Il devient de plus en plus évident que Redcar est devenu un artiste-phare de cette décennie. A l’instar d’une Björk ou d’un David Bowie. N’ayons pas peur des mots !
C’est un artiste qui bouscule les codes et va loin dans la recherche authentique artistique et de lui-même.
Être bousculé ne laisse personne indifférent. On l’encense ou on le déteste.
Il faut toujours un temps d’adaptation à certains pour qu’une révolution artistique, sociale, soit plus ou moins comprise, digérée, acceptée ou du moins tolérée. C’est ainsi que l’on reconnaît ceux qui changent la face d’un monde.
C’est un des rares artistes francophones à révolutionner au-delà des frontières, recueillant un écho important, outre-Atlantique.
Un artiste qui chante de manière forte, juste et subtile, même en live. Ce qui n’est pas à la portée de tous.
Ce que certains spectateurs considèrent comme un excès constitue une affirmation par le mouvement. Son corps est musique, tendu vers son objectif. Un combattant de lumière.
Il a déclaré sur TikTok : ‘Redcar, comme toute ma poésie et ma philosophie, est une poésie et une philosophie qui m'aident à réussir.’
Fascinant Redcar !
« Redcar les adorables étoiles, le début des anges », sortira le 11 novembre et peut déjà être précommandé là
‘Ma victoire existentielle passe par l'esthétique. La couleur et l'agencement des formes, les fleurs disposées avec mesure, le trajet de la lumière sur les muscles bandés, le travail de la matière…’
« La chanson du chevalier », single issu du futur opus, se déroule dans un port, la nuit. Invité d’honneur de la vente Modernités, qui s’est déroulée le 25 octobre 2022, accueilli par Sotheby’s, Redcar partage son émotion avec la sculpture grandeur nature d’Auguste Rodin, ‘L'Age d’airain’, dans un clip onirique, à découvrir ici
‘Je me considère comme camarade du jeune homme
Pas plus vivant que lui ni plus savant que lui, non, et toujours élève du mouvement, comme lui, je me considère comme camarade ivre, ravi de ne plus être si seul.
Dans son corps sculpté du néant, immobile quand blessé, stupide d’être si amoureux
‘Le point de départ est la vie de ce corps, que je reçois, en tant que performer, moi-même marteau pour l’airain puis résonance, jusqu’aux confins de la pièce’ - Redcar
‘Il ne s’avance pas avec moi quand je bouge
Je suis obligé de le laisser résonner derrière moi
Cloche d’airain des premières églises, premiers suppliciés des églises
Vengeur de tous les petits brûlés du Pont-Aven, fils de la mer mangé par lui en son temps, offert à l’éternité de l’eau et premier fils des éternités’ - Redcar
Côté musical, ce titre est sans doute moins accessible que ses deux précédents singles, « Rien dire » et « Je te vois enfin », mais manifeste une certaine emprise hypnotique.
Son univers est tellement riche. Ses images, sa musique, ses visions, ses vêtements, sa poésie, ses mouvements…
Merci Redcar de nous emmener dans ta belle voiture, au-delà de la perception.
Stéfi nous livre Ep, « En oblique », une œuvre pleine de douceur, de chaleur, de délicatesse, à l’influence bossa nova.
Suave, sa voix se marie parfaitement à la musique, en grande partie acoustique.
Stéfi Celma, née le 9 octobre 1986 à Paris, est une actrice et chanteuse française. Mais c’est dans la musique qu’elle se sent complète, authentique, et qu’elle souhaite s’épanouir.
‘La musique est aujourd'hui pour moi le terrain de ma plus sincère expression. Mon métier de comédienne me faisant jouer des rôles à tour de rôle, ce projet portera mon nom, mon identité.’
À 5 ans, elle participe à L'École des fans de Jacques Martin, qu’elle mentionne dans le premier titre de son Ep, « Du love et de l’eau ».
Empreint de nostalgie et de mélancolie, il nous parle de la difficulté de dépasser ses doutes, de faire la paix. Heureusement elle a toujours eu de l’amour et de l’eau.
