Vitas Guerulaïtis est une formation française exilée à Bruxelles qui a choisi pour patronyme le nom d’un tennisman roumain, célèbre pour ses escapades nocturnes, hors courts. Donc, a contrario des autres artistes distribués par le label belge Cheap Satanism, le trio ne se réfère à aucun rite satanique ni à une quelconque secte obscurantiste. L’écurie hexagonale Tandori héberge, en outre, Drive with a Dead Girls et Maria Goretti Quartet. Ce qui confirme la différence.
L’expression sonore de Vitas Guerulaïtis est plutôt atypique. Et si on n’approfondissait pas le sujet, on pourrait croire qu’elle s’apparente à une grande plaisanterie. Faut dire que les titres des morceaux sont peuplés de traits d’esprits. A l’instar de « Chomeuse Go On ». Pourtant, lorsqu’on gratte derrière la forme de cette musique galvanisée par la fougue, criblée d’infantilités, fertile en ruptures incessantes ainsi qu’en onomatopées féminines et masculines, on décèle des mélodies subtiles et habilement construites.
Et finalement, on se rend compte que Vitas Guerulaïtis ne manque pas de talent. Parfois il rappelle même Mr Bungle ; et lorsqu’il calme son jeu, il se montre capable de torcher des compos plutôt bien ficelées…
Si l’immonde pochette de l’album rappelle une obscure série Z apocalyptique, son contenu musical en est le penchant musical, tant il destiné strictement aux fans d’un certain genre, le punk ‘à roulettes’ des années 90, en l’occurrence. « Antonio Villaraigosa Golden Expressway » est un split album partagé par 2 groupes californiens, sévissant à Los Angeles.
84 Day Syndrome est le projet solo de Randy Bradbury, le bassiste de Pennywise. Il s’est chargé des vocaux et de l’ensemble de l’instrumentation. Glue Factory implique des membres de The Falling Idols et de Secret Hate. Les 6 titres de 84 Day Syndrome pourraient figurer sur un nouvel Ep de Pennywise, tant les vocaux que les riffs rappellent le punk caractéristique du gang de Long Beach. Les morceaux de Glue Factory évoluent dans un registre davantage rock-garage. Politiquement engagé, aussi. Dans l’esprit de Jello Biafra.
Impossible de critiquer négativement cette œuvre, tant l’intention des deux groupes est louable. Sincère également, même si ce split cd s’adresse exclusivement aux aficionados des deux combos. Des aficionados qui risquent d’ailleurs d’être comblés à l’écoute de ce disque. Les autres passeront leur chemin en se demandant qui écoute encore ce genre de musique de nos jours. Rien à ajouter ! Il fait beau, j’irai bien faire du skate, moi.
D’ordinaire, le lait tourné nous le crachons. Chez le power trio Black Top, on en redemande plutôt une rasade. Cette deuxième plaque devrait, en toute logique, asseoir la réputation du groupe en dehors de sa Hollande natale. Un son hard rock, mâtiné de punk et d’atmosphère bluesy. La recette du combo, qui n’hésite pas à accorder des shows de trois heures, devrait plaire à un large spectre d’amateur de rock plombé.
Parfois proche d’AC/DC et de ZZ Top, des Damned et de Fu Manchu, la musique du groupe lorgne aussi du côté de Triggerfinger.
Peuplé de titres dévastateurs, « Sour Milk » devrait largement devancer les ventes de « Rough n’Gritty », premier effort des rockers, qui s’est quand même écoulé à plus de 2 000 exemplaires, sans aucune forme de promotion. On regrettera toutefois le manque de soin apporté à l’élaboration du livret, et quelques longueurs sur certains titres.
Mais dans l’ensemble, la plaque ne laisse que peu de temps à l’ennui.
On guette déjà impatiemment la suite de la carrière de cette formation prometteuse. ‘Wait and see’ comme on dit…
Colourmusic a été fondé en 2005, à Stillwater (Oklahoma), par Ryan Hendrix et Nick Turner. Le duo a ensuite été rejoint par Cory Suter, Nick Ley et Colin Fleishacker pour former un véritable groupe. Leur ambition ? Redonner des couleurs au rock !
L’aspect psyché de leur musique évoque inévitablement les Flaming Lips. Pas étonnant, puisque le combo s’est souvent produit en première partie de la bande à Wayne Coyne. Intention louable, le quintet yankee tente de lier chacun de leur morceau à une teinte, en s’inspirant de la ‘théorie des couleurs’ d’Isaac Newton… Vaste programme ! Et, la diversité des ambiances est d’ailleurs ce qui frappe le plus à l’écoute de « My_____ is Pink », le nouvel album des apprentis coloristes.
Caractérisé par sa basse éléphantesque, « Jill & Jack (A Duet) » semble issu du répertoire de Death From Above 1979. « Dolphins & Unicorns » trempe dans du pur rock psyché à la Flaming Lips. « Tog » frôle le space-rock de Babylon Zoo (!!!). « We Shall Wish (Use Your Adult Voice) » lorgne vers Deerhunter et « Pororoca », U2… Et chaque morceau de l’album est susceptible de rencontrer sa référence. Quant à associer une couleur à chaque plage, c’est une autre histoire ! Ce manque de cohérence revendiqué finit par égarer l’esprit du mélomane ; même si le band manifeste une volonté jamais prise en défaut de le divertir à travers des touches de funk, de R&B, d’easylistening, de gospel, de rock et même de krautrock. Trop d’idées pour revendiquer une œuvre sous la forme d’un arc-en-ciel…
D’après leur MySpace, Das Simple est originaire du Vatican et de Dubaï. Un groupe qui revendique, pour style, un mélange de chanson allemande, de musique religieuse et tropicale. N’importe quoi !
Si la description de leur expression sonore est plutôt fantaisiste, elle reflète un état d’esprit que la formation entretient tout au long de ce disque. En fait, Das Simple est originaire de Marseille. Rien de bien extraordinaire, comme origine, donc. Complexe, leur musique mêle noise, jazzcore et métal. Un peu dans l’esprit des différents projets de Mike Patton : Mr Bungle et Fantomas. Si certains morceaux jouissent d’une mélodie décryptable, à l’instar de « Tales of the Galactic Serpent », d’autres souffrent carrément de leur absence. « Pleis » et « Tsia » en sont les plus belles illustrations. Mais en général, même si cet opus est assez difficile à digérer, il demeure comestible. En fait, il nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. Passé ce cap, il ne vous reste plus qu’à vous laisser emporter par le tourbillon provoqué par ces Phocéens, pourvu qu’il ne finisse pas par vous piétiner…
Issu de Los Angeles, Fitz and the Tantrums est une formation plus que prometteuse. Talentueuse aussi. Le line up réunit la chanteuse Noelle Scaggs, le drummer John Wicks, le bassiste Joseph Karnes, le saxophoniste James King et le claviériste Jeremy Ruzumna. Ce dernier est loin d’être un illustre inconnu, puisqu’il a été le directeur musical de Macy Gray. Excusez du peu ! En outre, le groupe a déjà eu l’opportunité de monter sur les planches, en première partie de Maroon 5 ou encore de Sharon Jones and the Dap Kings.
Chaque musico a d’ailleurs son propre parcours et son expérience personnelle, qui se traduisent à travers chaque chanson de l’opus. « Breaking the chains of love » et « Dear Mr President » sont des plages sur lesquelles il est difficile de ne pas avoir envie de bouger son corps. Ces rythmes irrésistibles sont le fruit d’un mélange entre soul et funk. Prodigieusement décapants, ils sont même susceptibles de séduire les mélomanes qui ne sont pas nécessairement branchés sur ces styles musicaux. A cause de cette simplicité et de cette classe qui baignent l’ensemble de l’elpee. Et « Moneygrabber » constitue certainement, la compo, qui illustre le mieux ces caractéristiques.
Premier opus du band, « Pickin' Up The Piece » projette les images d’une balade en voiture, en compagnie de quelques amis, sous le soleil californien, où les paysages défilent à travers les mélodies et communiquent la sensation que rien ne pourrait gâcher ces instants précieux.
