A moins d’être allergique à télé ou de ne jamais allumer votre radio aux heures de grande audience, impossible d’échapper à la promotion consacrée à cet opus. Il faut bien avouer que la campagne de médiatisation réservée à son précédent avait été plutôt discrète. Cause à effet ? Une chose est sûre, « Bliss » avait essuyé un cuisant échec. Pourtant, hormis le single détestable « Commando », ce disque auquel avait déjà collaboré Mathieu Chédid, recelait certaines qualités, et avait finalement injustement été boudé par le grand public.
Pour ce « Divine Idylle» la donne a changé. Oui, bien sûr, la pochette est moche. Enfin, c’est ce que le commun des mortels doit penser. Un portrait de la chanteuse peint pas Johnny Depp (il aurait pu s’abstenir…) Mais si on prend la peine de consulter le livret, la surprise est bien plus agréable. Il est à la fois sobre et chic. Et Vanessa Paradis a eu raison de faire une nouvelle fois confiance à Jean-Baptiste Mondino, pour la photo centrale. En outre, une touche de légèreté est apportée en fin de booklet par un portrait, brossé pour la circonstance, par sa petite fille Lily Rose.
Vanessa Paradis a donc reçu le concours de M, déjà présent lors de la réalisation de « Bliss ». Il a produit l’opus. Et puis de musiciens talentueux tels que Patrice Renson, Albin De La Simone et Jérôme Goldet. Elle a égalent bénéficié de la collaboration de quelques paroliers : Brigitte Fontaine, Franck Monnet, Thomas Fersen, Alain Chamfort, Jean Fauque et à nouveau De la Simone. Ce qui ne pas empêché Miss Paradis de participer à l’une ou l’autre chanson pour les lyrics ou la musique.
Mais venons-en au contenu. Première constatation. Il devrait permettre à Vanessa d’élargir son cercle d’adeptes. Dès la première écoute, l’auditeur est entraîné dans un univers bigarré, fruit d’un mélange de pop, de rock, de blues, de r&b, de reggae et de chanson française. Depuis le single et titre maître aux accents subtilement motownesques (Supremes ?) au reggae « La mélodie », en passant par l’allègre (cette basse !) « Chet Baker », le ludique et dansant « Dès que je t’vois », le bluesy et languissant « Les piles » (en duo avec M) et ‘nightclubbien’ « Les revenants », le minimaliste (piano et voix) « Junior suite », l’insidieusement country « Irrésistiblement », la ritournelle intimiste « Jackadi » ou encore l’enlevé « La bataille ». Tous les titres accrochent instantanément l’oreille.
En dehors d’une promotion accrue (et cela reste un euphémisme), des leçons semblent avoir été tirées de l’échec de « Bliss ». Cet album-ci semble bien plus abouti, et on sent une réelle alchimie entre M et Vanessa Paradis. Pour preuve Mathieu Chédid accompagnera l’ex-lolita tout au long de la trentaine de dates prévues pour sa tournée. A suivre donc.
Vous êtes à la recherche du chaînon manquant supposé relier Belle and Sebastian, The Thrills et Arcade Fire ? Ne vous cassez plus la tête, The Format est la pièce manquante de ce puzzle. Habillé d’une pochette cartonnée assez élégante (des chiens, découpés soigneusement et superposés), leur « Dog problems » donne franchement l’envie d’être découvert.
Pourtant l’entrée en la matière est plutôt laborieuse. A cause de la compo intitulée « Matches » et puis de l’interminable « I’m actual ». Après ce début loupé, la plaque prend un virage à 180°. « Time bomb » opère ainsi un savant mélange entre percussions, violoncelle et autres cuivres. Savoureux ! « She doesn’t get it » se révèle encore plus pop et abordable. Un single potentiel. A cause de sa durée (3’50) et de son refrain contagieux. Et au plus on avance dans le disque, au plus on rencontre de bonnes surprises. « Pick me up » et ses guitares plus tranchées évoquent Superchunk (NDR : curieux, le quatuor issu de Chapel Hill avait sorti un album intitulé « Come pick me up » en 1999). Le titre maître épouse un ton franchement cabaret. On se rend alors compte que ce groupe a le don de passer d’un style à l’autre, tout en continuant à maîtriser son sujet. Et les cinq dernières plages en sont la plus belle illustration. Les références des formations susvisées prennent tout leur sens et au final on se demande si on ne vient pas de faire une découverte. Une chose est sûre, ce quintet issu de l’Arizona gagne à être connu et découvert en live.