Coiffeuse ? ‘Non je ne suis pas coiffeuse. Pourtant à 6 ans, quand Jacques Martin me demandait si je voulais être chanteuse ou comédienne, je n'ai tout simplement pas osé lui dire oui. Je lui ai dit, fragile, que grande, je voudrais être coiffeuse. Personne de mon milieu social n'était chanteur ou comédien, personne ne gagnait sa vie en exerçant ce genre de métier...
Alors ce jour-là j'ai eu envie de rêver. J'avais le droit de rêver en fait. Je ne manquais de rien, j'avais le plus important ; j'avais « Du love et de l'eau »’…
« Maison de terre » laisse une impression cap-verdienne. La voix est posée, le rythme balancé.
Poétiques, les paroles de cette chanson sont écrites par Camille Yemblé.
À travers le texte de cette plage, Stéfi avoue qu'elle se remémore son séjour au Congo, un voyage qui l'a marquée.
En effet, la terre africaine a beaucoup de similitudes avec sa terre natale, la Martinique. Elle a rencontré des gens qui l'ont imprégné de bonheur et de joie.
La musique a été co-composée par Imani Assumani.
Le clip (à découvrir là)
de la chanson réalisée par Ruben Alves, a été tourné au Portugal, à Lisbonne. C'est dans un décor très lumineux, simple et esthétique à la fois que l’artiste danse et chante en toute sensualité.
« Tabou », morceau fragile et touchant, a été écrit par Imani Assumani, Jean-Pierre Ntwali Mucumbitsi ainsi que Stéfi et composé par cette dernière et Imani Assumani.
Le titre dénonce les non-dits. Cette vidéo est disponible ici
« Qui », interprété à la sèche, nous parle de la peur de partir avant l’être aimé et de celle d’être remplacé dans son cœur.
Oser présenter une chanson en se servant d’un seul instrument acoustique aujourd’hui est assez rare et ça fait du bien.
Caractérisé par ses paroles envoûtantes, qui roulent, et sa musique wah-wah chaleureuse, « Sur la bouche » nous donne envie de chalouper. La plage nous parle d’un amour à sens unique.
« En oblique », qui donne son nom à ce disque, nous gratifie, à nouveau, d’un plaisir uniquement acoustique à la guitare. Un peu de chœurs et un sifflement nous invite à vivre pleinement, sans peur du risque.
Profitons de cette belle sortie musicale et souhaitons longue et belle vie à Stéfi !
Quel bonheur d’entendre, à nouveau, Lou K ! Le projet, 100% féminin, est porté par Lucie Lefauconnier au chant et à la guitare, accompagnée par Alice Vande Voorde à la basse, Leslie Gutierrez à la batterie, et Thècle Joussaud au violoncelle. Il propose un rock garage aérien et mélancolique dans la langue de Molière.
Poétique, le texte de « Nazareth » nous parle d'amour, de distance et de douleur à se trouver.
Les paroles sont belles, travaillées, chargées d’images et de mystère. On aimerait en savoir plus. Heureusement, Lou K en dévoile davantage sur sa page Facebook : ‘C'est une chanson remplie d'émotion et j'ai parfois du mal à en parler parce qu'elle a beaucoup d'histoires en une seule. Je la trimballe depuis des années, comme un vieux sac à dos. J'espère qu'elle vous raconte quelque chose, quelque part à l'intérieur, et qu'elle peut réconforter celles et ceux qui l'entendent ainsi.’
Certains détails sont ingénieux, comme celui d’achever la chanson par le refrain sans en dire la fin. Un régal !
La musique est bien balancée et épouse parfaitement le texte. Empreinte paradoxalement de douceur et de puissance, la voix de Lou K oscille du grave aux aigus.
Pour découvrir le clip, c’est ici
Lou K se produira en concert ce 18 octobre 2022 dans le cadre de l’Overdrive Festival au Het Depot à Louvain, en Belgique.
