Razorlight a été au premier plan de la résurgence de l'indie-rock au début des années 2000. On se souvient de ses plus grands moments : « Golden Touch », « Somewhere Else », « In The Morning" », « America » et « Wire To Wire », des titres décrochant un tas de distinctions, et des moments inoubliables sur scène, avec notamment la tête d'affiche du Reading Festival et un concert au Live 8.
Après s'être reformé pour des concerts en 2021, le lie up classique - Johnny Borrell (chant/guitare), Björn Ågren (guitare), Carl Dalemo (basse) et Andy Burrows (batterie) - sort le 25 octobre un nouvel album intitulé « Planet Nowhere », son premier depuis 2008. Et Razorlight présente en avant-première le single : « Scared Of Nothing ».
Depuis sa reformation, Razorlight a réalisé une tournée à guichets fermés comprenant un concert à L'Eventim Apollo de Londres, et a joué en tant qu'invité de Muse, Kaiser Chiefs et James. Mais Johnny s'est lancé un défi : ‘Qui veut être un groupe de hits du passé ?’ Il décide donc de planifier une session de cinq jours sous la houlette du légendaire producteur Youth (The Verve, James) dans son studio de Space Mountain, en Espagne. Youth savait ce qu'il fallait faire et a dit au groupe : ‘Razorlight c'est assez simple, n'est-ce pas ? Juste une ligne de basse entraînante, une batterie entraînante et une histoire’.
« Scared Of Nothing » libère une énergie post-punk tendue et piquante qui est aussitôt contagieuse - les mêmes caractéristiques qui ont suscité les éloges de NME à ses débuts (‘Plus de mélodies que Franz Ferdinand, plus d'esprit que The Strokes, et plus de couilles que presque tous les autres groupes’).
C'est également le morceau qui a débloqué la créativité de Razorlight, ce qui a conduit le groupe à retourner en Espagne avec Youth pour une deuxième session au début de l'année, au cours de laquelle ils ont travaillé sur un vaste catalogue de chansons pour le futur elpee. Parmi les autres titres figurent « Zombie Love », « U Can Call Me », « Dirty Luck » et « Cool People ».
Le clip de « Scared Of Nothing » est disponible ici
C’est en France que Mathheus Nascimento (NDR : il est issu de São Paulo) a tout d’abord fondé Slowaves en compagnie de Carlos Duarte.
Mais au fil du temps, le projet lui paraît de moins crédible, et il décide de retourner dans la plus grande ville du Brésil et d'Amérique du Sud.
Il renoue alors avec Vita Conti, qu'il connaissait depuis plusieurs années.
Il en explique la raison :
‘C'est l'une de mes meilleures amies, une artiste et une designer incroyable, et nous partageons les mêmes influences musicales et esthétiques.
Je lui ai envoyé quelques démos de Whirle et nous avons décidé de travailler ensemble.
Elle m'a toujours aidé en me faisant des suggestions sur la composition et la direction sonore à emprunter’.
« Berlin Haircut » constitue le second single du groupe, une compo de synthé-pop sombre, mais riche de nuances jangle-pop, shoegaze, dream pop et slowcore.
Rêveur et atmosphérique, ce morceau combine des voix intimistes et feutrées aux couches de guitares dissonantes, chargées de réverbération, créant une version délicate mais entraînante d’une expression sonore à l’énergie déstabilisante…
Le single « Berlin Haircut » est en écoute ici
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Avant de fonder Double Wish, en 2020, les multi-instrumentistes Philippe Andre et Adam Sabolick avaient participé à différents projets musicaux dans la région de Los Angeles ; et ce depuis 2007.
« Univers sometimes » constitue son nouvel Ep, quatre plages aux guitares étincelantes et aux rythmes groovy dont les textes abordent les thèmes du temps, de l'amitié, de la mortalité et du désir.
« Universe Sometimes » n'est pas une réponse à une question, c'est juste une question perpétuelle…
Adam s’explique :
‘Je suis seul occupé de chercher et d'aspirer à quelque chose.
Lorsque le groupe apparaît, les choses s'éclaircissent et deviennent ludiques.
Comme dans toute notre musique, il y a un va-et-vient constant entre la lumière et l'obscurité, la joie et la tristesse.
Je ne pense pas que ce soit quelque chose que nous ayons consciemment décidé de faire, je pense que c'est juste la réalité de l'existence…’
Extrait de « Univers sometimes, « Papers est en écoute ici
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Fondé à l'université de New York, Been Stellar est de plus en plus présent (voire omniprésent), sur la scène musicale de la Grosse Pomme.
Cette jeune formation s'inspire du bruit chaotique de NYC qui rythme la vie quotidienne de ses habitants. Ce qui explique le titre de son premier album « Scream From New York, NY ».
Les musicos ne sont pas les premiers à s’en inspirer mais ils affirment qu’y vivre, c'est voir la ville osciller entre l'effondrement et la renaissance, et inversement.
A travers leurs compos, ils relatent plusieurs événements réels très différents qui se sont produits et soulignent le nombre de crises aux proportions apocalyptiques que New York a déjà traversées au cours de ce siècle.
Been Stellar n'incarne peut-être pas une véritable renaissance du rock, mais au moins, il cherche à faire en sorte que les mauvais moments soient agréables à vivre.
Issu de « Sreaming from new-york, NY », « Pumpkin » est disponible sous forme de clip vidéo là.
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Lunar Isle, c’est le projet de David Skimming, un Ecossais établi à Séoul.
Mêlant dream pop, shoegaze classique et éléments indie rock, ses paysages sonores complexes et atmosphériques se distinguent par leur qualité onirique ; et ses mélodies chatoyantes, teintées d’une touche de mélancolie, reflètent à la fois la chaleur et l’introspection provoquées par un été imaginaire…
« Parasol » constitue son quatrième elpee, une œuvre dont la bedroom pop rêveuse et enchanteresse est traversée de cascades de guitares fluides et parfois par des rythmes électroniques…
Issu de « Parasol », « After Sun » est en écoute là
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C’est la Berezina ! Cette expression traduit une déroute, une mauvaise situation. Et tout particulièrement le plan sportif ou électoral, alors qu’en réalité, la bataille de la Bérézina (NDR : une rivière qui coule en Biélorussie où le combat s’est produit) constitue une victoire militaire de Napoléon face à l’armée russe, en 1812.
Berezina, c’est également le patronyme choisi par un groupe parisien.
« Last Exit », c’est son troisième single, et le deuxième qui sera inclus sur son premier Ep. Shoegaze, sa musique est décrite comme un mélange vibrant et kaléidoscopique de sonorités rêveuses, réverbérées, noisy et mélancoliques.
Côté textes, le morceau traite du moment où les rêves d’une personne sont complètement brisés, et où le vide et la peur de l’échec s’installent, suscitant toutefois le soutien et le réconfort d’un compagnon…
« Last Exit » est en écoute là
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Louis Arlette a sorti il y a quelques mois l'album « Chrysalide » dans lequel il opère une transformation stylistique complète. Sur ce disque dont on ne finit pas de faire le tour, Louis Arlette a décidé de renverser la table et de faire exploser le carcan de la chanson française.
« Chrysalide » nous emmène dans un voyage entre l’Abyssinie et Amsterdam en passant par Babylone, le zoo de Vincennes, Troie et la Rome d’Énée.
Cet opus à l'originalité frappante fait la synthèse de ses obsessions artistiques pour la poésie, l’art, la mythologie et l’expérimentation. Le résultat est saisissant, hypnotique et d’une inventivité folle.
Nouvel extrait, Louis Arlette réalise le clip d’« Amsterdam En Peine » depuis l'Hôpital d'Instruction des Armées Bégin. Arlette chante : ‘J’ai débarqué au vague à l’âme. Au milieu du port d’Amsterdam. J’y ai pas vu d’marins, c’est marrant. Mais des Vermeer émerveillés’. Les images laissent pointer une angoisse existentielle évoquant les films de David Lynch et les clips alternatifs des années 90. Rythmés par le silence, le son des scanners, les plateaux repas, les souvenirs remontent et se mélangent dans un tourbillon anachronique total.
