Ted Leo & The Pharmacists

En 1993, Ted avait commis un elpee fort intéressant, « Hearts of oak ». Un disque enregistré en compagnie de son groupe : les Pharmacists. Sur ce mini album, son backing group n’intervient plus que sur un seul fragment : le titre maître. Et encore, ce titre de punk pop qui trahit de nombreuses affinités avec Joe Jacskon, figurait déjà sur l’opus. Découpé en neuf fragments, ce mini album recèle trois covers. Tout d’abord « Dirty old town », une compo d’Ewen Mc Coll popularisée par les Pogues. Une version soul punk du « Ghosts » de Jam. Et enfin la reprise du « Six months in a leaky boat » de Split Enz. Trois fragments que Ted reprend ‘live’ et qui constituent autant d’hommages à des légendes qu’il appréciait et apprécie toujours autant. L’elpee recèle cependant quatre inédits dont le dispensable et pseudo expérimental « (Decaying artifact) », “The sword in the stone”, compo sculptée dans le punk alternatif, et puis deux morceaux qui démontrent bien qu’il incarne la réplique américaine à Billy Bragg (NDR : Ted est issu du New Jersey). Soit l’échevelé et punkysant « Bleeding powers », et puis la protest song hymnique « Loyal to my sorrowful country ». Le disque inclut enfin une version solo, minimaliste, de « The high party », digne du meilleur Elvis Costello. En mélangeant humour teinté d’ironie, perspicacité intérieure et conscience sociale, Ted ne se contente pas de prendre un chemin parallèle à Bragg, mais il marche aussi sur les traces de Springsteen, de Paul Westerberg, d’un Paul Weller des débuts et puis surtout de Woodie Guthrie. Et ça, c’est une référence !

Groupe de scène avant tout, Les Hurlements d’Léo nous viennent de la région de Bordeaux. Un ensemble constitué de huit musiciens responsable d’une musique qui mêle allègrement swing, punk, java, musette, jazz, ska et musique tzigane sur des textes contestataires, mais tellement réalistes et contemporains. Dans un style qui rappelle, sous sa forme la plus énergique, Noir Désir et surtout Les Négresses Vertes. Et la conjugaison des voix rauques de Laulo et de Rl Wallace, n’y est pas étrangère ( ?!?!?). « Ouest terne » constitue son troisième opus. Un disque qui laisse également la place à l’une ou l’autre chanson sentimentale. Un choix qui fait un peu tâche d’huile dans un ensemble qui exige énergie et enthousiasme pour atteindre son objectif : faire la fête !

Daniel Lanois est un personnage qui mérite le respect. Ingénieur du son, puis producteur, il a bossé en compagnie de monstres sacrés comme Brian Eno, Peter Gabriel, U2 et Bob Dylan, parmi bien d'autres. C'est même lui qui avait remis le Zim en selle en 1989, en assurant la mise en forme de l'album " Oh Mercy ". La même année, il enregistrait son premier album solo " Acadie ". Un superbe album à travers lequel transparaissaient ses racines cajuns. Il faudra attendre 1993, pour qu'il commette son deuxième opus, " The beauty of Wynona ", un disque beaucoup plus féroce et électrique. 10 ans plus tard, il nous revient donc avec ce " Shine ", un disque pour lequel il a reçu le concours du batteur de jazz, Brain Blade ; mais surtout de Bono, avec lequel il partage la composition et le chant chez " Falling at your feet ", une chanson que vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre sur l'une ou l'autre station radiophonique. Et puis d'Emylou Harris, pour un duo vocal échangé sur " I love you ". Ce sont deux des trois (très) bons fragments de l'opus. Mais aussi les plus commerciaux. Proche d'un Johnny Dowd, mais sans l'âpreté du timbre, le country-jazz " As tear roll by " surprend par l'originalité de ses sonorités 'percussives'. Le reste du disque oscille entre indolence countryfiante, et semi-psychédélisme trop nébuleux pour vraiment accrocher. Parfois, à l'instar de " Space kay ", Daniel parvient à évoquer le climat minimaliste d'un Durutti Column, mais il n'a pas le doigté de Vini Reilly aux six cordes. Tramé sur de superbes harmonies vocales et de judicieuses contre-voix, " Slow giving " marche sur les traces de Crosby, Stills, Nash & Young. Cependant, les guitares sont trop discrètes pour toucher la grâce de leur art. Un peu comme si le son avait été raffiné à l'extrême. Je me demande même si le défaut de cet opus n'est pas la conséquence d'un acharnement à vouloir en gommer les aspérités. Car, en général, les mélodies sont très belles. Mais l'absence de relief leur est plus que préjudiciable. Et ne parlons pas de l'instrumental " Matador ", une démo électro-boudin que n'importe quel néophyte aurait pu bidouiller sur son PC. Une grosse déception !