A l’instar de Madrugada, Cadillac nous vient de Norvège. Un quatuor responsable de trois albums à ce jour. « Magnetic City », son troisième, a été enregistré aux States, dans le Connecticut, sous la houlette de Rich Robinson, le fidèle producteur des Black Crowes. Un opus qui fait la part belle au métal. Mais un métal qui ne manque ni d’originalité, ni de groove, lorgnant même parfois vers le post punk voire la cold wave. Et la reprise d’« Arabian knights » de Siouxsie & The Banshees en est la plus belle illustration. Mais encore le titre maître, plage ténébreuse au cours de laquelle Per Borten emprunte les inflexions de Paul Banks, le chanteur d’Interpol. Car en général, le timbre vocal de Per est plutôt rauque et lorgne manifestement vers celui de Josh Homme. Et puis « Side by side », un morceau qui évolue dans un registre fort semblable. Sans oublier le titre final, « Morning star », hanté par des chœurs spectraux et surtout caractérisé par un riff de guitare à la fois meurtrier et envoûtant. Cet art du riff est d’ailleurs une des forces de Cadillac. Rappelant tour à tour Led Zeppelin, At The Drive In ou Queens of The Stone Age. Mais aussi la ligne de basse grondante, viscérale, menaçante, réminiscente du défunt et mythique groupe australien Hunters & Collectors. C’est d’ailleurs aux Antipodes que Cadillac semble avoir puisé le reste de son inspiration. Et en particulier chez Hoodo Gurus et les New Christs. Leur intensité électrique peut ainsi se révéler tour à tour menaçante, malsaine, féroce, frénétique, sordide, malveillante, sauvage, chatoyante ou contagieuse. Vous comprenez dès lors mieux pourquoi leur musique libère un groove aussi phénoménal. Seul « Michael Francis », superbe compo par ailleurs, frôle l’univers énigmatique de leurs compatriotes, Madrugada. Une excellente surprise !
Fondée en 1994, cette formation londonienne était appelée à devenir aussi notoire que les Oasis, Blur, Pulp, Supergrass et consorts. La britpop était alors à son apogée. Responsable d’un hit single en 1995 (« Slight Return »), puis d’un excellent album l’année suivante, « Expecting to Fly Slight Return », The Bluetones a pourtant fait illusion jusqu’en 1998, moment choisi pour sortir leur second opus, « Return To The Last Chance Saloon », caractérisé par ses effluves mexicains. Et puis le combo a vécu une longue traversée du désert ponctuée de trois elpees studio, passés complètement inaperçus. Sauf, sans doute, pour les inconditionnels. Faut dire qu’en s’obstinant à pratiquer le même style musical, le quatuor ne pouvait que végéter dans la zone crépusculaire de l’underground. Cooking Vinyl vient de les repêcher. Et de les signer. Le grand retour ? Seul l’avenir nous le dira. En attendant, la formation insulaire nous propose une sorte de best of avant l’heure, réunissant des démos inédites, des raretés et même trois plages enregistrées ‘at home’, à leurs débuts. Dont la version 7 inches du fameux « Slight return ». Et puis des petites pop songs contagieuses comme « Are you blue or are you blind » ou encore « Time and again ». Le son n’est pas toujours de très bonne qualité, mais le résultat donne une bonne impression du style pratiqué par les Bluetones, il y a maintenant plus d’une décennie. Qui a dit c’est daté ?
Ce “Life was the answer” nous réserve quelques surprises! La guitare sèche et l’irrésistible voix de Jullian Angel constituent les deux éléments dominants de cet opus distribué par le label indépendant Another Record. Les plages baignent au sein d’une atmosphère paisible, planante mais jamais soporifique. En effet, l’artiste a le don de nous transporter dans des univers aériens susceptibles de stimuler le corps et l'esprit sans pour autant verser dans une mystique inaccessible. Et puis les accents rock d'un “Born on the seventh day” ou d'un “Fragments” subliment le timbre de Jullian Angel, évoquant celui de Jeff Buckley. Si les morceaux imprimés sur un rythme plus soutenu s’avèrent les plus brillants, l'exercice difficile de la chanson à la mélodie intimiste sur fond de guitare semble ne pas être vain. Surtout à l’écoute de “Some dead survive”. L’œuvre s'essouffle en fin de parcours mais n'en reste pas moins un moment très agréable à traverser...