Le clip d’« Amsterdam En Peine » est à voir et écouter là
10.08 BENENWERK 'BALLROOM BRUGEOISE' - En collaboration avec stad brugge
16.09 HOLLOW COVES
21.09 SENSES FAIL + SAVES THE DAY + YOUTH FOUNTAIN - EN COLLABORATION AVEC EYE SPY
28.09 CHANNEL ONE WITH RAS SHERBY + INDICA DUBS MEETS FORWARD FEVER <DUB REVOLUTION> - EN COLLABORATION AVEC FORWARD FEVER
02.10 KEVIN GARRETT <BREAKING WAVES>
03.10 ÃO
04.10 KOKOKO! + BLACK FLOWER + SICARIA + ... <AMOK> - EN COLLABORATION AVEC KAAP
09.10 NEWMOON
11.10 ETIENNE DE CRECY <CLUB CACTUS> - ORGANISATION: STRICTO TEMPO EN COLLABORATION AVEC CACTUS MUZIEKCENTRUM VZW
12.10 BLACKBRAID + LAMP OF MURMUUR + DÖDSRIT - ON WINGS OF SACRED DEATH - EUROPEAN TOUR - EN COLLABORATION AVEC SAMHAIN
13.10 TRIXIE WHITLEY UITVERKOCHT
22.10 ROMPERAYO <BREAKING WAVES>
23.10 GABRIEL RÍOS COMPLET
24.10 THE MYSTERY LIGHTS
25.10 MELTHEADS + MARIA ISKARIOT
29.10 JOSHUA IDEHEN <BREAKING WAVES>
30.10 ILA
31.10 POSTMEN - ORGANISATION: YEKE YEKE CONCERTS
01.11 BABYLON CIRCUS - extra show - ORGANISATION: STRICTO TEMPO EN COLLABORATION AVEC CACTUS MUZIEKCENTRUM VZW
02.11 BABYLON CIRCUS - ORGANISATION: STRICTO TEMPO EN COLLABORATION AVEC CACTUS MUZIEKCENTRUM VZW COMPLET
04.11 CHANEL BEADS <breaking waves>
06.11 PORCELAIN ID
11.11 BOHREN & DER CLUB OF GORE - EN COLLABORATION AVEC SAMHAIN
12.11 BUTCHER BROWN <CLOSE ENCOUNTERS> - EN COLLABORATION AVEC KAAP & HUSSLE
13.11 BLUAI
14.11 RHEA
15.11 ADMIRAL FREEBEE COMPLET
16.11 THE DOORS PERFORMED BY ALEX AGNEW- ORGANISATION: SHOW-TIME.BE
19.11 CONGRESS + HEAVER - ORGANISATION: EYE SPY
20.11 OWEN PALLETT
21.11 NOUVELLE VAGUE - ORGANISATION: STRICTO TEMPO EN COLLABORATION AVEC CACTUS MUZIEKCENTRUM VZW
22.11 COMPACT DISK DUMMIES COMPLET
23.11 COMPACT DISK DUMMIES - EXTRA SHOW
24.11 REMEMBERED FOR A WHILE - THE DAYS OF NICK DRAKE- EN COLLABORATION AVEC CULTUURCENTRUM BRUGGE
28.11 AARON BLOMMAERT - ORGANISATION: LIVE NATION
29.11 THE BONY KING OF NOWHERE + IVY FALLS
04.12 NAIMA BOCK
07.12 ELMER
12.12 RAMONES ALIVE - 50 YEARS RAMONES - ORGANISATION: YEKE YEKE CONCERTS
13.12 DAAN COMPLET
18.12 JOEP BEVING & MAARTEN VOS - 'VISION OF CONTENTMENT'- EN COLLABORATION AVEC CULTUURCENTRUM BRUGGE
14.02 ASIAN DUB FOUNDATION
12.03 ISE
17.04 MARBLE SOUNDS
Le nouvel elpee de Thurston Moore, « Flow Critical Lucidity », paaraîtra ce 20 septembre 2024. Par ailleurs, les fans de Sonic Youth et de Thurston Moore seront ravis d'apprendre que tous les titres de l'album seront disponibles sur toutes les plateformes de streaming, vinyle, disque compact et cassette.
« Flow Critical Lucidity » constitue le neuvième long playing solo. Certaines des chansons ont été écrites et arrangées en Europe continentale et au Royaume-Uni. Elles recèlent des références lyriques à leur environnement, inspirées par la nature, le rêve lucide, la danse moderne et Isadora Duncan. L'album a été arrangé à La Becque en Suisse et enregistré aux Total Refreshment Studios à Londres en 2022. Il a ensuite été mixé aux Hermitage Studios à Londres sous la houlette de Margo Broom, en 2023. Enfin, le titre de l’opus est extrait des paroles du single « Sans limites ».
En 2023, Thurston a sorti deux singles : l'énergique « Isadora », inspiré par Isadora Duncan et accompagné d'un clip vidéo mettant en scène Sky Ferreira. Ensuite, « Hypnogram », que la presse a qualifié d’un des morceaux les plus intensément cérébraux que Moore ait jamais sorti. Cette chanson mélange les moments les plus mélodiques de son ancien groupe avec les couches et les fioritures grisantes de My Bloody Valentine, formation principale de sa bassiste Deb Googe.
En avril 2024, Thurston a partagé l'hymne émouvant de la Journée de la Terre, « Rewilding ». Le musicien y a livré des lignes glaçantes, ‘...Don't stir anything...’ Moore a parlé de renouveau et d'une période pendant laquelle les amis de la Terre peuvent dormir et se réaliser de manière naturelle en rêvant de manière ‘corailmorphologique’. Le musicien a déclaré que le mouvement britannique de Rewilding aspire à réduire l'influence de l'homme sur les écosystèmes.
Chant, guitare : Thurston Moore, Basse : Deb Googe, Électronique : Jon Leidecker, Piano, orgue, guitare, glockenspiel : James Sedwards, Percussions : Jem Doulton
debut July 24 « Sans limites » est en écoute là https://www.youtube.com/watch?v=WQc5j3EliL4
end July 24 “new in town” https://www.youtube.com/watch?v=ggFZWA2Q5xg
Mercredi 23 octobre 2024 – Ms. Lauryn Hill & The Fugees – Sportpaleis, Anvers
Samedi 2 novembre 2024 – Benson Boone – Forest National, Bruxelles
Lundi 2 décembre 2024 – Elyanna – La Madeleine, Bruxelles
Vendredi 28 février 2025 – Gracie Abrams – Forest National, Bruxelles
Samedi 15 mars 2025 – Avantasia – Ancienne Belgique, Bruxelles
Samedi 25 mars 2025 – Sabrina Carpenter – ING Arena, Bruxelles
Samedi 10 mai 2025 – Mark Ambor – La Madeleine, Bruxelles
Si les nuages se sont pressés en masse, cette journée de samedi est climatiquement acceptable ! Il fait assez doux, même si la fraîcheur causée par le vent du Nord vient atténuer cette sensation de connaître enfin l’été, en 2024. Vivre en Belgique demande quand même une fameuse faculté d’adaptation !
Les Gens d’Ere, contrairement à pas mal de ses homologues, ne prolongent pas les festivités jusqu’au bout de la nuit. Dès lors, les stigmates de la veille sont à peine visibles, et le visage des festivaliers accuse si peu la fatigue. A peine, y distingue-t-on les cernes.
Le menu du jour recèle des artistes confirmés, certes, mais également des artistes de second plan destinés surtout aux plus jeunes, voire très jeunes au vu du nombre de têtes blondes qui peuplent le site, aujourd’hui.
Alors que votre serviteur arrive tambour battant, tel un soldat partant pour la guerre, le set de Doowy s’achève. Pas le cuisiniste notoire pour son accent à couper au couteau, mais Thibaud Demey (à l’état-civil), un ex-musicien de Lost Frequencies et Mustii.
Malheureusement, les dernières notes résonnent au moment de se planter devant le podium et, par conséquent, impossible d’émettre un avis quelconque à propos de sa prestation.
Autant se rendre sous la tente pour y (re)découvrir Alice On The Roof.
