Deuxième jour du LaSemo. Si la veille les températures étaient agréables, ce samedi, le soleil tape particulièrement fort. Il est même vivement conseillé de porter un chapeau ou une casquette et de s’enduire de crème solaire. Les points d’eau mis à disposition des festivaliers sont pris d’assaut. Certains sont même à sec tôt dans l’après-midi.
Le taux de fréquentation semble encore plus élevé que le jour précédent. Manifestement le festival a gagné en popularité au fil du temps. Et vu le line-up, difficile de faire la fine bouche.
Votre serviteur débarque vers 16h. Direction la scène de la ‘Tour’. Colt s’y produit. Ce ne sont pas des inconnus puisque la formation implique Coline & Toitoine, des potes originaires de Bruxelles.
S’ils fonctionnaient jusqu’alors en binôme en pratiquant une musique plutôt électro/pop, ils ont élargi le line up à un quintet et évoluent dans un style plutôt rock, même si sur quelques titres, il subsiste toujours cette fibre électro.
Les préposées aux claviers et à la basse sont des filles. Derrière la batterie, siège un mâle, un vrai.
Coline est habillée d’un pantalon blanc rapiécé, de type clochard. Antoine porte une veste, elle aussi rafistolée, du même acabit. Un look surprenant, mais qui signe une identité distincte.
« Milles vies » ouvre les hostilités, un titre qui figurera sur un premier Ep dont la sortie est prévue pour septembre. Il est rapidement suivi de « Scooter » et « Ramenez-moi ». Si le français est la langue maternelle de la dame, son anglais est parfait ; et elle le démontre tout particulièrement sur « Once more », « Anymay », « Under my arms » ou encore « Over ».
Les Bruxellois libèrent une belle énergie, malgré la chaleur étouffante. Antoine s’interrompt et demande de l’eau, il semble au bord de la syncope. C’est la première fois qu’il est victime d’une telle défaillance, selon ses dires. S’il avait tout simplement laissé tomber le veston, sans doute que la chaleur l’aurait incommodé un peu moins… Ahhh, ces artistes !
Il est au clavier et le haut de son corps va et vient du haut vers le bas à chacun des coups de grosse caisse imprimé par son comparse caché derrière les fûts. Il est vraiment dedans.
La complicité qui lie les deux musicos semble très forte. Pas mal d’échanges de regards, des sourires, et surtout cette symbiose musicale.
Coline Debry et Antoine Jorissen se connaissent en fait depuis toujours. Ils fréquentaient la même crèche. Leurs parents sont toujours restés en contact. A l’adolescence, ils se sont voué une passion commune pour la musique. L’histoire musicale était donc toute tracée.
Leur succès est grandissant. Ils ont écumé une kyrielle de festivals qui les ont emmenés jusqu’à New York. Sans compter les streams sur Tik Tok et Instagram, leurs clips ‘home made’ les portant au-delà de la sphère physique.
De son grain chaud, elle nous entraine hors du temps. Lui, c’est plutôt le côté prod, les synthés et effets en tout genre. Le duo nous livre un mélange très réussi entre électro, pop, mais aussi indie et folk. Une expression sonore qui brasse finalement des genres assez différents.
La musique est positive, rayonnante et lumineuse. Elle donne envie de chanter, de danser et de rêver. La petite se livre le temps d’une chanson baptisée « La salle aux lumières ». On y apprendra ses orientations sexuelles et le courage qu’il lui a fallu pour faire son coming-out.
Le band achève son set par « Insomnie ». Un hymne au cours duquel, elle narre l’envie de s’évader durant ses périodes… insomniaques.
La scène du Château accueille maintenant un autre groupe belge dont la réputation dépasse les frontières. Il s’agit de Balthazar.
Formé en 2004 par des musiciens originaires de la région de Courtrai, en Flandre-Occidentale, il pratique du rock alternatif. Son premier elpee, « Applause », est paru en 2010 pour la Belgique et en 2011 dans le reste de l’Europe. Cet opus lui a permis de se produire dans de grandes salles, dont l'Ancienne Belgique de Bruxelles, le Paradiso d'Amsterdam et La Cigale de Paris, ainsi que dans des festivals comme Rock Werchter et Lowlands.
Si le line up du band a varié au fil du temps, l’équipe s’est aujourd’hui stabilisée et réunit Maarten Devoldere (chant, guitare, clavier), Jinte Deprez (chant, guitare, clavier), Simon Casier (basse, chant), Michiel Balcaen (batterie, chant) et de Tijs Delbeke (clavier, guitare, violon, trombone).
C’est « Decency » qui ouvre le bal, suivi de l’excellent « Wrong Vibration », caractérisé par sa caisse claire incisive. Une communion solennelle est occupée d’être célébrée.
L’apothéose viendra lorsque les premières notes de « Then What » retentissent. Ce sont alors des milliers de personnes qui reprennent le refrain en chœur.
Triturées par les pédales d’effets, la Fender Mustang d’un des musiciens crée de belles fulgurances dans ses riffs à couper le souffle. La basse est soutenue et constitue l’un des marqueurs principaux de l’expression sonore.
Deux guitares, une basse, une batterie, des mèches de cheveux qui volent, le soleil qui brille et un festival hors du temps. Bref, l’équation parfaite.
Envoûtée par le violon ou le trombone, la superbe ballade "You Won't Come Around", issue du dernier album « Sand », est bien mise en exergue. Une compo qui casse quand même quelque peu la dynamique jusqu’ici érigée par le band.
Ecouter Balthazar, c’est peu à peu s’enivrer des bienfaits de l’été. Une musique légère, parfumée et chaleureuse. Positive, joyeuse et festive également.
Le set touche à sa fin et « Bunker » démontre que Maarten Devoldere, nonobstant le projet Wahaus entamé en 2015, est au sommet de sa forme lorsqu’il sévit chez Balthazar.
Enfin, « Losers » et son bridge live ondulatoire gigantesque, clôt une prestation qui restera dans les annales.
Une musique sublime, une ambiance pastel. Dommage que le groupe soit aussi peu communicatif…
Inviter Cali dans un festival, c’est choisir le bon plan. En effet, le petit homme est connu pour mettre le feu lors de chacune de ses prestations. Celle qui se joue aujourd’hui ne fera pas figure d’exception. Au contraire !
Il se présente sur la scène de la ‘Tour’ accompagné de ses musiciens. D’un pas décidé, il hurle à la foule ‘Je suis Belge’. Il n’en fallait pas plus pour déclencher une hystérie collective.
Chargé d’intensité électrique par la guitare, sa musique s’aventure au sein d’un entrelacs de fougue et de sincérité.
Quelques minutes après le début du live, le show s’annonce déjà exceptionnel. L’ami Cali s’avance, micro en main, tendu vers le public, tout en passant une langue bien fourchue. Un titre qu’il avait d’ailleurs dédié l’année dernière à son amie Dani, tout juste décédée, lors d’un concert aux Gens d’Ere, une bourgade dans la région du Tournaisis.
La chanson à peine achevée, le troubadour de la chanson française commence à manifester une envie irrésistible de jouer avec le public.
Dopé (à une substance psychotrope ??), le chanteur/amuseur ne cesse de faire le pitre durant le live et ce pour le plus grand bonheur des fans ébahis ! Grimaces, gestes amicaux, regards insistants accompagnent le gai luron lors de la seconde compo, tout aussi tonitruante, « Hey les amoureux ».
C’est alors qu’il surprend les gens issus de la presse tranquillement assis au sein du fronstage en les invitant sur les planches. Tandis que votre serviteur tente tant bien que mal de monter sur l’estrade, l’artiste s’approche, me prend dans ses bras et me prodigue de doux bisous. Il y a pire comme approche, non ?
Après un « Lâche pas » qui claque comme une baffe, Bruno Caliciuri revient aux fondamentaux en interprétant « C’est quand le bonheur », une compo issue d’un premier LP, « L’amour parfait », gravé en 2003. Mais Cali, c’est maintenant le bonheur et c’est ici aussi, devrais-je lui rappeler ! Une compo qui a vingt piges et pourtant, elle n’a pas pris une ride !
Ce qui devait arriver, arriva. L'homme taillé comme un gringalet se hisse sur le frontstage, prend un élan, et s’abandonne au crowdsurfing pour entamer une danse du diable perché dans les airs. C'est un passage obligé chez lui et ce soir ne fera pas exception à cette règle qui, semble-t-il, est immuable ! Le tout sans perdre de souffle ! Pas mal pour un gars qui a la cinquantaine passée... Heureusement, pour ceux qui l'ont soutenu, le casse-cou doit à peine peser cinquante kilos, tout habillé !
Repoussant ensuite les principes des règles de sécurité, l'artiste dynamise un peu plus le spectacle et devient complètement incontrôlable pendant « Je te souhaite à mon pire ennemi ». Sa réputation de personnage complètement déjanté est largement méritée.
Quoiqu'il en soit, examen réussi avec grande distinction !
Afin de satisfaire les grabataires, il a sorti de ses tiroirs poussiéreux quelques vieux bazars comme « Putain de vie » ou encore « Je m’en vais ». Des titres qui, s’ils ne sont pas les meilleurs, montrent combien le Perpignanais expose et s'expose à travers le prisme de sa vie, ses amours, ses attentes et ses envies.
Livrant tour à tour des musiques simples, mais accrocheuses, il a pris le parti de choisir ses mots avec une grande délicatesse afin de décrire intelligemment et sincèrement les maux de la vie et la difficulté d’aimer aujourd’hui.
Le champ du possible de ce grand Monsieur est illimité. Véritable touche-à-tout, Cali multiplie ses engagements, tant dans l’univers du théâtre, de la poésie, de la littérature et, bien évidemment, de la musique.
Bruno est un être doué d’un charisme exemplaire et un humaniste engagé ! Sans oublier, un homme d’exception !
« 1 000 cœurs debout » sonne le clap de fin. Un moment qui permet au drummer de se lâcher comme jamais et d'extérioriser toute sa technique de frappe. Une page se tourne, mais des pages entières restent à écrire...
Putain, quel moment de grâce !
Dommage toutefois que l’artiste ait mis de côté des titres phares tels que « Je voudrais vivre heureux », « Alec t’es où ? » ou encore « Une séparation » issus de « Cavale ». Un album poignant, le meilleur pour votre serviteur, le plus mature. Un disque où la sincérité de l’homme transpire dans chacune des chansons.
Autre endroit, autre style musical, Ben Harper and the Innocent Criminals.
Le Black est impressionnant. Il est accompagné de cinq musicos, dont deux Blacks tout aussi colossaux qui se chargeront de la basse et des claviers.
D’un calme olympien, dans une quiétude absolue, presque funéraire, il s’avance avec flegme sur le podium. Une chaise en bois est placée à l’avant du podium. Il s’assied, prend son temps et entame une première compo à la steel guitar disposée horizontalement sur un châssis.
Son jeu est précis et souple. Il manifeste une grande dextérité dans les gestes.
L'histoire commence au début de l'année 1992. L’auteur-compositeur Ton Freund fréquentait le magasin d’instruments de musique qui appartenait à ses grands-parents. Ton et Ben commencent à jouer ensemble dès que l'occasion se présente. Jusqu'au jour où on leur propose d'enregistrer une autoproduction. Des chansons qui se figureront sur un premier elpee, tout comme des reprises de Robert Johnson.
Il se révèle aux Transmusicales de Rennes, en 1993. Le 3 décembre pour être précis, lors d’une prestation habitée. Un événement qui va déboucher par la signature d’un contrat chez Virgin. Le premier long playing, « Welcome To The Cruel World », sort dans la foule, dans un style agrégeant blues, folk et rock. Il s’écoule à 300 000 exemplaires. Le suivant, « Fight For Your Mind », presque le double.
Durant sa longue carrière musicale (17 albums studio), Ben s’est essayé dans des tas de styles, du rock alternatif (« The Will To Love ») à la soul (« Burn To Shine », en passant par le funk (« Both Sides Of The Gun »).
Lors du concert de ce samedi, ce monument de la création américaine contemporaine proposera un brassage de tous ces styles, sans toutefois se laisser dévorer par les affres de la fusion à tout-va, à l’instar de son dernier né, « Bloodline Maintenance ».
Un set intelligemment construit laissant une grande latitude aux compos tantôt douces, lorsqu’il se saisit de sa gratte acoustique, tantôt plus punchy, tout au long de ces envolées fiévreuses électriques, conduites par ce corps robuste, ce visage expressif et surtout cette voix grave et suave.
Disposant d’un large espace de liberté, Mister Harper s’efforce au gré des compos d’explorer pleinement les champs lexicaux dont lui seul a le secret.
Naviguant entre l’eau et le feu, le combo propose une musique instinctive et parfaite.
Un concert d’exception !
Enfin, Suzane sera le dernier concert de votre serviteur, pour ce samedi.
Elle est étrangement seule sur les planches. De petite taille, son équipe a installé un plateau sur lequel elle peut se produire (de manière à pouvoir être vue ??).
De son véritable nom Océane Colom, cette Avignonnaise s’est révélée en 2019, sur la scène française, alors qu’elle n’avait toujours pas publié d’album. D’ailleurs, son premier, « Toï Toï », paraît l'année suivante. Elle sera récompensée de la ‘Victoire de la révélation scène’ lors des ‘Victoires de la musique’ 2020. En novembre 2022, elle grave un deuxième opus : « Caméo » ...
Un grand écran a été installé derrière elle. Son nom, en lettres capitales, va y défiler régulièrement, lorsqu’il ne s’agit pas d’images de thématiques des chansons abordées.
Plus récemment, elle a prêté sa voix sur un titre de Grand Corps Malade, lui permettant ainsi d’accroitre sa popularité. Une chanson où le grand bonhomme s'imagine être dans la vie d'une femme pendant 24 heures. Tandis que Suzane se met, elle, dans la peau d'un homme. C’est sur l’écran qu’il slamera, la Vauclusienne lui donnant la réplique.
