Autant le dire d'emblée, il n'est ici pas question de banjo, pas plus que de sérénades transalpines, même si le nom d'Alessio Natalizia ne laisse planer aucun doute sur ses origines.
Entre Electro cotonneuse et Pop évidente aux couleurs nineties, ce joli recueil de mélodies baignées d'un Shoegaze tout en retenue, alimente un sentiment de béatitude céleste.
Tout récemment auteur d'un remix pour Interpol, le Londonien affiche son amour pour les guitares diluées et les refrains paresseux ainsi que pour une Electronica, descendante directe de cette mouvance dont le « Pygmalion » de Slowdive était précurseur et qui trouve écho ici tout au long de l’œuvre.
Manquant un peu de mordant sur la longueur (on aurait aimé que ces guitares s'emportent un peu plus), cet album s'avère tout de même une excellente alternative aux successeurs trop révérencieux de ce mouvement musical dont les influences continuent d'irradier encore les ondes aujourd'hui.
A de nombreuses reprises, on repense avec bonheur à Swervedriver, et on se laisse dériver au gré de ces volutes acoustiques tantôt hypnotiques (« Dear Me »), tantôt apaisantes (« I don't want to start all over again »). Un réel plaisir !
Dès lors, on se prend à rêver de découvrir Banjo Freakout sur l'une de nos scènes prochainement.
Bowie Peru succède à un autre groupe, No Mo Trevno. David Demaegd, Pieter De Wilde et Jakob Haeghebaert sont les pionniers de cette nouvelle bande de rockeurs. Nathalie Van Laecke, la chanteuse et Thomas Cleppe les ont rejoints. De cette union est né un Ep découpé en quatre titres. Et la pomme n’est pas tombée bien loin de l’arbre. « On top of a mountain, we are all snow » transpire l’énergie positive au travers des basses, des guitares et de la batterie. La jolie voix de Nathalie Van Laecke vient renforcer ces bons sentiments. Bien que son timbre de voix manque un rien de puissance pour pouvoir parfaitement se coupler aux instruments derrière elle qui, eux, affirment leur vigueur. Mais ce premier essai manque sérieusement d’originalité. Rien qu’on n’ait déjà entendu. Des compositions ‘sympathiques’ mais pas suffisamment alléchantes que pour véritablement marquer les esprits. Tout juste de quoi obtenir un peu de crédit supplémentaire et une seconde chance avant un classement définitif parmi les artistes ‘communs’. « On top of a mountain, we are all snow » est orphelin d’une prise de risques avérée. La suite des projets de Bowie Peru doit être soumise à la règle du ‘ça passe ou ça casse’. Il ne s’agit plus de tergiverser. No Mo Trevno a prouvé qu’on pouvait renaître de ses cendres ; donc, quitte à brûler, mieux vaut que ce soit pour avoir tenté le diable.
Quand la Pop anglaise se réinvente avec bonheur, elle accouche de subtils albums comme ce « Nightingale », oiseau de nuit au ramage aussi beau que le plumage.
Emmené par Gawain Erland Cooper, érudit de Folk anglais décliné noblement, ce carnaval de sons et de couleurs enchante par le spectre de sa palette.
Entre Pop de haute voltige et Psychédélisme rayonnant, ce second opus démarque le groupe de nombre de productions actuelles.
Le line up ? Pas vraiment des nouveaux venus dans le paysage, puisqu'on retrouve au sein de cette formation londonienne, Simon Tong, ex-The Verve et acolyte de Damon Albarn dans The Good, The Bad and the Queen ou encore le batteur David Nock (Fireman, The Orb, The Cult). E&TC s'amuse à brouiller les pistes, mais surtout s'ingénie à redorer le blason d'une certaine orfèvrerie musicale anglo-saxonne, qui hormis par le truchement de Neil Hannon, semblait être tombée dans l’oubli, depuis belle lurette.
En résulte treize titres captivants sous bien des angles et fascinants sous bien des facettes que tout amateur du genre ne saurait bouder.
