jamais d’actualité, histoire de marquer le coup d’un quarantième anniversaire placé sous le signe du (dé)(re)confinement. Sirkis livre là une version bien personnelle sous un angle peu ou prou inspirée, mais dont le résultat est aussi surprenant que jubilatoire.
The Sonic Dawn est un trio danois qui puise essentiellement ses influences au sein du psychédélisme issu des 60’s et des 70’s. Une référence ? The Strawberry Alarm Clock.
Découpé en 10 pistes, « Enter the mirage » constitue son quatrième elpee, un disque qui s’ouvre par le très garage « Young love », un titre qui aurait pu figurer sur des compiles ‘Nuggets’ ou ‘Peebles’, mais également au répertoire du combo australien, The Stems.
La plupart des autres morceaux baignent dans une forme de psyché/pop qui se charge de nuances, suivant les morceaux. « Loose ends » s’achève dans un trip exotique. Caractérisé par son solo de sèche et infiltré par un léger filet d’orgue, « Children of the night » adopte un profil davantage folk. Rogné, le clavier tapisse de nombreux titres. Il domine même son sujet sur « Join the head », une plage qui emprunte quelques accents acid house aux Stone Roses. « Shape shifter » vire du blues/rock à la prog. Et ces claviers fluidifient « Soul sacrifice », une compo dynamisée par des percus latino, tout en adressant un clin d’œil à Santana. Le groupe a recours aux bandes passées à l’envers, comme à la belle époque des Beatles (NDR : pensez à « Strawberry fields forever) sur « Hits of acid ». Et n’oublie pas de saupoudrer, de temps à autre, ses compos de sonorités de sitar. Enfin, « Ufo », titre qui clôt cet LP, nous propulse dans l’univers cosmique du Floyd, cira « More ». Et on en oublierait presque les chouettes harmonies vocales ainsi que le falsetto d’Emil Bureau.
Une œuvre sans doute revivaliste, mais particulièrement agréable à écouter. Si vous appréciez Allah-Las, « Enter the mirage » devrait vous plaire…
On peut s’attendre à tout d’un groupe quand il choisit pour patronyme Guantanamo Baywatch ! Issu de Portland, dans l’Oregon, ce trio fondé en 2010 nous propose son quatrième elpee. En 29 minutes, il déverse des effluves surf, psyché et forcément garage, vitaminées à souhait.
Entre obligatoires mais impeccables plages instrumentales (« Conquistador ») et vignettes estivales baignées de soul (« Neglect »), il entretient un ‘spirit’ rock’n’roll 50’s (« Mesa, AZ »). Le tout avec un fort goût de ‘Tarantino movie’… of course !
« Return to Greendale » n’est autre que la version ‘live’ de « Greendale », un album de Neil Young paru en 2003. On y raconte l’histoire d’une famille confrontée à un meurtre dans la petite ville fictive de Greendale. Un récit imaginaire destiné à développer des thèmes chers au loner, tels que l’environnement, la place de l’être humain dans la société moderne et la corruption organisée par les multinationales et les politiciens véreux. Dix titres en plus d’une heure dix, dont certains dépassent les 10’ (NDR : 13’23 pour « Grandpa's Interview », une plage dont les riffs crasseux rappellent « Cowgirl in the sand »).
Hormis l’acoustique « Bandit » et « Bringin’ down the river », dont le spleen infini est accentué par l’orgue à soufflets, le fil rouge des compos repose sur l’intensité électrique si caractéristique chez le Crazy Horse. Même les blues. Que ce soit le cool, sale et chaloupé « Double E », le boogie « Sun green », au cours duquel Neil n’hésite pas à clamer haut et fort, dans un mégaphone, son point de vue sur la monde politique, qu’il juge corrompu, quand il ne souffle pas dans son harmo ; mais encore « Devil’s sidewalk », un morceau au cours duquel les choristes féminines répètent régulièrement ‘Greendale !’. Un harmonica qui décape la ballade puissante « Leaving the driving ». Et si l’opus s’ouvre par une compo au refrain simple, répétitif et facile à reprendre en chœur (« Fallling from above »), il s’achève par « Be the rain », un hymne qui exhorte à la protection de la nature. Passionné, enrichi de chœurs, il s’agit certainement de la meilleure plage de cet LP.
Pas de mauvaise surprise sur ce « Return to Greendale », mais un album de plus dans la discographie déjà impressionnante de Neil Young. Quand on pense, qu’il vient de graver « Times », un Ep acoustique, sortira « Archives Vol 2 » d’ici quelques semaines et rééditera « After the gold rush », dans le cadre du 50ème anniversaire de sa sortie, en 2021…
Neil Young & Crazy Horse
Bingo Club, c’est le projet de Martin Rousselot. Avant de signer chez le label parisien Fuzo, ce New-Yorkais avait gravé un maxi chez Whale Watch Records. Pour enregistrer « Separated », il a bénéficié de la mise en forme d’Al Carlson (Weyes Blood, St. Vincent) et puis de la participation de toute une volée de chanteuses et de musiciens. En résulte 5 morceaux interprétés en anglais, français ou espagnol, conçus sur la route, entre l’Europe, le Sahara, l’Himalaya et les Etats-Unis.
Y figure le single, titre éponyme de cet Ep, au cours duquel la voix féminine est aussi énigmatique que celle de Hope Sandoval (Mazzy Star). Et puis en final, un slow chanté dans la langue de Molière. Nappé d’orgue, il est aussi crapuleux que « La drague », un tube signé par Guy Bedos et Sophie Daumier en 1973.
Minimaliste, « Now it’s never » pourrait servir de B.O. à un film romantique, s’il n’y avait le chant. Ballade lancinante, « Shallow » est hantée par un orgue de fête foraine, alors que le cotonneux « Dance me » nous entraîne aux confins de l’univers de Mercury Rev.
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