À travers ses textes, Suzane aborde différents sujets, dont la politique, mais aussi et surtout tout ce qui touche aux dérives de la sexualité humaine (les violences sexistes, le harcèlement sexuel, l’homophobie) et à ses idées reçues (le lesbianisme, le genre) ou encore l'homophobie.
Cependant, elle manque cruellement de conviction. Son set est froid, ennuyeux et sans relief. Sans oublier l’absence totale d’intention, Bref, une prestation pas foncièrement médiocre, mais, en tout cas, soporifique…
Accordons-lui au moins le bénéfice d’une performance placée sous le signe de la danse qui a tenu une place primordiale durant son show. Au moins, elle n’a pas tout perdu.
Une seconde journée qui s’achève donc sur un bilan en demi-teinte, malgré une première partie de journée, plutôt réussie.
Que nous réserve la journée du dimanche, habituellement plus familiale ? Mystère. A demain !
(Organisation LaSemo)
Il y a maintenant quinze années pile-poil que la Parc d'Enghien accueille le LaSemo. Un anniversaire attendu et couronné de succès malgré les différentes crises sanitaires et économiques que la Belgique a traversées.
Record d’affluence semble-t-il, malgré une météo aléatoire en début de semaine, laissant craindre le désastre.
Grâce à son offre culturelle riche, conviviale et bienveillante, le LaSemo se caractérise par sa familiarité et sa proximité.
Entourés par ses espaces verts exceptionnels, ses pièces d'eau, ses jardins et des bâtiments qui couvrent près de 400 ans d'histoire, les festivaliers s’y pressent de plus en plus nombreux.
Rien d’anormal puisqu’à côté d’artistes émergents ou confirmés, ils y trouvent aussi des lieux propices aux débats, de nombreux arts de rue, des espaces dédiés au bien-être, des zones de jeux, un coin pour les enfants, un cabaret, des artisans, une ‘papoterie’, des conférences aussi diverses que variées et bien d’autres animations encore …
Si convivialité et bienveillance sont les maitres-mots, le développement durable n’est pas en reste ! Vous cherchez du neuf ? Rebroussez votre chemin, vous n'y trouverez rien ! Tout est recyclé ! De vieilles bécanes qui permettent de recharger son portable à la force des guibolles, les chaises de mamy dispersées ici et là, afin de poser son popotin, des casquettes fabriquées à l’aide de boîtes en carton, sans oublier les toilettes sèches, évidemment. Inutile de préciser que cette liste est loin d'être exhaustive.
Le soleil est au rendez-vous ! Papy et Mamy accompagnent les têtes blondes qui viennent juste de terminer un nouveau cycle scolaire quelque peu chamboulé cette année et cette réforme qui divise Flamands et Wallons.
Jean-Jean, l’habituel géant givré de service chargé d’introniser avec humour, décadence et légèreté, les artistes, est de la partie. Arborant une petite moustache de type ‘british’, il jongle toujours aussi facilement avec les bons mots. Quel obsédé textuel ce Jean-Jean !
Bref, peu de nouveautés ! Le LaSemo mise une nouvelle fois sur une équipe qui gagne ! Et pourtant, des surprises, il y en avait, puisqu’outre le nouvel emplacement du podium de la ‘Tour’, les food truck ont été dispersés différemment. Bref, un détail, mais qui a son importance, puisque l’espace s’avère plus aéré.
Il est aux environs de 18h30 lorsque votre serviteur arrive enfin sur le site. Direction la guinguette, l’endroit le plus atypique. Sans doute aussi l’emplacement qui se prête le mieux à l’esprit et à la culture de ce festival unique en son genre.
La scène est constituée de palettes de bois. De vieux vinyles ont été cloués sur le pourtour du site, afin de lui donner un aspect cosy.
Le podium bénéficie d’une belle surface ombragée, car il se situe au milieu d'arbres. Et vu la température qui grimpe en flèche, autant dire que les places sont chères.
Les spectateurs se sont installés au centre de l'hémicycle et attendent patiemment l’artiste à venir. Une chope à la main évidemment ! C’est Elia Rose qui grimpe sur les planches.
La petite est issue de la téléréalité. En 2011, elle participe à l'émission ‘The Voice’, guidée par son coach, Natacha St-Pier. Quelques années plus tard, la presse la remarque grâce à son clip coloré et psychédélique « Colors ».
Elia Rose s’est rendue également médiatique suite à sa participation au rassemblement organisé en janvier à Bruxelles pour réclamer la libération de son ami Olivier Vandecasteele, détenu arbitrairement en Iran depuis près d’un an.
C’est donc sans surprise si celui-ci figure parmi les badauds comme guest afin d’assister au concert de sa muse. Mais ‘chuuttt’, il y était en parfait inconnu et ne semblait manifestement pas prêt au jeu des questions/réponses des journalistes présents.
Fleurette est venue défendre les couleurs de son premier elpee intitulé « I love it ». Soutenue par les riffs de guitare de Lorenzo Di Maio et les effluves de claviers dispensés par Cédric Raymond, elle entame son tour de chant par un « I love you so » d’une sensualité à l’épreuve du temps avant d’enchaîner quasi immédiatement par un « Oh my » percutant.
Elia Rose et ses chatons, comme elle aime à le rappeler, délivrent un son à la fois doux et optimiste, savant mélange groovy de funk et de pop.
Sa maman est anglaise. Pas étonnant que son univers soit bercé par la musique anglo-saxonne. Et qu’elle exprime les sentiments et états d’âme qui la transpercent, dans la langue de Shakespeare.
Fraîche, elle cultive ce côté vintage qui fait son charme et sa force. Elle (s’)impose un style tout à fait particulier, à l’instar de ce « Criminal » à la rythmique détonante ou encore cet « I Love You To The Moon And Back », à la limite de l’audace.
La voix un brin timorée contraste avec la générosité dont elle fait preuve à l’égard de son public. Souriante, pétillante et dynamique, elle ne cessera de répandre sa joie et sa bonne humeur parmi les heureux aficionados qui le lui rendent bien.
Il est déjà l’heure de se dire au revoir. « Moon and back » aura la lourde tâche de mettre un terme à un set parsemé de jolies surprises.
Soyez attentifs, Elia Rose est une artiste qui pourrait tout à fait suivre les pas d’une certaine Angèle. Affaire à suivre…
Selah Sue se produit maintenant sur la scène principale.
Flanquée d’un kimono léopard à faire bondir GAIA (NDR : l’association de défense des animaux la plus influente et une des plus connues en Belgique), Sanne Putseys, à l’état civil, s’avance d’un pas décidé sur les planches, se saisit d’une gratte acoustique et pose alors sa voix tout en douceur sur un premier morceau.
Elle est rapidement suivie par son claviériste (Joachim Saerens, son époux et co-compositeur), son bassiste Dries Laheye, ses trois choristes (Sarah Devos, Stefy Rika et Judith Okon), un batteur et un guitariste/claviériste.
Elle se place de manière stratégique sur l’estrade, permettant aussi aux plus curieux d’admirer son ventre plat laissé nu par un ‘crop top’ sensuel.
Elle entame sa carrière dès 2008 en publiant des vidéos de ses performances sur MySpace, avant de devenir rapidement populaire en Belgique grâce à sa participation à des festivals de musique locaux.
En 2010, Selah Sue sort son premier opus –un éponyme !– qui récolte un énorme succès en Europe. Ce qui la propulse sur le devant de la scène internationale. Depuis, elle a publié trois elpees studio et collaboré avec des artistes tels que CeeLo Green ou encore Ronny Jordan.
Ce soir, l’artiste flamande est de retour pour présenter son troisième LP, « Persona » (sept ans après « Reason »), paru l’année dernière.
Une œuvre ‘pansement’ diront certains, la jeune fille ayant traversé des périodes dépressives relativement importantes durant sa vie. La thérapie qu’elle a suivie l’a d’ailleurs inspirée pour l’écriture de ses chansons.
Cette longue absence n’a en tout cas nullement affecté cette voix reconnaissable entre mille. Une voix soul, solide, puissante, profonde, légèrement éraillée et faussement fragile l'instant d'après.
Une voix en tout cas qui respire l’authenticité et l’assurance, à l’instar de ce « Kingdom », aux relents hip-hop. Une ode au bien-être d’une personne qui a retrouvé une confiance absolue en elle.
La jeune femme poursuit son concert intelligemment, mêlant chansons douces et mélancoliques aux compos très énergiques. Pas étonnant puisque son nouvel opus, « Persona », constitue une confession sur ses moments de doute, de bonheur et d’anxiété. Un savant mélange de sentiments en quelque sorte.
Brassant plusieurs titres de son dernier long playing, « All the way down » ou encore « When it alls fall down », c’est sans nul doute dans un registre reggae-ragga-soul qu’elle se distingue le mieux.
Respectant une ligne de conduite blues, soul et groovy, l’artiste n’en oublie pas ses titres incontournables comme « Alone », mais surtout « Raggamuffin », l’hymne qui l’a catapultée en tête des charts.
Proche du public, Selah Sue est parvenue, semble-il, à faire fi des démons du passé, en proposant un show propre, dynamique et tout en relief.
Le temps de s’hydrater et de se remplir la bedaine qu’Odezenne se prépare doucement dans le ‘backstage’, tels des boxeurs avant de monter sur un ring.
Alix Caillet (chant), Jacques Cormary (chant) et Mattia Lucchini (clavier/guitare) sont au taquet. Une batterie trône au milieu de la scène. Stefano Lucchini y siège derrière.
Originaires de Bordeaux, les gars ne font pas dans la fine dentelle. Les textes de certaines de leurs compos sont très susceptibles de heurter les oreilles les plus chastes, les mots frôlant parfois l’indécence…
Une kyrielle de filles en chaleur n’hésitent d’ailleurs pas à se servir de mots les plus salaces afin d’obtenir les faveurs sexuelles des artistes qui sont pourtant loin d’être des Apollons.
A 23 heures pétantes, Caillet et Cormary se positionnent en frontmen. L’un a enfilé un pull couleur saumon qui met en exergue une bedaine arrondie, tandis que l’autre arbore une tenue colorée nettement plus décontractée. Quant à Mattia Lucchini, il se cache derrière de grosses machines, armé d’une guitare électrique prête à en découdre.
Les premières notes de « Au baccara » donnent le ton d’un show survitaminé. Les deux vont et viennent, se croisent, s’adressent du regard au public vraiment très nombreux et ravi de la présence de telles vedettes.
Une mise en bouche convaincante qui va laisser place à un gros « Caprice ». Cette chanson émeut autant qu’elle surprend puisqu’elle a été écrite lorsque Priska, la sœur d’Alix, était atteinte d’un cancer.
Un titre composé dans la foulée de « Hardcore » destiné donc à soutenir la jeune fille et lui donner un maximum de courage. Aujourd’hui décédée, le sens de cette chanson prend donc un sens tout particulier. Inutile de dire que l’émotion est alors à son comble.
Les morceaux sont accessibles, mais sont à prendre au second, voire au troisième degré. En quelques mots, incisifs, marrants, mais jamais méchants
Peut-être que l'universalité des thèmes abordés participe grandement à cette ouverture. Loin d'être moralisateurs, les comparses sont parvenus à toucher, au fil de leur carrière, la frange la plus large de leur auditoire. Il suffit de l’écouter reprendre en chœur chacun de ses titres.
Grâce à des compositions qui font mouche telles que « Nucléaire », « Bitch », « Vodka » ou encore « Salope d’amour », Odezenne sublime un quotidien de Monsieur Toutlemonde. Il aligne des mots d’une simplicité extraordinaire sur fond de spleen joyeux et délicatement déclamé.
C’est sublimement construit, instinctif, faussement foutraque et intensément vivant. Les instrus religieusement aériennes de Mattia viennent apporter de temps à autre cette touche floydienne.
Durant plus d’une heure, les amis d’enfance ont réussi le pari d’allier nonchalance, mots ciselés et beats planants.
Le set touche doucement à sa fin. Quoi de plus naturel que de siroter une « Vodka » ?
Il est plus de minuit lorsque le live s’achève pour de bon. La plupart des badauds quittent le site. Au loin, sur la scène de la ‘Tour’, la musique électronique tente de maintenir éveillé les plus téméraires.
Trop peu pour votre serviteur quinqua qui préfère regagner ses pénates. Les deux jours qui viennent risquent d’être chargés.
(Organisation La Semo)
Le Hellfest fait peau neuve cette année. Le festival a introduit de nouvelles attractions et des changements de disposition qui ont suscité l'enthousiasme des festivaliers. Parmi les nouveautés les plus remarquables figure le ‘Sanctuary’, une imposante structure remplaçant la ‘Valley’ à côté de la cathédrale. Il s’agit d’un temple grec qui s'étend sur 1 500 m² abritant les produits officiels du Hellfest. Cette innovation, même si elle n’a pas éliminé les files, a, au moins, rendu la circulation dans toute la partie centrale du site beaucoup plus fluide.
Un autre changement majeur a été opéré en relocalisant la ‘Valley’ en face de la ‘Warzone’. Les amateurs de cette scène bénéficient désormais d'un espace plein air plus large bordé de deux écrans de chaque côté. Ce qui a aussi permis d’ajouter un bon nombre de stands de nourriture assez variés dans ce nouvel environnement.
Non loin de la ‘Valley’, les festivaliers ont pu découvrir et jouer avec la roue Charon, créée par l'artiste américain Peter Hudson pour le Burning Man en 2011, entourée de nouveaux points d’ombre, toujours dans un style ‘war zone’...