Remarquée à The Voice Belgium, où elle atteint la demi-finale, Alice On The Roof peut se targuer d’être devenue une artiste à part entière.
Drivée en son temps par Marc Pinilla, le charmeur du groupe Suarez, la belle a réussi à imposer un style qui n’appartient qu’à elle, notamment grâce à « Easy Come Easy Go », un titre issu d’un premier opus baptisé « Higher », largement diffusé sur les ondes noir-jaune-rouge. Une fierté nationale !
L’évidente qualité de cette composition, mais d’un autre temps, lui permet de récolter une critique médiatique et populaire unanimes, bien utiles pour (s’) expérimenter et acquérir un crédit scénique.
Un piano couleur alu trône au milieu de l’estrade. Vêtue d’une robe pailletée et coiffée de cheveux d’un vieux rose dégoûtant, elle pose son séant devant cet imposant instrument en entame un « Mistery Light » doux comme un crâne chauve. Puis, très vite, des beats électroniques viennent rompre ce moment hors du temps. Le tempo s’accélère et la petite se laisse emporter au sein d’un univers emprunté à la Tim Burton. Parce que du mystère, Alice sait s’en entourer !
Alors qu’il y a quelques années, elle avait assuré aux Les Gens d’Ere un concert en formule groupe, elle se produit aujourd’hui, seule, comme une grande, dans le cadre de sa tournée ‘The Girl in the Mirror Tour’. Un choix assumé, dit-elle ! Enfin pas vraiment, puisqu’un préposé se charge des percussions sur l’une ou l’autre de ses compositions.
Difficile d’occuper l’espace scénique lorsque tous les musiciens sont aux abonnés absents ! Et pourtant, la demoiselle y parvient fort bien. Elle est soutenue par une loop machine qui produit des boucles. Un coup, j’te mets une batterie, un coup, j’te mets une note de synthé, et hop, le tour est joué. Alice est devenue à la chanson ce que Garcimore était à la magie.
Une formule, en tout cas, qui lui permet de faire découvrir une chanson récemment sortie, « Change my world », soit un avant-goût d’un futur elpee. Et afin d’illustrer le propos, des écrans diffusent de manière sporadique des saynètes. Au cours de l’une d’entre elles, une main place des objets dans une maisonnette. Bizarre non ?
Une compo qui confirme que la Sonégienne a acquis de la maturité.
L’humour (un peu facile) est devenu une nouvelle qualité chez celle qui était encore une grande timide il y a peu de temps, lorsqu’elle évoque Brad Pitt et ses origines wallonnes, référence aux critiques formulées à l’encontre de Georges-Louis Bouchez lors de la pose qu’il a prise avec l’acteur américain sur le circuit de Spa-Francorchamps.
Plus qu’une suite de chansons, on assiste à une véritable mise en scène au cours de laquelle une Alice versus ‘2.0’ s’émancipe enfin et se livre sans concession dans un exercice de style qui lui va comme un gant.
Sa voix éthérée et candide se pose ensuite pudiquement sur « Easy come easy go », un titre phénomène alors qu’elle n’a que 21 ans. Un son électro/pop qui a fait craquer les aficionados. Sa plume incisive, joviale et sautillante souligne des images en filigrane entre Alice et son lapin blanc, deux personnages qui nous emmènent tout droit aux pays des merveilles.
S’accordant une pause bien méritée, elle regagne les coulisses. C’est alors qu’on la voit, muette, brandir de grandes pancartes sur lesquelles des messages défilent… du style : ‘Que boit la vache ?’ ou encore ‘Imitez le bruit d’un animal svp’. Alors que le public se transforme soudainement en troupeau, Alice revêtue d’un accoutrement de fermière, conduit le bétail vers une nouvelle compo dont le refrain est apparemment d’une complaisance déconcertante (‘TOU TOU TOU, TOU TOU TOU’). Facile et mièvre ? Pas du tout, l’artiste installe une forme de communication d’une intelligence subtile !
Alors que le set prend fin, ‘Alice sur le toit’ surprend le public qui est littéralement médusé. Hybride, cette chanson est interprétée entre le français et un parfait anglais. Une manière pudique de comprendre également l’origine de son patronyme.
Avant de prendre définitivement congé de ses invités, elle demande aux milliers de personnes qui assistent à son set quelle est la meilleure bière locale. La Paix Dieu se dégage. Et vous savez quoi ? Si on en boit 50, on tombe « Malade », une manière futile et insidieuse d’annoncer ce titre incontournable issu d’un deuxième elpee éponyme. Une fable faussement réservée, mais autobiographique, écrite à quatre mains avec Vianney, et dans laquelle elle clame à qui veut l’entendre, et dans la langue de Voltaire s’il vous plait, que ‘ma maladie, c’est tout simplement d’être moi !’. De quoi devenir schizophrène…
Bref, on a assisté à un show dynamique, surprenant et aux antipodes de ce à quoi l’on pouvait s’attendre.
Et dire que tout a commencé lorsque Alice est partie recommencer sa rhéto à Brookings, en Oregon. Un déclic déterminant pour la jeune fille de 17 ans à l'époque car elle a participé à une chorale : les 'Sea Breeze'. Et ce sont ces mêmes personnes qui lui ont donné envie d'exploiter cette voix qu'ils adoraient.
A défaut de marcher sur le toit, l’artiste a fait grimper l’auditoire vers des cieux animés, à l’aide d’une palette de chansons colorées, subtiles et efficaces. Surprenantes même ! De la chrysalide, cette ‘Dame’ s’est transformée en papillon !
Le concert de Black M. accuse facilement trente minutes de retard. Paraît qu’Alpha Diallo et tout son team ont été bloqués à Paris alors que les Jeux Olympiques battent leur plein. C’est même la Police locale tournaisienne qui a dû les escorter pour leur permettre d’arriver plus rapidement. Des artistes qui pourront se targuer d’avoir vécu une journée… légendaire !
Le gars se pointe, accompagné de deux choristes féminines. Deux blacks. L’une porte une tenue serrante laissant entrevoir ses bourrelets, tandis que l’autre a emprunté la coiffure de Princesse Leia.
Appuyé par la basse, la batterie et la guitare, l’artiste fonce droit dans le mur. « Sur ma route » est repris en chœur par sa fan base, soit de très jeunes enfants (entre 5 et 10 ans).
Deux ou trois chansons suffiront à votre serviteur qui préfère prendre ses jambes à son cou et poursuivre… son chemin vers le temple qui accueille Santa.
Une habituée des lieux, à la différence près qu’ici elle ne campe pas avec Hyphen Hyphen. Et cerise sur le gâteau, c’est la première fois qu’elle va chanter ses propres chansons en Belgique !
A moins d’avoir passé ces derniers mois sur une île déserte, personne n’a pu échapper au succès fulgurant (presque inattendu) de Samantha Cotta (NDR : c’est son vrai nom !)
Après nous avoir bercé de sa douce ballade en mode piano-voix sur « Popcorn salé », une compo écrite dans l’urgence, presque par égarement, qui paraîtra sous l’impulsion et les encouragements de ses comparses Laura Christin, alias Line (basse, percussions), et Romain Adamo, aka Adam (guitare, synthé), la jeune dame s’émancipe et grave un premier album sobrement intitulé « Recommence-moi ».
Alors que la pop anglophone constituait jusqu’à présent sa ligne directrice, notamment au travers d’HH, la Niçoise prend un virage à 180 degrés en réalisant un très réussi premier essai solo, chanté dans la langue de Voltaire.
Toute de noire vêtue (NDR : enfin presque !), elle est chaussée de godasses brillantes et a enfilé un perfecto sur lequel est floqué ‘Santa’ en rouge pétant. Soutenue par un batteur au drumming corrosif et une bassiste qui n’est autre que Line (sa meilleure amie), elle débarque en tenant un fumigène qui lui brûle les doigts.
Elle est heureuse de se retrouver parmi les siens, car elle vient de se faire adopter par la Belgique. Elle compte se jeter aujourd’hui à corps perdu dans un univers où règnent l’intime, la retenue et la douceur.
