A pas de velours, la musique des Tindersticks prend corps le temps de quelques soirées d’exception à travers le monde, grâce aux images de Claire Denis (juste renvoi d’ascenseur, puisque l'inverse est vrai au cinéma depuis 1996). Si les compositions de Stuart Staples et des siens marient pour le meilleur et jamais le pire la filmographie de cette dernière depuis quinze années maintenant, ce n’est pas un hasard. Sorte de communion solennelle des sens et des sons, l’union sacrée entre ce groupe de classe et la réalisatrice française se fait charnelle et douloureuse, triste et passionnée, sensible et tumultueuse. L’interprétation live captivant les sens tandis que les images déclinées en patchwork illustrent les notes qui elles-mêmes renvoient aux images.
Ce jeudi, Bruxelles jouissait à son tour de cet immense privilège, après Istanbul, Paris, Londres ou encore San Francisco.
Aperçu d’une soirée en seize neuvième.
S’invitant dans les plus belles salles pour ces représentations hors-cadre, les Tindersticks découvrent ce soir le Palais des Beaux Arts, dans le cadre de la neuvième édition du Brussel Film Festival.
En ce lieu élégant et quelque peu daté, seyant parfaitement à la musique des Anglais, les spectateurs, peu habitués à ce type de cadre, savourent l’atmosphère théâtrale. Elle emplit le microcosme avant que les lumières ne s’effacent. Sous les applaudissements se découpent alors les huit silhouettes du groupe sur la toile blanche qui ce soir, leur servira de tremplin. Absorbée par les images de « Nénette et Boni » et baignant dans les reflets aquatiques de cette scène miroitante de la piscine, doucement, la bande son prend possession de l’espace. Pour ne plus s’en défaire, jusqu’à la dernière note, suspendue quelque part dans l'infini.
Défilent sur la toile: trains à destination de l'abandon, chevaux lancés à bride abattue, dans la virginité opaque de campagnes enneigées ou paysages d'Afrique à la terre rouge sang.
Se succèdent, scènes chagrines ou sensuelles, tantôt bercées, tantôt malmenées ou encore transfigurées par la sublime musique de ces ombres se dessinant en contrebas de l'immense écran.
Violence et tourments, personnages en perdition, amour, haine et sexe se côtoient ainsi dans une orgie fantasmagorique dont la bande son illustre avec brio chaque imperceptible mouvement. La flûte traverse hier, le mélodica s’appuie sur deux mains, et le violon scelle son destin.
Alors que les dialogues se décalquent sur les nuances tissées au fur et mesure, le temps s'arrête, happé par cette ambiance feutrée.
Quand plus de septante minutes plus tard, en guise de remerciements, le groupe offre deux titres en rappel, dont l'incontournable "Tiny Tears", le voile se lève sur ce concert événement qui situe un peu plus les Tindersticks dans la sphère de ces groupes précieux considérés comme indéfinissables et dont la trempe n'a d'égal.
Standing ovation et saluts théâtraux clôturent cette bien belle soirée contrastant drastiquement avec la dernière fois que j'avais pu assister à un de leurs sets.
C'était à Eindhoven, l'an passé et après une trentaine de minutes, le concert s'était achevé prématurément, Stuart Staples tournant les talons à un public irrespectueux et à la langue trop bien pendue.
Et oui, les Tindersticks jouent une musique qui s’écoute, mais comme aujourd’hui, se regarde aussi.
Organisation: Bozar
Religious to Damn réunit, dans l’ombre, quatre personnes : Josh Strawn, Charlie Schmid, Allegra Benchley et Zohra Atash. Cette dernière jette sa voix veloutée sur tous les morceaux de « Glass prayer », comme une sorcière noire lance un maléfice hypnotique. Leur magie envoûte. Et comme toute force surnaturelle, elle a ses revers. Certaines mélodies frôlent parfois la dépression, respirent la solitude. L’enchanteresse balade de temps à autre ses intonations sur les frontières de l’agacement la durée d’un morceau ou l’autre. Mais les limites ne sont jamais franchies. D’où, le sort fonctionne à merveille. Ou presque… Le grimoire des sortilèges est un peu trop redondant. Autrement dit, si, au bout de quatre ou cinq plages, une impression de déjà entendu vous tenaille, votre cerveau n’est pas en train de faillir sous l’impulsion d’un charme. Religious to Damn va devoir, à l’avenir, songer à se diversifier un peu plus au niveau des compositions pour pouvoir franchir un palier supérieur.
Originaire de l'Oklahoma, ce jeune chanteur/guitariste n'a encore que 36 ans ; mais il fait son chemin lentement et sûrement. Il s’est établi à Austin, la capitale du Texas. Au cours des dernières années, il a publié toute une série d’albums, et très précisément pour le label italien Feelin' Good. Shawn ne dispose pas d'importants moyens financiers. Il enregistre chez lui, assurant pratiquement toute l’instrumentation. Il a tenté un pari audacieux : envoyer une maquette chez Delta Groove, à Los Angeles. Et le label est tombé sous le charme. Pour concocter « Edge of the world », Shawn a bénéficié du concours de son ami Lewis Dickson, un procureur à la préretraite. A la composition.