Le deuxième jour du festival et première journée complète, débute à 10h30 et s’achèvera à 2h du matin. Malgré la fatigue qui commence à se faire sentir, l'excitation est rapidement ravivée dès l'entrée en scène de Vended. Originaire de l'Iowa, ce groupe américain implique les fistons de Corey Taylor et Shawn Crahan. Mais, il va démontrer qu'il n’est pas simplement les fils de ! Griffin Taylor livre une performance vocale solide. C’est un véritable frontman en devenir. Et même si la prestation n’est pas parfaite, dans l’ensemble, le band assure. Il est franchement prometteur. Vended a clairement un avenir brillant devant lui.
À la suite du concert de hardcore très énervé dispensé par Nostromo, on va vivre une des premières surprises de la journée : Nothing More. Passionnant, son set est porté par un frontman extrêmement charismatique. Le combo offre aux aficionados et aux curieux une bonne dose de plaisir et d'émotions. Il a, en tout cas, conquis l’auditoire...
Impossible de passer sous silence la prestation décevante du supergroupe Elegant Weapons. Il a malheureusement souffert d'un son désastreux malgré l'expérience de ses membres. Heureusement, les amateurs de frissons et de nostalgie seront comblés par Skid Row. Le quintet du New Jersey a enfin déniché un chanteur à la hauteur et a enchanté la foule en alignant ses plus grands classiques tels que "18 and Life", "Remember Yesterday", "Youth Gone Wild" ou encore "Monkey Business". Un set parfait !
Motionless In White connaît une montée en puissance depuis trois ans. Sa performance est extrêmement solide et le son parfait. De quoi apprécier idéalement les compositions de Chris et de ses acolytes. Papa Roach apporte ensuite une touche de nostalgie en se produisant sur la Mainstage 2. Bien que ses dernières chansons soient très bonnes et intéressantes, le public est venu pour savourer ses anciens classiques, dont "Last Resort" qui clôture le set. Energique, la prestation Jakoby Shaddix est à classer parmi les moments forts pour les festivaliers.
A la nuit tombée, l'explosif Triggerfinger va enflammer la ‘Valley’, alors que Rancid nous invite à voyager dans le temps au cœur de la ‘Warzone’. La soirée s’achève par le concert de Sum 41, qui a marqué sa dernière apparition au Hellfest, car le quintet canadien est en pleine tournée d'adieu. Un excellent moment à partager entre fans de pop punk qui permet aux spectateurs de replonger quelque peu dans leur adolescence.
(Pour les photos, c’est ici)
Le Hellfest a fait peau neuve cette année avec l'introduction de nouvelles attractions et de changements de disposition qui ont suscité à la fois l'enthousiasme des festivaliers. Parmi les nouveautés les plus remarquables se trouve le Sanctuary, une imposante structure remplaçant la Valley à côté de la cathédrale. Il s’agit d’un temple grec qui s'étend sur 1 500 m² abritant les produits officiels du Hellfest. Cet ajout, même s’il n’a pas éliminé les files, a tout du moins rendu la circulation dans toute la partie centrale du site beaucoup plus aisée.
Un autre changement majeur a été opéré avec la relocalisation de la Valley en face de la Warzone. Les amateurs de la scène bénéficient désormais d'un espace plein air plus grand avec deux écrans de chaque côté. Cela a aussi permis d’ajouter un bon nombre de stands de nourriture assez variés dans ce nouvel espace.
Non loin de la Valley, les festivaliers ont pu découvrir et jouer avec la roue Charon, créée par l'artiste américain Peter Hudson pour le Burning Man en 2011 entourée de nouveaux points d’ombre, toujours dans un style « war zone ».
Ce samedi 17 juin, les Main stages du Hellfest étaient une fois de plus au centre de notre attention, malgré la solidité de la programmation de la ‘Warzone’. Les enchaînements entre groupes de rock progressif, de death mélodique et de power promettent une journée pleine de surprises.
Originaire d’Inde, Bloodywood est le premier groupe à se produire. Très engagé, il est responsable d’un metal folk-fusion. Malgré l'heure matinale de sa programmation, il a complètement retourné le public. Impressionnant !
Cap vers la ‘Warzone’ pour assister au concert de Zulu, un groupe afro-américain de hardcore. Bien que sa prestation ne soit guère transcendante, le moment s’avère agréable pour profiter des mosh pits. Heureusement, Zulu a terminé son set dix minutes plus tôt que prévu. Ce qui a permis de ne pas devoir courir pour assister au concert tant attendu de Fever 333, le groupe à ne pas manquer de la journée. Grâce à une performance à la fois tonique et originale, la formation qui milite contre le racisme est parvenu à communiquer efficacement ses messages : en rassemblant tout le monde devant sa musique enivrante.
Trois combos de rock progressif sont à l’affiche, aujourd’hui : Riverside, Puscifer et Porcupine Tree. La prestation de Riverside a été appréciée par la foule. Face à la Main stage, elle semblait avoir passé un bon moment ; mais il n'est pas certain que la setlist du groupe polonais ait été la plus adaptée pour le Hellfest. En revanche, Puscifer a fait l'unanimité en proposant un spectacle dynamique et une superbe scénographie.
Porcupine Tree a débarqué juste après le show explosif d'Arch Enemy, dont les mélodies irrésistibles et la virtuosité de ses solos ont littéralement transporté le public. La formation de Steven Wilson avait pourtant concocté une setlist à la hauteur de l'événement en commençant par "Blackest Eyes". Malheureusement, l'enchaînement des trois morceaux de son nouvel opus a quelque peu endormi le public du fond, qui en a profité pour s’accorder une sieste royale. Pour les fans présents au milieu de la fosse, mêlés aux ceux d'Iron Maiden qui attendaient là depuis le matin, le concert était à la hauteur des attentes et a atteint son apogée lors des 17 minutes de pure émotion libérées par l'incroyable "Anesthetize…
Quelle chance d'assister aux concerts d'Iron Maiden et Carpenter Brut, deux univers très différents qui se sont enchaînés plutôt harmonieusement. Le légendaire Iron Maiden a, comme d'habitude, offert un spectacle sensationnel en mêlant des morceaux de son dernier long playing "Senjutsu" et du sixième, "Somewhere in Time", tout en délaissant certains de ses plus grands hits comme "The Number of the Beast". Un set audacieux qui a apporté un peu de fraicheur au festival, malgré plusieurs passages au Hellfest, au cours des dernières années. Enfin, l’électro-metal de Carpenter Brut a parfaitement conclu la soirée en transformant la fosse en une gigantesque boîte de nuit…
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Le Hellfest a fait peau neuve cette année avec l'introduction de nouvelles attractions et de changements de disposition qui ont suscité à la fois l'enthousiasme des festivaliers. Parmi les nouveautés les plus remarquables se trouve le Sanctuary, une imposante structure remplaçant la Valley à côté de la cathédrale. Il s’agit d’un temple grec qui s'étend sur 1 500 m² abritant les produits officiels du Hellfest. Cet ajout, même s’il n’a pas éliminé les files, a tout du moins rendu la circulation dans toute la partie centrale du site beaucoup plus aisée.
Un autre changement majeur a été opéré avec la relocalisation de la Valley en face de la Warzone. Les amateurs de la scène bénéficient désormais d'un espace plein air plus grand avec deux écrans de chaque côté. Cela a aussi permis d’ajouter un bon nombre de stands de nourriture assez variés dans ce nouvel espace.
Non loin de la Valley, les festivaliers ont pu découvrir et jouer avec la roue Charon, créée par l'artiste américain Peter Hudson pour le Burning Man en 2011 entourée de nouveaux points d’ombre, toujours dans un style ‘war zone’.
Le dernier jour du Hellfest 2023 a débuté sous un ciel gris. Beyond The Styx profite du calme avant la tempête pour réveiller la ‘Warzone’. Et pour cause, son hardcore est percutant. C'est pendant le set du combo lyonnais Resolve que l'orage a éclaté. Malgré les intempéries, les festivaliers ont retourné cette ‘Warzone’, créant un chaos de k-ways et de ponchos dans les mosh pits. Resolve est parvenu à transformer ce moment désagréable en une véritable fête ; et il est fort probable qu’il sera à nouveau programmé au Hellfest, dans le futur. Pour nous, cette journée de dimanche est un peu plus calme. Après s’être séchés et changés, on revient juste à temps pour le concert d'Electric Callboy. On ne souhaitait absolument pas manquer la grande fête promise par ce ‘gruppe’ allemand responsable d’un électro-metalcore aux thèmes déjantés. Le public a répondu présent et a profité de l'occasion pour faire la fiesta et se réchauffer. Rarement une telle ambiance avait été observée pour un combo se produisant en milieu d'après-midi, au Hellfest. Malédiction ! Incubus a annulé quelques heures avant l'heure fatidique. On s’est donc rendus à la ‘Warzone’ pour nous reposer un peu en écoutant The Amity Affliction. Un concert sympathique même si le chant ne nous a pas vraiment emballés...
Survivre à cette journée va devenir de plus en plus difficile. Après quatre jours de festival à se déplacer entre les scènes et à faire la fête pendant les concerts, on commence à être sur les rotules. On puise cependant dans nos réserves pour voir et écouter l'excellent concert du ‘gruppe’ allemand Lord Of The Lost, sous le ‘Temple’. A notre grande surprise, les valeureux grands perdants allemands de la dernière édition de l'Eurovision prouvent qu’ils ont bien leur place au Hellfest. Un set haut en couleurs qui va nous redonner suffisamment d'énergie pour se placer devant la Main stage 2, afin d’accueillir Pantera. Il aurait été vraiment dommage de manquer le passage des pionniers du groove metal. Le line up réunit le leader et chanteur Phil Anselmo, Rex Brown à la basse, Zakk Wylde à la guitare et Charlie Benante à la batterie. Quel concert impressionnant ! Un son puissant, une sélection de morceaux classiques et historiques, des images de Dimebag Darrell et Vinnie Paul diffusées en début de concert, ainsi que pendant l'intro de "Cemetery Gates". On a même un petit pincement au cœur lorsque le morceau s’arrête à la fin de l'arpège d'introduction.
C'était donc la meilleure façon de patienter avant le show de Slipknot, dernier concert du week-end sur les ‘main stages’. Corey Taylor et déchaîné. Le son est ultra lourd, les mosh pits éclatent partout, même face à la Main stage 2 où on s’est installés. Une partie du public retrouve la vitalité de son adolescence et évacue toute la fougue qui lui reste pour retourner la Main stage et clôturer cette superbe édition du Elfes 2023 qui s’achève par un feu d'artifice annonçant l'édition 2024, prévue une semaine plus tard que d'habitude. Un événement particulier est-il prévu pour l’occasion ? Affaire à suivre…
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Le Hellfest fait peau neuve cette année. Le festival a introduit de nouvelles attractions et des changements de disposition qui ont suscité l'enthousiasme des festivaliers. Parmi les nouveautés les plus remarquables figure le ‘Sanctuary’, une imposante structure remplaçant la ‘Valley’ à côté de la cathédrale. Il s’agit d’un temple grec qui s'étend sur 1 500 m² abritant les produits officiels du Hellfest. Cette innovation, même si elle n’a pas éliminé les files, a, au moins, rendu la circulation dans toute la partie centrale du site beaucoup plus fluide.
Un autre changement majeur a été opéré en relocalisant la ‘Valley’ en face de la ‘Warzone’. Les amateurs de cette scène bénéficient désormais d'un espace plein air plus large bordé de deux écrans de chaque côté. Ce qui a aussi permis d’ajouter un bon nombre de stands de nourriture assez variés dans ce nouvel environnement.
Non loin de la ‘Valley’, les festivaliers ont pu découvrir et jouer avec la roue Charon, créée par l'artiste américain Peter Hudson pour le Burning Man en 2011, entourée de nouveaux points d’ombre, toujours dans un style ‘war zone’...
Cette édition 2023 du Hellfest débute en fanfare, ce jeudi 15 juin, par une première journée chargée en performances mémorables. C'est le groupe français Hypno5e qui ouvre le bal en proposant, dans son style unique, du metal cinématographique. Atmosphérique et puissante, sa musique captive immédiatement le public, créant une ambiance envoûtante pour bien commencer le week-end.
Vainqueur du tremplin Hellfest, Kamizol-K, prend ensuite le relais. Son énergie est contagieuse et sa musique percutante. On comprend mieux pourquoi, il mérite de figurer sur cette prestigieuse affiche.
Le metalcore est à l'honneur grâce à la performance explosive de I Prevail, premier groupe de ce genre à fouler les planches du festival cette année. Le son puissant et lourd secoue la foule. La formation a même offert quelques reprises bien placées comme le « Chop Suey » de System of a Down.
Le grand écart musical s'est ensuite produit lors du set de Generation Sex, le projet de Billy Idol, sur la ‘main stage’. Les fans de punk de l'époque sont ravis de (re)voir cette icône qui apporte une dose d'énergie et un brin de nostalgie. Enchaînant sur cette lancée, In Flames propose une prestation sans fioritures, oscillant entre death mélodique et metalcore. Sa performance aurait peut-être pu être plus intense au sein d’une ambiance nocturne ; ce qui n'a pas empêché le groupe de délivrer un superbe spectacle.
Architects a ensuite ouvert pour les géants du Hard Rock, Kiss. Sa setlist recèle de nombreux morceaux issus de son dernier elpee. Conçue pour les festivals estivaux et clairement taillée pour le live, elle fait mouche, suscitant une réaction très enthousiaste du public. Ce moment constitue indéniablement l'un des points forts de cette première journée du Hellfest 2023.
Enfin, il est temps pour Kiss de grimper sur les planches pour dire adieu à son public. Le spectacle à l'américaine, théâtral et spectaculaire, est un sans-faute. Il conclut ainsi sa carrière historique de manière grandiose, laissant le public émerveillé par cette performance à son image.