Fitz and The Tantrums est un combo jouissant d’un potentiel énorme qui ne demande qu’à être exploité. Le destin est tout tracé pour ce groupe hors pair : le succès !
Half Asleep est un groupe belge. Il est le fruit d’un projet imaginé par Valérie Leclercq et sa petite sœur Oriane. Il faut dire que leur parcours n’est pas récent. Il existe même depuis 2003. Année au cours de laquelle l’album « Palms and plums » est sorti. Il sera suivi par « Just before we learnt to swim », publié un an plus tard. Deux œuvres au fort potentiel. En 2011, « Subtitles for the silent versions » voit le jour. Un nouvel elpee défini par un je-ne-sais-quoi qui communique aux chansons une authenticité telle qu’il est difficile de rester insensible à l’écoute de chaque titre. Half Asleep est un nom qui correspond bien au concept de ces deux jeunes sœurs, dont l’aînée vient à peine de fêter ses 20 ans.
Les rythmes sont lents. Les mélodies semblent oniriques, pleines de douceur et de mélancolie. L’opus s’ouvre par « How Quiet ! », une plage qui nous entraîne sur des sentiers embrumés d’une forêt au crépuscule. Des voix superposées trament un chœur à la fois mélancolique, mystérieux et mythique. Mais si le climat du long playing est apaisant, il s’adresse essentiellement aux mélomanes friands de ce style musical. Les autres risquent ainsi rapidement de se lasser.
Isola avait déjà diffusé, sur les ondes, quelques titres, comme « Gravity » ou « This dream is gone », notamment. Il vient de coucher ces pistes et huit autres sur un album bourré de bonnes énergies. Les mélodies, toutes plus entraînantes les unes que les autres, regorgent de bonne humeur. Et elles sont de celles qui s’en vont faire danser les neurones pendant des heures, une fois les oreilles touchées par ces notes emballantes. « Covet Me », à titre d’exemple, est de ces airs qu’on fredonne volontiers une journée entière. L’ouverture de cet album est faite de la plus belle manière qui soit et constitue une fête à elle toute seule. L’envie d’embarquer sur scène en leur compagnie est imminente. Et preuve d’une grande habileté musicale, toutes les pistes sont homogènes. Notons au passage que « This dream is gone » démontre qu’Isola déborde également d’efficacité quand le rythme ralentit quelque peu. Un bon morceau sur un tout bon album. A écouter en voiture sur les routes ensoleillées, les cheveux au vent, les lunettes noires devant les yeux ; car ces dix pistes regroupent toutes ces ondes positives.
Marnitude propose son premier Ep. Il est découpé en six titres, le tout pour à peine plus de 20 minutes en musique. Toutes ces pistes transpirent la mélancolie et la nostalgie. Mais une certaine poésie, éternellement liée à ces sentiments, émane des mélodies ‘froides et fragiles’, comme les qualifie lui-même le chanteur et guitariste Jean-Rémy Papleux. Elles paraissent transporter cette beauté et cette tristesse que seule l’automne est capable d’exalter. L’orgue, derrière lequel se cache Nils Méchin, renforce cette sensation si particulière. Ses notes, entremêlées à celles de la guitare de Jean-Rémy Papleux et à celles de la basse de Julien Doigny, prennent l’apparence d’un air qui décroche et fait tomber les souvenirs, comme le vent provoque la chute des feuilles, une fois celles-ci roussies. Et les morceaux défilent comme nos souvenances dans notre tête. La délicate voix veloutée nous souffle de continuer cette bal(l)ade maussade, comme le craquement des feuilles mortes sous nos pieds nous incite à poursuivre notre chemin. On s’imprègne de cette force si chagrine et si belle à la fois.
Mais lorsque les dernières notes se sont envolées, on ne sait si le temps qu’a duré ces effluves cafardeux était trop court ou si les prolonger aurait nui à leur efficacité. Le seul moyen d’en avoir le cœur net serait de pouvoir l’expérimenter. Reste donc à Marnitude de nous en proposer plus, pour savoir si notre réceptivité demeurerait intacte tout au long de dix ou quinze plages d’un tel acabit.
L’amour du rock n’ roll cultivé par Duff McKagan prend le dessus sur toute considération matérielle. Quand on a milité chez Guns n’Roses, durant ses heures glorieuses, on a peu de chance de rencontrer des soucis financiers. Le précédent opus de Loaded a beau avoir été un échec commercial, Duff et ses comparses n’ont pas pour autant baissé les bras. En publiant « The Taking », le combo risque bien de passer des petites scènes des clubs à des podiums plus conséquents. Car du tube en puissance, la plaque n’en manque pas. Il suffit de jeter une oreille sur les imparables « Cocaine » ou « Wrecking Ball », l’époustouflant « Dead Skin » plein de panache ou encore sur le plus emphatique « Easier Lying », pour être convaincu qu’on tient là un disque doté d’un réel impact commercial. Vu la production signée Terry Date, pas étonnant que le résultat soit d’enfer. Et si le son est lourd, mais parfaitement limpide, les riffs sont costauds, et les refrains plutôt glam rock.
Un poil plus sombre qu’à son habitude dans l’expression de son art, l’ex-bassiste des Guns a opéré un choix judicieux en embauchant le batteur Isaac Carpenter qui booste la formation. L’opus est surprenant et devrait combler les plus exigeants des fans de ‘Classic hard rock’. Vivement un show en Belgique !
Au moment où j’écris ces quelques lignes, les coureurs cyclistes du Tour de France arrivent à Lourdes. Et pourtant, le miracle n’est pas sportif mais d’ordre musical. Il existe de ces rencontres qui vous subjuguent, vous coupent le souffle et vous laissent sans mots. Ce tête-à-tête, Scarlett O’Hanna vous l’offre. Grâce à la mélodie de « HK », elle vous met tellement en émotion que vous voudriez que le temps s’arrête pour pouvoir en profiter éternellement. Il se trouve là, le prodige ! Quelle magie, quel génie, quelle délicatesse, quel exploit… Ses qualités pourraient être l’objet d’une liste interminable. Les notes que la Bruxelloise arrive à extirper de son piano sont tout bonnement exceptionnelles. Elles sont dignes des plus grands airs de cet instrument.
On est tellement emballé qu’on en oublierait presque que l’album ne s’arrête pas à cette première piste. Bien entendu, aucun autre morceau n’atteint le fantastique niveau de la première plage. La seule vraie faiblesse est « I got there, I am OK », mais ce morceau n’est que de courte durée. « Catherine » donne à Scarlett O’Hanna un petit air de Yael Naim. Pourvu qu’elle connaisse le même succès que la Franco-israélienne. Car lorsqu’une artiste est capable de distiller autant de talent sur sept pistes, on en redemande forcément.
Phaedra vient secouer d’un grand coup le monde musical. Invoquant une des grandes forces naturelles sur terre, « The sea » porte son nom à merveille. Précisons aussi que le mythe de Phèdre, d’où le groupe tire son nom, est vaguement lié au dieu grec des mers et des océans, le tout puissant Poséidon. Et tout se tient car les ambiances sont calmes, secrètes, sombres et magnifiques en même temps, comme les fonds marins. La voix de la chanteuse norvégienne Ingvild Langgård évoque celle d’une sirène perfide. Elle provoque une certaine hypnose et met l’esprit à la dérive. Ce dernier se rassasiant du plaisir immédiat suscité par ce chant envoûtant. Cette légende des femmes-poissons prend réellement vie. Rarement on a pu contempler une telle puissance avec si peu de déploiement de forces. On est irrémédiablement attiré. On se laisse porter par les vagues de sons. Les profondeurs finissent par nous engloutir ; mais aucune résistance ne vient leur faire barrage. La descente vers les abysses sous-marins est tellement délectable qu’on se laisse glisser vers cette tranquillité apaisante. Et lorsqu’on touche le fond, on s’aperçoit que le monde aquatique est empli de couleurs qui lui octroient une beauté unique et insoupçonnée. Cette exploration provoque des émotions par dizaines et reste gravée dans nos mémoires. « The sea » est donc une puissance tranquille, forte et marquante, à la frontière des bonnes et des mauvaises intentions. Mais que ce soit du côté blanc ou du côté noir, le pouvoir de séduction de cet album est immense.