Le sludge metal semble avoir le vent en poupe ces derniers temps ! Après la claque engendrée par le nouvel album de Rammesses et le récent engouement inattendu pour l’ensemble de l’œuvre d’Electric Wizzard, dont on s’arrache les albums sur le net, voici de nouveaux drôles d’oiseaux dont on entendra le ramage au-delà des frontières de leur Caroline du Nord. Notons tout d’abord que c’est Steve Albini (Nirvana, High On Fire…) qui a pris place derrière les consoles pour donner un son à « God Luck and Good Speed ». Imaginez l’importance de cette collaboration pour un groupe de sludge, courant sous médiatisé et dont les géniteurs ont pour noms Eyehategod, Cluthc ou Crowbar. Au niveau des textes, tout ou presque tourne autour de ‘l’herbe qui fait rire’. Musicalement, imprimé sur un mid tempo, le son bien crade dégouline de disto. Plébiscités par Jello Biafra et les membres de Mastodon, les trois lascars de Weedeater ont écumé durant le printemps dernier, les clubs les plus sordides de Californie, en ouvrant pour The Sword, The Hidden Hand et même pour Corrosion of Conformity ! Du bien gras arrosé de bourbon et de chili con carne. La bio précise : à conseiller aux fans de Buzzoven, Orange Goblin, ZZ Top et Electric Wizard. Nous approuvons !
New York nous a déjà offert quelques surprises intéressantes sur le plan du blues ; d’ailleurs personne n’a oublié l’ogre Popa Chubby, pape du blues-rock de la Grosse Pomme ! Du côté du Lower East Side, TK Webb évolue dans un style totalement différent. Après l’unanimement acclamé « KCK » paru sur le label indé The Social Registry en 2005, il poursuit son œuvre loin des longues démonstrations instrumentales lors d’un second elpee inclassable, fruit d’un mélange de folk et de blues rugueux. Jouissant d’une excellente section rythmique, les compositions reposent sur des rythmes extrêmement laid-back, soutenus mais très ‘cools’, lents mais au sens ‘lancinant’ du terme. Un style de jeu souvent négligé aujourd’hui…
D’un point de vue vocal, TK Webb nous épargne les grotesques imitations de Howlin’ Wolf auxquelles se livrent beaucoup de bluesmen blancs ; sa voix un peu haut perchée a quelque chose de ‘dylanesque’, à l’instar du morceau « Lesser Dude » qui n’aurait pas dépareillé sur l’album « Highway 61 Revisited » ; mais lorsqu’il s’attaque au blues aride comme sur « Wet Eyed Morn », celle-ci se fait soudain rocailleuse et usée, comme tout droit sortie d’un gosier du Mississippi.
Aucune surproduction mais une orchestration d’une grande finesse (les touches fantomatiques de lap steel sur « Phantom Parade, le piano de « Lesser Dude »…) Au final, un résultat inclassable et coloré, beaucoup de talent et de l’authenticité à revendre. Une musique de cœur et de tripes.