Pour clore cette première journée en beauté, Parkway Drive va mettre le feu sur scène. Vêtu de son gilet pare-balles à l'effigie de son dernier opus, "Darker Still", Winston McCall est infatigable. L'énergie débordante du groupe parvient à embraser le public, alors qu’il est 1h du mat’, prouvant une fois de plus pourquoi le Hellfest est une expérience unique. Les morceaux puissants, comme « Dedicated » et mélodiques tel que « Vice Grip » retentissent dans les vignes de Clisson, mais le band a également permis de vivre des moments d'émotion, lorsque trois violonistes ont débarqué pour les accompagner sur des ballades.
Cette première journée du Hellfest 2023 a été un véritable succès, réservant des performances exceptionnelles qui ont captivé le public. Les différents styles musicaux se sont succédé pour offrir une expérience inoubliable. Le festival promet encore de belles surprises pour les jours à venir, et les fans sont impatients de découvrir ce que la suite leur réserve.
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A Cologne, l’Amphi festival connaîtra sa 17ème édition ces 29 et 30 juillet 2023. Mais en marge, l’orga teutonne affrète le navire MS Rheinergie à 2 reprises, ce samedi 20 mai et le 14 octobre lors d’un mini-festival, sous forme de croisière sur le Rhin. Compte-rendu de cette expérience plutôt originale, qui s’est déroulée une après-midi ensoleillée de mai.
Et il s’agissait d’arriver à l’heure, car les retardataires ne pouvaient plus embarquer à un autre endroit. A 12h pile (NDLR : ah, cette rigueur allemande), le navire quitte en effet les rives du Rhin, à hauteur du Landebrücke 1 de Cologne. La foule (c’est quasi sold out, alors que l’édition d’octobre l’est déjà) s’agglutine sur le desk du 3ème étage, afin de profiter d’une vue panoramique lors de cette croisière qui nous mènera jusque Königswinter, au sud, avant d’opérer un demi-tour.
A peine le temps de déguster une Kölsch que Wisborg brûle les planches de la proue. Il faut dire que le trio se produit fréquemment à Cologne, comme en juillet 2022, lors du précédent Amphi ou en février dernier au club Volta. Il a accru sa popularité en assurant la première partie de Lords of the Lost, lui-même propulsé vers le haut des affiches (comme au prochain Amphi de juillet ou à la prochaine croisière d’octobre) depuis sa participation à l’Eurovision, il y a quelques semaines ; et ce malgré sa place finale de bon dernier (NDR : n’est pas Lordi qui veut).
Mais revenons-en à Wisborg, donc. Se distinguant par un batteur aux allures de Viking, planté en arrière-plan, et un duo constitué d’un guitariste/chanteur et d’un guitariste/claviériste aux looks proches de Brian Moko, mais en plus jeunes et plus chevelus, sa musique oscille entre Gothic-rock (plutôt agréable) et malheureusement un métal destiné également à… l’Eurovision. Quand le band ne se complaît pas dans des mélodies plus paisibles, sur les thèmes de l’amour et la morosité, qui donnent envie de larguer les amarres. L’enthousiasme manifesté par son public déjà conquis, le cadre de la scène, le son et le light show plutôt de bonne facture, et la présence de balcons où il fait bon flâner, incitent votre serviteur à assister à l’intégralité du show. Un set, qui dans ses meilleurs moments, lorgne vers Fields of The Nephilim voire Nosferatu.
L’efficacité allemande est de nouveau au rendez-vous, puisque le laps de temps d’attente entre deux formations est plutôt bref (une bonne demi-heure). Les musicos de Die Krupps déboulent sur les planches tels des pirates s’emparant de notre navire. Il faut dire que le band allemand compte plus de 40 ans d’existence et reste une référence en matière de métal indus. Et ce sont les deux des membres fondateurs, toujours au poste, qui vont donner le tempo. Aux claviers tout d’abord, Ralf Dörper (NDR : connu pour avoir également fondé Propaganda) démarre en trombe en imprimant un rythme effréné à « Ein Blick zurück im Zorn » (NDR : qui ouvre aussi l’excellent elpee, « The machinist of joy », sorti il y a tout juste 10 ans). L’autre membre originel, le chanteur Jürgen Engler, malgré ses 62 balais, continue à bondir sur scène tout en fixant le public dans les yeux. A la guitare, Nils Finkeisen balance ses riffs. Mais l’absence de son acolyte et aîné Marcel Zürcher comme ‘lead guitarist’ est palpable (NDR : il avait déjà déclaré forfait, en août dernier, lors du concert programmé au Casino de Sint-Niklaas pour cause de Covid). Qu’importe finalement, puisque les tubes s’enchainent : « The dawing of doom» (NDR : qui rappelle que Rammstein s’est bien inspiré de ses prédécesseurs), « Schmutzfabrik ». Et en parlant de tubes ou d’industriel, au centre du podium, cette structure de percussions forgée de cylindres métalliques qui semblent tout droit sortis d’une usine désaffectée après avoir été recyclés, est toujours bien présente. Jurgen vient régulièrement les cogner. Comme sur « Der Amboss » et « The Machinist of joy ». Autre temps fort, « Robosapien », repris en chœur par la foule ou le single « To the hilt » (NDR : rappelant son clip vidéo qui avait relancé la carrière du groupe début des 90’s). Une communion de plus d’1h30 entre un public et une formation qui malgré plus de 40 ans de parcours, semble continuer à prendre du plaisir en ‘live’ …
Vers 19h, un souci familial pousse votre serviteur à quitter le navire (au propre comme au figuré), à hauteur de Königswinter. Il ne lui sera donc pas possible d’assister aux prestations de Schattemann ni d’Eisbrecher pourtant très attendues. Mais une session de rattrapage sera toujours possible car ils figurent régulièrement comme têtes d’affiche lors des éditions de l’Amphi…
Wisborg + Die Krupps + Schattenman + Eisbrecher
(Organisation : Amphi festival, Cologne)
Les Nuits Botanique se déclinent, ce soir, en mode Grand Salon pour accueillir Dans San, après six longues années d’absence. Son nouvel elpee, singulièrement baptisé « Grand Salon », privilégie l’instrumentation acoustique. Il fait suite à « Shelter », paru en 2016. Et ce concert constitue, en quelque sorte, la ‘release party’ du band liégeois.
Coline Rio assure le supporting act. Après avoir sévi comme chanteuse, au sein de la formation nantaise Inüit, elle a décidé de se lancer en solitaire. Elle a assuré la première partie de Matthieu Chédid, lors de sa tournée des Zénith. Et vient de publier son premier LP, « Ce Qui Restera De Nous »,
L’artiste débute le set par « Elle Laisse », en s’accompagnant au piano, une compo qui nous pousse doucement et délicatement Coline vers la lumière et son univers poétique. Diaphane et puissante, sa voix évoque parfois Björk ou Liz Fraser (Cocteau Twins),
Des rampes de leds blanches inondent la scène. Deux stores ‘Luxaflex’ s’ouvrent et se ferment, laissant au gré de la machinerie, les flux de lumières filtrer.
Elle signale qu’elle aime la Belgique et surtout son public chaleureux. Dans ses chansons, il y a des questionnements intérieurs et des conflits intimes, des caresses fiévreuses et des sincérités attachantes. Elle les définit comme un dialogue avec le public, une confidence autour des sujets qui la touchent : la nature, l'amour, l'humain, les peurs et les doutes…
Petite ballade sensorielle, « La Rivière » épouse le mouvement de l’eau en côtoyant des chants d’elfes. La nature est la seule chose qui nous habite et nous soigne (‘Allongée dans la rivière quand mon cœur se fait verre. J’y respire’). « Ton Nom » est celui de l’être aimé dont on attend un signe et un retour d’amour. A travers « Disparaître », elle transforme son angoisse de la mort en des vertus positives. « Ma mère » c’est sa complice et un repère dans un reflet du miroir. « Se Dire Au revoir » dissimule plusieurs secrets au cœur d’un sujet houleux, celui d’une rupture amoureuse. Sous un format davantage électro, « Regarder Danser » nous invite à observer le mouvement de la vie, la nôtre, à s’abandonner devant la fusion d’un corps et son ombre entrelacés, deux éléments intimement liés. Et son concert de s’achever par « On m’a dit ».
Setlist : « Elle Laisse », « La Rivière », « Ton Nom », « Disparaitre », « Ma Mère », « Se Dire Aurevoir », « Regarder Danser », « On m’a dit ».
Le line up de Dan San est inchangé et réunit toujours Jérôme Magnée : (chant, guitare, claviers), Thomas Medard (chant, guitare, claviers), Maxime Lhuissier (chant, basse), Leticia Collet (chant, piano, claviers), Damien Chierici (violon, claviers) et Olivier Cox (drums).
« Eventually » entame le concert, tout en douceur. Chaque instrument prend son envol et se superpose judicieusement. Instrumental, « Awake » frôle l’univers du Floyd.
La voix de Thomas est addictive et très aérienne. On se laisse bercer par les mélodies des morceaux en fermant les yeux.
De doux accents électroniques raffinent cette pop soignée, aux allures anglo-saxonnes et très susceptibles de nous envoûter, à l’instar de « The Unknown » et « Dear Friend ». Elle devient même gracieuse et élégante sur « Grand Salon » et « No One In The House ». Le hit « Question Marks » n’est, bien sûr, pas oublié, mais surtout, il met tout le monde d’accord.
Tout au long du set, on savoure ces harmonies vocales qui enveloppent le mélomane dans un véritable cocon douillet où on se blottit sans peine. Le voyage peut commencer, nous entraînant au cœur d’une nature romanesque, tantôt terrestre, souvent marine, d’où s’évapore une multitude de sentiments délicats qui semblent s’adresser directement à l’âme.
Jérôme décrète la division de l’auditoire en deux parties, invitant l’une à chanter alternativement avec l’autre. Lorsque les ivoires de Letia deviennent atmosphériques, on se met à rêver d’un monde rempli de tendresse et de musique. Au bout d’une heure, le spectacle s’achève par le très ‘beatlesnesque’ « Hard Days Are Gone », avant que Dan San ne revienne sur les planches pour accorder en rappel, « 1994 ». Mais quelle soirée lumineuse !
Setlist : « Eventually », « Awake », « Lose My Mind », « The Unknow », « Dear Friend », « No One In The House », « Dream », « Midnight Call », Worried », « Nautilus II », « Question Marks », Hard Days Are Gone ».
Rappel : « 1994 ».
Dan San + Coline Rio
(Organisation : Le Botanique)
La seconde journée du Roots & Roses a donc lieu donc le 1er mai, alors que dans un passé récent encore, elle se déroulait uniquement ce jour férié. Le temps est couvert mais suivant les prévisions météorologiques, on n’annonce pas de pluie. Peut-être quelques gouttes… on verra. A Lessines, c’est la fête du Travail mais aussi celle du blues, du rock garage et de l’americana ; soit tout ce qui correspond à ce festival. Hier, on a quand même constaté que le public était un peu à l’étroit sous cet unique chapiteau, pour les têtes d’affiche.
A 11heures pile, The Cleopatras ouvre le bal. Un quatuor italien qui réunit quatre jolies gonzesses, dont la chanteuse Vanessa, la drummeuse Camilla, la bassiste Alice et la guitariste Marla. Son premier elpee, « Bikini girl », est paru l’an dernier. Hormis « Amoureux solitaires » de Lio, chantée en français, les compos sont interprétées dans la langue de Shakespeare ou de Verdi et la plupart sont puisées dans ce long playing. Manquait plus qu’un « Banana Split » ! Le combo va nous réserver, quand même, deux plages extraites de l’Ep « Onigiri Head », « Apple Pie » et « Rock’n’ Roll Robot ». Son garage-rock-punk-surf bourré d’autodérision tranche par rapport au milieu résolument sérieux et … masculin. Belle entrée en matière !
Neptunian Maximalism est censé nous éveiller les chakras. Fondé en 2018, ce groupe propose un musique cosmique et expérimentale ouverte au free, psyché, doom et drone. Hormis le guitariste Guillaume Cazalet (parfois préposé à la cithare, mais pas lors de ce concert) et le saxophoniste Jean-Jacques Duerinckx, le line up du combo est à géométrie variable. Ainsi, en général, il implique deux drummers. Pour la circonstance, il n’y aura qu’un percussionniste. Musicalement, on a l’impression d’être plongé dans une ambiance indienne propice à la méditation. Pas trop la tasse de thé de votre serviteur, mais des goûts et des couleurs…
Place ensuite à Psychonaut, un trio malinois actif depuis 2011. Il réunit le chanteur/bassiste Thomas Michiels, le chanteur/guitariste Stefan de Graef et le drummer Peters (depuis 2020). Teinté de sludge, son post metal psychédélique s’inspire de groupes issus des 70’s, tels que Led Zeppelin et Pink Floyd, mais également contemporains comme Tool et Amenra. La formation partage la même vision que Graveyard et Kadavar, qui se produiront sur la même scène, plus tard dans la journée. Paru en 2018, son album « Unfold The God Man » est une œuvre essentielle dans sa carrière. Conceptuelle et complexe, elle aborde des thèmes philosophiques et existentiels. Depuis, elle a publié un second opus, « Violate Consensus Reality », en 2022. Si le premier morceau du set est instrumental, les suivants sont chantés par l’une ou l’autre voix screamée. La prestation est assez captivante. Et atteint son apogée sur « All I Saw as a Huge Monkey », « Interbeing » et « The Fall Of Consciousness », issus de cet opus génial qu’est « Unfold the God Man ». Rien à ajouter. Parfait !!
Lee Bains & The Glory Fires nous vient tout droit des States. Formé en 2011 à Birmingham (Alabama), ce trio pratique un rock alternatif, original et sudiste qui véhicule un message à la fois politique et écologique. On est d’ailleurs loin ici des clichés du genre trop souvent ressassés. Le trio implique le frontman, Lee Bains (guitare/chant), Blake Williamson (drums) et enfin Adam Williamson (basse).
