Joëlle Phuong Monh Lê, jeune vidéaste et productrice, se lance dans la création sonore. Son premier opus - fruit d’une ‘electronica’ très organique - est en tout cas révélateur d’une précision à couper le souffle. Cette Bruxelloise n’hésite pas à mettre des gants pour une expérimentation des plus troublantes, posant sa voix sur quelques titres, donnant un souffle de vie à une musique trop souvent qualifiée d’aseptisée. Les battements du cœur ou de fines pulsations comme beats, des sons synthétiques qui se matérialisent dans une contemplation séraphique, nappes aériennes et cristallines nous enveloppent dans une placidité tranquille. Le micro label berlinois d’electronica Iwari Records se distingue par cette nouvelle signature, un concentré de sérotonine dont le langage intemporel prend toute sa dimension dans des atmosphères éthérées. A travers 12 berceuses chargées d’émotions, « Lullabies For The Warriors » nous plonge dans une hypnose réparatrice. Loin de tout formalisme, modulant l’image et le son dans une délicatesse commune, Monh Lê s’associe pour l’occasion avec la photographe et vidéaste Ewo du collectif belge Plexiphonic, collaboratrice pour les labels Ninja Tunes, Shitkatapult, Rephlex ou encore Warp. Regard neuf sur une vision du monde belle et enfantine, aux couleurs des Boards of Canada, atmosphères évocatrices de Brian Eno et acuité affective à la Tujiko Noriko, Joëlle Phuong Monh Lê resplendit l’écoute, attendrit le regard et réalise une sublime rêverie sonore à déguster d’urgence.
Ce groupe belge cumule les distinctions. Parmi les plus prestigieuses, il a décroché un premier lauréat et le prix du public, lors de l’édition 2005 du concours « Belle à chanter » organisé à Mons, et le deuxième lauréat des Francofolies de Spa en 2004. Il a, en outre, assuré les premières parties des Ogres de Barback et de Vincent Venet. Pourtant, à l’origine, Rom n’était qu’un projet solo imaginé par Rom Renard. Objectif : créer une bande-son visionnaire destinée à illustrer un voyage entre Bruxelles et le Maroc. Et ce qui n’était au départ qu’un dessein personnel, s’est transformé en concept collectif, puisque le line up implique aujourd’hui 6 musiciens.
Mais quel beau périple nous propose Rom tout au long de son « Carnet de route » ! Il nous entraîne en Europe Centrale, en Afrique et même au bout du monde, sur une musique folk aux accents jazzy et orientaux. Riche en instruments divers (guitare, contrebasse, cornet, violon, clavier, etc.) cette solution sonore est épicée par la voix du chanteur, dont le timbre mais aussi les inflexions sont assez proches de ceux de Bertrand Cantat, leader charismatique de Noir Désir. Au fil du disque (NDR cinq fragments dont deux immortalisés en live), on découvre leurs récits, leurs histoires vécues ou fictives…
Déjà très intéressante sur Cd, on imagine l’envoûtement que leur musique doit exercer sur scène… A voir donc. Et en attendant, à écouter !
Jeune auteur-compositeur-interprète français, Romain Lateltin, nous propose "Elle veut de l´homme", son second album qui, tout comme le premier ("A l´intérieur de soi-même", sorti en 2003), est un album concept. Pour la circonstance, l´artiste se penche sur la vie d´une trentenaire vierge et nymphomane! Vu le sujet, on aurait pu s´attendre à un album graveleux. Au contraire! Soutenue par des mélodies très séduisantes, principalement pop, ponctuées de notes électro ou world, la finesse de la plume du jeune artiste conduit à une œuvre décalée, parfaitement réussie. En effet, dès le premier morceau ("Femme anodine"), on entre dans l´univers de l'artiste et de son héroïne, et on souhaite ne plus en sortir! Le chanteur parvient à nous tenir en haleine et nous impatiente de connaître le sort de cette pauvre fille.
Romain Lateltin (dont les influences oscillent de Gainsbourg à Jean-Louis Aubert, en passant par Zazie, Depeche Mode et les Doors) ne manque ni de créativité ni de talent. Talent qui n´a d´ailleurs pas échappé à Raphaël, dont il a assuré certaines premières parties. On espère donc que le public adoptera son conte musical et surtout Romain Lateltin, même si certains (et surtout certaines), peu réceptifs (ou réceptives) au second degré risquent fort de ne pas apprécier l´ironie du jeune homme et de ne voir en lui qu´un misogyne!