L'ouverture est imparable. Du texas blues rock par excellence. Nous sommes plongés dans un des clubs d'Austin. Issu de la plume de Howlin Wolf, ce "Sugar (Where'd you get your sugar from)" est une rampe de lancement idéale pour notre Shawn. Il libère constamment ses cordes sur une assise rythmique bien solide. Il a dû s'y reprendre à plusieurs fois, puisqu’il cumule le chant, la guitare, le piano, la basse et la batterie. C’est un véritable homme-orchestre. Si vous appréciez les premiers elpees des Thunderbirds, la musique de Pittman devrait vous plaire, même si bien sûr, Kim Wilson et l'harmonica sont absents. Néanmoins, Pittman tolère la présence d’un saxophoniste, Jonathan Doyle. "Leanin' load" est imprimé sur un tempo très vif, presque rock'n'roll. Face au sax baryton, la guitare, dans un style proche de Jimmie Vaughan, exerce son emprise sur l’espace sonore. Tout comme lors du très rythmique "Scent of your benjamins", une compo au cours de laquelle il décoche des flèches très incisive, dans l’esprit de l'aîné des Vaughan. Autre surperbe tranche de rock'n'roll, "Almost good" aurait pu garnir un de ces mythiques juke-boxes issus des fifties. Une compo balisée par le piano et le sax qui aurait pu également figurer au répertoire d’Ike Turner. "One of these days" adresse un clin d'oeil au blues contemporain, celui qui sévit au sein des juke joints dans les collines, au Nord du Mississippi! "Edge of the world" emprunte la trame rythmique rituelle de Howlin' Wolf. Reverb, les cordes de guitare sont excellentes. Les accords de piano omniprésents. Un plaisir évident des oreilles, proche ici du son d'Otis Rush. "That's the thing" est une autre réussite. Répandant ses parfums de bayous louisianais, cette plage rappelle le regretté Guitar Slim. Les sonorités dispensées tout au long de "Maintain" sont primaires, rudes à l'extrême, une sensation accentuée par les percussions quasi tribales de Shawn. Surprenant ! Mr Pittman empoigne sa slide pour aborder "I've had enough", un Chicago bourré de charme. Son instrument ronronne sur un profil rythmique en béton. Bouleversant, "Somebody gonna lose, somebody gonna win" évoque le mythique bluesman Texan, Sam Lightnin' Hopkins. L’artiste est seul avec sa voix et ses cordes amplifiées. L’intensité est à son paroxysme. Et c’est à la sèche qu’il achève cet elpee lors de la ballade "If I could (make the world stop turning)".
OG musique est le projet d'un jeune belge qui sait comment s’entourer pour réaliser une œuvre à part. Et en alimentant le marché des artistes belges puisqu’en dehors du dessin de la couverture, ce ‘petit orchestre’ provient entièrement de notre plat pays. A l’heure où la musique s’électronise de plus en plus, ces doux airs apaisent et reposent. Plus encore, ils nous racontent une histoire. L’absence de paroles est, à ce sens, un choix judicieux : il permet de laisser vagabonder l’imagination le long de ces gracieuses mélodies. Chacun peut alors monter son propre film au rythme des titres. Le premier morceau, « Naissance », prend d’ailleurs une vague apparence de musique de conte pour enfants. Les mélanges finement dosés d’orgues, de guitares, de basse, de violons et violoncelle, de saxophone, de trompette, de trombone, de flûtes, de piano, de percussions et de batterie entraînent toute une série d’émotions dans une valse des plus enivrantes. « La Transformation » semble même avoir été créé sur mesure : d’un état larvaire au début de l’album, on passe à une sublimation régénératrice, au cours des derniers morceaux.
Efrim Manuel Menuck nous a souvent permis de rêver, tant chez Godspeed You ! Black Emperor, comme guitariste, que pour Thee Silver Mount Zion, au sein duquel il est chanteur. Des projets tout au long desquels il excelle, soit en nous réservant de longs crescendos instrumentaux, soit en transmettant ses émotions à l’aide de sa voix.
Première constatation, les pistes proposées par le barbu oscillent entre 5 et 6 minutes. Et dès le premier morceau, « Our lady of parc extension and her munificient sorrow », on a droit à ces envolées de six cordes si caractéristiques ; et ces loops qui ne le sont pas moins. En outre, le timbre du Canadien est toujours aussi hanté. Introduction parfaite. Un long titre expérimental et une plage atmosphérique embraient. Avant qu’Efrim nous offre la meilleure compo de l’opus : « Heavy calls & hospitals blues », une superbe chanson au cours de laquelle il s’accompagne au piano. Malheureusement, la suite manque de consistance, y compris le dernier morceau au cours duquel il nous parle de son fils (« I am no longer a motherless child »). Même le morceau qui rend hommage à son ami, feu Vic Chesnutt, ne semble pas l’avoir beaucoup inspiré.
Bien qu’appréciant énormément, Efrim Manuel Menuck, je dois avouer que son premier elpee solo m’a laissé sur ma faim. Le barde n’est pas un solitaire. Il a bien trop à partager. Dispensable !
Le Malachai est-il une nouvelle espèce de monstre musical en pleine mutation ? C’est en tout cas l’impression que nous donne « Return to the Ugly Side », le nouvel album de cette formation anglaise, issue de Bristol, très exactement. Un elpee qui fait suite à « The Ugly Side of Love », un premier elpee publié en 2009 et réédité l’an dernier. Issu de Bristol, le combo réunit Gee Healy au chant et Scott Hendry à l’instrumentation et aux samples. Musique mutante, car Malachai mêle brillamment hip-hop et pop, un peu la manière de Gorillaz. Et puis, pas étonnant que le monstre ait été découvert par Geoff Barrow, tête chercheuse de Portishead, tant les atmosphères planantes et jazzyfiantes sont proches. D’ailleurs, un morceau comme « How You Write » rappelle même carrément l’univers trip-hop des vétérans anglais. Toutefois dans un esprit aussi fun qu’inquiétant.