Fyfe Dangerfield, le chanteur, a rejoint ses camarades de Guillemots pour cette nouvelle aventure. Il avait tenté, au préalable, sa propre expérience, en publiant un album personnel intitulé « Fly Yellow Moon ». Et si Dangerfield rechigne à s’étaler sur cette aventure en solitaire, il s’en est toutefois pleinement servi pour enrichir ce troisième opus du groupe. Mais les trésors n’y sont pas distribués équitablement. « Walk the River », chanson éponyme de l’album, a tout pour devenir une référence pour les quatre artistes et le monde musical qui les entoure. Tout comme « Dancing in the Devil’s shoes » et son ambiance ténébreuse. Ce morceau est un petit bijou à lui tout seul. La voix pimpante du leader des Guillemots vient lécher gracieusement les notes exaltantes. Mais les pistes se suivent et ne se ressemblent pas. Traduisez cette impression par diversité ou… inégalité ! Toujours est-il que tous les goûts se retrouvent dans « Walk the River ». Et il ne laisse, par conséquent, pas indifférent. Il suscite le débat. Tantôt les plages fortes feront oublier les plus faibles. L’album sera alors évoqué comme culte. Tantôt les détracteurs retiendront cette incapacité à emplir chaque morceau de la même dose de talent. Mais quoiqu’il advienne, on finira toujours par parler de Guillemots.
Avez-vous déjà eu la sensation, en écoutant un album, de vous retrouver instantanément parmi vos potes, prêt à relever tous les défis ?
Le mini-album « Désarroi esthétique », c’est un peu ça ! Il n’y a qu’à écouter les titres tels que « Signal To Jersey » et « Jerome Kerviel Is A Market Man » pour s’en rendre compte !
Heliport, est un jeune groupe issu de Rennes. Fondé en 2007, il réunit François Guilbaut (chant), Ghislain Fracapane (basse et chant), Jean-et Régis Rollant (guitare), Florent Jamelot (guitare) et Eric Hardy (batterie). C’est au fil des concerts que la formation s’est forgée son expérience, partageant ainsi la scène avec des groupes comme les This Town Needs Guns, The Death Of Anna Karina ou encore Apes Did Ensemble. Le combo avait également participé à l’enregistrement de l’album des Alaska Pipeline, publié en 2008.
Ce disque n’est pas vraiment révolutionnaire. Mais sculptées dans le pop/rock, les compos apportent une grande bouffée d’air frais. Le tout en 18 minutes : durée totale de la plaque.
Les plus jeunes se retrouveront aisément à travers leur côté déjanté, tandis que les plus âgés, eux, se rappelleront volontiers leurs années rebelles et revendicatrices. De quoi plaire à tout le monde. Cette bande de bons vivants possède un énorme potentiel. Et le fait de ne pas se prendre au sérieux leur communique une touche de fantaisie qui n’est pas pour déplaire. Un ‘premier jet’ qui annonce un avenir très prometteur pour ce groupe !
Jenifererver est un quatuor suédois qui roule sa bosse depuis déjà quelques années. “Silesia” constitue d’ailleurs le troisième né de leur discographie. Peu connu, ce groupe est pourtant doté d’un grand potentiel !
La qualité musicale de cet opus est exceptionnelle. Le morceau qui ouvre l’elpee nous met immédiatement l’eau à la bouche. C’est aussi le titre éponyme. “Silesia” nous invite ainsi à voyager entre nostalgie et romantisme, mais sans excès. Le grand mérite de cette formation, c’est de faire jaillir des mélodies de la new-wave ou du bon rock. Mais c’est cette mélancolie douce qui apporte le relief aux chansons ; et “ Drink to remember” en est certainement la plus belle illustration. Au sein de l’univers Jeniferever, on transite d’une émotion à une autre, de piste en piste. On y vit également chaque moment de la chanson. Alternant passages chantés et instrumentaux, “ Hearth”, morceau qui achève l’opus, est une conclusion parfaite. Une synthèse, en quelque sorte, de leur expression sonore. Savoureux !
« Confessions of a Belladonna Eater » n’est pas le coup d’essai de Kid Loco, alias Jean-Yves Prieur. « A Grand Love Story » avait, en 1998, marqué le début du succès du musicien et producteur français. D’autres expériences ont suivi : la bande originale du film « The Graffiti Artist » et l’exercice de DJ, entres autres. Mais il n’a plus raflé tous les suffrages, comme à la fin des années 1990.
Pour les amateurs du genre, cet album pourrait bien être une aubaine. Car si on peut émettre quelques réticences à l’égard du clip de « The Morning After », au cours duquel une fille ‘zombifiée’ dévore à pleines dents, un homme, jusqu’aux organes ou même vis-à-vis des paroles de chansons qui loin d’être de grande qualité n’abordent guère de sujets hautement philosophiques (en même temps, serait-ce encore du vrai Kid Loco si tel était le cas ?) « Confessions of a Belladonna Eater » a le mérite de surprendre, de plonger l’auditeur dans le monde psychédélique de son auteur. Et ce dernier sait comment tenir son public en haleine. La preuve en est donnée par le titre maître, « Ballad for A Bella Donna ». La composition musicale de ce morceau est tout simplement un coup de maître. L’accordéon, qui en est l’atout majeur, y est transcendant. La chanson y figure deux fois : la première, en introduction, bercée par une voix féminine ; la seconde, au beau milieu du défilé des titres, quelque peu psalmodiée, par le producteur lui-même. Un reflet sincère de cet album, en fait, marqué par l’intelligence musicale plus que par le talent pur. Mais une compo diablement efficace.