Le projet est prometteur. On a hâte de découvrir la suite.
La charismatique chanteuse de Hyphen Hyphen dévoile aujourd'hui une nouvelle facette de son talent, tout au long d’un fulgurant premier Ep, baptisé « 999 », qu'elle a composé, réalisé et interprété dans la langue de Molière.
Imprégnée par la nostalgie d'une époque où la musique populaire était subversive et poétique, Santa surprend et bouscule les codes dans un style singulier, qu’on pourrait qualifier de néo-variété. Elle s'exprime, pour la première fois, en français et dans un élan de rage et de sensibilité, raconte, en toute sincérité, odes à l'amour, exhortations à l'émancipation ou encore hymnes à la joie.
L’Ep s’ouvre par « Popcorn Salé », un très beau titre.
Un piano solitaire, une voix bouleversante, puissante. Un texte de fin du monde.
Les trois autres plages se rapprochent de la mouvance des années 80, plus électro-pop-rock, au goût du jour. Riffs et solos de guitare, soundpainting délicat, chœurs, montées et descentes de piano, boucles de voix grandiloquentes.
« Paris en août » nous raconte l’histoire d’une relation de vacances qui se termine sous le soleil de la Ville lumière.
« Réveil » évoque un lendemain de rupture et d’une furieuse envie de vivre.
« Où va le temps qui s’en va » s’interroge à propos de la vie qui passe, le bleu des lendemains doux, suite aux moments difficiles.
« Qui a le droit », dernier titre de l’opus, constitue un plaidoyer à la différence.
Santa tape fort pour un premier Ep, mais elle affiche déjà un sacré parcours.
Santa, c'est la voix unique d'une performeuse qui rend honneur à ce qui a fait les belles années de la variété française : la mélodie et les grandes voix.
Pour découvrir son joli clip c’est ici
Pomme, alias Claire Pommet, nous livre un album subtil, d’une très belle maturité artistique.
Il y a de l’authenticité, de l’humilité. Elle ne cherche pas à plaire mais nous livre son univers, son intimité sans fard, avec générosité.
La musique est douce, sa voix, caressante.
Ses textes sont poétiques, bruts et touchent au cœur. Tous les premiers couplets de ses chansons commencent fort.
Portés par du soundpainting, la musique et les arrangements nous invitent à un voyage empreint de délicatesse.
Pas de doute, c’est de la grande chanson française.
Alors qu’elle remporte le prix de l’Artiste féminine aux Victoires de la Musique en février 2021, Pomme s’attèle à l’écriture de son troisième opus, « Consolation », qui succède à « Les Failles », paru en 2019, et acclamé depuis.
Attirée par l’électronique, Pomme se tourne vers Flavien Berger pour l’accompagner dans cette voie encore inconnue. Au sein de la campagne québécoise, ils coréalisent, un mois durant, l’album qui, à la différence du précédent LP, ne porte pas sur ‘ce qui ne va pas’, mais plutôt sur ‘ce qui fait du bien’. Oscillant entre l’envie de parler de son enfance et de femmes qui l’inspirent, les deux sujets s’entremêlent logiquement dans cette nouvelle œuvre entièrement signée Claire Pommet, également productrice du disque.
Écrit en Bourgogne, à Paris, à Montréal, sur l’Île d’Orléans au Québec ou encore en Ontario, « Consolation » sera d’abord pensé comme un long playing en piano-voix. S’ajouteront par la suite les teintes synthétiques et électroniques auxquelles aspiraient Pomme, qui confèrent au disque une maturité supérieure, traduisant l’ambition et le renouvellement de l’artiste, tout en conservant son identité propre.
Si « Les Failles » marquait assurément une forte émancipation de Pomme qui s’érigeait comme seule autrice et compositrice de son disque, « Consolation » permet à l’artiste de franchir un palier, assurée et déterminée à prouver que ses ressources sont loin d’être épuisées. Œuvre au charme alambiqué, la « Consolation » est une joie qui provient nécessairement d’une peine ; et, de ses belles cendres, renaît Pomme.