Mais pourquoi donc avoir intitulé leur deuxième essai ‘Le retour…’ ? Sans doute parce que le premier n’allait pas assez loin, à leurs yeux et leurs oreilles ; et que les deux olibrius voulaient enfoncer le clou. « The Return… » est en effet plus abouti que leur premier long playing.
L’intro est monumentale. Il règne une ambiance de cirque noir. A cause de cette collaboration apportée par le compositeur de musique classique de la BBC, Ben Salisbury. Le tout mixé à des beats électro syncopés. Les deux musiciens –et véritables clowns tristes– recyclent les musiques urbaines contemporaines pour créer un ensemble très cohérent. Le drum&bass, le dub, le rock, la brit-pop, l’électro, la musique classique, le hip-hop, etc., rien ne résiste à leur appétit de fusion. Des extrêmes sur cette plaque ? Les énervés et quasi jungle « Anne » et « (My) Ambulance », d’un côté. Le duo partagé en compagnie de Katy Wainright, sur la ballade « Rainbows », de l’autre. Un ‘return’ finalement pas si ‘ugly’ qu’il ne le suggère, mais plutôt proche du ‘very beautiful’ !
Je ne suis pas sûr que ce « Liturgy » recevra la bénédiction papale. Vu les lyrics qui alimentent les compos, il risque même fort de ne pas trop plaire à Benoît XVI et toute sa clique.
Liturgy est un groupe de Black metal new-yorkais. A l’origine, il s’agissait du projet solo de Hunter Hunt-Hendrix (NDR : pas un nom de star…) qu’il a transformé en groupe, dès 2008. L’année suivante, la formation américaine avait quelque peu créé le buzz en qualifiant la musique de son premier album, « Renihilation », de ‘black métal transcendantal’. Loin des clichés du genre –les membres du groupe, très Ivy League, s’habillent comme ceux de Vampire Weekend ; Hunter a d’ailleurs fréquenté la même faculté, la Columbia University– Liturgy risque de subir les foudres des aficionados de la première heure, malgré la férocité et le radicalisme de son expression sonore. Et ce n’est pas la signature chez Thrill Jockey (High Places ou The Fiery Furnaces) qui lui servira de paratonnerre.
Et pourtant, les 12 morceaux qui figurent sur cet elpee sont à la fois brutaux et inventifs ; ce qui n’est pas un mince exploit, avouons-le, lorsqu’on évolue dans un style parfois très codifié. Les assauts sont complexes et agressifs tant du point de vue vocal qu’instrumental. Les guitares et la rythmique ‘blatbeast’ qui alimentent des morceaux comme « Generation », « Glory Bronze » ou l’immense « Harmonia », rappellent que le Black metal n’est pas une musique primaire. Bref, cette violence fait du bien ! ‘Habemus Black Metal’!
Gérard Herman est étudiant en arts graphiques à Gand. « Fêta justice » constitue une partie de son travail de fin d’études. Prions d’ores et déjà pour que son diplôme lui soit attribué afin d’éviter un second opus du même acabit. Cet alignement de sons, parce qu’il est impossible d’évoquer une quelconque mélodie, agace rapidement. Des cris d’oies aux bruits étranges d’instruments que l’artiste a confectionnés lui-même, tout semble posé au hasard, sans le moindre fil conducteur. Ce jeune Flamand essaie d’embarquer l’auditeur dans un monde décalé et pour le moins original mais la sauce ne prend pas. Gérard Herman devrait en rester à ses fusains car « Fêta justice » a plus l’allure d’une blague que d’une réussite.
Oreilles sensibles s’abstenir !
Stars en Allemagne, les Beatsteaks sont nés à Berlin, en 1995. Le gang teuton pratique, depuis le début de sa déjà longue carrière, du punk-rock old-school, essentiellement influencé par Bad Religion et Pennywise. En 2008, les musiciens avaient décidé de se mettre en standby indéfini ; mais, très vite, le virus de la musique a repris le dessus, et la formation a de nouveau décidé de sévir sur les scènes européennes (et du monde entier d’ailleurs), en refourguant leurs riffs acérés aux oreilles de leurs aficionados.
« Boombox » constitue déjà leur 6ème album ; et il faut reconnaître que le combo berlinois y a fortement adouci le ton. De quoi se mettre à dos une partie de leur public de la première heure. La plupart des morceaux privilégient l’aspect mélodique, lorsqu’ils ne flirtent pas carrément avec la pop. Parfait album printanier, « Boombox » regorge de tubes comme le sautillant « Milk & Honey », rappelant les dernières productions de Madness ou le rigolo « Cheap Comments », qui lorgne du côté des Ramones. En outre, Sublime n’aurait certainement pas renié la coolitude ensoleillée de « Let’s See » et les King of Leon, « House is on Fire ». La belle voix enrouée d’Arnim Teutoburg-Weiß apporte toutefois un peu de profondeur à une musique parfois trop produite et attendue. Il subsiste cependant encore quelques salves punk sur l’opus. A l’instar de « Bullets From Another Dimension » ou encore « Behavior » ; mais on n’y croit plus beaucoup. Les Beatsteaks sont devenus un très bon groupe de pop-rock. Sucré, « Boombox » est un album assurément de bonne facture, mais dont l’urgence punk a presque totalement disparue…
Les Beatsteaks se produiront dans le cadre de l’Eupen Musik Marathon, le 26 juin.