Les amateurs de sympho et de prog s’entendront tous pour parler de “Heads or Tales”, en termes élogieux. Un album studio datant de 1983 qui demeure le sommet de la carrière des Canadiens de Saga.
Il est vrai que l’œuvre n’avait jamais été interprétée dans son intégralité, à l’époque, et que ce type d’exercice devient de plus en plus répandu chez les groupes vétérans. Mais quel est l’intérêt d’enregistrer live, près de 30 ans plus tard, une œuvre aussi dense sans le chanteur Michael Sadler ?
Son remplaçant Rob Moratti, osons l’écrire, ternit abominablement les dix titres en tous points magnifiques, dans leur version originale.
Bien sûr on ne peut qu’éprouver un sentiment de bonheur à l’idée de réentendre « The Flyer », « Catwalk », « The Writing », « Social Orphan » ou « Pitchman », tous considérés comme des standards du hard FM. Et on ne peut nier l’excellente interprétation des musiciens du combo, Ian Chrichton en tête. Ses soli de guitare filent toujours autant de frissons.
La virtuosité demeure intacte. Mais imaginons un « Highway to Hell » enregistré sans Bon Scott ou n’importe quelle pépite de Rush chantée par Max Cavalera… C’est exactement le sentiment que l’on éprouve à l’écoute de « Heads or Tales Live ». Que ceux qui ne connaissent pas ce fabuleux album des eighties se précipitent sur sa version studio, disponible en réédition. Notons que depuis la sortie de ce live, Michael Sadler est rentré au bercail. Qui s’en plaindra ?
En 2008, Shineski publiait son premier elpee. La critique n’avait pas été tendre vis-à-vis de ce long playing. A cause de la production, jugée trop faible. La formation française (NDR : issue de Mulhouse, très exactement) nous propose donc son second opus. Et pour la circonstance, elle a décidé de se réserver l’enregistrement et le mixing.
Pour ce « The Wild Lane », Shineski a également décidé de ressortir les grosses guitares. Résultat des courses, la plupart des compos de cet elpee sont sculptées dans un rock sans concession. Brutal, féroce aussi. On se croirait parfois revenu quinze bonnes années en arrière. Pensez au grunge du début des 90’s. Aux Foo Fighters, par exemple, même si le groupe puise également ses influences chez Trent Reznor et Bowie. Evidemment quand on reprend « I’m Afraid of Americans », difficile de le contester. Certaines compos trahissent également de forts accents stoner, à l’instar du titre maître.
Malheureusement, malgré les excellentes références, le résultat est décevant. On est ici très loin d’un Pearl Jam voire d’un Kyuss. En fait, le revivalisme de Shineski est tout bonnement suranné. Parcourus de soli de gratte d’une autre époque, des morceaux comme « In the Dark » ou « Another Way to Say Goodbye », en sont de parfaites illustrations. Et ce n’est pas la voix écorchée de Mathieu Gettliffe qui nous permettra de changer d’avis.
En voulant soigner la mise en forme, Shineski a oublié l’essentiel : le contenu. Pas que cet elpee soit de mauvaise facture, mais il ne parvient jamais à éveiller nos sens. Or sans ce feeling, difficile d’accrocher à un album…
Seuls les collectionneurs les plus pointus réussissent l’exploit d’énumérer la longue liste des enregistrements live d’Uriah Heep, un des groupes les plus influents des années 70, aussi bien pour la scène metal que prog.
Troisième volet de la trilogie des « Official Bootleg », ce « Live in Kawasaki Japan 2010 » fait suite à « Budapest Hungary », sorti l’an dernier, mais aussi à « Sweden Rock » paru en 2009. Et les trois objets rassemblés constituent un excellent témoignage de la troisième carrière du gang de Mick Box, seul rescapé du line up originel. Pourtant, l’interprétation des nouveaux et des anciens titres, combine très adroitement la fidélité aux ingrédients propres au Heep ; une façade heavy mais des mélodies de haute volée, des thèmes aux apparences simplistes, mais d’une grande complexité. Box assure comme jamais, entouré d’une tripotée de musiciens soigneusement sélectionnés. Le bassiste Trevor Bolder et le dernier venu, le batteur Russell Gilbrook, fusionnent à merveille dextérité et puissance de feu. Fameuse section rythmique !
Même s’il ne peut atteindre les notes les plus aigues du regretté David Byron, Bernie Shaw affiche toute sa maîtrise en réadaptant les lignes de chant du répertoire des Anglais. Phil Lanzon, derrière ses claviers, ne se risque pas à copier son célèbre prédécesseur Ken Hensley, favorisant les sonorités modernes au détriment du ‘Hammond Sound’. Notons encore la participation de l’ex-Whitesnake Micky Moody à la slide guitare, venu spécialement au Japon pour épauler son vieux pote Mick.
Les vingt-deux titres s’écoutent donc d’une oreille particulièrement attentive, d’autant plus que les versions proposées sur ce ‘pirate officiel’ sont toutes assez éloignées des enregistrements studio. A revoir en concert absolument !
Chaque grande scène de film a son émotion. Chacun de ces sentiments est appuyé par une musique en arrière-plan. Les treize titres de « Breadth Control » ont un peu cette allure-là. Ils créent des ambiances claires et précises, qui laissent beaucoup de liberté à l’imagination tout en sachant où on veut emmener l’auditeur. On se construit très facilement de véritables séquences de production cinématographique. Et il n’est clairement pas donné à tout le monde d’établir de tels morceaux. Mais il est bien rare que les mélodies d’une B.O. de film pénètrent notre mémoire. En effet, on ne peut s’en passer tout au long de la projection, mais, à la sortie de la salle, personne ne se souvient d’un air musical. David Vangel nous propose un album bâti sur un schéma similaire. Ses morceaux sont jouissifs sur le moment, mais ne gravent aucun souvenir. Un autre détail me chiffonne : la meilleure piste est sans aucun doute « A Place In Time », qui ne dure que… 45 secondes ! Il est ‘étrange’ de ne pas exploiter plus longuement cette plage qui pourrait être d’anthologie. Du coup, on reste sur un goût de trop peu. Mais le fait que « Breadth Control » ne comporte pas de réel titre faible, sauve la mise par la suite.
Le nouveau single des Red Hot Chili Peppers, « The Adventures of Rain Dance Maggie », est sorti ce 18 juillet. Il est en écoute sur le lien suivant : http://soundcloud.com/kroq/red-hot-chili-peppers-the/s-CrrWW
Pour rappel l’album « I’m with you », paraîtra ce 26/08.
Et pour cause, la diva se produira ce 25 octobre à l’AB de Bruxelles ; mais surtout à 74 balais, Wanda Lavonne Jackson a publié un nouvel opus, en janvier 2011, intitulé « The Party Ain’t Over ». Produit par Jack White, cet album réunit 11 covers de titres parus entre 1900 et 2007.
Cliquez ici pour découvrir la vidéo de présentation de l’Américaine.
« Skying », le 3ème album de The Horrors vient de paraître chez XL Recordings. La formation britannique parviendra-t-elle à nous livrer une œuvre digne des précédentes ? Pas sûr, car la presse semble plus que divisée à ce sujet !
« Dedication », le premier album de Zomby, vient de paraître chez 4AD. Le presse spécialisée est dithyrambique à propos du disque de ce producteur anglais, responsable d’une électro glaciale... Jugez plutôt :
“Electronica urbaine superbe, innovante et de très grande qualité” – Mojo (4/5).
“ L’une des meilleures flammes de la Dub-step!“ - Drowned In Sound (9/10).