Leave est une formation française originaire de la Picardie, quelque part entre Amiens et Beauvais. Sous la forme d'un trio, le groupe a commis deux démos (" Lick the pavement " en mai 2000 et " Perfect Skin en automne 2001), avant d'élargir le line up à un quatuor tout en procédant au remplacement du drummer. Sous ce format le band décide de passer à la vitesse supérieure et signe chez Furtive Records. Il enregistre " The June parade " qui devait être leur premier EP. Malheureusement, le label met la clef sous le paillasson, et le projet demeure dans les cartons. A première écoute, la musique de Leave fait immédiatement penser à Radiohead et surtout à Muse. Les guitares sont cinglantes, les mélodies hymniques et la jolie voix de Christophe possède un timbre haut perché, fort proche de Matthew Bellamy. Un bémol, dès que les compos se calment, il éprouve plus de difficultés à la poser. Sur le premier morceau de plastique, " Life & death of a vegetable " et " Save this dance for me " épousent des envolées de guitares métalliques empruntées à Queen. Une tendance qui s'amplifie sur " Schizoid disorder ", le dernier-né de Leave. Les compos y sont plus musclées et s'aventurent même parfois dans le métal prog. A l'instar de " Nasty girl " et de " Brutal tango ". La formule me plaît moins. Surtout à cause du style trop démonstratif du soliste (NDR : savoir jouer, c'est bien, mais en remettre deux couches, c'est un peu beaucoup). En outre, le mixing a un peu trop négligé les nuances de jeu aux drums. Ce n'est pas une raison pour jeter le bébé avec l'eau du bain, car Leave possède un énorme potentiel. Il lui faudra cependant et impérativement trouver un meilleur équilibre pour pouvoir prendre son envol. C'est tout le mal qu'on lui souhaite.

Ted Leo & The Pharmacists

Ted Leo n'est pas né de la dernière pluie, puisque avant de se lancer dans une carrière solo, il a sévi sur la scène hardcore de New-York, au sein de groupes comme les Citizens, les Animal Crackers puis Chisel, dont il a été le leader entre 1990 et 1997. Son aventure solo, il l'a entamée en 1997, alors qu'il drivait encore Sin Eaters, tout en participant à une tournée des Spinanes. Infatigable ce type ! D'autant plus que " Heart of oak " constitue déjà son quatrième opus en solitaire. Il fait suite à l'excellent " The Tyranny of distance ", paru en 2001. Tout comme cet elpee, il est davantage tourné vers la pop/rock, puisque les deux premiers lorgnaient davantage vers le folk. Ted est à l'indie rock ce que Springsteen était au rock'n roll en 73 ; mais dans un style totalement différent. A cause des lyrics engagés qui traitent des problèmes liés à la politique, aux relations sociales, à la guerre, aux religions. Bref, des questions bien dans l'air du temps ! Côté musical, Ted pratique plutôt une forme de punk pop, mais un punk pop mâtiné de dub, de folk irlandais, de rock, de power pop, de mod, de ska, de folk irlandais, de rythm'n blues, de funk, de new wave, et la liste n'est pas exhaustive. Avec pour principales sources d'inspiration Billy Bragg, Alex Chilton, XTC, Jam, Joe Jackson, Clash, Elvis Costello, les Buzzcocks, Fugazi et le Fall. Ted rend même un hommage aux Specials sur le remuant " Where have all the rude boys gone ? ". Un punk pop qui évolue sur un mode uptempo en tirant parti au maximum de la fluctuation des instruments (guitare, basse, batterie, claviers, violon) ; à charge du falsetto souple de Ted d'opérer le lien entre toutes les composantes pour tisser les mélodies. Un chouette album !

En mentionnant au dos de la pochette, ‘Si vous ne vous appelez pas B Cantat, B Corgan, T York ou JJ Daran, votre graveur s'autodétruira’, Kaz affiche clairement, mais de manière très originale, ses influences majeures. Encore qu'après avoir écouté ce mini CD 6 titres, je n'y ai décelé que l'ombre (NDR : mauvais calembour !) de Noir Désir. D'ailleurs tout au long de cet opus habillé d'une pochette au cubisme mystérieux, l'ambiance n'est vraiment pas à la fête. D'abord, il y a les lyrics qui posent un regard sur l'homme, ses sentiments, ses joies, ses erreurs, ses côtés sombres. Ensuite la musique qui, hormis le dispensable " Rêver un cauchemar " et le très joli instrumental " Aya ", un fragment dont les accents électro-acoustiques me rappellent Bel Canto, se nourrit aux mélodies lancinantes, douloureuses, ténébreuses. Un peu comme chez Yel. Et c'est un compliment ! Le très intense " L'idiot " en est la plus belle démonstration. Mais le plus souvent, Kaz semble hanté par l'esprit de Nirvana. Celui de l'elpee " In Utero ", nonobstant le vocal haut perché de Guillaume (NDR : une belle voix qui ne colle pas nécessairement au style pratiqué par le trio issu du Loiret), dont les inflexions peuvent rappeler parfois Anthony Kiedis (Red Hot Chili Peppers). C'est évident sur " Le ciel me brûle " et puis sur la valse lente " Les amants ". On y retrouve même cette mélancolie maladive, torturée, criblée d'accès de fièvre électrique. Si l'impression globale reste positive, avec de meilleurs arrangements, des enchaînements un peu mieux soignés et une production à la pointe, ce disque prendrait une toute autre dimension…