Le nouvel opus de Woods porte bien son titre : « Sun and Shade ». Et pour cause, les 12 morceaux de cet elpee oscillent entre hits folk ensoleillés (« Pushing Onlys », « To Have in the Home ») et longues divagations folks abscondes (« Out of the Eye », « Sol Y Sombra »)
Il s’agit déjà de leur sixième long playing. En fait le groupe est sorti de son anonymat en 2009, lorsqu’il a publié « Songs of Shame ». Les années passées au purgatoire du folk underground ont donc été très longues. Mais finalement le charme de leurs compos folk-rock-pop-lo-fi a opéré. Etonnant, leur nouvel opus propose des compos qui accrochent moins vite. Ils ont préféré varier les climats et (ré)expérimenter.
Depuis le krautrock acoustique de « Sol Y Sombra » à la ballade délicate (« Wouldn’t Waste », « Who do I think I am »), en passant par l’instantanéité pop à coloration 60’s de « Pushing Onlys », par exemple, les contrastes sont saisissants. Des contrastes qui enrichissent indubitablement la musique de Woods et préservent de l’ennui. On épinglera également la voix de Jeremy Earl, dont le timbre assez proche de celui de Neil Young, communique énormément de douceur aux compos les plus mélancoliques.
Woods n’est donc pas un énième groupe qui pratique du folk US, mais une formation extrêmement talentueuse au répertoire aussi riche que varié. C’est également un combo capable d’évoluer, tout en alignant des œuvres à un véritable rythme de métronome. Pas étonnant que le groupe soit devenu culte à New York…
Hubert-Félix Thiéfaine, figure emblématique d’un rock engagé et marginal, vient de sortir un dernier disque aux formes plus rondes, aux inflexions plus romantiques que celles qu’on lui connaissait. A quelques exceptions près, les mélodies sont plus douces que d’aventure, et s’organisent autour d’une structure traditionnelle. Mais si le cadre est classique, le contenu dépote comme aux premiers pas de cet inclassable musicien. Ecrits en rimes et en alexandrins, les textes évoluent au sein d’une atmosphère baudelairienne. Ils abordent des thèmes comme ceux de l’amour, du voyage, de l’exotisme, des douceurs féminines, de la nostalgie et de l’enfance et recèlent de nombreuses références littéraires. La plume de Thiefaine griffe et arrache plus qu’elle ne caresse.
Les trois premiers morceaux inaugurent l’album en beauté. "La Ruelle Des Morts", ressuscite les mythes de l’enfance, les souvenirs des soirées magiques de juillet, framboises, kéfir et récits d’aventure. Ces images sont celles de Thiéfaine enfant. La ruelle des morts est le nom d’une artère de Dole, petite ville jurassienne dont l’artiste et votre serviteur sont originaires. Les allusions à Barberousse se réfèrent peut-être à la place qui porte cette appellation, et à la mystérieuse statue du cyclope qui s’y tient. "Fièvre Résurrectionnelle" est une chanson d'amour itinérante, quête irréelle d'un absolu impossible, d'amour et de liberté. Chanson langoureuse, "Trois Poèmes Pour Annabel Lee" nous renvoie à un poème d'Edgar Poe écrit à la mort d'une femme, amour d'enfance doublement défunt.
Malgré une tendance à l'adoucissement, quelques titres plus rock font cingler les guitares. Egalement plus sombres, "Garbo XW Machine " et "Lobotomie Sporting Club " révèlent une urgence angoissée, sur une rythmique endiablée.
Quelques chansons sont moins intéressantes, à l’instar des "Ombres du soir" aux inflexions débonnaires et de "Compartiment C Voiture 293 (Edward Hopper1938)" rêverie d’un romantisme un peu usé, inspiré d’un tableau représentant une femme qui lit dans un train.
Le cinquième morceau, "Petit Matin 4.10 Heure d'Eté" semble être le symbole de tout le disque. Sur une instrumentation sobre, mêlant guitare, harmonica et d'autres cordes plus légères, HFT nous confie : ‘Je n’ai plus rien à exposer dans la galerie des sentiments. Je laisse ma place aux nouveaux-nés sur le marché des morts-vivants’ ou encore ‘Je rêve tellement d'avoir été que je vais finir par tomber’. Nostalgique envers un temps perdu et désabusé face au monde à venir, Thiéfaine a choisi de brûler la chandelle par les deux bouts, de vivre dans un présent incandescent, d’en épuiser l’ivresse. Avec une sincérité impudique, cet esprit libre se livre dans ce disque, qui sera suivi de sa dernière tournée, baptisée Homo Plebis Ultimae Tour.
En espérant que les médias généralistes se rendent enfin compte de son existence, donnant en même temps tort à cet artiste qui a dit que ‘la meilleure façon de devenir célèbre, c'est d'être mort.