Heu… "WTF ?", comme ils disent... N’y a-t-il pas un petit problème, là ? C’est quoi ce bordel ? Une erreur de la poste ? Pourtant, le sticker collé sur la pochette indique bien 'The New Album'. Un défaut d'usine peut-être ? Etrange : « The Black Parade », le nouvel album de My Chemical Romance, vient juste d’atterrir dans les bacs. Et, curieusement, c’est « Three Cheers For Sweet Revenge », le recueil précédent, qui nous parvient aujourd’hui. Cette bizarrerie mise à part, rien n’a changé dans l’univers du groupe.
Les titres emo-pop à tendance punk sont toujours destinés au même public : les ados. Mais des adolescents légèrement plus adultes que l’auditoire de Fall Out Boy et de Panic! At The Disco. Pour le reste, on à beau retourner l’album dans tous les sens, rien n’y fait. A moins d’être victime d’une hallucination ultra violente, il s’agit bel et bien du même disque que celui qui traîne en magasin depuis deux ans. Et même pas dans le bac import... Bon d’accord, on avoue : ça fait toujours plaisir de s’écouter (en cachette) un sympathique petit « The Ghost Of You ». Mais, à part ça…
Férus d’horror punk metal, accrochez vous à votre rockin chair. Imaginez une surprenante ‘reconstitution’ musicale qui permet de redonner vie à cette forme de théâtre kitsch et gore joué avec succès de 1890 à 1950, au théâtre du Grand-Guignol à Paris. Une prouesse brillamment accomplie par Bloodsucking Zombies From Outer Space, trois joyeux drilles légèrement barjots responsables d’une deuxième plaque dont les influences oscillent d’Alice Cooper aux Misfits, en passant par Electric Frankenstein, Nekromantix, Motley Crue et les Cramps ! Une œuvre particulièrement riche et diversifiée qui épingle un conte macabre en quatre actes « Fairytale of Billy the Butcher », façon papy Alice grande époque ; mais aussi des titres plus percutants, parfois glamoureux, souvent punkysants. De la plage d’ouverture à la conclusion (que nous ne dévoilerons pas), on ne s’ennuie pas une minute à l’écoute de ce skeud aussi jouissif qu’inattendu. Les spécialistes ne pourront s’empêcher de faire le lien avec l’œuvre du groupe culte Devil Dolls, dont la démarche était exactement identique, il y aura bientôt dix ans. Souvenez-vous du succulent « Dies Irae », malheureusement épuisé dans le commerce. A l’instar des poupées du diable, Bloodsucking Zombies from Outer Space, transcende l’irrationnel et joue avec les émotions, sans pour autant tomber dans les clichés insupportables et gratuits des pestilentiels combos de musique gore à dix balles !
Ils ont tous les trois une tête de pharaon tatouée sur leur bras gauche, font du rock'n'roll qui tâche et parlent de cul, d'alcool, de bagnoles, de Dieu et de pèse. Parmi eux, il y a une femme, comme dans Nashville Pussy. C'est Wanda, et elle tient le manche. Ses deux potes portent des vestes en cuir, et aiment qu'on les prenne en photo avec une guitare (ce si beau prolongement érectile) ou en train de boire. Ils aiment les Stooges et Radio Birdman, qu'ils reprennent dans les règles de l'art (à la " 1, 2, 3, 4 " - c'est d'ailleurs le titre d'une chanson). Ils viennent sans doute de Detroit, d'où le " Chrome " de " Wanda Chrome ", et le titre (furieux) " Detroit God ". Ils se disent rebelles, et le rock est leur bible (" Down & Dirty Rock & Roll "). Ils aiment les soli pleins de cambouis, le blues aussi. Leur musique du diable fume comme un moteur de Buick en surrégime. C'est con comme la lune mais c'est parfait comme coup de trique. Ca n'a pas d'importance mais en même temps c'est vital. C'est du vrai rock'n'roll, et c'est pour ça qu'on l'aime. ‘Young and wild, the rebel kind/Won't lose our dreams won't lose our minds/Ain't gonna give up on rock & roll/Never gonna give up our teen-age soul’. Voilà qui est bien dit.