En prenant le risque de choisir pour son album, un titre aussi redondant, Jérôme Orsoni (NDR : il n’en est pas à son coup d’essai, puisque son précédent opus s’intitulait –tout aussi énigmatiquement– « Pourtant nous avons avec soin, cueilli quelques croquis pour votre album vorace », une œuvre dont on retrouve ici quatre titres) expose son travail aux serres et aux griffes acérées du merle moqueur.
Mais au-delà de tout concept intello, reste la musique.
Cartes postales des jours qui passent et ne se ressemblent pas, chaque morceau de ce recueil offre une vision poétique du monde vu depuis un balcon qui surplombe l’amer (…)
Trames rythmiques et mélodies bouclées, sons ambiants et sonorités ‘ambient’, multi-effets et guitares triturées construisent le paysage O!nirique de ce voyage initiatique.
Entre Tortoise et Mogwai (le mélancolique « The Last Time I Saw August »), déroutant et déstabilisant, à mille lieux des sentiers battus et rabattus, ce disque se découvre lentement, comme on prend le temps d'admirer un ciel chargé d'orage.
Ne tournez pas la page trop vite !
A première écoute, cet album plutôt stylé permet à Bruno Rocha, chanteur originaire du Portugal, de présenter une certaine assurance en affichant un coté rebelle qui se lie à merveille au titre de son album, « Self shot soul ». Quant aux premières notes de l’opus introduites par « Love Queen », très vite on se laisse emporter par ses sonorités rock.
D’ailleurs, en fermant les yeux on pourrait presque s’imaginer en moto sur une route américaine.
Malheureusement, cette impression est éphémère… Le style musical de Bruno Rocha s’essouffle rapidement. On sent que son inspiration ne vient pas de son ressenti profond mais plutôt d’un effet de mode. L’album « Self shot soul » donne l’impression d’être né dans un but commercial. Des refrains répétitifs et dont les mélodies se mémorisent très rapidement, comme « There will always be another time » et « Who’s gonna lead ? » ou encore « That’s all right ». Ce qui donne l’impression d’écouter une seule et même chanson alors que plusieurs pistes sont passées.
Heureusement, quelques titres plus intéressants sortent du lot comme « Never too long » ou encore « Two white angels ».
Un premier essai plutôt décevant. Néanmoins, si Bruno Rocha explore davantage son style et ses idées, il pourrait très vite dévoiler son potentiel et finir même par impressionner !
The Sewergrooves est une formation suédoise très influencée par le rock n’roll de leurs compatriotes et amis d’Hellacopters. Le drummer Robban Eriksson a ainsi transité quelque temps chez les deux groupes. La formation est née en 2000 et « Trouble Station » constitue leur quatrième opus. Si ces zigomars n’ont pas inventé la poudre, leur musique est diablement efficace ! Plus pop que celle de leurs compatriotes, quoique bien rock, elle trempe cependant tout autant dans les 70’s. Mélodies volatiles, solos dégoulinants, timbre soul du chanteur et rythmique frénétique, The Sewergrooves ont la patate et tentent de nous la refiler. D’ailleurs, à l’écoute de leurs compos, vous vous surprendrez à balancer la tête, sans trop savoir pourquoi. On pense parfois aux Eagles of Death Metal, à Thin Lizzy et même aux Ramones sur des morceaux comme « Oh Trouble » ou « Burning Desire ».
« Trouble Station » n’est pas un elpee inoubliable, mais il ne manque pas de saveur. Comme un bonbon bourré de colorant et trop sucré. ‘To Sew Groove’ signifie ‘Coudre du Groove’ et, si les Suédois ne sont pas des orfèvres en la matière, ils se révèlent de très honnêtes artisans !