Le concert débute par « Sweet Disorder ! », un morceau issu du troisième album, « Youth Detention » (2017). De loin, l’un des meilleurs du band. La musique de Lee Bains est alternative, puissante et contemporaine. Elle communique de bonnes sensations. Nerveuse, granuleuse, elle nous plonge au sein d’une bonne vieille musique country, débordante d'un esprit rock and roll certain, tout en soignant l’aspect mélodique. Extrait de « Old Time Folks », le dernier elpee du groupe, « Lizard People » est littéralement à croquer. Un excellent set, mais trop court. Mériterait de figurer parmi les têtes d’affiche, dans le futur.
The Devil's Barkers est un autre duo guitare/batterie que votre serviteur adore. Et pour cause, il implique le guitariste Fred Lani (Fred & The Healers, Superslinger, X-Three, etc.) et Giacomo Panarisi (Romano Nervoso, Giac Taylor, Hulk), pour la circonstance, préposé aux fûts. A Lessines, ils sont presque à la maison. Le nouveau single de la paire, « The Carpenter », est une véritable tuerie. Et « The Punisher » est de la même trempe. A contrario, le plus paisible « Wise Man » est idéal pour entraîner votre partenaire sur le dancefloor. Une belle claque ! En espérant un album, pour bientôt…
Originaire du Sierra Leone, mais établi à Bruxelles, Bai Kamara Jr. est devenu Belge d’adoption, d’où il mène depuis plus de vingt ans une carrière internationale. Il met sa voix chaude et puissante au service d’une musique métissée de blues, de soul, de funk et de jazz ». Il est soutenu par The Voodoo Sniffers. Soit les guitaristes Tom Beardslee (Red Red) et Julien Tassin ainsi que le drummer Patrick Dorcean et le bassiste Jonathan Dembélé.
Depuis la sortie de l’elpee « Salone », en 2020, Bai Kamara Jr. est revenu à un son plus inspiré par le blues noir des origines africaines. En mars dernier, il a publié « Traveling Medicine Man » un LP dont il va nous présenter de larges extraits. « Troubles » et « Cold Cold Love » (« Salone ») se révèlent à la fois hybrides, onctueux et bluesy. « Miranda Blues » campe un blues du désert. « I Don't Roll With Snakes » serpente entre le boogie blues et les musiques traditionnelles issues de l’Afrique de l’Ouest. Enfin, « Fortune » qui clôt le concert, s’enfonce profondément dans le bayou.
Ada Oda est une nouvelle formation issue de la scène bruxelloise. Son rock binaire et uptempo synthétise l’aplomb post-punk des eighties et les grandes envolées mélodiques propres à la variété italienne. Le projet a été initié en 2020, durant le premier confinement, par le guitariste/pianiste/vocaliste César Laloux (The Tellers, BRNS, Mortalcombat, Italian Boyfriend) et la chanteuse Victoria Barracato, qui n’est autre que la fille de Frédéric François. César décrit ses impressions sur l’amour et les gens qui l'entourent. Ses textes sont d’abord traduits en italien et ensuite adaptés par Victoria, fille d’immigré sicilien. Le duo est épaulé par le bassiste Marc Pirard (Italian Boyfriend), le batteur Alex De Bueger (Alaska Gold Rush, Gros Cœur) et le guitariste Aurélien Gainetdinoff (San Malo, Yolande Bashing). Un elpee à son actif : « Un Amore Debole », paru l’an dernier. La musique est rafraîchissante, punk, parfois garage (« Nienta Da Offrire ») et énergique, mais un peu bercée par la ‘dolce vita’ …
Fantastic Cat réunit 4 singer/songwriters américains. Ce sera une des découvertes de l’édition 2023 du Roots & Roses. Electrique, son folk exhale des effluves 60’s et 70’s. Ce quatuor implique Don DiLego, Mike Montali, Anthony D'Amato et Brian Dunne. Collectivement, cependant, les quatre transcendent leurs racines respectives et émergent comme une harmonie d'échange d'instruments qui fusionne le rock and roll et le folk.
Le set d’ouvre par le skud « C'Mon Armageddon. Une entrée en matière particulièrement éblouissante qui sert de tremplin à des morceaux comme « Wild & Free » et « The Gig ». En fait, le combo va dispenser une forme de ‘best of’ de son répertoire, dont la plupart des plages figurent sur la compile sortie en 2022, « The Very Best Of Fantastic Cat » ...
A l’instar de Deuxluxes, les Courettes est un couple uni à la ville comme sur la scène. Un duo brésilo-danois formé de Flavia (guitare/chant) et Martin Couri (batterie) qui éclabousse depuis quelques années déjà la scène néo garage européenne.
Les groupes qui proposent un rock/garage revivaliste sont légion. Mais les Courettes se situent franchement au-dessus du lot. Leur musique est inventive, fraîche et inspirée. Comme les Deuxluxes ils ont fait trembler le chapiteau.
Band instrumental, le Delvon Lamarr Organ Trio est issu de Seattle et pratique une forme de soul/funk à forte coloration sixties et seventies, dans l’esprit de Booker T & The MG’s. Baignant dans l’orgue Hammond, l’expression sonore libère pas mal de groove, mais votre serviteur décide alors de prendre une pause pour d’aller se restaurer…
Originaire de Berlin, Kadavar est né en 2010. Le line up implique le guitariste/chanteur Christoph ‘Lupus’ Lindemann, le batteur Christoph ‘Tiger’ Bartelt et le bassiste Simon ‘Dragon’ Bouteloup. Il reconnaît pour influences majeures The Doors et Hawkwind, mais surtout Black Sabbath et Led Zeppelin. Rétro, son stoner rock est teinté de psychédélisme, de blues et de doom.
« All Your Thoughts » ouvre les hostilités. La formation n’en n’oublie pas « Die Baby Die » et « Doomsday Machine », deux titres-phare de son répertoire.
La prestation terminée, votre serviteur vide les lieux. Il reste Pokey LaFarge, mais il a déjà eu l’opportunité de l’applaudir à deux reprises, au même endroit. Et puis, comme d’habitude, il s’est concentré sur les découvertes en débarquant dès l’ouverture du festival. La fatigue commençant à se faire de plus en plus sentir, il préfère rejoindre ses pénates.
(Organisation : Centre Culturel René Magritte, Lessines)
Lors de l’édition 2019, le Roots & Roses avait atteint son pic de fréquentation. En 2021, le festival avait été annulé, corona oblige, mais une édition estivale limitée avait été organisée au mois de juillet. En 2022, alors que les contraintes du confinement commençaient à s’assouplir, l’événement a pu se dérouler plus ou moins normalement, et sur deux jours ; cependant, il a dû faire face à l’annulation de plusieurs groupes et/ou artistes américains.
Malheureusement, cette année, les intempéries n’ont pas permis de planter les deux chapiteaux. Il n’y en aura qu’un seul, mais de 60 mètres de long, alors qu’au départ il était prévu d’en ériger un de 90 mètres. Aussi, en soirée, lorsque les têtes d’affiches se sont produites, il était difficile d’y pénétrer ; et bon nombre de spectateurs ont dû assister aux spectacles de l’extérieur. Le timing sera scrupuleusement respecté, en ne laissant que 5 minutes de battement entre chaque prestation qui se dérouleront alternativement d’un côté ou de l’autre de la tente.
Il revient à A Murder In Mississippi d’ouvrir les hostilités. Une formation gantoise qui pratique de la musique roots. Deux albums à son actif. Un éponyme paru en 2018 et « Hurricana », en 2021. Dans un style qui mêle americana, country, folk, blues et musique traditionnelle irlandaise, le band tisse des mélodies entraînantes sur de douces harmonies vocales soutenues par le violon, le violoncelle, la contrebasse et le banjo. Tout au long de « Blue Lake » les chanteuses tirent parfaitement leur épingle du jeu mais en trahissant une passion pour Dolly Parton et Emmylou Harris. Les interventions d’Alexandra Van Wesemael au violon sont à la fois empreintes de délicatesse et de mélancolie. Et celles du banjo sur « Forever and A Day » nous entraînent dans les grandes plaines du Far West sur des chevaux lancés à toute allure. Tout comme « River Whispers » alors que « Wrong Side Of The Road » incite à la danse country. Une belle mise en bouche !
C’est au tout de Purrses de grimper sur le podium ‘Roses’, après un soundcheck réalisé en un temps record. Si l’expression sonore de la formation bruxelloise évolue au croisement de l’énergie du rock, du groove, de la soul et du punk, la singularité du band émane de l’alternance des trois voix féminines, qui apportent sensualité et tranchant aux compos. Votre serviteur ne voit qu’une chanteuse, en l’occurrence Laura Ruggiero, la frontwoman d’origine française. Où se cachent les autres ? Le reste du line up réunit Simon François aux claviers et une section rythmique constituée de Max Poelman et Lucas Roger. Les compos ne manquent pas de charme et tout particulièrement « Wrong Tide » ainsi qu’une version réarrangée de « My Girl ». Le combo n’en n’oublie pas son single, « So Cool » ni ses incontournables « Ride The Dragon » et « Rolling Like This » …
Place ensuite à Howlin’ Jaws, un trio parisien fondé il y a une douzaine d’années. Son premier elpee, « Strange Effect », est paru en 2021. Les musicos affichent un look rockhab’ 50’s et proposent une musique vintage qui mêle pop anglaise des 60’s, garage rock caustique made in USA, rock’n’roll, blues et bien sûr, rockabilly. La formation est taillée pour le Roots & Roses. The Kinks et Status Quo constituent ses influences majeures. Elle entame d’ailleurs son set par le « Down Down » de la bande à Francis Rossi et feu Alan Lancaster, un énorme tube décroché en 1977.
Le guitariste est impressionnant, le chanteur/bassiste/contrebassiste charismatique, virevoltant, et le drummer dynamique. L’expression sonore est à la fois furieusement actuelle, pétillante et plein de vie. A revoir, dès que l’occasion se présentera…
Dans l’esprit de Blood Red Shoes et surtout des White Stripes, The Glüks est un duo ostendais qui réunit la chanteuse/drummeuse Tina Ghillebert (batterie et chant) et le guitariste Alek Pigor. A son actif, trois albums : « Barefoot Sessions » (2014), « Youth On Stuff » (2016) et « Run Amok » (2018), que votre serviteur recommande chaudement. On y retrouve une même énergie rock, noise et garage que chez les deux tandems précités. La formation a bien évolué ces derniers temps, arrivant à canaliser son énergie débridée, tout en laissant intactes rage et puissance et de plus en plus d’espace à la voix de l’excellente Tina Ghillebert. The Glücks incarne l’esprit de la nouvelle scène garage du nord de la Belgique. Ses influences oscillent de Robert Johnson aux Cramps en passant par les Sonics, Jon Spencer, les Black Keys ou encore Mudhoney, The Stooges et Thee Oh Sees. Une touche 60’s, un zeste de folie et l’énergie que seuls les duos batterie/guitare et chant peuvent nous procurer. Sur les planches ça claque et ça dépote…
Entre chaque concert, on peut assister à un combat de catch. De véritables acrobates aux looks de zombies !
Jérémy Alonzi, c’est un des guitaristes de The Experimental Tropic Blues Band. Il a choisi le pseudo Kamikaze pour se produire en solitaire, à la manière d’un Rémy Bricka. Enfin pas vraiment, puisqu’il se sert d’un synthé, de machines, d’une grosse caisse qu’il martyrise du pied et d’un micro, qu’il mange littéralement. Il a enfilé un marcel de couleur jaune vif. C’est un habitué du festival. Si en général il pousse le blues expérimental dans ses derniers retranchements, ici, il l’assaisonne de techno ou carrément de sonorités pour bal musette. Sa folie scénique met une ambiance folle dans le public. Sa créativité débordante est poussée à l’extrême. « Johnny, Go, Go » est revisité et « Dancing In The Storm » vire au délire. On a même droit à une cover des Doors. Bref, un show Kamikaze atypique et génial à la fois !
Chuck Prophet a rejoint, à la mi-eighties, le cultissime Green On Red de Dan Stuart, formation néo-psychédélique et incontournable du mouvement Paisley Underground. Sur les planches, il est désormais épaulé par Mission Express, groupe en compagnie duquel il livre un folk rock americana de bien belle facture. Chuck, qui a surmonté un cancer, n’a pu accorder qu'une poignée de spectacles en 2022. Aujourd’hui, il n’est soutenu que par la moitié de son quatuor. Soit Stéphanie Finch (claviers, vocaux, accordéon) et Vincente Rodriguez (batterie minimaliste) à la batterie minimaliste. De ce concert, on épinglera le magnifique « Run Primo Run », l’original « You Did (Bomp Shooby Dooby Bomp) », un « Marathon » au cours duquel Stéphanie assure à l’accordéon et aux ivoires, le « Always » de Chet Atkins ainsi que le Tex Mex « Queen Bee » …
Le set de la famille Durham était très attendu. Kitty Daisy & Lewis sont multi-instrumentistes et changent régulièrement d’instrument (guitare, piano, basse, batterie, harmonica, banjo, ukulélé, xylophone, accordéon, etc.) Le trio britannique bénéficie du concours d’un bassiste et d’un claviériste.
Le « Ooo Wee » de Louis Jordan (NDR : certains médias le considère comme le grand-père du rock’n’roll) & His Tympany Five remonte à 1954. La version proposée par K, D & L est délicatement rhythm’n’blues. Les compos puisent aussi bien dans le blues, la soul, le reggae, la pop, le garage, le folk, le ska, le rockabilly, la country que le rock'n’roll et la liste est loin d‘être exhaustive. Kitty, Daisy et Lewis explorent et mélangent les genres à la perfection !
La formation n’a pas publié de nouvel album depuis « Superscope », en 2017, un LP aux fortes réminiscences sixties. Lors de ce show, elle va puiser dans ses cinq elpees, mais aussi accorder quelques jolies reprises.