Epoustouflant ! Le premier album des trashers de Trouble Agency s’affiche comme la meilleure production belge en matière de metal survitaminé depuis la dernière livraison de Channel Zero. « Moneycracy » replonge l’auditeur au beau milieu des années 80, à l’époque où Exodus, Death Angel, Testament et Voivod donnaient naissance à un nouveau style : le trash métal. Didier Vancopenolle et Larry V. de Rostyne savent y faire lorsqu’il s’agit de composer des riffs tranchant comme un scalpel. Si le combo originaire de Soignies a parfaitement bien appris sa leçon et utilise tous les codes du trash, il évite, par un savant tour de passe-passe, de nous plonger dans la lassitude. Pourtant tout est là : la voix hargneuse, les breaks assassins, les tempos infernaux, les textes revendicatifs… et une production ultra professionnelle, signée Dirk Miers. Récemment, en ouverture du concert d’Anvil au Negasonic d’Alost, Trouble Agency a démontré à un public, médusé par tant de dextérité, que ses prestations scéniques sont à la hauteur de cette petite bombe à fragmentation baptisée « Moneycracy ». Sur certains titres, plus techno trash, on pense beaucoup à Coroner (une référence !) et même à leurs compatriotes de Celtic Frost. La voix de Didier Meeus évoque parfois l’organe de Thomas Gabriel Warrior, et certains riffs sont aussi lourds qu’un « Dethroned Emperor ». Les gars ont à coup sûr perforé leurs tympans en écoutant « To Mega Therion » et « Cold Lake ». Le groupe, cela se sent, croit dur comme fer en ce qu’il crée, en ce qu’il joue. Et il ne se trompe pas. Des titres tels que « 08/06/1945 », « Moneycracy » ou « The King of Blood » ont l’étoffe d’un « Bonded by Blood » ou d’un “Black Fuel”, rien que ça !
Après le succès éphémère de Cyclone dans les eighties et le sabordage de Channel Zero à la fin des années 90, Trouble Agency a pour périlleuse mission de défendre les couleurs du trash ‘Made in Belgium’. Que le Dieu métal leur accorde pérennité !
Connus surtout grâce à certaines de leurs compos utilisées en toile sonore de nombreuses séries américaine à succès (« Grey’s Anatomy », « The 4400 », l’excellent « Rescue Me », le pathétique « Bones »…), Thirteen Senses nous propose son second recueil. Surproduit, ce « Contact » est presque en tous points similaire au premier. Vu ses faux airs de Mew, le quatuor aurait facilement pu tirer son épingle du jeu. Mais, souffrant d’une trop large carence en subtilité et originalité, il épouse, encore plus que sur « The Invitation », le profil d’émule insipide et carrément rasoir de Keane. Certains iront jusqu’à citer Coldplay. Mais il s’agirait d’une insulte envers ces derniers. Car leur inspiration est incomparable avec celle, quasi inexistante, du sujet de cette chronique. On en aurait presque envie de vous livrer une review des séries susmentionnées plutôt que de s’étendre sur le cas de ces Anglais. Ironique que ces quatre jeunots aient l’audace de dénommer leur formation ‘Treize sens’, leur ouïe ayant certainement du s’égarer quelque part en chemin vers le studio…
La Suède est un pays incroyable. Là-bas, les musiciens écoutent leur cœur et, souvent, le rythme s’emballe. Quand le froid scandinave nous dégèle les tympans, on ne peut généralement s’empêcher de s’enthousiasmer. Pourtant, on doit bien consentir que la pop proprette et trop soyeuse de The Concretes nous avait laissé de glace. Alors, en apprenant que Victoria Bergsman, la chanteuse et fondatrice de la défunte formation, se relançait aux commandes d’un nouveau projet, on pensait replonger dans un ennui popisant, dénué de grands moments. Grave erreur car, depuis sa participation au tube « Young Folks » de ses compatriotes Peter, Björn & John et son intronisation subite au panthéon de la pop, la jeune femme a endossé ses plus beaux apparats et nous laisse goûter aux joies des promenades au bois par l’entremise de Taken By Trees. Premier album, coproduit par Björn Yttling (celui qui trône entre Peter et John), « Open Field » est un condensé d’élégance, d’hymnes fragiles entortillés de mélancolie et de nostalgie. Mais étrangement, l’album de Taken By Trees n’est pas triste. Au contraire, c’est un ravissant rayon de soleil perçant les feuilles dorées des grands arbres en cette période automnale. Comment les fondus d’Au Revoir Simone et de Belle & Sebastian pourraient-ils passer à côté des charmes de ces douces mélopées ? En s’exilant au Mexique, peut-être. L’album n’y est pas encore distribué…
Pas facile pour un artiste d’évoluer en solo, à fortiori lorsque l’on traîne l’étiquette ‘épouse de…’. Pour Patti Scialfa, le titre de Madame Springsteen peut dès lors s’avérer un fardeau encombrant. Mais la choriste et guitariste du E-Street Band n’en a cure, et ce troisième opus solo ne fait que confirmer un talent existant parfaitement hors de l’ombre de son Boss de mari.