« Dorwytch » est avant tout le fruit d’un savant mélange de musique d’antan et d’outils modernes. La recette pour le déguster à la meilleure sauce est simple : allongez-vous, la pochette du CD ouverte sur le ventre (le dessin représente un ciel bleu troué de deux nuages blancs) et laissez-vous porter par les mélodies. Un incroyable voyage vous attend. Vous y traverserez toute une série d’époques et de lieux. De ceux qui ne vous avez peut-être même jamais effleuré l’esprit. La voix d’Alexander Tucker vous sert de guide. Elle flotte tranquillement à la surface des notes que laissent s’évaporer nonchalamment les instruments. Son timbre vous emmène sur des parcours que vous n’aviez encore jamais explorés. Des surprises vous guettent le long des premières plages de sentier. Mais lorsqu’on voit la fin de la route, ces ébahissements s’estompent. Et là, le périple devient quelque peu monotone. Il manque de salivation à l’idée d’explorer encore. Les notes, tout à l’heure à l’état de vapeur, se transforment en une pluie qui vient assombrir la fin d’une radieuse expédition. Mais on broie rapidement ce nuage noir. On le réduit à une contrariété insignifiante au milieu d’une escapade éclatante. Et là, on se souvient finalement que « Dorwytch » est un voyage qu’il faut tenter.
L’Américaine Maria Taylor publiera son nouvel album, « Overlook », le12 août prochain. La chanteuse d’Azure Ray a enregistré cet opus en compagnie de Browan Lollar et de son frère Macey, entre sa ville natale d’Omaha et Birmingham. Un peu de tendresse ?
Track Listing:
1. Masterplan
2. Matador
3. Happenstance
4. Like It Does
5. Bad Idea?
6. Idle Mind
7. In a Bad Way
8. This Could Take a Lifetime
9. Along for the Ride
Le nouveau clip de l'auteur/compositeur bruxellois, surtout connu pour son parcours de slammeur, Veence Hanao, est on line sur la toile. Intitulé "Kick, Snare, Bien" c’est un extrait du prochain Ep prévu pour la rentrée.
http://bit.ly/cliphd_ksb
http://www.veencehanao.be
Il n’est pas idéal d’assister à deux concerts, en autant de soirées d’affilée ; car lorsque le spectacle parvient à me transporter, il me faut plus de 24h pour le digérer… Et ce sera le cas pour l’Unspeakable Chilly Gonzales programmé à la Volksbühne. Etait-ce de la musique contemporaine ? Un one-man show ? Une leçon d’éthique ? Ce que j’ai retenu, c’est que je ne me suis pas emmerdée une seconde. Le concert était ultra sold-out ; mais on a récupéré des cartes de ‘désistement’ après 3/4h d’attente à la caisse. D’un seul coup, 10 places se sont libérées (NDR : oui, je sais, j’aurais dû m’y prendre plus tôt ; et pareil pour les Foo Fighters).
L’homme est mégalomane : il se déclare légèrement dictateur à l’égard du Fuck Luck Orchestra (sic) qu’il ‘paie pour qu’ils fassent ce qu’il dit’.
L’homme est humble : en pantoufles et peignoir, comme à son habitude, il aspire avant tout à se décarcasser ostensiblement pour le public. Dans son interview sur Motor FM le lendemain, il expliquait que seuls les vrais artistes sont ceux chez qui on sent les années-misères, le vrai ‘job alimentaire’ de musicien de studio/d’ambiance/prof derrière eux, qui ont acquis assez d’humilité pour ne pas jouer les invincibles ‘même pas mal quand je joue’ une fois sur la scène du succès. Chilly Gonzales transpire, postillonne, s’obstine et s’essouffle. Il a parfois le profil du pianiste dans ‘Shine’.
L’homme est génial : il définit le musical genius comme la simple faculté d’entendre des choses et de les rejouer. Cela ne signifie pas le talent. Mais avant tout, l’unspeakable genius de Gonzales procède de l’invention d’un langage musical drôle et compréhensible qui demeure dans la finesse. Un piano s’exprime. Des incises au semblant improvisé donnent l’impression qu’il nous parle à tous, et pas seulement dans un jargon destiné aux musicos, même dans son trip extatique.
L’homme est un poète : il a peut-être pensé que les gens l’écouteraient plus que ne le liraient et a intégré ses poèmes, voire son pamphlet, dans sa musique. Résultat : du rap blanc qui ne parle ni de misère, ni de fric, ni de sexe et baston, mais résonne tel un article de Slate. Pourquoi le rap ? Parce que ‘si vous n’aimez pas le rap d’aujourd’hui, vous n’aimez pas aujourd’hui’.
