Le projet Manraze n’a finalement rien d’une aventure musicale éphémère, liant Phil Collen (Def Leppard), Paul Cook (Sex Pistols) et Simon Laffy (Girl). N’en déplaise à ceux qui ne croyaient pas en la longévité de ce qui convient d’être nommé un supergroupe.

Preuve nous en est donnée en cette fin d’été puisque la formation signe un deuxième opus bougrement bien ficelé, intitulé « PunkFunkRootsRock », qui au final aurait tout simplement pu porter le titre de « Roots Rock ».

Car de Punk et de Funk il n’est pas vraiment question au fil des douze titres plutôt ancrés dans le chaudron magique du début des seventies.

Si l’influence d’Hendrix est déjà perceptible sur « Over My Body », qui déboule en fanfare, on remarque dès le premier riff de guitare une forte connotation ‘Stonienne’, mais aussi la patte lourde du léopard sourd.

Car il faut bien l’admettre, des skeuds tels « Superbiker » et surtout « Get Action » auraient facilement trouvé leur place sur un nouvel album de Def Leppard. Le trio fait néanmoins preuve d’une grande diversité. Sur le très accrocheur « I C U in Everything », Phil Collen chante beaucoup plus grave, à tel point qu’on pense parfois à Marilyn Manson. Plus pop, « All I Wanna Do » tient parfaitement sa place, à l’image de la ballade « Closer to Me », composée et jouée avec beaucoup d’habilité.

Quand à la reprise du « Fire » du grand Jimmy, il ne s’agit pas de s’écarter du génie original de l’œuvre. Elle est simplement jouée magistralement par l’ancien Pistols. Et surtout les parties de guitare sont à couper le souffle. Ne vous arrêtez donc pas à la pochette affreuse et au titre bizarroïde du nouveau Manraze, soit de trois vieux briscards du rock qui se font diablement plaisir. Frais et roots à la fois !

« Ritual Union » constitue le troisième album de Little Dragon. Fondée en 1996, cette formation suédoise est responsable d’une musique électronique qui lorgne vers la lounge.

Le résultat obtenu lors du mélange entre drums, basse, arrangements électronique et voix est plutôt étrange. Ce qui explique pourquoi Little Dragon a trouvé son style, particulier s'il en est. Difficile voire même très difficile de lui donner une coloration. Une chose est sûre : soit on aime ou on déteste.

Et je vous avoue partager l’avis de la seconde catégorie. On me reprochera peut-être une certaine forme d’hermétisme, mais malgré plusieurs écoutes, un constat s’impose, cette musique n’a aucun goût. D’ailleurs, je dois avouer avoir été presque ‘soulagé’, lorsque j’ai rangé définitivement le cd dans son boîtier. Les rythmes sont répétitifs. Trop faible, la voix se fait littéralement manger par la boîte à rythmes quand ce n’est pas par l’instrumentation. Pourtant, le chanteur, Yukimi Nagano, n'est pas né de la dernière pluie. On lui attribue même un talent certain. D’ailleurs, il collabore régulièrement aux projets Gorillaz et Maximum Balloon. Une référence, il faut le reconnaître.

Ce qui explique peut-être pourquoi certaines critiques estiment ce disque génial. Pourquoi pas ! Pour votre serviteur, il est tellement monotone, lent, triste, lymphatique et insipide, qu’il se destine naturellement à la sonorisation des restaurants et surtout des ascendeurs. En résumé il est vide, à l’instar de « Crystalfilm », compo qui ne démarre qu’après 40 secondes de presque-silence.... ou encore de « Summertearz », qui s’achève après 20 secondes de pause. Cet elpee est donc sensé nous plonger dans une certaine ambiance. Faute de pouvoir la mettre, l’ambiance. Encore que les pistes pourraient facilement constituer une base de travail pour les DJs en mal de remixes. En y ajoutant du peps, de l’énergie quoi, pourquoi pas ?

A éviter, si vous n’êtes pas un inconditionnel du groupe.

« Late Night » et « Cindirella » ne sont déjà plus que de jolis souvenirs d’été que m’arrive enfin le premier album d’une toute jeune formation bien de chez nous, Great Mountain Fire.

Bruxellois bon teint, le quintet débute sa carrière sur les bancs de l’école primaire ‘Nos enfants’ d’Uccle. C’est là qu’ils usent leur fond de culotte, deviennent inséparables et, dès l’âge d’onze ans, débutent la musique. Alexis (basse), Tommy (claviers) et Antoine (guitares) apprennent les grandes lignes de l’écriture et de la compo auprès du papa de Morgan (batterie). La dernière roue de la charrette, Thomas (chant) les rejoindra plus tard. Durant quelques années, les teenagers enchaînent les concerts sous le patronyme de Nestor sans pour autant jamais sortir d’album.