Malgré une pochette façon Patti Smith (analogie d’initiales ?), ce « Play It As It Lays » évolue dans un style très Americana, entre blues, soul, country et folk. Fort bien introduit par l’excellent « Lookin’ For Elvis », il évolue entre harmonica cradingue, slide acoustique, touches électriques et belles harmonies vocales. Les arrangements fort bien léchés ne sont jamais envahissants, à l’image des fins licks de guitare de « Play Around » –fruits de son talentueux complice du E-Street Band, Nils Lofgren– ou des chœurs de « Rainy Day Man ». La voix rauque et haut perchée de Patti Scialfa sert parfaitement un songwriting plutôt inspiré. Elle est soutenue par l’efficace charpente rythmique des Whack Brothers et, on s’en serait douté, bénéficie de la participation du Boss en personne, venu discrètement poser quelques notes de guitare ou d’orgue Hammond.
La production assurée par Steve Jordan et Ron Aniello –en compagnie de Patti elle-même– assure lustre subtil à l’ensemble, très propre sans être surproduit comme c’est souvent le cas dans ce style musical. Si la surprise n’est pas particulièrement au rendez-vous, la voix et la plume de la dame la placent déjà au dessus du lot. De plus, le choix des morceaux s’avère salutaire, offrant dix très bonnes chansons pour une quarantaine de minutes quasiment sans déchet.
Patti Scialfa sur MSN:
http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=5&catno=OD2DI6193540
Patti Scialfa sur i-tunes:
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=261289199&s=143446
A l’instar de Styx, Kansas, Journey ou Boston, Reo Speedwagon fait partie intégrante de la mouvance hard fm US des années 70 et 80, qualifiée aussi de scène AOR. Difficile donc de ne pas jouer les anciens combattants quand on a sorti son premier album en 1971. Le combo de Kevin Cronin devra cependant attendre dix ans avant d’atteindre la renommée internationale, en concoctant l’excellent « Hi Infidelity » et bien sûr son hit interplanétaire « Keep on Lovin you ».
En 2007, Cronin plus maigre qu’un canari anorexique, et peroxydé comme une vieille mère maquerelle, rappelle ses complices Bruce Hall et Neal Doughty pour enregistrer une nouvelle galette. Il en profite pour accorder quelques concerts sur le Vieux continent. Le set concédé lors du dernier Schwung festival à Roeselaere a fait forte impression chez les amateurs de hard US mélodique. Le groupe pétait la santé, et les quelques nouvelles compos offertes au public pour l’occasion laissait entrevoir le meilleur !
« Find Your own Way Home » est un bon album de Reo, sans être un chef d’œuvre. Il recèle des titres bluesy un peu plus faibles (« Lost on the Road of Love ») et des morceaux apparemment datés (« Run away Baby »). Mais on y rencontre surtout des plages irrésistiblement mélodiques aux refrains hymniques tels « I Needed to Fall » ou « Let My Love Find You ». Plus soul, « Born to love you » fait retomber la pression. On épinglera toutefois la performance vocale de Bruce Hall sur ce titre aux réminiscences d’un certain Donal Fagen. Mais c’est la plage maîtresse qui deviendra le hit FM du Speedwagon cru 2007. A déconseiller aux fans de Cannibal Corpse !
L’ennui. Il existe bien des façons de lutter contre ce mal dont on est tous victime à un moment ou un autre de notre vie. Ces choses là arrivent. Il ne faut pas se laisser abattre pour autant. Notre remède personnel est simple, efficace et tient en un nom : Josh Ottum. Pas de prescription nécessaire. Seul suffit un petit détour chez le disquaire du coin. Satisfaction garantie. Et même si ce n’est pas le cas, au moins vous aurez pris l’air. Mais on doute fortement que l’effet produit sur vous par ce bonhomme soit celui escompté. Emmené par « It’s Alright », un single des plus entêtants, le premier essai de Josh Ottum grouille d’agréables ritournelles gorgées de rayons de soleil. Dominée par une pop printanière à la Phoenix (« Pipe Dreams », l’obsédant « Who Left The Lights On ? ») et Ben Folds Five (« Having You Around »), « Like The Season » est une de ces plaques qui semblent si naturelles à l’écoute, de la première à la dernière seconde, qu’on l’adopte presque instantanément. Disponible en import depuis mars, « Like The Season » ne sera officiellement dans les bacs qu’en novembre prochain. Préparez-vous à chanter à tue-tête des journées entières. Fini l’ennui !