L’homme souhaite vivre dans son temps: ‘I want to be a man of my time with my old-fashioned skills. (…) Find a way in. Find your way in’. Le pianiste tambourine de la pédale et va dans les cordes, mais accuse les musiciens classiques contemporains d’avoir tué la musique classique et se met à jouer n’importe quoi, ‘What I’m playin’ is bullshit, you know, just make the face so as to make it credible’.
L’homme est capitaliste : ‘Vous savez, ceux qui aiment ce que je fais achèteront mes disques et viendront à mes concerts, c’est comme ça que ça marche, je suis capitaliste’. ‘I’m a lot of things, but a left-wing singer songwriter I’m not.’
L’homme est arrogant, atypique, légèrement démoniaque, et complètement barge…
(Organisation Volksbühne)
Pour le dernier jour, le soleil a décidé d’être de la partie. D’autant plus de raisons pour faire la fête. Le dimanche est immanquablement le jour ‘familial’ à Couleur Café ; et l’affiche s’y colle parfaitement. Au programme : Seal, Band Of Gypsies 2, Irma, Dub Inc., Alborosie, etc. Sur papier, on ne se laisserait pas facilement convaincre mais, sur scène, l’ultime journée du festival réservait bien quelques bonnes surprises.
Deuxième jour. On est loin du carton plein, côté public. Ce samedi 25 juin, le site de Tour & Taxis accueille, en effet, beaucoup moins de monde que la veille. Ce qui ne va, en rien, affecter l’ambiance du festival bruxellois. Au programme : Yael Naïm, Raggasonic, Puggy et, surtout DJ Shadow, qui en va en mettre plein la vue à l’assistance.
C’est parti ! La saison des festivals d’été est entamée. Comme chaque année, Couleur Café est le premier à se lancer dans l’arène. Malgré une affiche moins affriolante que dans le passé, le festival bruxellois, qui se déroulait du 24 au 26 juin à Tour &Taxis, est tout de même parvenu à s’offrir quelques jolies prestations d’artistes autant confirmés que prometteurs. On épinglera plus particulièrement les shows de DJ Shadow, Kid Koala, Ghostpoet et Irma. Et même si le soleil n’a brillé qu’un jour sur trois, l’ambiance, elle, a une nouvelle fois atteint des sommets de chaleur !
C’est le 26 septembre que sortira l’album live de Christophe Maé. L’artiste avait bien commis un elpee unplugged, intitulé « Comme à la maison », mais pas encore de véritable opus enregistré en face d’un grand public. Là où règne la véritable ambiance des concerts. Les enregistrements datent des 12 et 13 décembre 2010 ; et ils ont été réalisés à Forest National. Un avant-goût sera proposé mi-août lors de la sortie du single « Un peu de blues », prévu pour les radios.
La vidéo du single “Tell Me Something I don’t Know” d’Herman Düne, titre issu de leur dernier album « Strange Moosic », est téléchargeable sur le net ici
Les Franco-suédois se produiront dans le cadre des Ardentes le 7 juillet, et le 20 juillet au Boomtown à Gand.
http://www.hermandune.com
http://www.myspace.com/therealhermandune
Eagle Rock Entertainement publiera, le 5 septembre prochain, « Seeds We Sow’, le nouvel album studio de Lindsey Bunckingham. L’ex-producteur, chanteur, compositeur et guitariste de Fleetwood Mac a enregistré cette nouvelle livraison, chez lui à Los Angeles. L’opus recèlera une cover du « She Smiled Sweetly » des Stones.
Tracklisting
1) Seeds We Sow
2) In Our Own Time
3) Illumination
4) That’s The Way Love Goes
5) Stars Are Crazy
6) When She Comes Down
7) Rock Away Blind
8) One Take
9) Gone Too Far
10) End Of Time
11) She Smiled Sweetly
Groupe français pratiquant une musique qui oscille entre Hip Hop, Soul & Funk Blaxploitation, Versus publiera son premier Ep, « Mr Blue », ce 4 juillet. Sur ce disque, figurera des remixes de 20syl (Hocus Pocus) et de Booster ainsi que des versions instrumentales et a capella.
A pas de velours, la musique des Tindersticks prend corps le temps de quelques soirées d’exception à travers le monde, grâce aux images de Claire Denis (juste renvoi d’ascenseur, puisque l'inverse est vrai au cinéma depuis 1996). Si les compositions de Stuart Staples et des siens marient pour le meilleur et jamais le pire la filmographie de cette dernière depuis quinze années maintenant, ce n’est pas un hasard. Sorte de communion solennelle des sens et des sons, l’union sacrée entre ce groupe de classe et la réalisatrice française se fait charnelle et douloureuse, triste et passionnée, sensible et tumultueuse. L’interprétation live captivant les sens tandis que les images déclinées en patchwork illustrent les notes qui elles-mêmes renvoient aux images.