Multi-instrumentiste, elle alterne piano et guitare, ses deux instruments de prédilection, qui viennent soutenir sa voix puissante. Qu’elle met parfaitement en exergue sur « Eva », une magnifique chanson qui s’impose sur fond d’appel à la résilience. Des cris d’amour fusent. Comme elle ne parvient pas à cerner leur origine, elle les rend, mais en plus fort encore.
Un concert ponctué de surprises ! A commencer par « Les larmes ne coulent pas », qui a bénéficié, lors des sessions d’enregistrement, de la complicité de Christophe Willem, un artiste devenu aujourd’hui son ami. Il s’invite le temps d’une chanson, entre simplicité et fausse grandiloquence, lors d’un duo uni par des larmes amères. Mais n’y a-t-il pas larmes plus amères que celles qui ne coulent pas ? Quoiqu’il en soit, elle finit ce titre, le sourire et le regard sereins, debout sur les retours posés à front de scène.
Afin de reprendre son souffle, Line, armée d’une sèche, pose ses fesses sur le grand piano noir qui domine et entame un « Paradis » sulfureux pour ceux qui sont partis juste au-dessus du soleil. Une chanson qui exploite au mieux l’univers intrinsèque et le champ lexical de la jeune dame.
Fidèle à son style unique et son spectre lyrique hors du commun, Santa se regarde dans le miroir avec introspection pendant ses « Popcorn salé » et le désir de recommencer son histoire, à l’instar d’une césure sur le temps. Entre ambition, espièglerie et qualité rare, l’artiste s’était essayée au métier de cascadeuse en interprétant ce premier titre, perchée à plus de 40 mètres de haut ! C'était à Bruxelles, sur la place de la Bourse. Un « Popcorn salé » à son apogée, en quelque sorte !
Aux crashs, un petit garçon pleure, Santa ne peut résister à le consoler. Il s’appelle Martin. Elle l’invite sur scène à terminer, en duo, cette sublime chanson. Alors qu’il n’a que 5 ans, ce petit bout de chou connaît parfaitement les paroles et focalise donc les regards du public, devenant même le centre de tout, au détriment amusé de la Reine du jour.
Et puis, dans une parfaite communion, les milliers de festivaliers se transforment en une chorale parfaitement synchronisée, pour chantonner un joyeux anniversaire à ce gentil mioche. Une date qui restera gravée dans sa mémoire...
Alors que les musiciens se retirent en backstage, la grande Dame tente un mashup (ou potpourri). Pour la circonstance, elle associe le « Paradis blanc » de Michel Berger et Désenchantée de « Mylène Farmer ».
Puis ses fidèles comparses reviennent sur l’estrade. Santa s’interroge sur « Mais où le temps s’en va », une compo où les mots et les mélodies s’embrassent tendrement dans un tourbillon émotionnel et onirique d’une intensité rare.
Le concert touche à sa fin. L’artiste met l’accent sur « La différence », ersatz de manifeste sur le bien vivre ensemble avec, en filigrane, cet espoir latent de tolérance, d’insouciance et de communion.
Au cours de son show, certaines sonorités pop/rock contemporaines ont rappelé celles qui ont fait les beaux jours de la formation au sein de laquelle elle milite toujours.
Alors qu’elle s’apprête à s’éclipser, elle change d’avis et descend dans l’arène tel un gladiateur, pour un dernier combat. Mais ici, pas question d’épée ; elle, son truc, c’est le partage et la générosité ! Elle s’amuse au jeu du ‘hug’. Des câlins sont posés délicatement à une poignée de chanceux. Un moment suspendu et hors du temps !
Dans l’univers de la chanson française, Santa peut être considérée comme une grande artiste. Et en interprétant « Recommence-moi » en guise de ‘Happy end’, elle démontre qu’elle mérite amplement cette distinction.
Sur la scène extérieure, Louane débarque en mini-short, bas noirs et petit top. Il en faut du courage pour se promener quasi-nue alors que le froid vient de tomber en terre tournaisienne.
La majorité de l’auditoire réunit des familles : parents, enfants –souvent très jeunes– et même grands-parents. L’artiste ratisse large. Mais la fosse est pleine. A défaut de rien…
Elle est seule sur le podium, elle aussi (décidément !) s’est plantée devant une kyrielle de machines destinées à la soutenir ce soir.
Elle a été révélée lors de la seconde saison de ‘The Voice’. Actrice à ses heures perdues, c'est surtout son rôle dans ‘La famille Bélier’, pour lequel elle a remporté un César, qui lui a permis d'obtenir cette reconnaissance médiatique.
Elle entame son tour de chant par « Donne-moi ton cœur », un cri de détresse chargé d'émotion. Mais en alignant des morceaux comme « A quoi tu penses ? », « Nos secrets » ou encore « Aimer à mort », l’un de ses plus gros succès, le répertoire devient gnangnan et pompeux.
Hormis la fan base qui voit en Louane la déesse de la nouvelle chanson française, ses chansonnettes à deux balles ne prennent qu'un essor tout relatif dans les ‘portugaises’ de votre serviteur. C'est niais et ennuyeux à s'en décrocher la mâchoire. C’est tellement casse-* (à vous de choisir le terme complémentaire) qu’il entend les poils de sa barbe pousser ! Dommage !
Mais, pour que la critique soit objective, il est nécessaire qu’il suive le concert jusqu’à son terme (ou presque). C'est donc en manifestant un certain enthousiasme (?!?!?) qu’il se mue en parfait spectateur. Mais, rien n’y fait ! C’est artistiquement pauvre et musicalement au ras des pâquerettes. Et que dire des thématiques, dignes d’une ado prépubère ?
Elle embraie par son tube « Jour 1 » dont le refrain est repris par une bonne partie de la foule. Qui semble ravie, voire heureuse...
Manifestement, Louane prend du plaisir et entraîne la foule dans son show infantile. Tant mieux pour elle !
Le rideau tombe, la nuit s’est emparée des lieux. Henri PFR s’apprête à livrer un set qui va s’avérer, comme souvent, de bonne fracture, entre musique électronique et prouesses pyrotechniques.
Surnommé ‘le petit prince des platines’, il s’est imposé comme la nouvelle sensation de la scène électro made in Belgium. Mais pas seulement, puisque son talent s’exporte à l'international. Aujourd'hui, il se produit dans de grands festivals, depuis Tomorrowland, en passant par l'Ultra Music, Lollapalooza et même Electroland, à Disneyland. Bref, le Belge est devenu un fameux bourlingueur.
Aux Légendes d'Ere, l'artiste tient ses promesses. Un show dynamique et sans concession où la seule constante est la flexibilité de son matériel.
Entre ‘beatmatching’, ‘drop’ ou encore ‘cue’ (des termes propres à ce genre musical), survitaminé, celui qui se produit au-delà des frontières, se livre dans un set propice à la furie sidérale. Aucun doute, Mister Peiffer est à nouveau le king ce soir en s'imposant non pas comme nouvelle sensation, mais en talent confirmé.
Bien sûr, les nightclubbers s’éclatent alors que les autres tendent une oreille plus ou moins distraite au Djset de l’artiste.
La fatigue commence à gagner les organismes, les effets de l’alcool se manifestent, les paupières tombent. Votre serviteur estime qu’il est plus sage de regagner ses pénates. A demain !
(Organisation : Les gens d’Ere)
Et si Les Gens d’Ere devenaient… légendaires ? Car si l’évènement était à l’origine une farce entre une copains autour d’un peu de musique, de joie et de bonne humeur, le festival s’exporte aujourd’hui au-delà des frontières.
Mais contrairement à beaucoup de ses homologues (Dour Music Festival, Ronquières, etc.), ici, on ne badine pas avec l’esprit de camaraderie, qui lui n’a pas changé d’un iota ! Exit les trucs pompeux, la simplicité EST la règle ! Même le stand VIP fait les frais de cette culture ; il est réduit à sa plus simple expression ! Celui qui veut s’y restaurer ne trouvera ni caviar, ni champagne, mais de la bière et une bonne grasse frite !
Bref, Les Gens d’Ere est le festival par excellence où l’on s’y sent comme chez soi, entouré d’une équipe de bénévoles passionnés et souriants.