Peu d’infos sur ce Jim King. Une chose est sûre, c’est un admirateur de l'Anglais Peter Green. D’ailleurs, la traduction du titre de l’album est éloquente. Non, ce n’est pas ‘Quand les blues ou les blues sont verts’, mais bien ‘Quand les blues sont (Peter) Green’, ou quelque chose dans le genre. Un nouvel hommage (après ceux rendus par Gary Moore, Bernie Marsden et bien d'autres) au plus talentueux des chanteurs/guitaristes de blues anglais. Lors de ses remerciements, il s'adresse à Peter Green à l’aide de mots simples : ‘Thanks for the music’. Jim est californien. Probablement issu de San Diego, il est également le guitariste des Aunt Kizzy'z Boyz, responsable de deux elpees à ce jour : "Trunk full of blues" en 2004 et "It's tight like that" en 2007. Pour concocter son premier opus solo, King a reçu le concours de trois musiciens : Chuck Kavooras à la guitare et à la slide, Ralph Carter à la basse et aux claviers ainsi que Toss Panos aux drums. Il interprète pas moins de sept compositions de Green, une de Danny Kirwan (autrefois chez Fleetwood Mac) et trois autres titres issus du répertoire de Peter.
Jim manifeste beaucoup de solennité pour entamer les hostilités. Le son gras et réverbéré de la Gibson Les Paul est immédiatement saisissable, et avouons-le, s’inscrit parfaitement dans l'esprit cher au Peter Green de la fin des sixties. Les notes concédées sont parcimonieuses et la sensibilité à fleur de peau. Ce "Sugar Mama" est ici attribué à Howlin' Wolf. Peter ne l'avait immortalisé sur aucun album officiel de Fleetwood Mac ; mais cette compo figurait bien dans son répertoire. Très british, la section rythmique n’opère guère dans la délicatesse. Plutôt écrasante, elle libère beaucoup d’intensité dramatique. La voix de King est excellente. Cependant, il ne s’agit pas d’une pâle copie du timbre de Peter, mais d’un organe fort proche d’un autre vocaliste issu du British Blues Boom : l'incomparable Chris Youlden de Savoy Brown. Issu de l’elpee "Mr Wonderful", "Rollin' man" constitue, à mon humble avis, une des meilleures compos de Green. Manifestement, elle mettait parfaitement en exergue son potentiel. Blues lent aux accents volontiers dramatiques, "Drifting" figurait sur l'album "The original Fleetwood Mac". King démontre ici qu'il a vraiment assimilé l'esprit énigmatique et introverti de Peter. Les silences sont importants. La voix impressionne. A cause de la sensibilité qui en émane. "Rattlesnake shake" a été écrit plus tard. Le choix de cette cover justifie la perception parfaite de l’intégralité du répertoire. Jim et Chuck Kavooras, son guitariste rythmique, conjuguent leurs talents ; mais ce dernier –également producteur– l’interprète d'une voix autoritaire. A l’instar de Peter quarante ans plus tôt, Jim chante "World keeps on turning". Un morceau lent au cours duquel il s’accompagne uniquement à la guitare. Parmi les reprises, on épinglera le "Lemon squeezer" de Jimmy Rogers, le "Coming your way" de Danny Kirwan, un autre guitariste du Mac, et "Need your love so bad". Signé Little Willie John, ce 45 tours avait décroché un énorme succès à l’époque. La voix de Jim est à nouveau très proche de celle de Youlden. L’œuvre recèle encore l’adaptation de deux des plus beaux blues lents issus de la plume de Peter Green : "Fool no more" et "Love that burns" (ce fragment figure sur le meilleur opus de Fleetwood Mac, "Mr Wonderful"). Ces deux plages exhalent un feeling incroyable. Des frissons vous traversent le corps et l'âme. Jim King n'a sans doute rien inventé mais il a bien compris le mal qui hantait le grand Peter Green. Pour être parvenu à le restituer, je le remercie et le félicite. ‘God bless you Jim, you sure have the blues inside!’
Contact : Jim King – P.O Box 890276 - Temecula - CA 92589 – USA
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