Ce jeudi, Bruxelles jouissait à son tour de cet immense privilège, après Istanbul, Paris, Londres ou encore San Francisco.
Aperçu d’une soirée en seize neuvième.
S’invitant dans les plus belles salles pour ces représentations hors-cadre, les Tindersticks découvrent ce soir le Palais des Beaux Arts, dans le cadre de la neuvième édition du Brussel Film Festival.
En ce lieu élégant et quelque peu daté, seyant parfaitement à la musique des Anglais, les spectateurs, peu habitués à ce type de cadre, savourent l’atmosphère théâtrale. Elle emplit le microcosme avant que les lumières ne s’effacent. Sous les applaudissements se découpent alors les huit silhouettes du groupe sur la toile blanche qui ce soir, leur servira de tremplin. Absorbée par les images de « Nénette et Boni » et baignant dans les reflets aquatiques de cette scène miroitante de la piscine, doucement, la bande son prend possession de l’espace. Pour ne plus s’en défaire, jusqu’à la dernière note, suspendue quelque part dans l'infini.
Défilent sur la toile: trains à destination de l'abandon, chevaux lancés à bride abattue, dans la virginité opaque de campagnes enneigées ou paysages d'Afrique à la terre rouge sang.
Se succèdent, scènes chagrines ou sensuelles, tantôt bercées, tantôt malmenées ou encore transfigurées par la sublime musique de ces ombres se dessinant en contrebas de l'immense écran.
Violence et tourments, personnages en perdition, amour, haine et sexe se côtoient ainsi dans une orgie fantasmagorique dont la bande son illustre avec brio chaque imperceptible mouvement. La flûte traverse hier, le mélodica s’appuie sur deux mains, et le violon scelle son destin.
Alors que les dialogues se décalquent sur les nuances tissées au fur et mesure, le temps s'arrête, happé par cette ambiance feutrée.
Quand plus de septante minutes plus tard, en guise de remerciements, le groupe offre deux titres en rappel, dont l'incontournable "Tiny Tears", le voile se lève sur ce concert événement qui situe un peu plus les Tindersticks dans la sphère de ces groupes précieux considérés comme indéfinissables et dont la trempe n'a d'égal.
Standing ovation et saluts théâtraux clôturent cette bien belle soirée contrastant drastiquement avec la dernière fois que j'avais pu assister à un de leurs sets.
C'était à Eindhoven, l'an passé et après une trentaine de minutes, le concert s'était achevé prématurément, Stuart Staples tournant les talons à un public irrespectueux et à la langue trop bien pendue.
Et oui, les Tindersticks jouent une musique qui s’écoute, mais comme aujourd’hui, se regarde aussi.
Organisation: Bozar
Religious to Damn réunit, dans l’ombre, quatre personnes : Josh Strawn, Charlie Schmid, Allegra Benchley et Zohra Atash. Cette dernière jette sa voix veloutée sur tous les morceaux de « Glass prayer », comme une sorcière noire lance un maléfice hypnotique. Leur magie envoûte. Et comme toute force surnaturelle, elle a ses revers. Certaines mélodies frôlent parfois la dépression, respirent la solitude. L’enchanteresse balade de temps à autre ses intonations sur les frontières de l’agacement la durée d’un morceau ou l’autre. Mais les limites ne sont jamais franchies. D’où, le sort fonctionne à merveille. Ou presque… Le grimoire des sortilèges est un peu trop redondant. Autrement dit, si, au bout de quatre ou cinq plages, une impression de déjà entendu vous tenaille, votre cerveau n’est pas en train de faillir sous l’impulsion d’un charme. Religious to Damn va devoir, à l’avenir, songer à se diversifier un peu plus au niveau des compositions pour pouvoir franchir un palier supérieur.
Originaire de l'Oklahoma, ce jeune chanteur/guitariste n'a encore que 36 ans ; mais il fait son chemin lentement et sûrement. Il s’est établi à Austin, la capitale du Texas. Au cours des dernières années, il a publié toute une série d’albums, et très précisément pour le label italien Feelin' Good. Shawn ne dispose pas d'importants moyens financiers. Il enregistre chez lui, assurant pratiquement toute l’instrumentation. Il a tenté un pari audacieux : envoyer une maquette chez Delta Groove, à Los Angeles. Et le label est tombé sous le charme. Pour concocter « Edge of the world », Shawn a bénéficié du concours de son ami Lewis Dickson, un procureur à la préretraite. A la composition.