King Creosote nous vient de Fife, en Ecosse. Depuis 1995, il a enregistré un tas de chansons qu'il a gravé sur CDR. Des disques parus chez Bad Jazz, Fence et Domino ; mais extrêmement difficiles à se procurer. " Kenny and Beth's musakal boat rides " constitue, en quelque sorte, une compile de son ancien répertoire. Et il faut avouer que les 13 chansons réunies sur cet elpee, et qu'il interprète flanqué de son quintette, ne manquent pas de charme. Sculptées dans un folk/pop alternatif, et légèrement teintées de psychédélisme, elles peuvent se révéler tantôt contagieuses, allègres, tantôt ténébreuses, spectrales. Balayée de bruitages post industriels, " Space " aurait même pu figurer au répertoire d'un 16th Horsepower. Accordéon, drums feutrés, percus et guitare acoustique (NDR : jouée le plus souvent en picking) forgent l'ossature de l'instrumentation. Sans oublier la voix de Kenny. Bien timbrée, chaleureuse, elle épouse même parfois les inflexions de Mark Chadwick (Levellers). Mais au sein de cet espace sonore, les samples inventifs, les bruitages et les oscillations du clavier nous entraînent dans un monde visionnaire, surréaliste, mais au lyrisme empreint de mélancolie. James Yorkston et Pip Dylan, deux potes à Kenny, sont venus lui filer un coup de main, sur l'excellente ballade " Lavender moon ". Mais, j'ai surtout flashé sur " Lonepigeon's wine glass finale ", une plage soulignée par un orgue qu'on croirait emprunté à Eyeless in Gaza ". " Pulling up creels " et ses samples en boucle décalés par le rythme. " Harpers's dough " et ses harmonies vocales dignes de Peter Paul & Mary. Et surtout " So forlorn ", qui nonobstant son riff de guitare obsessionnel, me rappelle James. Même la voix de Kenny est ici aussi sinusoïdale que celle de Tim Booth. A la croisée des chemins de Syd Barrett, des Nits et de Chris Knox, cet opus a vraiment tout pour plaire…

Pour célébrer le 25ème anniversaire de la sortie de son premier elpee, " Look sharp ", Joe Jackson a décidé de remonter le line up qui avait participé à la confection de ses trois premiers opus ; et d'enregistrer ce " Volume IV ". Puis de partir en tournée promotionnelle, en leur compagnie. C'est à dire le guitariste Gary Sanford, le drummer Dave Houghton et surtout son fidèle bassiste Graham Maby. Un disque que Joe a voulu voir réverbérer les accents de sa célèbre trilogie. Quoique l'artiste s'en défende, ce projet est empreint de nostalgie. Mais si les compositions renouent avec l'énergie âpre, tonifiante du rock'n roll des débuts et ressuscite l'esprit particulièrement acerbe de ses lyrics, elles conjuguent la profondeur émotionnelle et la sophistication musicale des derniers opus. Et ce mélange d'adrénaline sonique, de perspicacité lyrique et de soin consacré à l'écriture des chansons passe plutôt bien la rampe. Bien sûr, tout n'est pas parfait, mais le disque recèle suffisamment de bonnes vibrations pour nous mettre de bonne humeur. Et je pense à l'introspectif " Chrome ", un morceau superbe, mais surtout un hit potentiel. Au stimulant " Fairy dust ", fruit de la rencontre entre le jazz (piano, drums) et le funk (guitare, basse). A l'hymne glam rock " Little bit stupid ", conçu en forme de clin d'œil à Adam & The Ants. Ou encore au power/punk/pop tribal, enlevé, " Bright grey ". L'œuvre laisse bien évidemment une place à la mélancolie, que Joe souligne si bien de sa voix si poignante en s'accompagnant au piano (NDR : ces sonorités aux ivoires me flanquent toujours des frissons dans le dos !). Il concède également un track plus hymnique, plus 'Remesque', à travers " Still alive " ; et nous propose une excursion ska (" Thugz "). Seul reproche qu'on puisse adresser : deux compos trop proches de l'univers d'Elvis Costello. Pas qu'elles soient de mauvaise facture, mais elles apportent de l'eau au moulin aux détracteurs qui ont toujours insinué que les deux artistes étaient cousins. Pour la circonstance, on a même l'impression que Joe a bénéficié du concours des Attractions. Après avoir fait les beaux jours de la new wave (NDR : à moins que ce ne soit l'inverse), trempé dans le jazz, le classique et écrit de la musique de film, il a retrouvé son beat crazy. Et on ne s'en plaindra pas !