Le premier single, « A Devi Lay Here », est téléchargeable sur le site de 4AD
http://www.4ad.com/news/21/6/2011/newzomby7onshelvesfreemp3wavavailablenow
Quatrième et dernier jour du festival. L’heure est donc aux bilans, que Seb vous relate en fin d’article. Largement positifs, même si tout n’a pas été parfait. Vos serviteurs ne perdent jamais leur sens critique, c’est une constante…
Arrivé au beau milieu de l’après-midi, on est confronté aux averses qui, au fil des heures, vont redoubler d’intensité. Aussi, en traversant le site, une constatation s’impose : la gadoue gagne du terrain…
Un petit tour du côté du Clubcircuit Marquee nous inspire, puisque The Bewtiched Hands s’y produit. Une formation rémoise qui jouit d’une excellente réputation outre-Quiévrain. Mais ce qui frappe d’abord chez ce sextet, c’est la choriste. Elle possède du coffre. Au propre comme au figuré. Les musicos affichent des looks totalement disparates. Mais musicalement, ils forment un ensemble plutôt homogène. Les harmonies vocales se conjuguent impeccablement. De petits riffs de gratte secouent des mélodies pop imprimées sur un tempo léger. Un set finalement agréable pour ce groupe à suivre de près.
En 2009, Gaëtan Roussel a donc entamé une carrière solo. Et depuis, la courbe du succès dessinée par le natif de Rodez est ascendante. 2011 lui a valu ainsi une victoire de la musique pour son album, « Ginger ». Dès qu’il monte sur les planches, il se met à pleuvoir. Face à la Last Arena, donc en plein air, il est donc nécessaire de sortir les vêtements et protections de pluie. Paraît que chaque fois qu’il vient à Dour, bonjour la flotte. Faut croire qu’il est maudit sur la Plaine de la Machine à Feu. En l’an 2000, son Louise Attaque avait dispensé un set en demi-teinte ; et en 1998, il avait carrément déclaré forfait, à la dernière minute. Une annulation qui s’ajoutait à celle de Rammstein, prévue elle, néanmoins. 1998, souvenez-vous, c’était la finale de la coupe du monde de football, disputée à Paris et gagnée par la France. Une explication qui en vaut une autre, mais elle avait fait grincer les dents de plus d’un aficionado. Bref, sans rancune, car on aime bien Gaëtan. Son dernier elpee est sympa. Dès lors, on espère qu’il va nous en mettre plein la vue et les oreilles. Huit musiciens montent sur les planches. Deux drummers : un conventionnel et un autre équipé d’un matos synthétique. Un claviériste. Deux choristes, dont une particulièrement corpulente, de couleur noire, qui double circonstanciellement au saxophone. Un bassiste. Un guitariste. Et Roussel. Parfois à la gratte. Rythmique et même sèche (NDR : notamment pour interpréter l’inévitable tube « Dis-moi encore que tu m’aimes »). Selon les morceaux. Sa voix est bien timbrée. Au début du concert, le sixcordiste n’est pas trop rassuré. Le vent pousse la pluie vers ses pédales de distorsion. Deux roadies essaient, le plus discrètement possible, de les protéger, à l’aide de bâches en plastique. Gaëtan se démène beaucoup sur l’estrade. Il harangue la foule. L’invite régulièrement à ‘clapper’ des mains. Soulève l’enthousiasme de l’audience. Mais progressivement, accorde trop de latitude à ses partenaires qui s’autorisent des soli aussi longs qu’inutiles. Une seule exception, un titre plus complexe, à la limite du psychédélisme, au cours duquel, tout le band donne le meilleur de lui-même. La cover du « Psycho killer » de Talking Heads est un peu trop approximative et le morceau final, interminable, passe complètement à travers. Raison suffisante pour vider les lieux avant la fin du spectacle. Manifestement, Roussel s’est entouré d’excellents musiciens. Mais désolé, Tamac et Louise Attaque, c’était quand même autre chose…
Le rédac’ chef a convaincu Seb d’aller voir et écouter Blood Red Shoes. Et il ne l’a pas regretté. Steven Ansell s’est, comme d’hab’, planté à droite de la scène, de profil, derrière ses fûts. Tel un chef d’orchestre, il lève sa baguette, pour marquer le début d’un nouveau morceau. Ou un changement de tempo. Son jeu de drums est à la fois ample, sauvage, précis et fulgurant. Laura-Marie Carter est vêtue d’un t-shirt et d’un short en jeans. Ses riffs de gratte mordent les mélodies comme à la plus belle époque du grunge. Le son est puissant (NDR : m****, on n’a pas de boules-Quiès ; demain bonjours les acouphènes). Les titres défilent. Les singles. Des morceaux issus du dernier album (NDR : surtout), du premier (parfois) et quelques nouvelles compos. Mais la setlist tient remarquablement la route. Les vagues de stagediving se succèdent. Certains excités parviennent même à monter sur les planches, poursuivis par le service d’ordre. Musiczine l’avait déjà proclamé, mais Blood Red Shoes a le potentiel pour se produire dans le cadre de festivals majeurs, comme Werchter en Belgique ou le Main Square d’Arras, en France.
Vu la performance de Blood Red Shoes, on a manqué le début de set de CocoRosie. La Petite Maison dans la Prairie est pleine comme un œuf. Et on exagère à peine, puisque la foule déborde du chapiteau. Conclusion, l’angle de vue, à plus de 30 mètres de la scène, et de biais, n’est pas vraiment idéal pour apprécier leur show. Les sœurs Cassady sont plutôt jolies, mais outre leur maquillage outrancier, leurs accoutrements sont on ne peut plus extravagants. La cadette a revêtu une sorte de tablier de guindaille estudiantin, surmonté d’une capuche ; une cape qui laisse apparaître un ensemble fluo rose, alors que sa frangine est coiffée d’une casquette de militaire. Et elle porte également un body plutôt sexy. Ce mélange de kitsch et de charme a de quoi faire sourire. Ou séduire. Mais les très belles voix des sœurs se conjuguent à merveille. Semi-opératique, semi folk, celle de Bianca est très aigüe. Quand à Sierra, ses vocalises bizarres, qu’elle triture à l’aide d’une sorte d’enregistreur, me font penser à des incantations de sorcière. L’instrumentation est réduite à un clavier et une flûte singulière. Sans oublier les machines et le beatbox, un peu trop envahissant, à notre goût. Heureusement que les filles développent une gestuelle théâtrale qui colle bien à leur style musical…
Dehors, il a encore plu. Et se déplacer sur la plaine ressemble maintenant à un vrai défi sportif. Surtout ne pas se prendre une gamelle dans la berdouille. Certains avancent comme s’ils pratiquaient du ski de fond. Il faut rivaliser de souplesse lors de ce périlleux exercice d’équilibre. D’autres préfèrent marcher pieds nus. On ne s’en n’est pas trop mal sorti. Surtout quand on croisait des festivaliers, couverts de boue, de la tête aux pieds. Quand on pense que certains dépensent des fortunes pour suivre des cures de fangothérapie. A quand une station thermale sur le site de Dour ?