De nombreux transats en palettes sont disséminées un peu partout, histoire que les festivaliers se sentent comme à la plage, le soleil en moins, car si la journée de jeudi a laissé le sol jonché de boue, cette journée de vendredi, épargnée tout de même par la pluie, n’en est pas moins nuageuse et très fraîche. Les uns la bouderont tandis que les autres y verront un bon moyen de s’habituer à la saison automnale, pas si lointaine finalement. Que l’on se réjouisse, car par comparaison, la situation ne peut pas être aussi désastreuse. Souvenez-vous des torrents de précipitation qui s’étaient déversés, l’an dernier, obligeant les festivaliers à déguerpir des parkings devenus impraticables.
La configuration est identique aux formules précédentes. Deux scènes se côtoient, l'une couverte baptisée ‘Le Chapito’ et une autre ‘Plein Ere’ logiquement outdoor. Elles se situent à une encablure l’une de l’autre, ce qui permet de s’y rendre en quelques pas seulement. Elles proposent en alternance un line-up cohérent car on mise encore et toujours sur une affiche la plus éclectique possible. Mais de qualité !
Les familles s’y exposent le temps d’un long week-end. On y croise de jeunes couples entrelacés, des personnes plus âgées avec leur cabas ‘Action’ et des parents accompagnés de leurs rejetons. A moins que les enfants n’y accompagnent leurs parents ?
Se déroulant sur quatre jours maintenant (rentabilité oblige), le jeudi fait la part belle à un groupe de cover qui sévit beaucoup sur la région : Zénith. Trop peu pour votre serviteur !
Priorité donc aux vendredi, samedi et dimanche !
Alors que la montre de votre serviteur indique 19h00, direction le chapiteau pour y découvrir Youssef Swatt’s,
Le gars vient de Tournai, une ville francophone de Belgique située en Région wallonne (Wallonie picarde) et en Flandre romane, chef-lieu d’arrondissement de la province de Hainaut et siège de l'évêché de Tournai. La messe est dite !
Il a déjà bien bourlingué ! Cinq albums à son actif, des collaborations avec des artistes belges et français de renom tels qu’Oxmo Puccino (« Le poids des mots ») ou Demi Portion (« Maintenant ou jamais ») et a assuré le supporting act des concerts de IAM, en 2022, mais aussi de Bigflo et Oli, en 2023.
Cocorico, il y a quelques jours seulement, Youssef Swatt’s a remporté l’émission française de rap ‘Nouvelle Ecole’, dont la finale était diffusée sur Netflix. Et dire que les spectateurs ne savent même pas que l’artiste qui grimpe sur l’estrade est une future figure montante du rap !
Son histoire s’apparente à un véritable conte de fée. Âgé de seulement 14 ans, le gaillard sort un premier Ep, « L’Amorce », qui lui permettra d’être repéré par le Scylla, phénomène belge. Prolifique, « Vers l’infini et au-delà » sortira en 2017, « Poussières d’espoir » en 2020 et enfin, « Pour que les étoiles brillent », en 2022.
Alors que votre serviteur n’épouse pas nécessairement le genre, la musique du gars est différente pour deux raisons essentielles. Premièrement, il se produit en groupe, phénomène plutôt rare, les artistes de ce style se contentant souvent d’un DJ derrière les platines pour l’enveloppe musicale. Ensuite, son écriture n’est pas vindicative à l’instar d’autres de ses congénères. Et pas davantage d’insultes vis-à-vis des ‘keufs’ (Trad : la police) et des ‘meufs’ (Trad : les femmes) qui ne sont pas toutes des putes. Ah bon ?
Youssef est soutenu par quatre larrons chargés de lécher ses propos tentaculaires (basse, guitare, clavier et batterie). Le chapiteau est bien rempli, signe que l’artiste a déjà acquis une certaine notoriété.
Maîtrisant les codes du hip-hop grâce à des compositions enivrantes et chaloupées, l’artiste se livre entre lyrisme poétique et introspection maladive. Maniant une plume taillée comme du silex, il regarde dans le rétroviseur de sa vie avec humilité. Des compos touchantes et une expression sonore légère sur fond grave ainsi que des thématiques qui traitent de la vie, la mort ou la résilience, à l’instar de « Générique de fin ».
Comme il le souligne ouvertement dans « Etoile filante », une chanson interprétée à l’origine en compagnie de COLT (un duo belge, né sur des cendres de Coline et Toitoine), ‘notre histoire est belle’ constitue une référence aux relations qu’il entretient depuis toujours avec sa fan base. Sa victoire n’est pas seulement sienne, mais celle de toute une équipe.
Il rappelle s’être présenté devant un public alors qu’il n’avait pas acquis la popularité que l’on connaît aujourd’hui. De statut d’OVNI à artiste confirmé, il se remémore le temps passé, avec un brin de nostalgie (« Remonter le temps »).
Malgré des basses assourdissantes handicapant de temps à autre la bonne compréhension des textes, l’artiste est devenu une figure de proue dans le paysage noir-jaune-rouge et attise la curiosité en proposant un set éblouissant, au sein duquel scintille une « Etoile filante ».
Autre style, autre podium pour un digne représentant du rock belge, Ykons. Un habitué, puisqu’il se produit pour la 3ème fois sur la plaine du Les Gens d’Ere.
Le groupe liégeois (aucun doute vu l’accent prononcé !) réunit Renaud, Yann, Patrick, David et Ben. Né sur les cendres de Can D (NDLR : décidément le crématorium tourne à plein régime), les comparses empruntent un chemin initiatique, dès 2019. Le succès progresse lentement. Ykons grave un premier elpee, « Reflected », qui lui permet de se forger une solide réputation et par conséquent de disposer d’un répertoire substantiel pour les festivals. La suite ? Un beau succès critique et d’estime !
Le set de ce soir est malheureusement conjuré par le sort. Une longue intro devait permettre aux musiciens de monter sur les planches. Plusieurs tentatives et un reboot du mac seront nécessaires pour y parvenir. Renaud s’excusera en off, ‘le Windows 97 s’est planté’, dira-t-il.
L’incident clos, alors que le batteur assurait derrière les fûts durant de longues secondes, le claviériste le soutient rapidement, puis le guitariste et enfin le bassiste embraient, alors que le chanteur est perché tout en haut d’une estrade plantée au milieu du podium. « Red light » ouvre alors les hostilités !
C'est très vif et entraînant. Le public s'emballe et les muscles, jusque-là statiques, sont pris de mouvements saccadés au gré de cette rythmique un brin indolente. Et s’il s’agissait du syndrome Gille de la Tourette ?
Renaud Godart marque là, au fer… rouge, une intro pour le moins percutante.
C'est techniquement époustouflant, humainement enrichissant et musicalement céleste. Un combo qui signe le retour à de la bonne musique comme sur ce « State of mine », nourri à l’indie-pop et coloré de touches électro.
Les événements se dégradent malheureusement lors de « Open eyes ». Les enceintes en façade décident de faire grise mine, privant ainsi l’auditoire d’une bonne partie de la compo. Les musiciens, amusés et gênés à la fois, poursuivent, inébranlablement leur mission contractuelle, simplement aidés de leur moniteur in-ear (NDR : oreillettes placées dans les oreilles). De l’aveu même du vocaliste, c’est la première fois qu’il joue pour un public… qui ne l’entend pas ! Un surréalisme à la Belge !
Alors que les techniciens s’affairent comme des lions en cage, Renaud propose, si les enceintes ne parviennent pas les rendre fonctionnelles, d’assurer un concert acoustique autour d’un feu de bois, comme lors d’un camp de scout. Et le public d’y répondre en poursuivant a cappella. Un beau moment !
Le hasard est évidemment bien capricieux ! Alors que de nouveaux câbles sont installés, assurant la liaison entre la régie et la scène, le set se poursuit par… « Have a great crash ». Véridique !
Un mouvement de foule s’organise, jeunes et moins jeunes jumpent solennellement dans une ambiance bon-enfant. S’il ne s’agit pas du meilleur concert du groupe, il s’est produit devant le meilleur public, assurément !