L/O/N/G est un projet imaginé par l’électronicien Rupert Huber et le leader des Walkabouts, Chris Eckman. Le tandem a choisi ce patronyme, car la gestation de cet opus a nécessité plusieurs années. Huit en tout. A l’origine, l’Autrichien et le Yankee s’étaient rencontrés dans un chalet, lors de la fête d’un ami. Et ils avaient jammé. De jams en jams, de fichiers échangés en fichiers échangés entre l’Ancien et le Nouveau Continent, l’opus a pris progressivement forme, pour aboutir à cet « American Primitive ». Et, il faut reconnaître que le fruit de cette rencontre entre folk/rock et electronica, est particulièrement réussi.

Très ‘groovy’ et hypnotiques, les deux premières plages, « Shoot your dog » ainsi que le titre maître, sont soulignées par des harmonies vocales glamoureuses, ‘bolanesques’. Encore que le résultat me fait plutôt penser aux expérimentations de Brian Eno, à l’époque de « Before and after science » (NDR : pensez à « Backwater »). Le spectre du légendaire artiste insulaire, plane d’ailleurs tout au long de l’opus. Comme par exemple, sur les titres les plus ambient, même si régulièrement, Chris vient délicatement ciseler les mélodies, à l’aide de sa six cordes acoustiques, en jouant en picking. Ou quand Rupert les balise de ses accords de piano sonore. La face la plus pop du divin chauve illumine également un titre plus pop comme « Shame this darkness », un titre imprimé sur un tempo métronomique. Eckman et Chantal Acda (Sleepindog) partagent un duo vocal sur deux plages atmosphériques, intimistes, « Wrong train comin’ » et « Night fishermen ». « Stockerau » flirte carrément avec la prog presque floydienne, mais dans l’esprit de « Dark side of the moon ». Un instrumental, tout comme « Longitude zéro », qui pulse comme à la belle époque du « How much are they ? » de Holger Czukay, Jaki Liebezeit et Jah Wobble. Et tout ce bel ensemble a été tissé méticuleusement, enrichi d’une multitude de petites touches sonores (organiques ou électroniques), afin d’aboutir à cette œuvre ambitieuse et intemporelle…

Inspiral Carpets n'a jamais eu l'aura d'un Happy Mondays ou des Stone Roses, mais ils se sont classés bien plus souvent dans les charts que leurs condisciples de Madchester. 4 top 20 pour les albums " Life " (1990), " The beast inside " (1991), " Revenge of the goldfish " (1992) et " Devil hopping " (1994), ainsi que treize fois dans le top 40 entre 1989 et 1994, avec notamment " Joe ", " Dragging the moon ", " Saturn 5 ", " This is how it feels ", "Caravan", "Two worlds collide", "I want you" (NDR: caractérisé par la présence de Mark E Smith), " She comes in the fall ", et "Keep the circle around", chanson enregistrée en compagnie du premier chanteur, Basil Clarke. Tous des hits (NDR : 20 en tout !) qui figurent inévitablement sur le premier disque de ce box de 3 CDs. La deuxième plaque épingle 17 fragments partagés entre raretés, versions alternatives (jamais gravées sur CD à ce jour) et covers, parmi lesquelles figurent le " Paranoid " de Black Sabbath, " 96 tears " de ? and The Mysterians et une version époustouflante du " Tainted Love " de Soft Cell. Meilleure que l'originale (NDR : les mauvaises langues me répondront que ce n'est pas difficile). Enfin, le troisième morceau de plastique est consacré à un DVD réunissant des vidéos, des morceaux enregistrés 'live', quelques bonus tracks cachés et une interview. Chez cette formation de garage punk par excellence, les claviers rognés par le vétéran Clint Boom ont toujours été une marque de fabrique. Des sonorités dont les fortes réminiscences sixties pouvaient faire penser aux Searchers voire aux Doors, mais qui servaient des mélodies pop à la fois contagieuses, énergiques et mélancoliques, des mélodies caressées par la voix de Tom Hingley, dont le timbre était aussi velouté que celui de Dave Gahan. Dommage que leur premier flexi disc, " Garage full of flowers " et le premier véritable single, " Planetcrash ", n'aient pas été inclus. Un véritable testament !