Franchement en écoutant leur musique, on jurerait que ce groupe est britannique. Non mais imaginez un mélange de new wave et de glam, dispensé par une formation drivée par un chanteur qui possède un timbre vocal ainsi que des inflexions très proches de Brett Anderson et dont les attitudes évoquent Morrissey. Et quoi ? C’est un combo américain. Un quintet (NDR : enfin sur les planches) qui a livré un tout bon set ce soir. Bien sûr, Jonathan Pierce n’hésite pas à en rajouter une couche. Il danse très curieusement, en se pavanant et en déambulant de long en large sur le podium. Le drummer imprime un tempo très caractéristique des eighties. Connor Harwick joue de la guitare en tenant le corps de sa gratte sous le bras, le plus souvent en picking, parfois à la mode shoegaze. Outre une nouvelle compo, The Drums va interpréter l’inévitable single « Let’s go surfing », que le public reprendra en chœur. Pas un concert révolutionnaire, mais vraiment d’excellente facture…
Et ce temps pourri explique de nouveau, l’audience réduite devant la Last Arena pour accueillir Aaron. A l’instar des concerts de Suede et de Pennywise, accordés la veille, on aura droit à une prestation quasi-intimiste pour une tête d’affiche. Faut dire que les 30% de spectateurs issu du Nord du pays, présents à Dour, ne connaissent pas cette formation française. Le light show nous plonge dans une ambiance de fin de soirée. Mais leur set démarre plutôt bien. La voix de Simon Buret est toujours aussi agréable. Elle caresse les tympans. Un peu à la manière de ce petit vent frais qui balaie la Plaine de la Machine à Feu. Mais il en fait cependant parfois un peu trop. Non seulement il ressemble physiquement (NDR : enfin de loin !) à Chris Martin ; mais on a l’impression que parfois il le singe. Chercherait-il à suivre la voie du succès, tracée par Coldplay ? En fin de parcours, Aaron nous réserve « U-turn (Lili) », une compo mélancolique qui a servi pour la B.O. du film de Philippe Lioret, « Je vais bien, ne t'en fais pas ». Une impression de spleen accentuée par pluie, qui s’est remise à tomber. Provoquant la fuite d’une partie du public, pendant le morceau final…
A contrario, le Dance Hall est plein à craquer pour le show de Shantel & Bucovina Club Orkestar. En fait, Shantel avait déjà fait sensation, au même endroit, en 2008, soutenu par un autre ensemble, le Disko Partizani. Et si les souvenirs sont bons, c’était juste après le concert des BB Brunes, qui n’avait pas vraiment enthousiasmé les festivaliers (NDR : et c’est peu dire !) Trois ans plus tard, le DJ allemand est donc de retour. Suivant sa biographie, il serait le fils de réfugiés roumains. Ce qui a sans doute influencé le nom de l’orchestre (allemand aussi) qui l’accompagne : le Bucovina Club Orkestar. Sur les planches on a droit à un show remuant qui flirte tant avec Goran Bregovic que Gogol Bordello. En plus varié encore, puisque la salsa ou le disco sont constamment alimentés par des rythmes est-européens et des cuivres. De quoi permettre au clubbers de continuer à danser. Même les plus fatigués. Car ce style de musique balkanique reste très (trop ?) à la mode actuellement.
Créé en juillet 2009 aux ‘Ponts du Rock’, Le Bal des Enragés réunit une bonne dizaine de musiciens issus des meilleurs groupes punk alternatifs français. Entre autres, Tagada Jones, Lofofora, Parabellum ou encore Black Bomb A ; et même des danseuses de Punish Yourself. Je vous avais déjà décrit leur show, lors de leur passage à Dour, en 2010 (http://www.musiczine.net/fr/festivals/festival/dour-festival-2010-jeudi-15-juillet/ ). Pas grand-chose de nouveau à ajouter sur leur prestation de cette année. Il y a moins de monde que l’an dernier, mais le public pogote sec. Les festivaliers les plus acharnés (ou enragés ?), sans doute. En tout cas, il est déjà 2 heurs du mat’. La journée était, tout comme le festival dans son ensemble d’ailleurs, fort chargée. Il est donc temps de rentrer…
(SL & BD)
Seb a donc décidé de tirer un bilan de ces 4 jours de festival :
- Les ‘plus’ :
* L’organisation : même si certains médias prennent un malin plaisir à s’acharner sur les incidents et les faits divers qui se produisent lors du festival, il faut reconnaître qu’accueillir plus de 40 000 festivaliers chaque jour, proposer 229 concerts et DJ sets sans incident ni retard majeur, relève d’une belle prouesse et d’un professionnalisme de plus en plus remarquable
* Les zones de détente et l’élargissement du site en général : seule la montée entre la Last Arena et le Dance Hall souffre encore d’un goulot d’étranglement dangereux, susceptible de causer des problèmes, lors de mouvements de foule.
* 30% de néerlandophones : malgré l’explosion de festivals au Nord du pays, nos compatriotes (enfin, toujours à l’heure d’écrire ces quelques lignes) n’hésitent pas à passer la frontière linguistique. Signe de la renommée du festival et l’absence de problème communautaire, chez les festivaliers.
- Les ‘moins’ :
* Le temps : pourri ! Une exception qui a confirmé la règle : le vendredi. Une journée ensoleillée très appréciée, il faut le reconnaître. Par contre, le dimanche et surtout le samedi ont vécu au rythme des averses. Et a transformé le site en véritable cloaque. Ces conditions difficiles n’ont pas nécessairement démoralisé les festivaliers. Qui ont peut-être rêvé de vivre un Woodstock en miniature.
* Les come-back : limite ‘has been’. Pas question de cracher dans la soupe, mais l’affiche a quand même mis en exergue des vieilles gloires issues des 90’s (Suede, Pulp, etc.) ou exhumé le rap ainsi que le hardcore old school, alors que d’autres festivals, à l’instar du Pukkelpop, privilégient les groupes ou artistes dans l’air du temps.
* La nourriture : pas le top ! Les stands pourraient quand même faire un effort pour diversifier leurs produits.
- Le top 5 de l’année 2011 :
1) Neurosis
2) Foals
3) Blood Red Shoes
4) Life of Agony
5) Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou
- Les regrets
Avoir manqué quelques sets qui méritaient le détour : Anika, Charles Bradley et Keira Knightley mangeant des frites (enfin si ce fameux buzz n’est pas un bobard ?)
(SL)
David Bartholomé, le leader de Sharko, publiera son premier album solo, en octobre. Son titre ? « Cosmic Woo Woo ». Il se produira dans le cadre des Francos le 20 juillet, puis au Botanique, pour trois dates, soit les 29/11, 30/11 et 01/12.
La formation américaine The Drums publiera déjà un second album ce 12 septembre ! Intitulé « Portamento », il sera précédé par le single « Money ». Il est plus que probable que leurs nouveaux morceaux seront interprétés ce 17 juillet, lors de leur set, accordé dans le cadre du festival de Dour. Le combo se produira, en outre, le 15 septembre au Botanique de Bruxelles.
Tracklisting : Book Of Revelation / Days / What You Were / Money / Hard To Love / I Don’t Know How To Love / Searching For Heaven / Please Don’t Leave / If He Likes It Let Him Do It / I Need A Doctor / In The Cold / How It Ended
Puro Instinct est un duo réunissant deux sœurs, Piper et Skylar Kaplan. Ariel Pink est tombé sous leur charme. Les frangines semblent issues du film ‘Virgin Suicides’ ; quand à leurs compos, elles reflètent la fragilité et la folie de l’adolescence. Cette nouvelle signature du label Records Maker a également été saluée par le NME, Dazed & Confused et GQ. Leur album « Headbangers in Ecstacy » paraîtra ce 3 octobre. Au menu : mélodies lo-fi et réverbérations éthérées. Enfin, pas seulement, heureusement ! Pour vous faire une idée, rien de tel que de découvrir leur clip, « Stilyagi », dispo sur la toile…
http://www.youtube.com/watch?v=-5fjnvfeE7A&feature=youtu.be
http://vimeo.com/25560967
‘Van de regen in de drup komen!’ Je cherchais une expression susceptible de décrire l’évolution catastrophique de la météo, ce samedi. Et finalement c’est ce proverbe flamand qui m’est revenu à l’esprit. Un proverbe qui pourrait se traduire, au propre comme au figuré, par ‘aller de mal en pis’.
Dès 16 heures un crachin douche déjà la foule, embourbée devant la Last Arena, avant même l’arrivée des Ogres de Barback. Une véritable famille, puisque le line up réunit des frères et sœurs. Malgré le côté festif et le jeu de scène (entre musique de rue et spectacle de cirque) de leur spectacle, toujours aussi agréable à regarder, le public réagit très timidement. Pourtant le show est varié. Les différents instruments virevoltent, littéralement. Les différents morceaux s’enchaînent, un peu comme des contes (NDR : « Rue de Paname » en est certainement la plus belle illustration). Et puis, la formation n’hésite pas à adresser quelques clins d’œil à d’autres artistes. A l’instar du titre « Le roi des Kongs », pastiche du « King Kong Five » de leur pote Manu Chao ou en final du « Salut à Toi » des Bérus.