Le 8 février dernier, le sympathique William Fitzsimmons bluffait un Witloof Bar plein à craquer, en délivrant un concert acoustique de plus d’une heure, alors qu’il souffrait d’un mal de gorge. Un handicap qui n’avait en rien entaché son excellente prestation. Le chauve barbu avait alors promis de revenir faire un tour sur nos terres, lorsqu’il serait rétabli, à la sortie de son album, « Gold In The Shadow ». Chose promise, chose due, Fitzsimmons présentait pour la seconde fois, sa dernière œuvre, sur les planches du Botanique, ce 21 juin.
C’est donc effectivement en pleine forme que le bonhomme nous est revenu. ‘Upgrade’ oblige vu le succès de son précédent passage, William Fitzsimmons se produisait cette fois sur la scène de l’Orangerie. Les Slow Runner, trio originaire de Caroline du Sud, assuraient deux fonctions : celle de première partie et celle de ‘backing band’ de leur compatriote. La salle est loin d’être comble. La faute aux exams. Mais l’ambiance est à la bonne humeur. Et, vu son sens de l’humour et de l’autodérision, le Pennsylvanien accroche un sourire sur le visage de son public, sans le moindre effort.
Côté setlist, Fitzsimmons peut se permettre un peu plus de fantaisie que lors de son précédent passage, grâce à ses acolytes de Slow Runner. « Wounded Head », « If You Would Come Back Home », « It’s Not True » et leurs nappes d’electronica passent haut la main le test du ‘live’. L’Orangerie est littéralement envoûtée par le Ricain, qui a tout du bon pote. Qu’il soit devant 150 ou 500 personnes, le grand Will est toujours tranquille et interprète ses chansons de la même manière qu’il le ferait autour du feu en compagnie de 2 ou 3 amis proches. Toute la discographie du bonhomme y passe, d’« Until When We Are Ghost » à « Gold In The Shadow ». Il effectue un véritable tour d’équilibriste en restant constamment perché sur la ligne fine entre tristesse et allégresse. Ses prestations scéniques lui permettent également d’exorciser son passé (« You Broke My Heart », « Psychastenia ») avec esprit et un humour imparable. Après 1h30 de concert, Fitzsimmons et son équipe se retrouvent face au public, au stand merchandising, décontractés, souriants, naturels, abordables. Que demander de plus ?
Organisation : Botanique
Nouvel album pour St Vincent en septembre. Le 12 très exactement. Intitulé « Strange Mercy », il paraîtra chez 4AD. Il a bénéficié de la production de John Congleton et de la participation de membres de Midlake ainsi que de Bobby Sparks.
Si vous êtes impatients de découvrir cet elpee, je vous invite à vous rendre sur Youtube , afin de savourer leur reprise du « Kerosene » de Big Black.
http://www.ilovestvincent.com
http://www.twitter.com/st_vincent
http://www.4ad.com/st-vincent
Le collectif Farewell Poetry vient de terminer l’enregistrement de son premier elpee. Intitulé « Hoping For The Invisible To Ignite » il sera dans les bacs ce 19 septembre 2011. Il paraîtra sur le label Gizeh. Pour toute précommande, le titre "In Dreams Airlifted Out" sera offert en téléchargement.
Le leader des Eagles of Death Metal, Jesse ‘The Devil’ Hughes, publiera son 1er album solo, sous le pseudo de Boots Electric. « Honkey Kong » sera disponible dès le 19 septembre. Il a été produit par Tony Hoffer (Beck, Depeche Mode, The Kooks) et coécrit en compagnie de Money Mark, collaborateur des Beasties Boys.
Vous pouvez télécharger le titre « Boots Electric Theme » avec Brody Dalle des Distillers sur le lien suivant : http://www.boots-electric.com
S.C.U.M., sigle de Society for Cutting Up Men, est un patronyme qui rend hommage au SCUM Manifesto de Valérie Solanas, célèbre féministe qui considérait les hommes comme une erreur biologique et souhaitait donc les émasculer...
Originaire de Londres, S.C.U.M. a commencé à faire parler de lui en 2009 grâce au single "Visions Arise". Il publiera son premier LP le 12 septembre.
Le groupe sortira également un maxi, ce 18 juillet, sur lequel on retrouvera un nouveau single, "Amber Hands", ainsi que des remixes opérés par Sonic Boom et Silver Apples.
http://www.myspace.com/scum1968
Véritable pur-sang yankee, Dawes éditera son second long playing ce 22 août prochain. Responsable d’une musique typiquement yankee, sorte de Springsteen à la mode country, le combo californien (Los Angeles) l’a intitulé « Nothing Is Wrong ». Si c’est eux qui le disent… ’
Track listing:
1. Time Spent In Los Angeles
2. If I Wanted Someone
3. My Way Back Home
4. Coming Back To A Man
5. So Well
6. How Far We've Come
7. Fire Away
8. Moon In The Water
9. Million Dollar Bill
10. The Way You Laugh
11. A Little Bit Of Everything
http://soundcloud.com/loose-music/sets/dawes/s-iQc1G
http://loosemusic.com/dawes/
Le nouvel opus de Shimmering Stars paraîtra le 12 septembre prochain. Intitulé « Violent Hearts », il baignera dans une dream pop candide, réminiscente des années 50 et 60. Le trio Canadien (Vancouver) reconnaît d’ailleurs comme influences majeures, les Everly Brothers, Phil Spector et Bo Diddley.