L’instrumental « Paan Boogie Man » ouvre le bal. Lewis enflamme carrément l’auditoire tout au long de l’acoustique « Developer's Disease » et de « Say You'll Be Mine ». Caractérisé par ses contretemps bien marqués, « Tommorow » trempe dans le ska. On se met alors à rêver de Kingston. Le trio n’en n’oublie pas ses standards, « It Ain't Your Business », « Good Looking Woman » et « Baby Bye Bye ». Et c’est l’inévitable cover du « Going Up The Country » de Canned Heat qui achève un spectacle parfait en tous points…
Première apparition des Deuxluxes au R&R, un duo québécois composé de la guitariste Anna Francesca Meyer et du multi-instrumentiste et Étienne Barry. Ils se consacrent également tous les deux aux vocaux. La batterie que Barry actionne à l’aide de ses pieds est vraiment minimaliste (NDR : c’est à la mode !) Fantastique, Anna a un charisme fou. La paire pratique un garage/rock puissant, teinté de psychédélisme, mais aussi d’humour. Points d’orgue du show, « Springtime Devil » et « My Baby & Me » ont littéralement retourné l’auditoire…
Chez Boogie Beasts, l’harmoniciste ‘Lord Benardo' (Fabian Benardo) est la figure de proue. Ce n’est pas la première fois qu’il débarque sur le site (Goon Mat & Lord Benardo, Left Lane Cruiser et Italian Job). Il est flanqué de Jan Jaspers, Patrick Louis et Gert Servaes. Boogie Beasts est considéré comme un des meilleurs blues bands belges, voire européens. Frénétique et contemporain, son style tient autant du punk que du boogie. Intitulé « Blues From Jupiter », son dernier long playing est paru en en 2022. Patrick Louis et Jan Jaspers se partagent tour à tour le chant. « How », « Mad », « You Don't Love Me » et « Bring It On » sont devenus des hymnes pour les aficionados du combo qui, concentrés aux premiers rangs, les reprennent en chœur, comme la plupart des morceaux d’ailleurs…
La musique du prodige étasunien Ron Gallo mêle subtilement fuzz, rock psyché et post-punk. Un poil vintage, bien coloré, le tout lorgne résolument vers les années 70. Après avoir drivé Toy Soldiers, Ron a commencé sa carrière solo, en 2014. Le Philadelphien est venu défendre son dernier LP, « Foreground Music », paru en mars dernier. « Please Yourself » (« Heavy Meta », 2017) entame le set, une compo spasmodique, très vintage qui nous replonge dans les seventies. Ron est armé d’une Fender Jaguar d’un rouge rutilant. Il faut reconnaître qu’avec ses sapes rétros, ses lunettes noires, ses paroles sèches et poétiques et sa chevelure afro, le gaillard a la gueule de l’emploi. Il est épaulé par le bassiste Joe Bisirri et le drummer Dylan Sevey. Ron Gallo égrène de petits bijoux rock, garage et punk pur jus US.
Le set s’ouvre par « Please Yourself » (« Heavy Meta », 2017). Parfois, on a l’impression de voir Tyl Segall en action. Le trio embraie par le single, « Entitled Man ». Gallo commence à incarner l'attitude de la nouvelle scène indie rock à Nashville. Pour ceux qui n'ont jamais assisté à un concert de Ron Gallo, il est important de rappeler qu'il est calme, doux et apaisant... jusqu'à ce qu'il ne le soit plus. Ses plaisanteries ponctuent le feu qui brûle dans les interprétations de son répertoire, sur les planches. Les spectacles de Gallo sont marqués par sa capacité à passer d'un chuchotement tranquille à une fièvre furieuse à la guitare en moins de 10 secondes. La foule s'est nourrie de l'énergie maniaque de Gallo et de son groupe. Un instant, la foule écoutait vaguement un gémissement de guitare imprégné de réverbération, l'instant d'après, elle sautait, criait, s'agitait et surfait.
Pas de Leyla McCalla pour votre serviteur. Il décroche. Demain, une autre longue journée l’attend.
Mais Nick Nijfels, notre correspondant néerlandophone était toujours sur place…
Jim Jones s’est déjà produit au Roots & Roses sous la formule Jim Jones Revue, et il revient ce dimanche 30 avril, sous celle de Jim Jones All Stars. Festif, son rock'n’roll à la Jerry Lee Lewis est caractérisé par une forte interaction entre les guitares et les claviers, mais des cuivres lui communiquent une touche soul, dans l’esprit de James Brown. La formation va même nous gratifier d’une reprise du « Everybody's got something to hide except me and my monkey » (Tout le monde a quelque chose à cacher, sauf moi et mon singe) des Beatles. Enthousiaste, le public a même décidé le groupe d’accorder un rappel. (NN)
La première tête d’affiche du R&R, Nick Waterhouse, n’a pas vraiment convaincu. Peu accrocheur, le son vintage hérité des fifties et des sixties aux influences soul, outre celles du rock'n’roll, aurait été bien plus intéressant à écouter dans son salon, un dimanche matin. Il y a bien un contrebassiste au sein du line up qui apporte une certaine originalité visuelle à l’ensemble, mais c’est le single « LA turnaround » qui s’est révélé le morceau le plus efficace… (NN)
Les Datsuns s’étaient produits en concert à l'AB en 2004 et au festival de Dour en 2006. On les avait un peu perdus de vue depuis. Ils jouent toujours du hard rock classique, avec tous les clichés à la Spinal Tap, même si le spectre d’Iron Maiden s'y est glissé.
Amplis poussés à fond, solos à gogo, jambes écartées et guitares en l'air. Les anciens morceaux des débuts sont toujours les meilleurs, et notamment « Sittin pretty », « Harmonic Generator » et l'inévitable « MF from hell », lors du rappel … (NN)
(Organisation : Centre Culturel René Magritte, Lessines)
Ce soir, c'est l’ouverture des Nuits Botanique 2023 ! Pour la circonstance, le Botanique et Bozar se sont associés pour présenter deux spectacles exceptionnels, qui se déroulent à Bozar. Avant le trio Merope, Catherine Graindorge a l'honneur de fouler les planches de la salle Henry Le Boeuf.
Cette violoniste et compositrice bruxelloise est active depuis 2012, date à laquelle elle a sorti son premier album solo, “The Secret of Us All”. Depuis lors, elle a multiplié les collaborations en compagnie d’artistes tels que John Parish, Hugo Race, Pascal Humbert et Bertrand Cantat (Detroit), Warren Ellis et Nick Cave (Jeffrey Lee Pierce Project) et, plus récemment l’iconique Iggy Pop pour un Ep baptisé “The Dictator”. Elle a également composé pour le théâtre et le cinéma, décrochant une nomination aux Magritte du Cinéma pour la bande originale du film dramatique, “Chant des Hommes”.
Ce soir, elle propose une création en avant-première, ‘Songs From The Dead’. Au moment où elle prend place au milieu de la scène, entourée de ses violons, de ses multiples pédales d'effets et de son harmonium portable, sa chevelure blonde rayonne et sa tenue, 100% noire, s'accorde à la thématique de son nouveau projet. A ses côtés, on reconnaît Pascal Humbert (16Horsepower, Lilium) à la basse et aux percussions, et Simon Ho aux claviers. Après une introduction musicale empreinte d'une douceur et d'une profondeur toute mystique, une silhouette se détache de l'ombre pour prendre place devant le micro : c'est Simon Huw Jones, le chanteur bien connu du groupe anglais And Also the Trees.
Fidèle à son style unique, Simon pose sa voix envoûtante, alternant chant et déclamation dans un souffle romantique. Le violon de Catherine Graindorge vient mêler ses volutes sonores, tantôt chatoyantes, tantôt stridentes, à l'expression littéraire du Britannique. Le tout nous plonge au sein d’un univers cinématographique totalement hypnotique. En écho lointain aux envolées d'un Max Richter ou aux harmonies écorchées d'un Warren Ellis, la musique du quatuor voyage hors du temps, dans un espace onirique vibrant.
Le point de départ de la création de Catherine Graindorge + Guests est un poème intitulé ‘A Dream Record’. Mexico, le 6 septembre 1951. Sous l’emprise de la drogue et de l’alcool, William Burroughs tue accidentellement sa femme Joan d’un coup de revolver en voulant imiter Guillaume Tell. En 1955, Allen Ginsberg écrit ce poème, dans lequel il raconte un rêve lié à l'événement. Il est à Mexico, Joan Burroughs est assise sur une chaise. Ils discutent et soudain Ginsberg, réalisant que ce n’est qu’un rêve, lui demande : ‘Joan, quelle sorte de savoir a-t-on lorsqu’on est mort ? Peux-tu encore aimer tes connaissances mortelles ? Quel souvenir gardes-tu de nous ?’ Inspirées par ce poème et par le mythe grec d'Orphée et Eurydice, les compositions du quatuor interrogent donc les défunts, ceux qui ont compté dans la vie de la violoniste belge, qu’ils soient intimes ou lointains. Les paroles de Simon Jones évoluent, c'est usuel pour lui, dans un 'stream of consciousness' subtil et solennel, pénétré par la puissance de la nature et l'illumination du moment présent.
Plus tard, deux choristes, Lula et Ilona Rabinovitch, les deux filles de Catherine, rejoignent le quatuor pour prêter leurs voix diaphanes à une composition tout simplement sublime, rythmée par les arpèges du piano, les envolées du violon et la poésie hallucinante de Simon Jones. “Silent Is The Day...”.
A l'issue de ce périple magique, quasi chamanique, on se dit qu'on aimerait pouvoir repartir chez soi avec, en ses mains, la musique de ce moment unique. Bonne nouvelle : le concert a été enregistré et filmé et fera l'objet d'un documentaire. A suivre !
Après une courte pause, le moment est venu de passer au spectacle du trio international Merope, qui a invité le chœur Jauna Muzika, de Vilnius, pour la première mondiale de son nouvel opus, “Salos”. Au milieu de la scène, on découvre la chanteuse lituanienne Indrė Jurgelevičiūtė, flanquée, à sa droite du Français Jean-Christophe Bonnafous à la flûte indienne (bansurî) et, à sa gauche, du Belge Bert Cools, à la guitare, aux claviers et aux effets électroniques. Placé sur la droite de la scène, le chœur Jauna Muzika réunit une quinzaine de chanteuses et de chanteurs, dirigés par Vaclovas Augustinas.
Au fil des premières compositions, on découvre une musique largement centrée sur le chant folklorique lituanien et le “kanklės”, un instrument à cordes pincées traditionnel, joué par Indrė, mais ces éléments sont combinés à des sons tantôt expérimentaux tantôt carrément électroniques.
Le chœur Jauna Muzika apporte à la l’expression sonore une touche majestueuse, inspirée de la musique sacrée. On se sent à nouveau transporté dans un autre monde, tout aussi mystique que celui de Catherine Graindorge. Dans une démarche totalement originale, le trio se saisit de la tradition folk pour la transformer en un laboratoire sonore inspiré par la modernité. On pense parfois à Björk ou à Wardruna et le côté 'ambient' électronique évoque Ben Frost. C'est comme une recherche rétrofuturiste des liens entre l'homme et la nature, au travers d'une méditation musicale pleine de virtuosité et de sensibilité.
Au moment de quitter Bozar après ces deux superbes spectacles, on se dit que les Nuits Botanique commencent de la meilleure façon, dans une aura lumineuse. Venues de Lituanie, les aurores boréales ont gagné nos régions et elles éclairent notre conscience de leur éblouissant éclat...
Merci au Botanique, à Bozar et à Sabam For Culture. Merci à Simon Hugh Jones pour l'interview qu'il nous a accordée avant le concert et qui sera publiée dans votre webzine favori !
Trio Merope + Catherine Graindorge
(Organisation : Botanique et Bozar)
Crédit photos : Axel Tihon (merci à Branchés Culture)
Le Centre Culturel René Magritte à Lessines accueille un festival de blues, ce vendredi 17 février. Il s’agit de la deuxième édition, la première remontant au samedi 10 décembre 2022. Une soirée consacrée aux blueswomen. Au programme : Mylene L. Chamblain, Little BIG 6Ster, Ghalia Volt & Band et en tête d’affiche Beverly Jo Scott, également soutenue par son backing group.
Belgo-française, Mylène L. Chamblain est la première à brancher ses instruments. Agée de 41 printemps, elle pratique une musique qui navigue à la croisée des chemins du delta blues et de l’americana. Un peu comme si les cowboys chevauchaient des alligators.
Mylène se consacre à la guitare et au chant. Elle est épaulée par l’harmoniciste Geneviève Dartevelle, qui souffle face à un micro américain. Mais également par le drummer Marc Descamps, le guitariste Ludwig Pinchart et le bassiste Stephan Mossiat.
Le set s’ouvre par « Blues Is Gone ». La voix de Mylène est atmosphérique. Les interventions de Geneviève à l’harmo diatonique sont fréquentes, parfois empreintes de mystère, mais excellentes. « Last Long Road » traverse les grandes plaines du Far West. Mylène brille à la slide sur l’énergique « Something Instead », un extrait du dernier Ep. Davantage acoustique, « Wise and Fool » baigne au sein d’un climat propice à la quiétude. A cet instant, la voix de Mylène touche au sublime ! « So long Blues » revient vers le delta blues, après avoir opéré un petit détour par les Appalaches. Un set bref, mais intense et surtout de bonne facture…
Mylène L. Chamblain assurera le supporting act de Big Country le 15 mars, au Zik-Zak à Ittre.
Setlist : « Blues Is Gone », « Last Long Road », « Something Instead », « Wise and Fool », « So Long Blues », « Belly Song «, « IT Drives Me Mad ».
Place ensuite au combo angevin Little Big 6Ster. Bonnet vissé sur le crâne, Virginie Pinon en est la frontwoman et la chanteuse. Le line up implique également le chanteur/banjoïste/harmoniciste Nicolas Bach (NDR : barbu, coiffé d’un stetson, il a une bonne bouille), le drummer (NDR : très technique, il faut le souligner) Vincent Lechevallier, le bassiste Gilles Théolier et le préposé aux percus et au didgeridoo, Cyril Bach.