Dans le même esprit, The Locos embraie sous le Dance Hall. Et Pipi, ex-seconde voix chez Ska-P, sait s’y prendre pour réchauffer l’ambiance. Les pogos sont lancés. Les circles et autres parades à la Braveheart prennent forme. Plus particulièrement parmi les fans de ska et les ados…
Une atmosphère que l’on retrouve encore face à la grande scène, lors du set de Pennywise. Et pourtant, durant leur concert, il tombe alors des hallebardes. Fatalement, la foule est moins dense que prévue pour applaudir cette tête d’affiche. Mais qu’importe, les plus motivés reprennent en chœur le ‘wooo woooo wooo woooo’ de leur titre culte « Bro hymn ». Les pogos se multiplient, mais dans la gadoue. On se croirait presque à Woodstock. Pas pour rien que ce combo est considéré comme culte dans l’univers du punk étasunien au même titre que Bad Religion et autres NOFX.
Un tout autre public a rejoint le Club Circuit Marquee pour accueillir IAMX. Plus âgé, plus ténébreux, plus féminin, aussi… Et pour cause, Chris Corner estime que non seulement sa musique est teintée d’érotisme, mais elle entretient une ‘sensualité malsaine’. L’ex-Sneaker Pimps aime porter des tenues de scène extravagantes, à la limite androgynes. Ce soir, il est coiffé d’un chapeau à plumes quelque peu ridicule. Sa bassiste n’est pas en reste non plus. Elle porte même une petite culotte à l’effigie du groupe qu’elle finira par dévoiler au public. IAMX pratique une forme d’électro/rock à tendance cold-wave ; ce qui ne l’empêchera pas de dispenser, au cours de son set, de longues ballades mélancoliques. Les thèmes abordés dans les lyrics traitent de pratiques sexuelles non conventionnelles (bisexualité, décadence, etc.), mais également de mort, de drogue ou encore de politique. Par rapport aux groupes proposés depuis le début de la journée, il faut reconnaître, que le changement est radical. Perso, IAMX est une formation que j’apprécie tout particulièrement. Et je n’avais pas du tout envie de manquer leur prestation. Pourtant, je dois reconnaître que mon enthousiasme n’est plus aussi marqué que lors de leurs débuts. C’était déjà en 2004. J’avais ainsi pu apprécier leurs sets accordés en 2005 et 2006, dans le cadre du festival de Dour. Une flamme qui s’est aussi quelque peu consumée, suite à la sortie de leur dernier album, « Volatiles times », pas vraiment convainquant. Or, la setlist privilégie, en début de concert, les morceaux issus de cet opus. De quoi plomber l’atmosphère. Le talent du groupe ne s’exprimera véritablement qu’en fin de parcours, lors de l’interprétation de morceaux plus classiques. Chris est un gentleman. Victime d’une panne de micro, il patiente, pendant que deux techniciens tentent de réparer le matos. Une opération qui va prendre quand même quelques minutes. Et pour les remercier, il réserve une tape amicale sur le dos d’un des deux intervenants. Sympa ! Une anecdote qui permet d’ouvrir une parenthèse afin de souligner le dévouement manifesté par ces équipes techniques qui ont quand même enchaîné plus de 200 groupes sur 4 jours, au sein d’une programmation qui n’a guère souffert de retard ni d’annulation majeure ! Pour en revenir à IAMX, sachez que si vous les avez manqués sur la Plaine de la Machine à Feu, vous aurez le loisir d’aller les applaudir le 15 octobre à Mons, pour un concert qui se déroulera en la salle ‘On air studio’. Ambiance intimiste assurée ! Lors de ce show, votre serviteur était installé aux premiers rangs, parmi les groupies. Andie, l’une d’entre-elles, m’a filé la setlist. Je la remercie. La voici (NDR: la setlist!) : Music people / Nightlife / Ghosts of Utopia/ My secret friend/ Tear garden/ Think of England/ Nature of Inviting/ Cold red light/ Kiss and Swallow/ President/ The Alternative/ Spit it out.
Suede se produit sur la Last Arena. Un autre comeback pour ce groupe qui a brillé au cours des 90’s. Les groupies se pressent également aux premiers rangs. Faut dire que Brett Anderson, le leader charismatique de la formation londonienne, n’est pas étranger à cette euphorie féminine. Même s’il n’a jamais démenti un côté ‘bi’, ses déhanchements sexy font toujours des ravages chez le beau sexe. Les tubes se succèdent : « Animal nitrate », « Trash », etc. Le décor et les jeux de lumières entretiennent un climat plutôt glam. Quoiqu’en incluant des titres plus récents dans son répertoire, donc plus rock, Suede parvient à ne pas trop sombrer dans le revivalisme, au sein duquel Pulp était tombé la veille, ni dans une pop ‘gay’. Bref un show qui m’a beaucoup plu. Mais les averses redoublent d’intensité et finissent par décourager bon nombre de spectateurs. Et moi aussi finalement.
Direction La petite Maison dans la Prairie. D’abord on y est plus au sec. Et puis Les Savy Fav s’y produit. Cette formation américaine est également née au cours des 90’s. Très exactement en 1995. A Rhode Island. Néanmoins leur style trempe davantage dans la noisy, voire le post-hardcore. Mais la caractéristique principale des spectacles accordés par ce band étasunien, ce sont les exhibitions du chanteur Tim Harrington. Ce samedi soir, il est juste vêtu d’un caleçon et chaussé de bottes. Et il laisse fréquemment ses musiciens seuls sur les planches pour prendre un bain de foule. Il sort même du chapiteau, alors que dehors, c’est le déluge. Ne pas oublier qu’il est torse nu, en calebar et que la température extérieure ne dépasse pas 12 degrés ! De quoi être trempé jusqu’aux os. Une jeune admiratrice vient se frotter (NDR : au sens propre !) à sa barbe et son imposante pilosité. Comble de la provocation, il joue carrément avec ses organes génitaux. Bref, ce spectacle me rappelle ceux que Fucked Up et Monotonix avaient livrés, un an plus tôt, à Dour.
Pour terminer la soirée, un arrêt à la Cannibal stage s’impose. Et pour cause, Life of Agony y est programmé. Encore un groupe qui a vécu sa période de gloire au cours des 90’s. Un de plus. Keith Caputo, leur leader, avait abandonné le navire en 1997, pour se lancer en solitaire, carrière qu’il continue d’ailleurs de mener en parallèle. Il sera remplacé par l’ex Ugly Kid Joe, Whitfield Crane. Mais le combo allait se séparer deux ans plus tard. Pour renaître de ses cendres en 2003. Sous son line up originel. Publiant même un album live. La formation s’était produite à Dour, en 2008. Trois ans plus tard, elle remet le couvert. Première constatation, la voix de Keith, plutôt proche d’un jeune Axl Rose, est plus douce. Et son attitude, bien plus paisible. Un contraste par rapport aux riffs de guitare balancés. Sur « This time », il est même détonnant. De quoi se poser des questions. Ce n’est que le lendemain que j’ai enfin pu élucider l’énigme. A cause de la presse néerlandophone, responsable d’un véritable buzz : le chanteur aurait décidé de changer de sexe. Comment séparer le vrai du faux quand on sait que le personnage adore se travestir ? Vous voulez en savoir plus ? Rendez-vous le 2 septembre, salle ‘On air studio’ à Mons, puisque Keith Caputo s’y produira en solo.
Il est déjà 2 heures du mat’. Sur le chemin du retour, je conclus que Dour est quand même un festival éclectique. La preuve ? Rien qu’en deuxième partie de soirée, j’ai vu quatre chanteurs aux attitudes diamétralement différentes. Un androgyne (Chris), un supposé bi (Brett), un exhibi (Tim) et un (biffez la mention inutile) travesti/transsexuel (Keith). Rien que ça !
Le ciel a (enfin) retrouvé sa couleur bleue. Et il plane comme un air de vacances sur la Plaine de la Machine à Feu. La foule est plus nombreuse, mais pas forcément devant les scènes. L’atmosphère est plus à la guindaille, aux rencontres ou à la fête un peu partout. La bière coule à flots. Et j’avoue même me laisser embarquer dans quelques ‘guet-à-pintes’ ; ce qui explique ce compte-rendu un peu plus concis que les autres jours…
Ma journée commence par Papa Roach. Le soleil cogne dur, ce qui est rare en ce mois de juillet. Et pas seulement l’astre céleste, mais aussi les Ricains. Leurs riffs sont aussi assommants. Ils alignent leurs tubes, dans l’esprit de Green Day ou autre Sum 41. Ce qui a l’air de plaire à la génération des 15-25 ans massés devant le grand podium. Les pogos et autres slams s’enchaînent. Ce punk yankee plutôt basique donc, destiné aux ados, n’est pourtant pas dérangeant.