L'ouverture est imparable. Du texas blues rock par excellence. Nous sommes plongés dans un des clubs d'Austin. Issu de la plume de Howlin Wolf, ce "Sugar (Where'd you get your sugar from)" est une rampe de lancement idéale pour notre Shawn. Il libère constamment ses cordes sur une assise rythmique bien solide. Il a dû s'y reprendre à plusieurs fois, puisqu’il cumule le chant, la guitare, le piano, la basse et la batterie. C’est un véritable homme-orchestre. Si vous appréciez les premiers elpees des Thunderbirds, la musique de Pittman devrait vous plaire, même si bien sûr, Kim Wilson et l'harmonica sont absents. Néanmoins, Pittman tolère la présence d’un saxophoniste, Jonathan Doyle. "Leanin' load" est imprimé sur un tempo très vif, presque rock'n'roll. Face au sax baryton, la guitare, dans un style proche de Jimmie Vaughan, exerce son emprise sur l’espace sonore. Tout comme lors du très rythmique "Scent of your benjamins", une compo au cours de laquelle il décoche des flèches très incisive, dans l’esprit de l'aîné des Vaughan. Autre surperbe tranche de rock'n'roll, "Almost good" aurait pu garnir un de ces mythiques juke-boxes issus des fifties. Une compo balisée par le piano et le sax qui aurait pu également figurer au répertoire d’Ike Turner. "One of these days" adresse un clin d'oeil au blues contemporain, celui qui sévit au sein des juke joints dans les collines, au Nord du Mississippi! "Edge of the world" emprunte la trame rythmique rituelle de Howlin' Wolf. Reverb, les cordes de guitare sont excellentes. Les accords de piano omniprésents. Un plaisir évident des oreilles, proche ici du son d'Otis Rush. "That's the thing" est une autre réussite. Répandant ses parfums de bayous louisianais, cette plage rappelle le regretté Guitar Slim. Les sonorités dispensées tout au long de "Maintain" sont primaires, rudes à l'extrême, une sensation accentuée par les percussions quasi tribales de Shawn. Surprenant ! Mr Pittman empoigne sa slide pour aborder "I've had enough", un Chicago bourré de charme. Son instrument ronronne sur un profil rythmique en béton. Bouleversant, "Somebody gonna lose, somebody gonna win" évoque le mythique bluesman Texan, Sam Lightnin' Hopkins. L’artiste est seul avec sa voix et ses cordes amplifiées. L’intensité est à son paroxysme. Et c’est à la sèche qu’il achève cet elpee lors de la ballade "If I could (make the world stop turning)".
OG musique est le projet d'un jeune belge qui sait comment s’entourer pour réaliser une œuvre à part. Et en alimentant le marché des artistes belges puisqu’en dehors du dessin de la couverture, ce ‘petit orchestre’ provient entièrement de notre plat pays. A l’heure où la musique s’électronise de plus en plus, ces doux airs apaisent et reposent. Plus encore, ils nous racontent une histoire. L’absence de paroles est, à ce sens, un choix judicieux : il permet de laisser vagabonder l’imagination le long de ces gracieuses mélodies. Chacun peut alors monter son propre film au rythme des titres. Le premier morceau, « Naissance », prend d’ailleurs une vague apparence de musique de conte pour enfants. Les mélanges finement dosés d’orgues, de guitares, de basse, de violons et violoncelle, de saxophone, de trompette, de trombone, de flûtes, de piano, de percussions et de batterie entraînent toute une série d’émotions dans une valse des plus enivrantes. « La Transformation » semble même avoir été créé sur mesure : d’un état larvaire au début de l’album, on passe à une sublimation régénératrice, au cours des derniers morceaux.
Efrim Manuel Menuck nous a souvent permis de rêver, tant chez Godspeed You ! Black Emperor, comme guitariste, que pour Thee Silver Mount Zion, au sein duquel il est chanteur. Des projets tout au long desquels il excelle, soit en nous réservant de longs crescendos instrumentaux, soit en transmettant ses émotions à l’aide de sa voix.