Lorsque Little Big 6Ster ne s’abandonne pas à une musique roots aux nuances colorées, il s’attaque à un métal/blues plutôt burné. Son premier elpee, « Cobra » (2017), trahissait des accents à la fois folk et trash. Paru en 2021, son second, « LB6 », est paru en 2021. Il se révèle plus âpre sous sa forme instrumentale.
Issu de « LB6 », « King » entame la prestation. La voix de Virginie emprunte des accents à Janis Joplin, et c’est surprenant. Plus électrique, « Killer Rif » livre un combat entre les pecus et les cordes huileuses de la gratte. Virulent et tribal, « Me Blind » libère une fameuse énergie rock. Nico se réserve le micro sur le blues « Someday Baby », une compo amorcée par une intervention entraînante à l’harmo. « Dirty » est à la fois dynamisé par les percus et abrasé par la cigar box traitée à la slide. Le didgeridoo dynamite littéralement « Spirit Flies ». Le spectre de Xavier Rudd plane, même si la fin de parcours s’enfonce dans le psyché. Le concert s’achève par « Heavy Soul », probablement une nouvelle compo. A suivre de très près !
Setlist : « King », « Killer Rif », « Me Blind », « Someday Baby », « DIRTY », « Spirit Flies », « Bron Yaur Stomp », « I’m A Woman », « Heavy Soul »
En février 2022, elle s’était produite au l’Espace Toots du Centre Culturel d’Evere, en solo. Expatriée à Nashville, elle est de retour en Belgique, mais accompagnée d’un backing group. En l’occurrence le drummer Bryan Shaw (NDR : il est issu de La Nouvelle Orléans), le claviériste Phil Breen et le bassiste Dean Zucchero (NDR : ces deux derniers sont originaires de Nashville). Ghalia Volt évolue toujours sans setlist.
Le concert s‘ouvre par le « Shake your money more » d’Elmore James, un blues qu’elle traite à la slide. Vêtue de cuir (pantalon noir et veste noire), elle rayonne et se montre toujours très interactive auprès du public.
Elle embraie par une longue et classieuse adaptation du « Wade In The Water » des Fiks Jubilee Singers, une compo qui remonte à 1901. Sa version figure sur son elpee, « Mississippi Blend ». Elle résume là, son riche héritage du blues. « Squeeze » est imprimé sur un boogie/rock. « It Ain't Bad » (NDR : un titre extrait du long playing « One Woman Band ») et « Drag Me Down » sont absolument superbes, mais ce dernier se révèle plus psyché. Elle nous réserve le « You Gotta Move », de Mississippi Fred McDowell, un vieux delta blues. Ghalia a soif. Elle empoigne une bouteille de gin qui traîne à ses pieds et se rince le gosier au goulot. Elle avoue apprécier l’Orval, la fête, le monde de la nuit et signale être insomniaque. Et puis, un peu de gnole détend et adoucit les cordes vocales. Elle attaque deux compos à la slide : « Shake Your Money Maker » et « Shake Baby Shake ». Au cours du concert, elle s’est frottée au rhythm’n’blues, au rock’n’roll, au boogie, au (delta) blues et aux roots. Et en fin de show, elle se fond dans la foule…
Il revient à Beverly Jo Scott de clore le festival. Tout au long de son set, la native de Deer Park (NDR : c’est en Alabama) va nous entraîner au cœur d’un périple sonore chargé de sensibilité et d’émotion, parcourant ses propres compositions, quelques grands classiques et de belles découvertes. Alternant gratte semi-acoustique ou électrique, elle est épaulée, ce soir, par un guitariste, un claviériste, un drummer, un bassiste et deux choristes.
Le set débute par le très cool et sexy « One Shot Shy », une compo chargée de groove et de spleen qui figure sur l’elpee « Mudcakes ». « Light That Torch » oscille entre rock et funk. « She's Your Woman » est une superbe ballade blues, aux harmonies vocales épurées. Depuis longtemps, B.J. voue une véritable passion pour les harmonies vocales. Et pourtant, rocailleuse, parfois envoûtante, sa voix est capable d’emprunter des inflexions à Janis Joplin. Elle empoigne sa sèche pour la première fois et attaque « Mobile Bay », un morceau country de toute beauté. « Whisky Blues » est un autre blues lent. Après l’énergique « Tolling », elle achève le spectacle par deux remarquables covers de grands classiques de l’histoire du rock, « The House Of The Rising Sun » des Animals et le « With A Little Help From My Friends » des Fab Four. Le festival est terminé. Les divas du blues ont gagné leur pari.
(Organisation : Centre Culturel René Magritte)
Seconde journée à la Citadelle de Namur. La circulation dense de la veille a fait place à plus de fluidité. Votre serviteur a de nouveau choisi le même point de ralliement, Namur Expo. Cet espace dispose d’un grand parking (gratuit). L'arrêt des bus TEC se situe à proximité. Pas besoin de marcher durant de longues minutes.
La météo est relativement clémente ce samedi. De nombreux nuages envahissent le ciel, mais les températures sont idéales. Il ne fait ni trop chaud, ni trop froid.
Pari tenu, le bus mettra exactement 7 petites minutes pour atteindre le terminus. Sur place, il n'y a pas grand-monde. Mais, il est à peine 15 heures et les artistes plus connus se produisent plus tard, en soirée.
Pourtant, c'est une erreur monumentale. Car en ce début d'après-midi, de belles pépites sont à découvrir. Ne dit-on pas que les absents ont toujours tort ?
RORI est prête à en découdre. Le Théâtre de Verdure est quasi-bondé. Camille Gemoets est soutenue par deux musiciens. L’ex-The Subs, Hadrien Lavogez, à la guitare et Pierrick Destrebecq, à la batterie. Ce dernier n'est pas, non plus, un inconnu ; et pour cause, il a milité chez Recorders, Abel Caine en compagnie des frères Chanis ou encore Mat Bastard (Skip The Use).
La Liégeoise a connu son heure de gloire au sein de Beffroi, l'un des groupes les plus prometteurs de Belgique, notamment lors de la sortie de « Swim », un titre largement diffusé sur les ondes radiophoniques, en 2015, Elle n'a alors que 16 printemps. Malheureusement, sa moitié sur scène (Valentin Vincent) est emporté par la maladie à l'âge de 20 ans. L'aventure qui n'a plus de sens, prend fin. C'était en 2018.
Une période de reconstruction s'ensuit. Parmi les options plausibles : l'arrêt de sa carrière. Mais elle s'accroche. Sa rencontre avec Hadrien donnera naissance au petit RORI.
Elle entame son set par « Gonna Get Mine », son premier single paru en 2020, un morceau brut de décoffrage ; sans la moindre fioriture, si vous préférez.
Alors qu'elle a toujours chanté dans la langue de Shakespeare, la brunette a depuis choisi celle de Voltaire. Ce qui lui permet de se raconter dans le rétroviseur de sa vie. C'est d'ailleurs en français qu'elle embraie en abordant un « C'est la vie » salvateur ». Une compo spasmodique aux relents nostalgiques.
Caractérisé par son phrasé haché, ses sonorités pop et ses appuis rythmiques, la musique de RORI rallie rapidement le public à sa cause et s'inscrit dans l'air du temps.
Charismatique et communicative, elle annonce la sortie d’un premier Ep tout en invitant le public à se le procurer, qu'il aime ou pas son univers.
Elle termine son show percutant et convaincant par « Docteur », une chanson dont la foule semble connaître le refrain.
Première grosse claque de la journée !
L'or Du Commun grimpe sur la main stage. Mais le public ne semble guère réceptif à l'appel des Bruxellois.
Ils sont venus présenter leur dernier petit, « Avant la Nuit ».
Célébrant ses dix années d’existence, le trio implique Swing, Primero et Loxley. Une carrière d'artiste est aussi constituée de moments difficiles, notamment en matière de logistique des concerts. Pour immortaliser ce volet un peu plus négatif, quoi de plus normal d’interpréter « Cassé ».
Proposant des thématiques intéressantes, le crew, pourtant friand d'un flow fluide, mais incisif, bute malheureusement et rapidement devant des écueils bien trop consistants que pour accorder un concert aux desseins parfaits. Rap poétique, conscient ou égo trip ? Quoiqu'il en soit, le côté surjoué l'emporte sur l’aspect naturel de l’interprétation. Pourtant musicalement, le combo s'en sort plutôt pas mal, en nous réservant des compos intéressantes comme « Inertie », qui mérite vraiment d’y prêter une oreille attentive.
Énergiques, ceux qui représentent la jeunesse incarnée 2.0, tentent, tant bien que mal de rallier le peuple à leur cause. Ils y avec parviendront cependant, mais non sans mal, lors de l'iconoclaste « Pansement », où les quelques centaines de personnes alors présentes se plaisent à reprendre en chœur le refrain 'Tant que le suis par terre, je peux le faire' ou encore « Homosapiens » et « Faucon Millenium », ces deux derniers titres provoquant des mouvements de foule mesurés rappelant une fois encore que les Solidarités est avant tout un festival familier et bon enfant. On n'est pas là pour se taper sur la gueule !
Porte-parole du hip-hop belge, L'Or du Commun ne s'en tire finalement pas trop mal et recueille les applaudissement d'un public de fidèles. Quant au spectateur lambda, il est sans doute allé voir ailleurs...
Retour au Théâtre de Verdure, un endroit érigé par l’architecte Georges Hobé en 1908 qui accueillait des opéras, des concerts de la danse et des spectacles de variétés. Un endroit qui a vu naître aussi le ‘Verdur Rock’, un des rares festivals gratuits encore existants qui tente, vaille que vaille, de résister au triomphe du monde marchand en proposant un programme culturel ambitieux et accessible à toutes et tous. Et oui, forcément, tout le monde ne peut pas se payer le prix d'un ticket parfois exorbitant. Malheureusement, cette année, les organisateurs ont dû jeter l'éponge...
Poupie y est programmée. Autrice-compositrice-interprète, elle nous vient de Tours.
Après avoir publié un Ep de 6 chansons, en novembre 2019, ainsi qu’un autre baptisé « Feu », du même nombre de titres, en octobre 2020, elle grave son premier elpee en 2021, « Enfant Roi », qu’elle est venue défendre.
Large pantalon de couleur noire, grosses lunettes blanches et veste de cuir (malgré la douceur printanière qui règne), c'est d'un pas décidé qu'elle grimpe sur le podium décoré de drôles de nappes aux reflets métalliques. On dirait du papier aluminium.
Les gradins sont combles, démontrant que la demoiselle jouit d’une popularité certaine depuis son passage à The Voice.
Elle s'est construite un univers musical qui lui est propre, entre pop, reggae et influences urbaines. Ce n'est d'ailleurs sans doute pas par hasard si « Comme les autres » ouvre le bal (‘Ah, j'suis pas comme les autres/Pas vraiment/J'aurais voulu l'comprendre avant/J'suis pas comme les autres/Tranquillement/J'fais mon chemin, j'veux pas d'ton temps’). Le ton est donné !
Comparaison n'est pas raison, mais son style, son show et sa gestuelle rappellent ceux d'une personnalité bien connue en Belgique, Angèle, dont elle pourrait être une franche rivale dans quelque temps.
Les paroles sont parfois peu perceptibles, l'ingé son éprouvant des difficultés à trouver un bon équilibre entre la voix et les instruments. C'est vraiment dommage car cette situation dévalorise la prestation de cette chanteuse d'un nouveau genre.
Dynamique et excentrique, la musique constituant finalement le meilleur moyen de s'exprimer, elle entame alors le sublime « Vue sur la mer », un message touchant sur la résilience.
Si Poupie réalise un set empreint de sensibilité, elle sait également se montrer convaincante lors de reprises très réussies de Manu Chao (« Bongo Bongo ») ou Dolly Parton (« Jolene »). Cependant, pas question de banales covers, mais plutôt des standards qu’elle se réapproprie…
De sa voix rauque, presque bancale, elle s'est donnée pour mission de communiquer la folie de sa musique au public et de le toucher en plein cœur. C'est donc tout naturellement qu'elle poursuit son set par « Bed Time Story », une compo qui aurait pu tout aussi bien être signée par le couple Gainsbourg/Birkin. Pensez au tube censuré « Je t'aime moi non plus » …
Une artiste complète, convaincue et convaincante responsable de chansons accrocheuses et dont le style est unique en son genre…
Elle est à suivre de très près, c’est une certitude.
La seconde belle surprise de la journée.
Eddy débarque sur la main stage. Pas Eddy Mitchell, mais de Pretto. Son set est parfaitement identique à celui qui a été proposé quelques semaines plus tôt à Ronquières. Bis repetita donc !
Passionné par Brel, Brassens ou encore Barbara, Eddy a, depuis ses débuts, ce pouvoir extraordinaire d’utiliser les mots pour fédérer et inviter l’auditeur à s’interroger sur le monde et autres vicissitudes de l’existence.
Habillé d'un haut et d'un short blanc, on dirait un écolier. Il ne lui manque plus que le cartable sur le dos...
Sa setlist puise au sein de ses deux elpees, « Cure », paru en 2018 (sans doute le plus abouti) et « A Tous les Bâtards », trois ans plus tard. Un second opus parsemé d’obstacle dans sa réalisation. Si l’écriture avait commencé en septembre 2019, la tournée qui va suivre va se solder par de nombreux reports et annulations, suite à la pandémie.
Il n’y a pas à dire, Eddy De Pretto choisit judicieusement ses mots pour torcher des textes poignants sur fond de mélodies accrocheuses. Dont cette « Fête de Trop », évoquant muqueuses, amants de passage, mecs chopés ou encore rails de coke enfilés. Des morceaux douloureux que le public reprend pourtant en chœur entraînant ainsi l’artiste vers un monde meilleur.