Rick Holmstrom est né en 1965. A Fairbanks, dans l'Alaska. A 20 ans, il émigre du côté de Los Angeles. Et se met à écouter Smokey Wilson et Junior Watson. De 85 à 88, il tourne en compagnie de William Clarke. Puis de Johnny Dyer. Avec lequel il enregistre les albums "Listen up!" en 94 et "Shake it!" en 95. Il remplace ensuite le guitariste Alex Schultz, chez les Mighty Flyers. Ce qui ne l'empêche pas d'enregistrer son album solo. Intitulé "Look out!", il paraît chez Black Top en 96.
"Hydraulic groove" est un album très surprenant. Surtout lorsqu'on sait qu'il a été concocté par le guitariste des Mighty Flyers. A cause du recours à la technologie moderne, et en particulier à l'électronique et aux samples. Dès la plage d'ouverture, "These roads", on est d'ailleurs immédiatement mis au parfum. Il faut croire que le dénommé Genome (?) y est pour quelque chose, et même pour beaucoup. Pas parce qu'il assure les parties d'orgue, mais parce qu'il est responsable de la production. Très soignée cependant, il faut le reconnaître. Instrumental balisé par un riff exotique, "Bobo the Hobo" adopte un format reggae. La guitare magique de Rick est épaulée par les drums de Steve Mugalian et la basse de Jeff Turmes, pendant que l'orgue de Genome densifie l'univers sonore de cette plage. "Last to know" adopte une profil plus classique. Le chant de Rick est bien en place. Les percussions de Mugalian sont placées tout en avant de la toile sonore. La prise de son est signée Rob Schnapf, personnage qui a notamment bossé pour Beck, les Foo Fighters ou encore R.L Burnside. Eclatante, la guitare de Holmstrom affiche toujours ce côté vintage omniprésent. La pilule est plus difficile à avaler chez "Pee Wee's nightmare". Un cauchemar instrumental enregistré dans le garage de Mugalian. Exécuté par Turmes, mixé par Schnapf et produit par Genome, il souffre du trafic intense d'une guitare démesurée. Et ils remettent le couvert sur "Shake it". Le fragment démarre par un sample de la voix de Rufus Thomas, piqué lors d'une remise des WC Handy Awards ; et pourtant, croyez-moi, la guitare est de qualité! Rick chante le latino "My Maria", un morceau à la fois séduisant mais encore bien trafiqué. Toujours placées devant les autres instruments, les percussions de Mugalian accueillent "Back it up" dans un ballet de cuivres orchestrés par Jeff Turmes et Ronald Dziubla. La sonorité devient sourde pour introduire les nouveaux gadgets électroniques qui envahissent "Gravy". Cette compo aurait dû être un des sommets de l'album. Ce n'est pas le cas ! Dommage, car la guitare décolle progressivement vers des sommets. "Tell me" est une bonne composition agressive. La guitare est lacérée, hypertendue à l'excès. Le tracklisting de l'album se termine par l'excellent "I'm gone". Un shuffle qui semble sorti tout droit des 50s. Il aurait d'ailleurs pu garnir n'importe quel juke-box de l'époque, s'il n'y avait quelques artifices-maison et une panoplie de gadgets électroniques. Mais ce Cd nous réserve encore des surprises. Car il cache encore quelques bonus tracks. D'une durée de vingt bonnes minutes, s'il vous plait. L'orgue jazz de John Medeski improvise sur une base franchement funky tout au long de "Roll tape", ne cédant le relais qu'au sax très free de Ronald Dziubla. C'est le moment choisi pour relancer le "Shake it Part 2" afin d'abandonner le DJ Logix à son travail de remix. Pourquoi pas? "Knock yourself out" est un autre remix signé Genome. Et pour clôturer le tout, l'elpee s'achève par un fragment de 8 minutes intitulé "Hamp's hump". Honnêtmeent je préférais l'album précédent de Rick Holstrom. Sculpté dans le blues du futur, il est un peu trop expérimental à mon goût. Je vous conseille d'ailleurs de l'écouter avant de l'acheter…
Le phénomène néo acoustique prend une telle ampleur, qu'on va finir par ne plus y retrouver ses jeunes. Bromide appartient à ce mouvement. Un trio londonien drivé par un certain Simon Berridge. Il joue de l'harmonica (NDR : un peu à la manière de Neil Young), de la guitare sèche (NDR : pas comme Neil Young…) et chante (NDR : pas du tout comme Neil Young !). C'est d'ailleurs sa voix un peu limite qui fait tâche d'huile dans l'ensemble. Car les chansons ne manquent pas de charme. Enrichies tantôt d'un saxophone, d'un clavier, d'un piano, d'une contrebasse ou de samples, et balayées de percussions discrètes, elles manifestent un sens mélodique inspiré par… Belle & Sebastian. Pas les lyrics, cependant ; Bromide privilégiant plutôt des thèmes aussi futiles que le temps passé par les chats à ne rien faire… (NDR : c'était vraiment très intéressant !)