Plus intéressante : la prestation de The Qemists. Une référence dans le drum’n’bass. Pas étonnant que ce combo soit signé chez Ninja Tune. Et ces Anglais savent s’entourer, puisque pour concocter leur premier opus, « Join The Q », ils ont bénéficié d’un featuring de Mike Patton. D’ailleurs, malgré les nuances jazzy et dubstep, l’expression sonore est beaucoup plus rock, voir carrément hardcore. De quoi, remuer la foule sous le Dance Hall, mais suivant une méthode bien plus raffinée que celle de Papa Roach.
Un raffinement qui ne guide toujours pas Stupeflip. Leurs titres slogans (« Je fume pu d’shit », « A bas la hiérarchie », etc.) et quelques coups médiatiques (NDR : chez Thierry Ardisson, par exemple) avaient permis au groupe de se forger une certaine notoriété. C’était en 2003. Après avoir perdu un procès face à leur label (BMG), ces Français étaient quelque peu retombés dans l’anonymat. Et autant qu’ils y restent encore un peu, car la prestation de ce soir ne m’a pas vraiment convaincu. Tragicomiques, les deux chanteurs portent toujours les mêmes déguisements de films série B et continuent de se complaire dans les revendications à deux balles. En bref, la formation n’a toujours pas évolué…
Bien plus intéressant : The Dø. Une Finnoise (la chanteuse Olivia Merilahti) et un Parisien (le multi-instrumentiste) Dan Levy. Soutenu par un drummer de tournée. Elle capture d’ailleurs instantanément l’attention sur scène. A cause de sa voix fragile. Et puis de son physique (NDR : allez-donc jeter un coup d’œil dans notre rubrique photos). Elancée, très jolie, elle a enfilé des bas, ma foi, forts originaux. Il faut cependant attendre le milieu de set, et l’un de leurs tubes « On my shoulders », pour que le public commence réellement à s’enthousiasmer. A partir de cet instant le set va déménager. Il est vrai que le début du concert est dispensé en mode semi-acoustique, pour ensuite embrayer dans un style bien plus percutant. L’ambiance ne va alors plus baisser d’un cran. Le set va même paraître trop court. Un groupe à voir et à revoir donc. Et ça tombe bien, puisqu’ils sont à l’affiche de l’AB, le 12 octobre 2011. Ah oui, et comme le précisait Pompon dans sa présentation, leur patronyme se prononce ‘do’ comme la note de musique, et pas à l’anglaise.
Changement de podium et de genre, puisque Mogwai se produit sur la Last Arena. Un choix de scène un peu curieux, quand on sait que leur musique est particulièrement introspective ; ou alors, c’était exigé par les musiciens du groupe. Car devant l’estrade, l’auditoire est clairsemé. Leurs longues envolées post-rock (NDR : que j’adore pourtant) s’évaporent dans l’atmosphère et ne parviennent pas à accrocher…
D’autant plus que je ne veux surtout pas manquer Neurosis ! Leurs concerts se font beaucoup plus rares. Il se murmure d’ailleurs que les organisateurs faisaient le forcing depuis quelques années pour les programmer. Mais là aussi le choix de la scène laisse perplexe. La Petite Maison dans la Prairie est vite comble (NDR : ce sera également le cas, pour CocoRosie, le surlendemain), pour ne pas dire à saturation. D’entrée, on a droit à « A sun that never sets » puis « End of the harvest ». Une belle manière de pénétrer dans l’univers de Neurosis. A l’instar de Mogwai, la construction des compos s’opère en couches ; mais rapidement une belle chape de plomb vient couvrir le tout. Car Neurosis c’est du lourd, du costaud, de l’intense, à mi-chemin entre Cult of Luna et Isis. Néanmoins, les montées en puissance et les déflagrations sont parfaitement maîtrisées. Un savant équilibre qui permet à l’expression sonore de ne pas sombrer dans un métal cacophonique. Et en apothéose, Neurosis va nous livrer un « Through Silver In Blood » de toute beauté. Une longue progression avant que l’intensité n’atteigne son paroxysme et transcende littéralement l’auditoire. Incontestablement un des grands moments de cette édition.
On reste dans le métal en compagnie d’Anthrax. Un peu plus ‘has been’, quand même. Il embraie juste à côté, sur la Cannibal stage. Dans le style, ce podium va s’en gaver. Madball va ainsi également fouler ses planches. C’est le genre de formation que j’appréciais, il y a 15 voire 20 ans. Mais elles n’ont guère évolué depuis. D’ailleurs une réflexion me traverse l’esprit. Je ne suis pas du genre à brûler ce que j’ai adoré ; mais il faut reconnaître, que cette année, l’affiche de Dour a réservé une (trop) grande place aux come-backs, et en particulier à des groupes ou des artistes qui ont surtout recueilli du succès, au cours des nineties. Alors que la scène pop/rock regorge de découvertes. Vous voyez ce que je veux dire ?
Car de 90’s il en sera encore question en compagnie de Pulp. Le set s’ouvre par « Do You Remember The First Time ? ». Et Jarvis d’ajouter ‘Vous étiez présents en 1994 ? Etiez-vous-même seulement nés ?’ Ben oui, Jarvis, je m’en souviens comme si c’était hier. Sous un soleil de plomb, au beau milieu de l’après-midi, tu avais le teint bien pâle. Et un look de dandy. Ta formation avait dispensé un set très britpop. Finalement assez proche de celui de Blur, qui se produisait également le même jour, sur la Plaine de la Machine à Feu. Entretemps, beaucoup d’eau a coulé sous les ponts. Pulp n’est plus considéré comme une hype, mais un combo sur le retour. D’ailleurs, leur dernier opus, date quand même de dix ans. Pour mettre tous les atouts dans son jeu, leur spectacle est soutenu par un superbe light-show. Et puis, les compos proposées sont particulièrement énergiques, dans l’esprit de Kaisers Chiefs. Jarvis se dandine, et s’autorise même quelques solos de guitare. Avant d’attaquer le titre final, « Common People », il nous rappelle deux règles de base qu’il a toujours observées dans sa carrière. La première : ne pas faire confiance à son groupe. La seconde : réserver le titre préféré du public, pour la fin. Un discours qui ne change pas mon point de vue. Le concert de Pulp était celui d’une réunion. Ni plus, ni moins.
Et Vitalic, programmé plus tard, va démontrer qu’il serait temps que certaines vieillies gloires laissent la place à la nouvelle génération. Surtout s’ils ne sont plus capables de se remettre en question. Perso, je vais laisser la place aux clubbers. Surtout que la journée de samedi s’annonce bien chargée.
Jeudi 14 juillet : coup d’envoi de la 23ème édition du Dour Festival, et la 20ème en ce qui concerne votre serviteur. Les organisateurs ont le droit d’afficher un large sourire, puisque le cap des 150.000 tickets vendus a été franchi. Pourtant le temps maussade a de quoi décourager les plus audacieux. Mais, comme les festivals ont plus que jamais le vent en poupe, les records d’affluence y sont légion. Aussi, dans ce contexte, on peut vraiment affirmer que l’extension du site et l’élargissement des chapiteaux couverts sont des idées, on ne peut plus judicieuses.
Arrivée sur la plaine de la Machine à Feu, vers 20 heures. Pas de chance, j’ai manqué la prestation du vétéran Charles Bradley. Or, suivant les échos recueillis, sa soul yankee valait le détour. Tant pis, on s’en passera. Quand un festival programme 200 groupes en quatre jours, on finit toujours par louper l’un ou l’autre artiste ou groupe.