En septembre 2010, c’est sous le pseudo de Great Mountain Fire qu’ils assurent la première partie de Ghinzu au Bota. Dès cet instant, leur carrière connaît un virage assez important ; puisque Jean Waterlot, le chanteur de Montevideo, les prend sous sa coupe afin d’assurer la production de leur première réalisation, « Canopy ».

« Canopy », canopée en français signifie la vie, faune ou flore, qui existe à la cime des arbres de la forêt tropicale. ‘Ça nous évoquait surtout un côté très organique, vivant. A la fois lumineux quand on regarde en haut et à la fois sombre et intime. Il y a plein de synonymes qui nous correspondent là-dedans’, confie Antoine.

Dès lors, de quelle oreille écouter et comment apprécier ce nouvel opus ?

Onze titres électro/pop, post punk, un rien minimaliste, mettant l’accent sur une rythmique bien claire et intense, rappelant de temps en temps l’ère disco du début des eighties. Great Mountain Fire démontre une belle originalité et toute sa richesse dans ce premier opus ouvert sur la ‘nature et le monde animal’.

Outre les deux titres précités qui ont eu une jolie couverture radiophonique, il reste encore quelques belles perles à épingler sur ce premier ouvrage, « Breakfast » et ses chœurs efficaces, « If a Kid » et sa basse lancinante ou encore « Crooked Head » aux consonances très ‘Vampire Weekend’.

Vous les avez peut-être manqués cet été ; pourtant ils se sont multipliés lors des festivals estivaux, au cours de ces trois derniers mois, Pas de panique, Great Mountain Fire partira en tournée dès le début de cet automne. Ne les ratez plus s’ils passent près de chez vous ! Et une découverte belge de plus, une !

Telle une limace baveuse traçant sa route aux commissures de mes lèvres, une grimace hideuse fige mon rictus alors que je me tortille frénétiquement sur le carrelage humide.

A l’intérieur du compartiment Cd, le rayon laser balaye méticuleusement les équations binaires qui savamment orchestrées s’agencent en de multiples essaims venant se heurter par vagues successives sur les récifs abrupts de ma réticence dubitative.

Un sourcil paresseusement levé interroge en vain.

« David comes to life » est un album concept, idée qui à elle seule soulève tant le cœur que la curiosité.

Quelques vagues réminiscences nauséeuses qui effacent le souvenir du meilleur du genre. Argh ! Scabreux défi mis en perspective en quatre actes imaginé par le groupe de Toronto.

Le genre de projet foireux et absolument fou que d’aucun n’oserait relever.

Et par ailleurs, absolu contre-pied débonnaire dans le plus pur style Punk, puisque prenant justement le parti d’user d’un précepte à l’encontre de l’esprit Punk (vous me suivez ?), cet Opéra Rock moderne se fout royalement des conventions, et prend un malin plaisir à se jouer des codes en vigueur.

Nous voici contées les affres de David, parabole sur l’Amour, la guerre, la folie humaine, et nombre de ramifications possibles. Le décor est planté dans les ruines fumantes d’une ville industrielle britannique, à la fin des années 70. L’histoire débute par la perte de l’être cher lors d’un bombardement. Les pièces du puzzle se mettent en place, tandis que la raison de David Eliade, elle, se morcelle. Alors qu’un dialogue interne s’instaure entre lui et le narrateur, une nouvelle approche est mise en lumière sous les projecteurs blafards de la relativité.

Quand le Punk se fait cérébral.

Mais quid de la musique, me direz-vous ?

Indépendamment de la structure et de la narration, l’album peut très bien s’écouter comme un brûlot foldingue à l’énergie décadente. « David comes to life » tient la route d’un bout à l’autre et procure son quota d’excellents morceaux.

Encore plus recherché musicalement que son prédécesseur (« The chemestry of common life »), ce troisième album des protégés du label Matador ose l’improbable avec aplomb et une sacrée dose de second degré.

Les vociférations de son leader, Damian Abraham, parfois un rien lassantes, sont contrebalancées ici et là par de charmantes voix féminines, donnant une aura plus Pop à l’ensemble, un peu comme si par moment on entendait Arcade Fire jouant sur des charbons ardents.

Alors, bien sûr, au long de ces 78 minutes, on n’évite pas toujours la  lourdeur de quelques guitares grassouillettes et quelques poncifs du genre Glam, propres à toute mise en scène grandiloquente de ce type. Mais qu’importe, car au final, ces malins iconoclastes finissent de donner une belle leçon d’inventivité et de radicalité à l’industrie musicale moribonde.

Fucked Up, but happy!

Ces samurai ne sont pas sept, mais cinq.