Première constatation, les pistes proposées par le barbu oscillent entre 5 et 6 minutes. Et dès le premier morceau, « Our lady of parc extension and her munificient sorrow », on a droit à ces envolées de six cordes si caractéristiques ; et ces loops qui ne le sont pas moins. En outre, le timbre du Canadien est toujours aussi hanté. Introduction parfaite. Un long titre expérimental et une plage atmosphérique embraient. Avant qu’Efrim nous offre la meilleure compo de l’opus : « Heavy calls & hospitals blues », une superbe chanson au cours de laquelle il s’accompagne au piano. Malheureusement, la suite manque de consistance, y compris le dernier morceau au cours duquel il nous parle de son fils (« I am no longer a motherless child »). Même le morceau qui rend hommage à son ami, feu Vic Chesnutt, ne semble pas l’avoir beaucoup inspiré.
Bien qu’appréciant énormément, Efrim Manuel Menuck, je dois avouer que son premier elpee solo m’a laissé sur ma faim. Le barde n’est pas un solitaire. Il a bien trop à partager. Dispensable !
Le Malachai est-il une nouvelle espèce de monstre musical en pleine mutation ? C’est en tout cas l’impression que nous donne « Return to the Ugly Side », le nouvel album de cette formation anglaise, issue de Bristol, très exactement. Un elpee qui fait suite à « The Ugly Side of Love », un premier elpee publié en 2009 et réédité l’an dernier. Issu de Bristol, le combo réunit Gee Healy au chant et Scott Hendry à l’instrumentation et aux samples. Musique mutante, car Malachai mêle brillamment hip-hop et pop, un peu la manière de Gorillaz. Et puis, pas étonnant que le monstre ait été découvert par Geoff Barrow, tête chercheuse de Portishead, tant les atmosphères planantes et jazzyfiantes sont proches. D’ailleurs, un morceau comme « How You Write » rappelle même carrément l’univers trip-hop des vétérans anglais. Toutefois dans un esprit aussi fun qu’inquiétant.
Mais pourquoi donc avoir intitulé leur deuxième essai ‘Le retour…’ ? Sans doute parce que le premier n’allait pas assez loin, à leurs yeux et leurs oreilles ; et que les deux olibrius voulaient enfoncer le clou. « The Return… » est en effet plus abouti que leur premier long playing.
L’intro est monumentale. Il règne une ambiance de cirque noir. A cause de cette collaboration apportée par le compositeur de musique classique de la BBC, Ben Salisbury. Le tout mixé à des beats électro syncopés. Les deux musiciens –et véritables clowns tristes– recyclent les musiques urbaines contemporaines pour créer un ensemble très cohérent. Le drum&bass, le dub, le rock, la brit-pop, l’électro, la musique classique, le hip-hop, etc., rien ne résiste à leur appétit de fusion. Des extrêmes sur cette plaque ? Les énervés et quasi jungle « Anne » et « (My) Ambulance », d’un côté. Le duo partagé en compagnie de Katy Wainright, sur la ballade « Rainbows », de l’autre. Un ‘return’ finalement pas si ‘ugly’ qu’il ne le suggère, mais plutôt proche du ‘very beautiful’ !
Je ne suis pas sûr que ce « Liturgy » recevra la bénédiction papale. Vu les lyrics qui alimentent les compos, il risque même fort de ne pas trop plaire à Benoît XVI et toute sa clique.
Liturgy est un groupe de Black metal new-yorkais. A l’origine, il s’agissait du projet solo de Hunter Hunt-Hendrix (NDR : pas un nom de star…) qu’il a transformé en groupe, dès 2008. L’année suivante, la formation américaine avait quelque peu créé le buzz en qualifiant la musique de son premier album, « Renihilation », de ‘black métal transcendantal’. Loin des clichés du genre –les membres du groupe, très Ivy League, s’habillent comme ceux de Vampire Weekend ; Hunter a d’ailleurs fréquenté la même faculté, la Columbia University– Liturgy risque de subir les foudres des aficionados de la première heure, malgré la férocité et le radicalisme de son expression sonore. Et ce n’est pas la signature chez Thrill Jockey (High Places ou The Fiery Furnaces) qui lui servira de paratonnerre.
Et pourtant, les 12 morceaux qui figurent sur cet elpee sont à la fois brutaux et inventifs ; ce qui n’est pas un mince exploit, avouons-le, lorsqu’on évolue dans un style parfois très codifié. Les assauts sont complexes et agressifs tant du point de vue vocal qu’instrumental. Les guitares et la rythmique ‘blatbeast’ qui alimentent des morceaux comme « Generation », « Glory Bronze » ou l’immense « Harmonia », rappellent que le Black metal n’est pas une musique primaire. Bref, cette violence fait du bien ! ‘Habemus Black Metal’!
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