Place donc à Kyuss Lives. Le public est essentiellement constitué de ‘métalleux’. Cette année, encore, les amateurs de stoner et de hardcore sont plus que gâtés. D’ailleurs, sur la même scène, Channel Zero s’était illustré deux heures plus tôt. Tiens pour l’anecdote, le patronyme de ces revenants, belges de surcroît, est inspiré d’une compo de Public Enemy intitulée « She Watch Channel Zero ». Et paradoxalement, le collectif new-yorkais opère son retour, cette année, au festival de Dour (NDR : ainsi la boucle est bouclée). Mais revenons à nos moutons. Ou plus exactement à Kyuss. Orphelin de Josh Homme, puisque ce dernier a décidé de consacrer son temps à l’aventure plus lucrative des Queens of the Stone Age. Le come-back implique donc John Garcia (NDR : dont le projet Hermano a quand même récolté un succès certain), Brant Bjork et Nick Oliveri. Et mieux vaut profiter de l’aubaine, car Nick Oliveri a des démêlés, pour l’instant, avec la justice étasunienne, suite à une sombre affaire de violence conjugale. Trêve de commentaire people. La foule est agglutinée face au podium de la Last Arena. Elle ne souhaite pas manquer une seconde de la prestation des précurseurs du Stoner rock. Les impressionnants amplis Marshall saturent. Le son est crade. Brouillon même. Tout comme le set, d’ailleurs. Un concert qui finalement sera loin d’atteindre le niveau des deux derniers spectacles accordés à l’AB, ‘sold out’ pour la circonstance.
The Bony King of Nowhere, c’est le projet du Gantois Bram Vanparys. Il est particulièrement populaire en Flandre. C’est d’ailleurs le rédac’ chef néerlandophone de Musiczine, qui me conseille d’aller jeter un œil sur sa prestation. La formation propose un set paisible et agréable à l’écoute. Le son est net. Leur pop oscille quelque part entre Bon Iver et Ed Harcourt. Un groupe qui mériterait davantage de notoriété, au Sud du pays.
La magie du festival de Dour, c’est de pouvoir glisser d’une ambiance à l’autre. Ce n’était pas prévu, mais je me rends instinctivement au Dance Hall. De quoi démontrer la nécessité de bien consulter le petit programme, avant de changer de podium. Ah, tiens, le groupe qui s’y produit répond au nom curieux d’Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou. Un souffle d’air frais après le déferlement de décibels encaissés sur la Last Arena. Une bonne dizaine de vétérans constituent le line up de ce collectif. Leurs vêtements sont très colorés. Leur musique est entraînante, aussi de nombreux festivaliers osent le pas de danse. On n’est pas au Bénin, ni dans un festival world, mais l’ambiance est chaleureuse. Elle baigne d’ailleurs au sein d’un mélange de soul, de funk et de salsa. Ou la rencontre entre l’Afrique noire et l’Amérique du Sud. Choix osé, mais visiblement payant, de la part des organisateurs, pour ce groupe qui jouit néanmoins d’une belle réputation dans l’univers des musiques du monde.
Le moment fort de la soirée sera incontestablement la prestation de Foals. Il y a 3 ans, à Dour, il constituait une découverte. Aussi, on attendait la confirmation. Car parfois, le succès (NDR : plusieurs nominations aux NME Awards, cette année) monte à la tête des musicos. Alors que les espoirs placés par les mélomanes sont plus conséquents. Mais le groupe est à la hauteur des espérances. Pas une seule seconde, je n’ai été envahi par l’ennui. A contrario du sentiment communiqué par certaines formations de pop insulaire. Les riffs de guitares sont transcendants. Les interventions électro versatiles. Une touche punk et une autre post-rock agrémentent cette expression sonore parfaitement maîtrisée. Et puis il y a la présence scénique des membres du groupe, particulièrement dynamique. On est ici à des années-lumière des ensembles ‘hype’ aseptisés et stéréotypés reproduits à 10 000 exemplaires. Excellent !
Par contre, et je vais peut-être devoir essuyer les critiques de leurs aficionados, mais le set de Cypress Hill ne m’a guère convaincu. Sûr que les deux vocalistes sont capables de mettre une ambiance de feu. Ils ont la langue facile. La foule est impressionnante. Rarement vu une telle audience devant un podium, à Dour. Posant même des problèmes de mobilité. Mais perso, entendre des ‘yeah, yo’ et ‘fucking ya’ ou au beau milieu du show, un ‘Insane in the brain’, comme si on venait de sortir un vinyle poussiéreux datant de plus de 15 ans, trop peu pour moi…
Donc je décide de déménager au ‘Magic Soundsystem’ pour le concert de Tahiti 80. L’éclairage est plus cosy, reposant. Les lampadaires mauves disséminés sur le podium, reproduisent l’ambiance du ‘rest-room’ d’un hôtel de luxe moderne. Le public est également fort différent. Beaucoup moins nombreux. Quelques centaines de mélomanes. Mais ils sont aussi plus posés et attentifs. Motivés aussi. Même si le chanteur cherche à se rassurer en demandant entre les morceaux à l’audience : ‘Vous êtes sûr que tout va bien à Dour ?’ ou ‘Vous en voulez encore ?’ Le tube « Heartbeat » met tout le monde d’accord. Un set bien rôdé qui me réconcilie avec le groupe. En cause, un concert catastrophique accordé à la Maison de la Culture de Tournai, il y a quelques années. Le tout doublé d’une attitude antipathique. Ce soir, les musiciens semblaient prendre du plaisir entre eux. Et ce feeling s’est propagé au public.
Initialement prévu dans le club-circuit Marquee, c’est finalement sur la Last Arena, et plus tard en soirée, qu’I’m from Barcelona s’est produit. Après avoir publié un premier opus chez EMI (NDR : le très remarqué « Let Me Introduce My Friends »), la bande de joyeux lurons (NDR : ils sont une vingtaine sur scène) est un peu retombée dans l’anonymat. En 2010, leur album « 27 songs » était d’ailleurs exclusivement distribué via internet. Mais 2011 pourrait bien permettre au band de prendre un nouveau départ. D’abord, le combo a signé chez Mute et le titre de leur nouvel album « Forever today », sorti en avril dernier, est teinté d’optimisme. De quoi peut-être voir leur futur en rose. Une chose est sûre, ce soir, la formation suédoise (NDR : non, non, elle n’est pas espagnole…) nous propose une musique colorée. Trempant dans un climat ‘néo hippie’, ‘flower power’, ‘peace & love’ et tutti quanti. Mais il est déjà près de 2 heures du mat’, et il faut encore une bonne heure avant de regagner ses pénates. Donc, il est temps de prendre la route, car la journée de vendredi s’annonce très chargée.
Pour fêter le dixième anniversaire de sa sortie, « Songs in a minor » va être réédité. Vendu à plus de 12 millions d’exemplaires, il avait permis à la diva américaine de décrocher de multiples récompenses. Cette nouvelle mouture sera enrichie de morceaux inédits, dont « A Woman’s Worth » enregistré en compagnie de Nas et d’un mixtape de « Juiciest ».
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La formation parisienne de postcore, Memories of a Dead Man, vient donc de passer d’un trio à un sextuor. Line up qui servira tant à la scène que pour l’enregistrement du prochain opus. En attendant, on retrouvera le combo sur 4 compilations estivales, et notamment « Nawak Posse vol. 8 », « Klonosphere vol. 2 » et « Taranis vol.1 ».
Modeskeletor publiera un album ce 30 septembre. Intitulé « Monkeytown », il sera découpé en 10 morceaux. Thom Yorke, Anti Pop Consortium, PVT et Busdriver ont participé aux sessions d’enregistrement.
De nationalité belge (enfin tant qu’elle existe encore), Antoon Clijmans a fondé Sabena en compagnie du musicien ghanéen Prince Knankye Pong et du photographe franco-égyptien Aïda Schweitzer, un projet électro qui mêle le groove africain et l’électronique, tout en soignant le sens mélodique.
Gage de qualité, leur single, « Ur Eyes », a tapé dans l’oreille d’Arne Van Petegem (Styrofoam), prof d’électro d’Antoon, à Hasselt.
http://www.youtube.com/watch?v=20bQLL3xV8Y
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