Wilco publiera sa 8ème livraison au cours de cet automne. “I Might” en a été extrait pour paraître en single. Il paraîtra en Europe ce 18 juillet. Il s’agit en fait d’une adaptation d’une compo de Nick Lowe, « I Love My Label »
La formation touareg Tinariwen publiera son nouvel opus ce 29 août prochain. Intitulé « Tassili », il a bénéficié du concours de musiciens de TV On The Radio ainsi que de Nels Cline (Wilco). Les maîtres de Tamikrest se produiront, en outre, à l’AB le 19 octobre afin de défendre leur blues rock du désert.
Tracklisting
1. Imidiwan Ma Tenam (feat Nels Cline of Wilco)
2. Asuf D Alwa
3. Tenere Taqhim Tossam (feat Tunde Adebimpe & Kyp Malone of TV On The Radio)
4. Ya Messinagh
5. Walla Illa
6. Tameyawt
7. Imidiwan Win Sahara
8. Tamiditin Tan Ufrawan
9. Tiliaden Osamnat
10. Djeredjere
11. Iswegh Attay
Libéré de ses Perquisite, Pete Philly s’est donc lancé dans une carrière solo. Et son premier elpee personnel, « One », paraîtra ce 3 octobre. Dans la foulée, l’artiste partira en tournée, un périple qui passera par l’AB le 14 du même mois.
http://www.petephilly.com
http://www.facebook.com/petephillymusic
The Shoes, duo français ultra médiatisé, vient de publier son très attendu 1er album, « Crack My Bones ». A l’affiche de Pukkelpop, ce 20 août, rien ne semble pouvoir arrêter l’irrésistible ascension de Guillaume et Benjamin, déjà producteurs pour Shakira et Raphael…
Gonzales, Esser et Wave Machines ont participé aux sessions d’enregistrement de cet elpee, apparemment influencé par Hot Chip, LCD Soundsytem et The Cure.
La maison de disque N.E.W.S. Records a lancé N.E.W.S. tv.
La chaîne présentera régulièrement des émissions abordant divers aspects de la société et du ‘business’ : interviews d’artistes nationaux et internationaux, reportages en tournée, regard dans les coulisses de la société elle-même, reportages événementiels,...
N.E.W.S. tv est diffusée via la chaîne Youtube de N.E.W.S. Records.
La première émission propose de suivre l’icône DJ et directeur de label Dr. Lektroluv durant sa tournée, accomplie le mois dernier, au Brésil.
http://www.youtube.com/newsrecords
http://www.facebook.com/newsrecords
http://www.twitter.com/newsrecords
La première édition du concours musical Méli Mélo a remporté un vif succès puisque ce ne sont pas moins de 500 personnes qui ont assisté aux deux demi-finales et à la finale. L’édition 2011 a couronné For 24 Lives (prix du jury) et UR3 (prix du public) dans une finale où participaient également Baby’s on Board et Madame’s tout le Monde.
Vu le succès de cette première édition, une seconde aura lieu en 2012, selon les mêmes modalités. Une première demi-finale est déjà programmée à la Vitamin’Z le 20 janvier 2012. La finale aura lieu aux alentours le 24 mars 2012.
En pratique
Méli Mélo induit une idée de mélange, c'est l'idée force du concours. Mélanger les textes à la musique, mélanger les musiques aux textes. La plupart des concours "rock" font la part belle à la musique et ne prêtent que peu d'attention aux textes. Méli Mélo, c'est son originalité, donnera la priorité aux textes tout en étant à l'écoute de la qualité musicale.
Il va de soi que les textes devront être en accord avec les valeurs défendues par la laïcité: liberté, égalité, solidarité, émancipation, antiracisme,... Ceci ne doit pas empêcher les candidats de présenter et de proposer des textes engagés et impertinents. Bien au contraire !!!
En pratique, il est demandé à chaque candidat ou groupe de proposer au minimum trois morceaux originaux avec des textes engagés, en français de préférence, mais ce n’est pas une exclusive. Le style musical est entièrement libre (rock, pop, électro, chanson française, rap, punk, métal, hardcore, alternative…). Priorité sera donnée aux groupes n’ayant jamais enregistré.
Les morceaux et les textes devront être envoyés au CAL BW - Concours Méli Mélo/Dominique Nuydt (rue Lambert Fortune 33, 1300 Wavre) ou être disponibles sur myspace. L'inscription au concours est gratuite. Renseignements: Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.
Le concours est ouvert dès ce mois de juin 2011, la clôture des candidatures est fixée au 31 décembre 2011 (formulaire d'inscription en téléchargement sur le site http://www.calbw.be )
Escales festival philo
Méli Mélo se déroule dans le cadre de « Escales festival philo » dont le thème 2012 sera le désir. Un vaste programme !
(d’après communiqué de presse)
Chaz Bundick n’a perdu son temps. A peine après avoir créé le buzz autour de son premier LP, « Causers Of This », le surnommé Toro Y Moi s’est attelé à la confection de son second recueil. Toujours plus transat que pistes de danses, « Underneath The Pine » délivre onze couches de crème glacée à dévorer d’une traite sous le soleil. A chaque cuillérée sa saveur unique. Ainsi, on virevolte entre « New Beat » et ses pépites funky, « Go With You » et sa nappe d’electronica concassée, « Divina » ou « Good Hold » et leurs délicieuses nappes de piano, « Still Sound » et son beat en loop bien proportionné… Bundick dose le tout avec une telle subtilité, que la perspective d’indigestion n’est envisageable qu’en cas de surconsommation. « Underneath The Pine » permet à Toro Y Moi d’élargir son champ de vision. Celui-là même qui semblait légèrement limité sur « Causers Of This ». Un disque à consommer au dessert, en observant une modération toute relative. Reste que l’on est toujours à quelques lieues des parfaites petites galettes de son pote Washed Out, tellement savoureuses que la concurrence peut aller gentiment se rhabiller…
Originaire de Florence, Vanth pratiquait à ses débuts, soit vers 2006, un black metal rude, aride et sans grande maîtrise.