Passons les plages en revue.
« Jardin » est une chanson bien balancée dont le texte dur, très touchant, nous parle de son enfance troublée dans laquelle, malgré tout, la lumière a trouvé son chemin. On aimerait en savoir davantage pour mieux comprendre et prendre Pomme, enfant, dans nos bras pour la réconforter.
« Dans mes rêves » commence par un couplet à l’effet d’une balle de revolver. Texte incisif. C’est l’histoire et le lot de beaucoup d’enfants dont les parents créent une relation hiérarchique et non d’amitié avec leurs enfants. Au début ils veulent leur ressembler et les respectent parce qu’ils sont obligés puis, étouffés par leur position dominante, ils n’ont d’autre choix que de les détester. Quand les parents perdent la faculté de devenir de bons amis, les enfants n’écoutent plus leurs conseils. Ils cherchent les réponses ailleurs. Ici, le rêve d’enfance, encore flou, était une réalisation de vie artistique, d’un projet épanouissant et de recevoir l’amour et la compréhension d’un auditoire désiré.
« La rivière » est un hymne poétique, une aile bienveillante, enveloppante pour aider ceux qui ont souffert. Le piano à la Debussy au début du morceau est un régal.
« Nelly » rend hommage à la défunte écrivaine québécoise Nelly Arcan. Sur son mur Facebook, Pomme a posté : ‘Quand j’ai découvert Nelly Arcan l’année dernière, j’ai pleuré tout au long de la lecture de ses livres. Parce que la beauté de ses écrits et la fatalité de son suicide m’ont anéantie. Elle savait ce qui la détruisait et elle savait qu’elle y participait. Elle était piégée. J’ai été frappée par son honnêteté et par la véracité de ses propos encore à notre époque. Découvrir que l’on est connecté à ce point à quelqu’un.e alors qu’il/elle n’est plus là, c’est toujours aussi douloureux que beau. Alors je lui ai écrit cette chanson comme une lettre, pour me consoler, pour au moins déposer tout ce paquet d’émotions quelque part et m’en délivrer. Cette chanson a donné son nom à l’album, « Consolation »’.
« Septembre » est plus énigmatique. S’agit-il d’une envie de continuer en compagnie de l’être aimé ?
Même flou artistique pour « Bleu ». Une envie d’être avec quelqu’un jusqu’à la démence ?
Pomme opère une transition en anglais sur la chanson « When I c u ». Elle ne se cloisonne pas à la langue de Molière et ose celle de Shakespeare de manière assez réussie. Ici c’est assez clair, elle parle de la douleur d’être loin de son âme sœur.
« Puppy », titre original, court, à deux voix, en français et en anglais superposées, parle de l’amour grandissant, de la mort, du changement et de la peur d’être séparée de son amour. Il est amusant d’essayer de distinguer les deux voix chantées.
« Tombeau » semble parler d’un proche au crépuscule de sa vie. Le refus du départ et la promesse de se souvenir des moments et de la joie partagés ensemble.
« Allô » évoque la rencontre d’une personne qui a vécu le même genre de vie, de frustrations et de questionnement que Pomme. Une amie et confidente qui l’aide à traverser la vie.
« B. » semble être la réponse d'une amie qui partage les mêmes sentiments de gratitude amicale.
Merci Pomme pour ce beau cadeau.
A travers ce single, Vincent Delerm revient sur son expérience de scène, de vie.
Il s’interroge sur le sens de sa démarche artistique sous la forme d’une mise en abyme dans le roman l’‘Attrape-cœurs’, signé par l'Américain J. D. Salinger et publié le 16 juillet 1951. C'est un récit formulé à la première personne relatant trois jours dans la vie d'un adolescent, Holden Caulfield en l’occurrence, lors de son errance solitaire à travers la ville de New York.
Dans son beau clip (à découvrir ici), Vincent traverse un pont, tel le célèbre ouvrage d’art américain ; les images retraçant sa vie artistique en incrustation.