Michaël est originaire du Canada. Ce multi-guitariste est capable de jouer aussi bien de la guitare acoustique, du fiddle que du banjo; mais aussi de passer du kazoo au foot washboard. Cet opus nous invite à vivre un grand périple : voyage dans le temps (répertoire essentiellement pré-war blues mais avec des covers plus contemporaines), voyage dans l'espace (l'ensemble des plages nous permet de traverser différents Etats des U.S.A), et enfin un voyage dans les styles (cajun, delta blues, Piedmont blues, Texas blues, cajun et créole).
Mais tous ces voyages n'ont qu'un maître-mot : l'authenticité ! J.Brown revisite un ensemble de traditionnels dont deux sont chantés en français. Ce qui apparemment ne pose aucun problème pour ce Canadien forcement un peu french lorsqu'il exécute le créole "les plats tous mis sur la table" ou le cajun "la danse carrée / la belle Catherine". Et pas davantage, lorsqu'il propose avec beaucoup de bonheur des reprises qui ne trahissent pas les interprètes originaux. A l'instar du "Wartime blues" signé Blind Lemon Jefferson, du "You can't keep a good man down" de Jesse Fuller ou encore de "Green river blues" composé par Charlie Patton. Le "Saturday night rub" de Bill Broonzy devrait plaire à notre ami Elmore.D. Michaël ne se contente pas uniquement d'adapter des reprises classiques du pré-war blues. Il s'attaque également à "Manic depression" de Jimi Hendrix. J. Brown n'est pas seulement un bon guitariste ; c'est aussi un excellent chanteur. Cover surprenante et séduisante des Talking Heads, "This must be the place" confirme l'éclectisme de l'ensemble. La majorité des titres sont joués en solo ou en duo avec Jordan Officer, également à la guitare. Cependant, Browne a également le bon goût de s'entourer d'un groupe sur trois titres ; ce qui donne encore une autre couleur à cet opus. Ah, oui, j'allais oublier la reprise endiablée de l'incontournable "Boogie Chillen". Je le recommande à celles et ceux qui aiment le blues roots authentique, tant de l'époque des pionniers que des géants du delta ; d'autant plus que le confort du son est assez impressionnant. Un album très agréable qui devrait plaire aux amateurs de folk blues…
Au pays des songwriters qui font mouche, la Scandinavie fait partie désormais des valeurs sûres : Kings of Convenience, St Thomas, voire Royksopp (pour son électro plus proche des formats " chanson " que de Biosphere) et Lee Hazlewood (un Américain jadis en villégiature en Suède, comme en témoigne son " Cowboy in Sweden ")… Autant de jeunes (et moins jeunes) compositeurs qui allient le flegme nordique aux sonorités les plus sereines. Pensez à ce " Quiet is the new loud " érigé en manifeste par les Kings il y a plus d'un an, et que l'Angleterre s'est empressée de récupérer sous l'appellation moins poétique de " new acoustic movement "… Un retour aux sources de la guitare folk et country dont Kristofer Astrom semble être le nouvel ambassadeur (un de plus). Son " Northern Blues " fait en effet la part belle aux ambiances tristounettes, le spleen comme nouvelle arme de séduction et la libido scandinave sacrifiée au profit d'une langueur toute hivernale. Pas qu'il fasse froid chez Astrom : ses chansons parlent quand même d'amour (" All Lovers Hell ", " You Don't Know How Good You Are ", " She Loves Me ", " Connected "), mais d'amour déchu, raté, fini. " I hope you'll burn in hell ", lance-t-il par exemple à sa belle dans " How Can You Live With Yourself ? ". Astrom, bourreau des cœurs ? Sur " You Don't Know How Good You Are ", il tente pendant dix minutes de se faire pardonner… Peine perdue : la belle est partie. " I've been the lonely one since you've been gone " (" Years Since Yesterday ") : t'en fais pas, mon vieux, elle reviendra… La preuve avec " She Loves Me " et " Summer Version " en final de ce beau disque. L'été en Scandinavie, ça existe donc bel et bien ? Ouaip, et il paraît même que ça dure six mois. D'ici là, on espère qu'Astrom n'aura plus trop le " Northern Blues ", et que son disque continuera à rythmer nos saisons.