Bien souvent, ses chansons s’imprègnent de son vécu tout en dénonçant, sans aucune prétention, les injustices de (sa) la vie comme ce « Freaks » qui s’adresse principalement aux exclus. « Tout vivre » se révèle aussi saignant que cinglant. Une compo autobiographique qui jette un œil dans le rétroviseur pour relater certains grands moments de son existence, traversée d’épisodes ténébreux. Ou encore ce « Kid », titre qui fustige la virilité abusive et l’homosexualité refoulée par le conservatisme sociétal. Le public connaît par cœur ce titre multi radiodiffusé dont certains spectateurs se reconnaissent en lui.
Bien que déjà vue et entendue, la prestation tient parfaitement la route ; et elle s’avère d'autant plus touchante que c'est la dernière d'une saison qui s'achève, l'artiste s'apprêtant à prendre un virage pour la suite de sa carrière... Lequel ? Mystère...
Autre artiste qui s'est produite au Ronquières Festival, c'est Doria D. Elle s'est fait connaître auprès du grand public grâce au titre « Dépendance », issu d'un premier album éponyme, sorti en 2021.
Doria Dupont, à l'état-civil, est une femme frêle d'à peine 22 piges. Son jeune âge contraste mal avec la popularité grandissante dont elle bénéficie aujourd'hui. Les gradins sont en effet bondés (NDR : comme lors du show des Rolling Stones au Stade Roi Baudouin ?). Peut-être que la gent masculine est venue admirer le joli ventre de la demoiselle, découvert par un top trop court.
Son concert sera traduit en langage des signes, une pratique de plus en plus fréquente lors des festivals.
Alors que durant le RF, sa prestation avait été mollassonne, elle semble avoir appris de ses erreurs et va se livrer généreusement.
Un batteur et une belle brune plantureuse l'accompagnent dans cette nouvelle aventure festive et musicale.
Sa voix rauque et envoûtante, parfois plus fluette, son sens mélodique et la puissance de ses textes ne peuvent laisser indifférents à l’instar de cette « Âme dans le néant », d'une sincère incroyable.
Si elle aborde des thématiques universelles, elle y apporte un regard neuf tout en ne négligeant pas l’aspect mélodique des compos. A l’instar de « Hors tempo », au cours de laquelle elle traite du concept contemporain de l'hypersensibilité. Au final, mettre des mots sur les maux reste encore le meilleur moyen de les exorciser.
Dommage que son petit ami n'ait pas pu assister à cette prestation. Il aurait trop fait la fête la veille selon les dires de la donzelle.
Avec un univers directement inspiré par Billie Eilish et Lana Del Rey mais aussi des rappeurs francophones comme Nekfeu et Lomepal. Bref, Miss D (pas en référence à son tour de poitrine) est une artiste qui ne laisse pas indifférent.
Sur fond de sonorités french pop modernes, elle s'inscrit dans son époque en proposant des textes autocentrés qui permettent à la jeunesse de s'y retrouver (« Dépendance » y aborde les relations toxiques).
C'est encore à travers l'emblématique « Jeune et con » de Damien Saez qu'elle s'expose le mieux. Débutant en mode acoustique, elle s'exécute ensuite en version électronique, ses musiciens se laissant totalement emporter par le vent de folie qui souffle alors sur la Citadelle.
Si elle a également souffert de quelques problèmes de réglages sonores, comme Poupie, son show est une réussite et constitue l'un des moments forts, dont on se souviendra.
A la fin du set, il reste quelques minutes. Pourquoi les perdre ? Ni une ni deux, elle s'enflamme, attrape sa gratte et revisite un « Hors tempo », qui prend ici un sens tout particulier.
Enfin, le dernier concert auquel votre serviteur assistera, c'est celui de Benjamin Biolay. Il s'agit de sa seule date estivale belge. Autant dire que le peuple s'est pressé en masse pour (re)découvrir cet artiste unique.
Si sa carrière est parcourue de jolis exercices de style, sa popularité a souvent été battue en brèche par ses frasques et sa grande gueule. Ce qui lui a valu d’être surnommé le mauvais garçon de la chanson française.
Celui qui est régulièrement comparé à Serge Gainsbourg est accompagné, ce soir, d'un bassiste, un batteur, un claviériste et de deux guitaristes. Il a endossé un maillot de basketteur américain.
C'est par le magnifique « La Superbe », titre issu du cinquième opus (NDR : un éponyme), que Biolay entame un tour de chant qui restera dans les annales.
Enchaînant alors une salve de titres plus rentre-dedans, comme « Comme une voiture volée » ou « Parc fermé » (NDR : Adé est en en ‘featuring’ sur le disque), des compos issues de son dernier elpee, « Grand-Prix », le gaillard, quoique ténébreux semble réservé. Une timidité étonnante quand on sait qu’il s’agit d’un artiste complet. Il avait d’ailleurs été sacré artiste masculin et décroché le prix du meilleur album lors des Victoires de la musique, en 2021.
Tantôt dramaturge, tantôt militant, BB épanche sa mélancolie aux accords lyriques à travers laquelle ses thèmes de prédilections (déceptions amoureuses et vicissitudes de la vie) s’expriment à merveille.
Lors de son concert, il (s')offre un catalogue musical impressionnant sous forme de ‘best of’. Subtiles, ses compos sont bien mises en évidence par des riffs tonitruants et une voix d'une profondeur abyssale.
Celui qui reste marginal dans le milieu, car à l'antipode des formats radios actuels, s’appuie sur une musique brute et sulfureuse.
Parcourant les épisodes de sa carrière, l'artiste revisite également des chansons puissantes telles que « Palerme Hollywood » ou « Qu'est-ce que ça peut faire », en y apportant tour à tour un soupçon vaporeux de nostalgie, une forme dansante ou encore pétillante.
D’une nonchalance déconcertante, il semble, ce soir, prendre du plaisir sur les planches et paraît enfin soulagé d'être loin de toutes ces conditions sanitaires qui ont frappé la carrière de tous ceux qui ont œuvré dans le milieu culturel.
Alors que le light show s'était jusqu’alors montré discret, « Comment est ta peine » vient mettre un terme à un rêve éveillé.
Un périple teinté d’exotisme, une ode à l’évasion qui reflète, en quelque sorte, la bande originale de sa vie.
Il est un peu plus de 22 heures. Les concerts ne sont pas terminés, mais la raison l'emporte sur la passion. Direction Namur Expo pour reprendre la route.
Une édition qui aura marqué bien des esprits.
RORI + L'or Du Commun + Poupie + Eddy De Pretto + Doria D + Benjamin Biolay
(Organisation : Les Solidarités)
Les Solidarités sont devenues, au fil du temps, un événement majeur dans le paysage musical belge, dont l’initiative et le succès croissant est à attribuer à la mutualité Solidaris.
Si l'année 2020 avait été marquée par une enfilade d'annulations dues à la Covid, les organisateurs avaient pris le contre-pied l’année suivante en proposant une version intimiste rebaptisée pour l'occasion Nuits Solidaires. Mais last, but not least…
Si, depuis huit ans, les festivités se déroulaient sur le site de la Citadelle, une colline au confluent de la Sambre et de la Meuse, il faudra attendre 2023 pour de nouveau se rendre sur le zoning Ecolys à Suarlée, des travaux rendant inaccessible ce lieu séculaire. Pour une durée de trois ans paraît-il …
Comme de coutume, des navettes TEC, disséminées à travers toute la ville, sont spécialement planifiées pour permettre aux festivaliers d’accéder au site. Les plus courageux (ils sont rares) peuvent cependant s’y rendre à pied ; de quoi rendre leurs fessiers un peu plus fermes après une période estivale arrosée (de rosé) pour certains.
Ce vendredi, la circulation est assez dense. Si d’ordinaire, le trajet est estimé à 7 minutes depuis Namur Expo, votre serviteur atteindra sa destination environ trente minutes plus tard.
Ce festival est très particulier. Si la musique est bien évidemment au rendez-vous, des espaces sont également prévus pour d’autres activités, dont des débats sur les enjeux de notre société, des expositions, un village associatif et une kyrielle d'animations. Sans oublier la terrasse estivale installée sur une pelouse, sa grande roue et le tourniquet qui fait le bonheur des petits… et des grands.
L'offre culinaire est aussi impressionnante, de nombreux stands placés aux endroits stratégiques permettent de se ravitailler sans devoir pratiquement faire la file.
Etrangement, aucun ‘cashless’ (terme qui désigne de manière générique l’ensemble des moyens techniques de paiement qui permettent d’utiliser un support comme porte-monnaie) n'est adopté. Il faut donc aller chercher des tickets, comme au bar d'une kermesse de village, ce qui est un peu dommage au vu de l’évolution technologique.
Grâce à une programmation au spectre fin, familial et populaire à la fois, les aficionados auront à cœur de s’enivrer de l’univers sulfureux d’artistes à la renommée internationale. Qu'ils en profitent, parce que les Solidarités sonnent aussi le glas d’une fin de saison, rappelant doucement la rentrée des classes...
Direction, l'Esplanade. La grande scène accueille Hoshi (étoile en japonais), une femme/artiste dont le physique a essuyé de vives critiques de la part du journaliste-chroniqueur Fabien Lecoeuvre. Détail cocasse, Grand Corps Malade qui partage l'affiche du jour, a réalisé le morceau « Des Gens Beaux » afin de lui porter secours et lui montrer tout son soutien face à ce déversement de haine issu d'une autre époque.
La demoiselle a offert une prestation de la même veine qu'à Ronquières, quelques semaines auparavant ; un concert d'une intensité rare avec ce brin de folie qui la caractérise. Sans oublier, cet amour pour son public et cette générosité communicative.
Arborant fièrement un t-shirt à l’effigie de Nirvana, Hoshi impose un style musical bien à elle. Des textes simples, mais touchants, une musique entraînante et une aura exceptionnelle. Sans oublier cette voix haut-perchée qui peut perturber les non-initiés. Pas étonnant donc que ce soit devenue l’une des révélations de la chanson française de ces dernières années.
Femme blessée au plus profond d'elle-même, sa prestation de « J'te pardonne » en piano-voix vous flanque des frissons partout. Titre rempli d'émotion au sujet du pardon face aux infidélités de la personne qu'elle aime.
Souffrant de la maladie de Ménière (un mal qui la poursuit depuis toute petite et provoquant des acouphènes et des pertes d'audition), elle s'avoue à demi-mot vaincue par cette affection sur l’époustouflant « Fais-moi signe », véritable appel de détresse auprès d’un public qui ne peut que l’encourager en applaudissant par le langage des signes. Il n’en faudra pas plus pour que les larmes ruissellent sur les joues de la jeune femme. Sans doute, est-elle convaincue qu’elle ne parviendra pas à éteindre ce fléau qui la brûle lentement.
« Amour censure » hymne à la tolérance, adopte des allures de manifeste lorsque la jeune chanteuse s'empare d’un drapeau arc-en-ciel dans le public. Une chanson qui prend un sens tout particulier puisqu’elle-même a été victime d'agression homophobe, devenant ainsi au fil du temps, la porte-parole de la cause homosexuelle. Sans doute, malgré elle.
Si « Ta marinière » est repris en chœur par un public particulièrement enchanté par cette extraterrestre, « Etoile Flippante », version électro, mettra un terme à une prestation sublimement marquante pour une première journée de festival.
Fabien Marsaud est fin prêt pour une consultation ! A la suite d'un accident de plongée l'obligeant à renoncer à une carrière sportive prometteuse, il découvre le slam en octobre 2003, lors d'une scène ouverte dans un bar de la place de Clichy, à Paris, où il déclamera ‘Cassiopée’, son premier texte ‘de scène’. C'est à cette époque qu'il choisit comme patronyme, Grand Corps Malade (GCM), en référence à son handicap et à sa grande taille.
Il est presque 23 heures, lorsque ce détraqué textuel déambule sur la main stage. Après la diffusion d'un clip léché explorant étrangement le cerveau (si, si !), le set peut débuter. Surprise, parmi les musiciens figure Quentin Mosimann, tour à tour DJ's, présentateur télé, chanteur et un multi-instrumentiste. Pas étonnant lorsqu'on sait que « Mesdames », album de duos, est issu de la rencontre entre le DJ et le slameur.
Alors que le soir est tombé, GCM interprète paradoxalement « Le jour se lève », un morceau aux penchants électriques pour ensuite s’épancher sur les femmes. Pas seulement pour en parler, mais aussi les entendre puisque de très jolis duos virtuels seront proposé, dont « 24 heures », en compagnie de Suzanne, « Derrière le brouillard », de Louane, et « Nos plus belles années », de Kimberose. Sans oublier, le touchant « Mais Je T’aime » avec une Camille Lelouche très convaincante. Une manière efficace de dénoncer harcèlement sexuel et inégalités.
Soutenu par un light show percutant, Marsaud, tantôt pourfendeur, tantôt militant effréné, manie sa verve avec une précision et une flexibilité étonnante. Il dépeint les paraboles de l'existence sans jamais tomber dans les poncifs du genre, mais en les abordant à travers un second degré bien à lui.
D’une voix rauque, l'homme aux yeux d'un bleu profond mais au regard empreint de compassion, s'est livré avec une grande générosité dans une joute musicale d'une richesse et intensité rares.
Véritable showman, Mosimann livre encore un hommage vibrant au regretté Grand JoJo, tout en sollicitant le public à reprendre en cœur le célèbre ‘Chef Un P’tit Verre…’
Alors que « Pas Essentiel » sonne la fin de la récréation, le site est plongé dans le noir, invitant les chauves-souris qui se mettent alors à tournoyer afin de chasser leurs proies…
Peut-être que sur la route du retour, votre serviteur rencontrera Nyx, la déesse de la nuit... Qui sait ?
Hoshi + Grand Corps Malade
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