De sa voix nonchalante et typique, il dresse un bilan de 20 ans de carrière et raconte une histoire d’amour adolescente de manière douce.
Sa musique agréable, aux arrangements délicats, nous plonge au sein d’une ambiance légère, sucrée, qui nous fait du bien.
L'histoire est touchante de sincérité.
Elle s’achève par la lecture du roman par l’artiste. La boucle est bouclée.
Gaël Faure nous plonge dans l’ambiance de Majorque en commentant son album ‘live’ de 6 titres.
Il nous invite à pénétrer au sein de son univers de manière intimiste et nous livre son pourquoi, son comment.
Il est touchant de sincérité, d’authenticité. Il nous livre ses réflexions, ses vérités et ses doutes.
On entend les oiseaux, les cigales, l’ambiance de la pinède.
Gaël se consacre, bien sûr, au chant. Il est soutenu par Sébastien Richelieu (basse), Emiliano Turi (batterie), Martin Lefebvre (claviers), Matthias Malher (trombone à coulisse), Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Alexandre Grolée (guitare, claviers) et Antoine Delecroix (son).
Les cuivres, comme il le dit lui-même, nourrissent un son très organique et agréable tout au long de l’elpee. Les autres instruments ne sont pas en reste et permettent à Gaël d’atteindre le sommet de son art.
Avant chaque chanson, l'artiste nous livre ses pensées.
Il signe « L’Œuvre de nos vies », une plage au cours de laquelle il invite à réaliser un effort de conscientisation par rapport à soi et à la nature, au monde qui nous entoure afin de devenir meilleur, et donner du sens afin de préserver la vie, en harmonie.
Dans l’audio, « T’as de l’or », il analyse la chanson « Tu risques quoi ». Il exhorte son ami à vivre pleinement. Il lui dit qu’il doit exploiter ses talents, oser écrire des chansons avant tout pour lui et son épanouissement, prendre des risques et vivre, tout simplement.
La voix de Gaël Faure est très chaleureuse, bien balancée, tout au long de « Renoncer », un magnifique titre folk/soul au texte généreux imprimé sur un tempo lent. Il suggère de renoncer à la superficialité et de tendre à la sincérité, la vraie vitesse, la vraie richesse.
A écouter sans modération.
Dans l’audio « Se laver du passé » il est bouleversant quand il parle de son ami et de son pied de nez à ce qui doit se faire ou non. Il rend juste ce qu’il veut et introduit un morceau en anglais dans l’Ep, sous le titre « The Healer », issu de la plume de La Chica.
Dans l’audio « L’eau et la matière » Gaël Faure nous confie comment l’idée de la chanson a germé dans son esprit, et puis révèle qu’il a fait appel à Barbara Carlotti pour en écrire le texte et à Patrick Watson pour la réaliser.
C’est un de ses titres phares qui traite du lien entre l’eau et du cycle de la vie. Ce single avait déjà fait l’objet d’une chronique (à lire ou relire là)
Dans « Désapprendre puis réapprendre » il nous confie s’être acquitté du travail que tout être humain a le devoir d’accomplir. Couper le cordon et opérer ses propres choix en pleine conscience.
Il reprend ce thème dans « Ma maison ma folie », au cours duquel il interprète les refrains dans la langue de Cervantès.
Dans l’outro on perçoit le chant des oiseaux et le craquement du vinyle ; des sonorités qui invitent à (ré)écouter le premier morceau de son album studio, « Eau et la peau », afin de prolonger cette ambiance.
Pour regarder et écouter la magnifique vidéo de la session live réalisée par Brieuc Segalen et Nathan Yamniak, et s’imprégner du climat qui règne au sein de la maison au fond des bois, qui contraste avec celle de la pinède, c’est ici
Une musique de qualité et un moment fort de partage confidentiel accordé par Gaël Faure…
Après la sortie de son magnifique opus, « L’ironie du sort », Louis-Jean Cormier nous propose le single « Même les loups versent des larmes de joie », un titre issu de « 1969 », une compile réalisée par Connor Seidel qui a bénéficié du concours de 12 artistes. Il a été fort remarqué lors de sa sortie en avril dernier. « 1969 » revisite les sonorités des décennies 60-70, en proposant des chansons originales.