From Bubblegum To Sky est le projet solo de Mario Hernandez. Un Texan (NDR: de San Antonio, très exactement) qui a sévi chez Ciao Bella. Pour enregistrer cet opus, il a quand même reçu le concours de Jamie McCormick. A la coproduction. Et dans ce domaine, il faut reconnaître que le duo est plutôt performant. Marc reconnaît pour influences majeures Bowie, les Beatles de la seconde moitié des sixties, Big Star ainsi que la pop nippone (NDR : et notamment des formations aussi obscures que The Candle et Pink Ladies). Ce qui explique, sans doute, pourquoi les sessions d'enregistrement de cet opus se sont déroulées à Tokyo. Découpé en onze fragments, " Me and Amy and the two french boys " libère une solution sonore fruitée, rafraîchissante, contagieuse, mélodique et kitsch. Une solution qui me rappelle à la fois World Party et Lightning Seeds. A cause de ce mélange plutôt instinctif de power pop, de synthé pop, de glam rock, de lo fi, de new wave, de bubblegum et parfois de funk, enrobé d'orchestrations et d'arrangements imaginatifs. Une musique tapissée par la voix un tantinet nasillarde, légèrement overdubbée, mais limpide et ample de Mario.
Quel son de guitare! Un son pourri, sec, âpre, dense, produit avec une maîtrise technique et une intensité, jamais prise en défaut ! Rick tient les cordes des Mighty Flyers depuis cinq années. Successeur de grands gratteurs comme Alex Schultz et Junior Watson, il a acquis une tonalité et un style bien à lui.
Son entrée en matière avec "Gonna get wild" campe un style pas possible. Comment peut-il produire ce son? Accompagné des Mighty Flyers sans Rod, c'est bien lui qui mène la danse en nous livrant un premier opus solo réellement impressionnant. Le rythme louisianais, proche du zydeco, du délicieux "Have you seen my girl?" favorise l'entrée en scène des cuivres. Rod Piazza, sans doute revenu prendre Honey à la sortie du studio, en profite pour sortir de sa poche son harmonica, et marquer l'instrumental "Wiggle stick" de son empreinte. Rick sort le grand jeu. Il parcourt son manche, laisse glisser les doigts pour produire des notes acérées, perçantes. "I'd hate to see you cry" swingue avec une facilité déconcertante. La basse de Jeff Turmes y est pour quelque chose alors qu'Andy Kaulkin s'amuse comme un fou en tapant sur son piano. L'originalité et l'aventure sont toujours au rendez-vous pour le rythmé "Lucky day". Rick est poussé dans ses derniers retranchements lorsque son ami et source d'inspiration, Junior Watson, joue les parties de basse à la guitare, sur " Livin' days ". Holmstrom a le plus souvent accompagné des harmonicistes tels que William Clarke, Billy Boy Arnold, sans oublier Johnny Dyer et Rod Piazza. Dyer lui donne la réplique sur "Just right". Rick n'est pas un chanteur de base. Il n'est, dès lors, guère étonnant de voir figurer l'un ou l'autre instrumental sur cet elpee. Comme le très latin "Phlazzbo", le profond "Uno Mas", "Lost in the shuffle" ou encore la plage cachée de la fin de l'album! Il ne se débrouille cependant pas trop mal au chant, et ce " Gonna get wild " se révèle bien plus excitant que son "Look out", paru en 1996 sur Black Top. Excellent !
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