Pour « Like a feather », debout face aux ‘floortoms’ posés sur l’estrade, le frontman et un de ses comparses prennent le pouvoir en martelant avec force et conviction les peaux, pendant que la guitare post-pop aérienne et légère s’envole et la basse vrombit dans les frontaux (qui pour l’instant, fonctionnent) en transperçant les corps plantés devant les barrières. Entre show diabolique, sueur, adrénaline et surprises, Ykons a démontré qu'il possède toutes les cartes pour emmener avec lui les plus fidèles, dans un tourbillon insensé. Sa seule limite étant l'imagination !
Alors que la guitare entame les premières notes de « Cloud nine » et ses faux airs à la Puggy, Renaud s’affranchit dans le public et d'une expression sans complexe, il chante, totalement décontracté, entre nonchalance et intuition.
Grâce à des effets de guitare aériens, il y a chez Ykons une filiation lointaine avec Coldplay (groupe de pop/rock britannique originaire de Londres en Angleterre, formé en 1997, et drivé Chris Martin) en termes de compositions que de l’approche sonore.
Puisqu’on ne dit jamais aux gens qu’on les aime, rien de tel que de reprendre à la sèche ce titre emblématique de Louis Chedid. Des mots qui touchent sur une mélodie caressante. Alors que les uns et les autres se touchent l’épaule en guise de fraternité, l’ambiance qui, jusque-là, était électrique, devient soudainement, le temps d’une chanson, intimiste.
La prestation s’achève ; cependant, le quintet ne pouvait quitter les lieux sans son « Sequoia Trees », un message adressé à l’être humain et à sa responsabilité à l’égard de tout ce qui l’entoure. Et de rappeler également que c’est ce titre qui a permis au band d’acquérir une véritable aura au royaume du moues/frites.
Pourtant contrarié par des problèmes techniques auxquels artistes, techniciens et public ont dû faire face, le concert d’Ykons restera l’un des meilleurs que le combo a accordés, sa fluidité s’avérant, de plus en plus, une de ses forces.
Grâce à une expression sonore bien dans l'air du temps, la formation liégeoise s'approprie les racines du genre et en extrait la quintessence pour le meilleur et… pour le pire.
La soirée s’achève déjà pour votre serviteur, la suite du programme se révélant moins alléchante. Entre un Mister Cover, mille fois entendu et un Quentin Mosimann taillé pour le dancefloor, il est toujours aussi perplexe vis-à-vis de ce type de spectacle (?!?!?) …
(Organisation : Les Gens d’Ere)
Lu 23.09.2024
Selah Sue
Ve 04.10.2024
Dub Unit
Ma 08.10.2024
Trixie Whitley
Lu 04.11.2024
COOL presents Fred Wesley Generation
Me 13.11.2024
Luka
Me 27.11.2024
Helmet
Ma 10.12.2024
Compact Disk Dummies
Originaire de Portland, K a ll a i (prononcez Call Eye) s’est formé à l’automne 2023. Il réunit des membres de Trance to the Sun, Luscious Apparatus et Lost Echoes.
Les musicos travaillent sur une vision musicale commune qui s'inspire des styles explorés par leurs précédents projets, tout en développant de nouvelles sphères créatives.
Un chose est sûre, éponyme, son premier Ep trahit des influences shoegaze, post punk et gothiques en libérant des sonorités de guitares explosives et chargées de reverb’, des lignes de basse pulsées, des vocaux aériens ainsi que des rythmes fluides.
Le clip consacré à « Always Never » est à voir et écouter ici
Podcast # 42 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)
En 2019, à Los Angeles, en pleine période prépandémique, Ammo Bankoff se lance dans une aventure en solitaire sous le pseudo AMMO. En 2020, elle grave un single.
Elle déménage ensuite avec l'ingénieur du son et guitariste Robert Duncan pour rejoindre le batteur et producteur Alex Posell, à New York, afin d’y fonder Silent Mass.
Un nouveau chapitre de créativité s’ouvre et cherche à séduire autant les disciples du post-punk, de la vague éthérée du shoegaze que de l’alt rock des 90’s.
En combinant des voix obsédantes et des lignes de guitare luxuriantes avec des rythmes basiques, la formation construit un mur de son gémissant et irrésistible propice à la rêverie mélancolique…
« Land of Heart's Desire » est en écoute là
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« Paint It in Blue » constitue le deuxième extrait du troisième elpee de Mayflower Madame, « Insight », qui sortira le 1er novembre 2024
Le rock sombre et psychédélique de ce groupe norvégien est issu d’un mélange unique de guitares rêveuses, de synthétiseurs éthérés, de lignes de basse lancinantes et d’interventions de drums ‘motorik’ que hante la voix envoûtante du leader, Trond Fagernes, et dont les textes parlent d'amour et de dépendance.
Combinant les grooves rythmiques du krautrock et du post-punk avec les atmosphères étincelantes du shoegaze et du néo-psychédélisme, la musique nous entraîne dans un voyage hypnotique à travers les ombres, un périple rempli de mélodies obsédantes et de rythmes palpitants.
La vidéo de « Paint It in Blue » est disponible ici
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Les amateurs de musiques et de traditions celtiques ont rendez-vous aux Celtic Days, qui se dérouleront les 7 et 8 septembre prochains dans le cadre médiéval du château de Thy-le-Château, près de Walcourt. Pour lancer le festival, les organisateurs ont mis les petits plats dans les grands: pour célébrer la Bretagne, à l'honneur cette année, ils ont invité le “pape” de la musique celtique bretonne, Alan Stivell, qui accordera deux concerts exceptionnels en la Basilique St. Materne de Walcourt, les 5 et 6 septembre.
Dès l’âge de dix ans, dans la cathédrale de Vannes, Alan Stivell faisait déjà résonner la “Telenn Gentañ”, la première harpe celtique de la Bretagne des temps modernes. Soixante-dix ans plus tard, il repart sur la route des églises et des cathédrales de Bretagne et d’Europe pour présenter un concert qui revisite son œuvre dans un format intimiste, “Cœur et Âme - Kalon hag Ene”.
Tout le monde connaît “Tri martolod” (“Trois matelots” en français), une chanson traditionnelle bretonne rendue célèbre grâce à l'interprétation, l'arrangement et les enregistrements d'Alan Stivell, ainsi que, bien sûr, grâce à la reprise de Manau: “La Tribu de Dana”!
Titres fondateurs et morceaux rares seront mis à l’honneur lors du concert dans une formule spécifiquement adaptée à ce retour aux sources. On y découvrira la dernière harpe conçue par l’artiste lui-même, offrant la pureté cristalline autant que les possibilités de l'électronique. Alan Stivell sera accompagné par Tangi Miossec aux claviers.
Le concert du 6 septembre est complet mais il reste des tickets pour celui du 5 septembre. Pour commander: c'est ici.
Pendant le week-end du festival, un programme étoffé attend les passionnés de traditions celtiques: défilés et animations de Pipe Bands, Bagadoù, concerts de harpe celtique, concerts de groupes bretons, écossais, irlandais et asturiens, initiations et spectacles de danses asturiennes, bretonnes et irlandaises à claquettes répartis sous deux grands chapiteaux. Il sera possible de découvrir les coutumes, la gastronomie et les breuvages de chacune des régions présentes.
Egalement au programme, les mariages clandestins ou cérémonies de Gretna Green, les camps écossais et leurs Highland Games, le Master Class Whiskies ou initiation didactique aux whiskys d’exception, les crêperies bretonnes, la foire artisanale et de produits de bouche d’une cinquantaine d’exposants, la conférence et exposition didactique sur la présence des Celtes en Entre-Sambre-et-Meuse, et pour les plus jeunes, les balades à dos d'ânes, les contes et légendes celtiques et un spectacle sur Merlin.
Pour plus d'infos: https://www.celticdays.be/
Update: Prochains concerts en Belgique:
17 octobre, concert Coeur & Âme, église Dinant (Be)
18 octobre, concert Coeur & Âme, collégiale Sainte Gertrude, Nivelles (Be)
19 octobre, concert Coeur & Âme, église ND de Laeken, Bruxelles/Brussel (Be)
Everyone Says Hi, le nouveau groupe de Nick Hodgson, sortira son premier elpee – un éponyme – ce 4 octobre 2024.