Sur « Même les loups versent des larmes de joie », tout en douceur et en subtilité, des sonorités sixties de guitares, de piano, de basse, de mellotron et de djembé se mettent au service de la voix au grain si particulier, enchanteresse, doublée pour la circonstance, de Louis-Jean Cormier, lorsque dans la foulée, il ne module pas son sifflement…
Les arrangements sont simples, minimalistes et d’une belle authenticité.
Il s’en dégage un force tranquille et apaisante.
Le texte, poétique, évoque la peine que l’on peut ressentir après la mort d’un être aimé, son papa en l’occurrence, et du travail d’acceptation.
Pur savoir ce qu’en pense l’artiste, c’est là.
« 1969 » est disponible sur toutes les plateformes depuis le 12 avril et il est possible de se procurer l’album physique et la version vinyle en ligne ici
Pour regarder le très beau documentaire consacré au concept album, c’est là
C’est le grand retour de Christine & The Queens ou plus exactement de Redcar.
Tout en épatant la planète musique toute entière et au-delà, Héloïse Letissier qui avait déjà choisi le pseudo Chris en 2018 continue sa mue. Dans sa recherche artistique et d’identité elle opère une nouvelle transformation.
Sur Instagram on peut lire ‘Redcar ne vient pas pour se venger, douces dames de ce monde, Redcar vient apaiser de sa main flottante. (...) Redcar mon enfant, ce que tu as perdu, tu le retrouveras, dans des atours encore plus brillants. Marche, Redcar, marche. Montre-leur ta vision, Redcar’…
« Je te vois », un extrait du premier opus de Redcar, « Les adorables étoiles » (en précommande on line, vinyle, cd, ici), dont la sortie publique est prévue en septembre, nous plonge dans un revival des années 80. Il a été mixé par Mike Dean, collaborateur de Kanye West, Lana Del Rey et Jay Z.
De la musique électronique pêchue qui invite à danser et de la réverb’ sur les chœurs et la voix. Une chanson dense tant au niveau musical que du texte.
Un texte qui reste un mystère poétique et spirituel. Chacun y trouvera son sens.
Un choix assumé. Elle explique dans une interview à Clique : ‘J'aime les auteurs de textes rugueux, il faut venir vers le texte. Quand on pense à Alain Bashung, ses textes sont une matière poétique qui se travaille, qui se mâche et qui se réfléchit. Mais nous sommes aujourd'hui dans des civilisations d'immédiateté où tout ce qui n'est pas immédiat est vécu comme une provocation’.
Gael Faure est un auteur-compositeur-interprète français né le 7 juillet 1987 à Valence.
Après avoir été demi-finaliste de la Nouvelle Star en 2005, signé chez Sony, il a préféré suivre sa propre voie, sans pression commerciale, souhaitant son autonomie artistique. Il publie ainsi aujourd’hui sa production sur le label indépendant Zamora
« La mémoire de l’eau » mêle joliment sonorités électroniques et acoustiques.
Des nappes électro reproduisent le clapotis de la source, les gouttes, puis l’eau qui ruisselle, au rythme de la basse et la batterie.
Sa voix, douce, puissante, agréable, nous raconte l’histoire profonde du cycle perpétuel de l’eau. Message incitant à une prise de conscience subtile et nécessaire de son importance.
L’eau passant par l’homme, la nature, tous les animaux, font que quand on la boit, c’est une partie du monde que l’on avale et une partie de nous que l’on transmet ensuite à nouveau.
Le texte a été écrit par Barbara Carlotti et Gael Faure.
Moins poétique que la chanson, le clip, consacré à la natation synchronisée, est à découvrir ici
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