Ils ne sont pas japonais, mais italien, français, finlandais, belge et irlandais.
Pour armes, ils n'ont que leurs accordéons.
Rien d'autre.
Pas de percussion, pas de basse...
Plein de boutons ! Et pas sur la figure !
Des doigts qui vont à toute allure, et l'expérience de chacun en partage.

Le projet est né il y a trois ans, et les Samurai ont commencé leurs concerts l'an dernier. Voici leur premier disque, produit par Home Records.

Pas spécialement conçu pour les amateurs de piano à bretelles, mais aussi pour qui aime la saudade, le rock et le folk, la mélancolie et la danse.

Les cinq univers donnent une grande liberté de ton, tantôt proche du folk irlandais, tantôt de la musique de films. Les musiciens savent donner corps à leur musique. C'est profond mais pas épais.

C'est sacrément bien foutu, à l'instar du titre « Eleanor Neary's Hornpipe » composé sur une structure classique : le thème revient, se dédouble, dévie, part dans des disharmonies avant d'être rejoué pour clore le morceau.

Malgré la couverture de l'album (où les soufflets rouges rappellent des entrailles), le disque ne se terminera pas en hara-kiri, mais par un superbe morceau finlandais intitulé « The last Waltz », majestueux et élégant.

Ce jeune chanteur/guitariste a passé sa jeunesse à St Louis, dans le Missouri. Il aime la musique, et décide de se mettre à la guitare, choix opéré après avoir entendu un disque de Van Halen. Dans un style mêlant rock, pop et les racines de la musique américaine, il accomplit ses premiers pas sur la scène musicale, à 19 ans. Et il se révèle rapidement prolifique. Mais la vie sur la route est difficile et parsemée de galères pour un Mike rongé par l'alcool et les drogues. Walter Trout parvient à le remettre sur le bon chemin. Zito s’établit au Texas, avec sa nouvelle famille.

En 2007, il signe sur la branche rock, Eclecto Groove, du label blues Delta Groove. Il y publie l'album "Today", l'année suivante. Un disque suivi par "Pearl river", gravé en 2009, pour lequel il reçoit le concours de Cyril Neville et d’Anders Osborne. Le titre maître de ce long playing lui permet de décrocher un award de "Song of the year", en 2010. Début 2011, il immortalise, sous son nom, "Live from the Top", un elpee enregistré en public. Il y bénéficie de la participation, notamment, Nick Moss, Teresa James, Curtis Salgado et Ana Popovic.

Pour concocter ce troisième chapitre, il a de nouveau reçu un coup de main d'Anders Osborne. Non seulement, ce dernier assure la production, mais il collabore à l’instrumentation. Les onze nouvelles compo de Zito sont très introspectives. Le thème principal de ses chansons ? Ses multiples périples accomplis dans le bus Greyhound. Mike est épaulé par sa section rythmique, Carl Dufrene à la basse et Brady Blade à la batterie. Anders se réserve les parties vocales et gratte épisodiquement ses cordes. 

Zito possède une voix très caractéristique. Puissante, éclatante, elle alimente des atmosphères tragiques. Les accords rythmiques entrent en effervescence électrique dès l'ouverture "Roll on". Un excellent rock largement teinté de blues. Autoritaire, la voix maîtrise cette plage de toute bonne facture. La slide prend le large tout en adressant un clin d'œil au blues du delta, propice aux tonalités fort métalliques. Le titre maître est imprimé sur un tempo plus vivace. Son Greyhound propulse toute l’équipe sur les routes de l’Amérique profonde. Une plage filmique colorée par la slide. Tous les éléments s'enchaînent et se déchaînent ; et pourtant, la tempête sonore est bien gérée. Zito ne s’accorde guère de répit. Une atmosphère lourde envahit le "Judgement day". Les guitares libèrent des accents durs et métalliques, comme un Calvin Russell au sommet de son art. Répétitif, "Show me the way" se révèle, in fine, un tantinet agaçant. "The hard way" replonge dans le blues, une piste impitoyable qui arrache tout sur son passage. "Motel blues" permet de reprendre son souffle, en cours de route. Un blues acoustique plus cool, au cours duquel la voix s’impose. Les interventions de bottleneck sont primaires, mais sereines. On décèle très bien la présence d'Osborne. "Stay" est une magnifique ballade au cours de laquelle la voix implore et les cordes donnent la réplique, dans un climat menaçant et sinistre. Véritable perle de blues rock trempée dans le delta, "Hello midnight" est une plage chaleureuse. Sur-amplifiée, la guitare en impose, mais les effets produits sont bien torchés. "The southern side" baigne dans la même solution, mais dans un style plus americana, proche du Band (NDR : autrefois, le backing group de Bob Dylan). Excellent, cet opus s’achève par "Please please please", un cri d'amour qui libère une fameuse de sensibilité et de souffrance, à peine contenue.