L'ex-compositeur/batteur des Kaiser Chiefs a divulgué un premier single « Brain Freeze », qui a rapidement été suivi d'une première performance live au Great Escape de Brighton ainsi que deux concerts à Leeds et à Londres. « Somebody Somewhere », un deuxième titre, qui s’apparente à une ballade électrique aux flambeaux et ouvre l'album, a été dévoilé le mois dernier.
Everyone Says Hi voit Nick adopter le rôle de chanteur/guitariste/frontman, épaulé par les musiciens Pete Denton à la basse, Glenn Moule à la batterie, le claviériste Ben Gordon (ex-membres de The Kooks, Howling Bells, et The Dead 60s de Liverpool respectivement), ainsi que le guitariste Tom Dawson, basé à Leeds. Le nom du groupe est extrait d'une chanson de David Bowie portant le même titre. Ce que l'on entend à travers ces dix morceaux, c'est de la musique de haut niveau, magnifiquement sculptée et interprétée par des musiciens expérimentés. L'album a été produit par Nick aux Snap Studios de Londres et dans son propre studio.
« Everyone Says Hi » est le fruit de la décision d'un musicien, qui a déjà vendu plusieurs millions d’albums, de tirer un trait sur son passé et de repartir à zéro. Il s’agissait pour Nick Hodgson de retourner dans la chambre où les premières notes ont été jouées, tenir la même guitare qu'à l'époque et former un groupe avec des amis de confiance.
À propos de « Only One », Nick explique : ‘C'est la première nouvelle chanson que j'ai composée pour l'album. Chaque fois que j'ai ébauché des albums, ils commençaient évidemment par une chanson et lorsque cela se produit, je sais que cela me plaise ou non, qu’un album est en train de naître.’
« Only One » est une autre chanson d'amour qui n'est pas très romantique. A vrai dire, elle est plus factuelle. Nick est depuis longtemps un auteur-compositeur très demandé. Depuis qu'il a quitté son groupe d'adolescents en 2012, il a coécrit pour des artistes tels que Dua Lipa, You Me At Six, Duran Duran, George Ezra et Holly Humberstone, et a collaboré à des titres avec Mark Ronson, Kygo et Shirley Bassey. Après avoir cumulé plus de 5 millions de ventes d'albums dans le monde entier, Nick se concentre désormais sur un nouveau défi.
Le clip consacré au single « Only One » est à découvrir là
Sous des allures de fête nationale, ce 21 juillet rime aussi avec la fin du festival de Dour ! Inutile de dire que les festivaliers mettent le paquet pour insuffler ce qui leur reste d’énergie afin de mettre une ambiance de feu.
‘Te Deum laudamus’ (Trad : ‘Nous te louons, ô Dieu’) ! Alors que les calotins se pressent dans les églises dans le cadre du Te Deum, à Dour on continue de communier comme des enfants de chœur.
La pluie que l’on avait prédite en abondance n’a finalement pas été dévastatrice. Juste quelques gouttes éparses qui ont fort bien été accueilles, d’autant plus que la veille, l’air étant devenu complètement irrespirable. La météo, n’est-elle pas censée prédire le temps ?
L’affiche du jour recèle bien des surprises aujourd’hui, à commencer par Hansel. Le groupe, pas le frangin de Gretel, référence au célèbre conte.
Le combo est drivé par Mathieu Buisson, un gars à la chevelure de lion. Armé d’une guitare, il est accompagné de Christian, Julien et Bob. Ce dernier, gratteur, n’est pas un inconnu, puisqu’il s’agit d’Eric Robette, un vieux de la vieille que l’on a notamment croisé chez Starving. Construit autour de Boods (un personnage notoire dans la région), ce groupe a sévi, il y a quelques années, et connu un joli succès.
Hansel fait office d’OVNI au ‘Garage’. Pourtant, le style expérimental semble plaire. Les festivaliers se sont rués en masse sous la tente, la musicalité intégrant les caractéristiques d’un univers allant du faux-romantisme désabusé à la métaphysique psychédélique avec ces riffs de guitares électrifiés qui s’enfoncent dans les portugaises jusqu’à marteler les tympans. Ce qui conduit à des chansons pas simples du tout sur le plan technique, mais d’une efficacité redoutable. Un jeu d’instruments d’une précision chirurgicale et qui cognent dans les gencives, comme l’uppercut du boxeur.
Si vous aimez les profondeurs abyssales sonores et les rêves subconscients accessibles, réjouissants et jouissifs à l’instar du morceau « First Fruit », Hansel et son post-rock intense et progressif est taillé pour vous !
Ceux-là bourlinguent depuis quelques années et ça s’entend !
RORI, la petite belge qui monte, est plantée sur la main stage. Sa taille est inversement proportionnelle à cette scène, qui pour le coup, paraît immense.
Votre serviteur l’a déjà vue à plusieurs reprises, tant sous cette formule que lorsqu’elle militait chez Beffroi en compagnie de son Valentin Vincent, décédé à l’aube de sa vie. Entre rap et électro, le cœur de votre serviteur chavire au contact de cette expression sonore desservie avec justesse et émotion par Camille Gemoets.
Toujours flanquée de ses fidèles serviteurs, l’ex-The Subs, Hadrien Lavogez, préposé à la guitare, et Loïc Lavogez, caché derrière les fûts, la demoiselle entame son tour de chant par « Ma Place », dont le phrasé, les sonorités pop et les appuis rythmiques sont très communicatifs. Le band livre une forme de pop/rock chanfreiné, qui lui va comme un gant.
Un set qui épluche une carrière jeune, mais fort prometteuse. Elle s’épanche éperdument dans son « Loser » ; mais elle comprend vite que « C'est la vie » révèle là aussi de beaux accents qui lui rongent le corps.
Le public, enivré par cette fausse nonchalance dont elle a le secret, n’y tient plus, l’exaltation des débuts rend les aficionados subversifs.
Et que dire lorsque, elle se rend chez son « Docteur » pour y décrire la syncope d’une foule en délire.
Capable de vous retourner de solides punchlines, l’ingénue est devenue une figure de proue de la scène musicale noir-jaune-rouge. Elle s’affranchit des préjugés pour servir une sauce pop acidulée devant un public que l’on dit souvent élitiste.
Retour au ‘Garage’, non pas y réparer sa bagnole, mais pour assister au set de Joshua Murphy. Avez-vous, lorsque vous étiez jeune, découvert que le cadeau dans le kinder n’était pas celui auquel vous vous attendiez ?
C’est le cas ici ! Chanteur, multi-instrumentiste et auteur-compositeur, Murphy est épaulé par un préposé aux percus et aux effets, ainsi que trois demoiselles : deux violonistes et une violoncelliste.
Le public a déserté les lieux. Trois pelés et deux tondus scrutent les lieux comme de vieux cons qui guettent le bus.
Joshua s’avance d’un pas plutôt timide et entame tout de suite le concert. Une évidence saute aux oreilles : son timbre de voix –quelque part entre celui de Léonard Cohen et Nike Cave– ressemble à une ondulation grave qui viendrait d’outre d’outre-tombe. On est ici proche du spoken word (littéralement ‘mot parlé’), une façon particulière d'oraliser un texte, qu'il soit poétique ou autre.
Ses compositions hantent le même monde onirique et sourd que celui d’un dépressif. Sa silhouette dessinée en contre-jour, lui confère un côté mystérieux, voire gothique.
Très objectivement, les sonorités du lascar sont très intéressantes lorsqu’il effleure les cordes de sa gratte de ses doigts ou encore en se servant d’un archet (qu’utilise régulièrement Jónsi), telle l’arbalète de Guillaume Tell dont la flèche cible une brutalité cachée.
Les vagues sonores déclenchées par l’artiste, pourtant confirmé, ont dû mal à s’imposer. Il aurait été sans doute beaucoup intéressant de le découvrir au sein d’un endroit plus feutré, comme une église, cierge à la main ou alors dans son salon, une bouteille de whisky dans une paluche, et un cigare dans l’autre.
Joshua Murphy, c’est l’antithèse de Brutus qui se produit dans la Petite Maison dans la prairie. Il s’agit un groupe belge de post-hardcore, originaire de Louvain, formé en 2014.