Aujourd’hui, les choses ont bien changé et le guitariste-chanteur Ace a troqué sa cartouchière contre un échantillonneur.
Le combo qualifie sa musique de ‘Modern synth-rock’ et passe désormais davantage de temps à Göteborg qu’à Milan.
Si une légère influence de Rammstein (en moins martial) contamine les trois premiers titres, le reste se révèle finalement d’une grande banalité, pour ne pas dire insipidité. Sorte de ballade électro pop, « Come Sweepers Come » est dénuée de la moindre subtilité. Quant à la plage finale, elle nous emmène sans transition dans le monde de la techno pure. Pfff…
Elvin Bishop est un des tous premiers guitaristes blancs à s'être illustré sur la scène du blues. C’était au cœur des sixties. Il sévissait alors dans le Paul Butterfield Blues Band, auprès du remarquable chanteur/harmoniciste Mike Bloomfield, pionnier aujourd'hui disparu. La discographie d’Elvin est impressionnante ; mais pour Delta Groove, il n’avait, à ce jour, signé que deux elpees : "The blues rolls on" en 2008 et "Red dog speaks" en 2010. Et l’an dernier, il avait immortalisé ‘live’ une de ces croisières musicales qui transportent sur des paquebots de nombreux artistes de blues et leurs fans, à destination des îles du soleil, lors d’une Legendary Rhythm & Blues Cruise. Un périple accompli pour le plaisir des oreilles, bien sûr !
Dans le cadre de ce "Raisin' Hell Revue", Elvin partage les planches en compagnie du chanteur noir Finis Tasby, du chanteur/harmoniciste John Nemeth, du guitariste Chris ‘Kid’ Andersen (NDR : l'ancien gratteur de Charlie Musselwite) et du saxophoniste californien Terry Hanck.
Le concert s’ouvre par "Callin' all cows", un zydeco particulièrement remuant. Steve Willis malmène son accordéon sur le Bo Diddley beat. D’entrée, l’ambiance est déjà bien festive. Caractérisé par ce riff cher à Elmore James, le "Whole lotta lovin" de Maxwell Davis est sans aucun doute la meilleure plage de l’opus. Derrière le chant impeccable de Finis Tasby, Kid Andersen et Bishop rivalisent de virtuosité. "Fooled around and fell in love" est une ballade contagieuse. John Nemeth chante d’une voix pure, taillée pour le R&B, pendant que Bishop signe un solo tout en feeling. "What the hell is goin' on" est hanté par les sonorités primaires issues du Delta. La voix rocailleuse d'Elvin baigne ici dans son élément. John Nemeth et la charmante Lisa Leu Andersen (probablement l'épouse du Kid) partagent le chant tout au long de la cover du hit de Ray Charles, "The night time is the right time". Finis Tasby empoigne le micro pour reprendre le "Down in Virginia" de Jimmy Reed, abordé dans ce style si caractéristique des swamps. Elvin emprunte une voix de fausset pour attaquer son "Rock my soul". Il est épaulé par un chœur improvisé. Ed Earley se distingue au trombone, alors que les solistes se succèdent : Nemeth, Bishop, Andersen et Bob Welsh. Terry Hanck chante son "Cryin' fool", mais son organe vocal n’est guère convainquant. Heureusement que Bishop s'est glissé le bottleneck au doigt, pour signer un bon exercice de style à la slide. Les reprises défilent. Tasby chante "River's invitation", une compo signée par un de ses maîtres, Percy Mayfield. Elvin est dans son élément quand il peut chanter en dialoguant avec son public. A l’instar de "Dyin' flu", un blues lent écrit issu de la plume d’Albert Collins. Et en fin de parcours, on épinglera encore le bouleversant "It hurts me too"…
Paire rigolote réunissant de faux jumeaux issus de la côte Hispanique, j'ai nommé DJ Bea Tricks à ma droite (côté platines) et Beatmaster G, human beatbox, à ma gauche, Class B Band secoue le dancefloor avec un second degré salvateur tout en plongeant l'auditeur dans un périple ludique aux intonations eighties bien balancées.
Bande-son originale pour séries B imaginaires, l'humour est omniprésent et transforme cet OVNI en référence ultime de la non-prise de tête. Sorte de pied de nez aux DJ's érigés en stars internationales, Class B Band ramène le propos à l'essentiel : le fun.
Entre fancy-fair pour monstres, fantômes d'Halloween et after party hallucinée, « Movie T » renouvèle un genre un peu trop enclin à s'auto-aduler par la grâce de sonorités certainement ultra-datées mais qui savamment équilibrées, font mouche.
Bien que manquant un peu de variations dans l'ensemble, les quinze titres de cet album offrent néanmoins un lifting bienvenu dans cette ère technologique où les conventions riment de plus en plus avec sensations.
C'est officiel: B Class Band est déclaré champion de la seconde division!
Entre 1975 et 1976, Deep Purple se fendait d’une tournée mondiale, sous son line up le plus controversé. Il réunissait à l’époque David Coverdale (chant), Glen Hughes (basse), Tomy Bolin (guitare) et enfin Ian Paice (Batterie) ainsi que de John Lord, tout deux survivants de la mythique formation originale.
« Phoenix Rising » est un document intéressant à plus d’un titre. Souffrant d’un son plus qu’approximatif, un « Last Concert in Japan » avait vu le jour en 1977. Bide total. Plus complète, et remasterisée une nouvelle version paraissait en 2001, sous le titre « This Time Around : Live in Tokyo ». Sur « Phoenix Rising », les images viennent se joindre à la musique. Et pour le Cd audio, on (re)découvre huit titres de cette période sulfureuse, dont « Burn », « Love Child », « Smoke on the Water », « You Keep on Movin » et « Highway Star ». Plus excitant, le DVD offre un documentaire de trente minutes, “Rises over Japan” tourné en 1976 au célèbre Budokan et restauré en HD. Mieux encore, « Getting Tighter », excellent film de 80 minutes, dévoile les propos de Jon Lord et de Glenn Hugues qui racontent les années post Gillan.
Un témoignage émouvant également qui nous permet de savourer le talent de Tomy Bolin, guitariste d’exception trop tôt disparu à l’aube de ses vingt-cinq ans, emporté par une overdose d’héroïne.
« Phoenix Rising » constitue donc un objet incontournable pour les fans du pourpre profond, et une pièce de belle facture pour les collectionneurs.
A contrario du patronyme à consonance guerrière, Destroyer n’est pas un énième groupe de Death-Metal, mais un projet du très prolifique Dan Bejar, actif tant chez Swan Lake que The New Pornographers. Et, s’il est question de destruction ici, c’est seulement celle des carcans musicaux classiques… quitte à ce que ce soit opéré à l’encontre du bon goût !
Formation à profil variable, Destroyer est né en 1995, et « Kaputt » constitue déjà son 9ème album. Pour décrire sa musique, l’artiste canadien évoque une forme d’‘European Blues’. Parfois envoûtante, elle est empreinte d’une grande sensibilité ; mais très riche, elle s’avère assez difficile à décrire. Un style qu’on pourrait qualifier, mais sous les réserves d’usage, d’indie-glam inspiré et luxuriant, véhiculant des textes abstraits et poétiques. Une rencontre hypothétique entre Bowie et Pavement, en quelque sorte.
« Kaputt » est une œuvre qui ne s’impose guère de limites. « Songs for America » évoque inévitablement le Duke, une compo cuivrée, éclaboussée de saxos dégoulinants circa 80’s et d’interventions de trompette. Plus délicat « Blue Eyes » est enrobé de chœurs féminins. Constamment à cheval entre l’exubérance des eighties et le rock indie des nineties, Béjar compose également des chansons pop lyriques et bouleversantes. A l’instar de « Chinatown » ou du titre maître qu’il chante d’un timbre légèrement nasillard. Les synthés vaporeux côtoient constamment les guitares voire même les flûtes, comme sur le kitch « Suicide Demo for Kara Walker », une plage superbe de plus de 8 minutes.
Plus accessible que ses œuvres précédentes, « Kaputt » privilégie les morceaux à tiroirs, un peu dans l’esprit de la version longue de « Bay of Pig », qui figurait sur l’Ep précédent.
En concert ce 26 juin au VK de Bruxelles.
Djinn Saout est une formation issue de la région namuroise. Un quatuor fondé par Olivier Godfroid et Corentin Simon (auteurs-compositeurs, chanteurs et guitaristes), rejoints ensuite par Nicolas Fieremans (basse) et Maxime Champion (batterie). Il y a dix ans que le groupe existe et manifestement l’envie est toujours bien présente chez les musicos. Désireux avant tout de créer une musique différente, ils n’hésitent pas à laisser leur imagination voguer au gré d’un rock progressif tel que le pratiquait autrefois, à une autre échelle, Ange.
Leur premier cd ne sort qu’en 2009. Il leur aura donc fallu huit longues années pour trouver la bonne voie et peaufiner un premier album. Fort de huit titres, « Le souffle des pantins » avait bénéficié de la complicité de Walter Prévoo (ex-musicien d’Abbey Road, claviériste de Cannon Ball). Déjà à cette époque, pour pouvoir apprécier leurs compos, il fallait oser pénétrer l’univers du quatuor, amoureux d’originalité et de beaux mots.
« Le désir des grands espaces » se décline en douze titres et deux bonus qui sont autant de tableaux différents que Corentin et Olivier ont barbouillé de leur poésie surréaliste.
Mêlant énergie et mélodie, Olivier et Corentin sont véritablement amoureux de la langue française et ne cachent pas leur attirance pour une chanson brillamment construite. Le phrasé est très (trop) soigné et pêche peut-être par manque de simplicité. Visiblement, Djinn Saout ne boxe pas dans la même catégorie que la grosse majorité des auteurs-compositeurs-interprètes de chanson française. Attention, cette qualité ou richesse, pourrait rebuter plus d’un mélomane lambda, car leurs chansons ne sont pas toujours très faciles d’accès.
Accrochez-vous, ouvrez grandes vos oreilles et aérez-vous le cerveau avant d’entrer dans le monde mystérieux et chevaleresque de Djinn Saout. Mais attention, l’œuvre ne se laisse pas apprivoiser à la première écoute…
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