Un trio. D’abord deux mâles, Peter Mulders à la basse et un Stijn Vanhoegaerden à la sixcordes. Ensuite, une gonzesse, Stéphanie Mannaerts, une petite brune aux allures de première de classe, dont les cheveux sont impeccablement lissés. Originaire de Louvain, le band s’est établi à Gand, une ville flamande réputée pour sa scène rock locale, et qui a notamment enfanté Soulwax, Too Many Dj’s ou encore Balthazar.
La fille se poste en front de scène, le micro posé à la hauteur de sa bouche pour chanter tout en jouant de la batterie. Ses compagnons préfèrent s’éloigner et se plantent à l’extrême gauche de l’estrade. La trouille ? On verra !
Après une longue intro au synthé, elle frappe les peaux, avec une violence telle que la rage se lit dans ses yeux, alors qu’elle affichait, jusqu’à présent, des airs angéliques.
La musique de Brutus oscille entre post-hardcore, alt rock, shoegaze, et sludge. Parfois elle fusionne les genres ou simplement les juxtapose, suivant les morceaux. Elle est à la fois étrange, pêchue, engageante, mélodieuse et rigoureuse, malgré les épisodes de saturation.
Les titres s’enchaînent. Les mélodies ondoient ; ce qui permet aux morceaux de respirer. Tantôt, ils accélèrent, tantôt ils décélèrent, dans un ballet de va-et-vient qui donne le tournis.
La chanteuse braille comme un cerf en rut, jusqu’à son point de non-retour. Elle vocifère, crache sa haine et ses sentiments les plus profonds à travers un flow de paroles écorchées vives. La demoiselle possède du coffre et pas seulement dans le sous-tif. Ses envolées lyriques empruntent quelquefois des références à Amy Lee, la leader d’Evanescence.
Les chansons sont puissantes. Le kick vous rentre dans les tripes, la basse vous creuse le cervelet et les riffs de guitare cisèlent le slip. C’est viscéral, ça pue la rage et c’est d’une maturité rarement observée pour des jeunes musicos. Un régal pour les yeux et les oreilles. Un concert ultradynamique, riche et complet alors que le combo n’est, rappelons-le, constitué que de trois personnes. Force et respect !
Brutus porte un patronyme qui lui va bien ! A ce jour, c’est l’une des formations les plus excitantes programmées lors de cette édition du festival de Dour.
Putain, que ça fait du bien !
Girls In Hawaii est attendu de pied-ferme sous ce même chapiteau ! Les festivaliers, dont de nombreuses filles aux allures de mecs, se pressent en nombre afin d’être aux premières loges pour ce qui reste de devenir un moment d’anthologie.
Le groupe n’est pas venu présenter un nouvel opus, mais bien pour y fêter le vingtième anniversaire de « From Here To There », un premier essai qui les a propulsés au faîte de la gloire.
Il a foulé, à de nombreuses reprises déjà, la plaine du festival de Dour, il en connaît donc les contours, les travers et son caractère décalé et iconoclaste.
Le set commence par « 9.00am », le titre d’ouverture du disque. Antoine précise d’ailleurs que le show sera dispensé dans l’ordre du disque. Une compo percutante qui donne le ton, rapidement suivie par « Short Song For Short Mind » et ses accents vintage.
Alternant gratte électrique et sèche, Antoine Wielemans entame ce qui deviendra le premier succès radio, « Found In The Ground ». Sa voix est admirablement soulignée par celle de Lionel Vancauwenberghe. L’atmosphère s’électrise inexorablement.
Si aujourd’hui, des planchers ont été dispersés sur le sol, autrefois, il n’y avait que de la terre battue, ce qui permettait, lorsqu’on tapait du pied, de soulever la poussière. Puisque cette époque est donc maintenant révolue, le chanteur demande d’utiliser les vaporettos pour recréer cet effet de brouillard à l’instar d’un « Fog » qui enfume les pâquerettes.
Alors que « Fontannelle », morceau peu joué en live dans la carrière du band prend fin, le monstrueux « Flavor », caractérisé par son intro répétitive à la basse, embraie. Ce qui permet aux musiciens de se déchaîner. Si le frontman s’amuse à grimer, ses comparses laissent libre cours à une folie passagère où têtes et membres inférieurs communient ensemble, révélant un spectacle étrange, entre mouvements saccadés et danse de Sioux.
Alors que quelques petites secondes seulement s’écoulent, le sublime « Organeum », confirme que la formation, à l’instar de dEUS, est l’un des porte-étendards du rock belge.
Une chanson durant laquelle, le petit Toitoire, genoux posés au sol, semble entamer une prière.
Ses frasques artistiques ayant causé la perte des piles de son ‘in-ear’ (NDR : système de monitoring intra-auriculaire), un appel au secours est lancé au frontman qui s’élance, tel un guerrier.
Il faut attendre « Bees and butterflies », morceau mélancolique à la douceur âcre, pour retrouver un brin de sérénité, chaque membre du band conjuguant en chœur le refrain entêtant. Une chanson où la tessiture vocale du singer, légèrement éraillée, prend tout son relief.
Le set touche doucement à sa fin. Le leader annonce que le groupe a encore deux titres à caser et que, faute de temps, il faut faire vite.
Les arpèges de « Misses » et ses loops synthétiques sont chargés de souvenirs. L’ombre de feu Denis Wielemans, qui brillait derrière les fûts, décédé tragiquement d’un accident de la route en 2010, plane toujours. Il faut considérer cette sublime compo (elle est issue du remarquable « Everest) comme un vibrant hommage qui lui est rendu. Mais aussi un regard émouvant sur le deuil et cette faculté de résilience auxquels le combo a dû faire face, il y a quelques années.
Enfin, « Rorschach », outil d'évaluation psychologique, souvent perçu à tort comme un test de type projectif, est aussi et surtout un titre emblématique de GIH. Son flot de guitares salvatrices et saturées couronne un live décidemment plein de surprises. La précision du jeu des uns et des autres est impressionnante. Rythmique syncopée et chœurs viennent lécher encore un peu plus ce tableau arc-en-ciel.
Aucun doute, le groupe n’a rien perdu de son potentiel en près de deux décennies. Girls in Hawaii a une nouvelle fois prouvé, ce soir, qu’il reste incontestablement l’un des groupe phares de la scène indé-pop musicale belge.
Le temps d’enfiler ses bottes de sept lieues, des godasses magiques qui s’adaptent à la taille de celui qui les chausse et permettent de parcourir cette distance en une seule enjambée, votre serviteur arrive, en un temps record, au pied de la main stage pour le concert d’Oscar And The Wolf.
Si depuis des lustres, les loups ont l'habitude de hurler à la lune tous les soirs pour qu'elle s'illumine et pour pouvoir chasser ensuite, le gars sur scène a plutôt l’air d’un mouton. Et accompagné de brebis, pardi !
Flanqué d’un ersatz de peignoir, agrémenté de légères pointes de brillances, sans doute emprunté à Mike Tyson, Max Colombie, à la ville, est un chanteur de synthpop belge. Après avoir gravé deux Eps qui récoltent un certain succès, il sort, en 2014 un premier long playing baptisé « Entity », d'abord au Benelux puis dans le reste de l'Europe. En 2017, paraît son deuxième, « Infinity », et en 2021, son troisième, The Shimmer ».
Un cube aux allures gigantesques trône au milieu du podium. Plus qu’un simple élément décoratif, la forme géométrique sert d’appui à la diffusion d’images et de support aux scénographies. Et de danses (‘dance’ ?), il y en aura. Beaucoup !
Et dès « Warrior », le morceau d’entrée, l’artiste se transforme en guerrier, alors qu’il se hisse sur le plateau du cube tout en se trémoussant.
Tandis qu’une dizaine de danseurs se sont attroupés au pied du prisme dont toutes les faces sont égales et superposables, le chanteur descend de son piédestal et enchaîne par « The Game et Princes », un morceau chill qui s’inscrit dans une veine électro.
Le petit a livré une prestation haute en couleur, à l’image de ce qui ressemble à un maillot de foot de couleur rouge pétante, confectionné pour l’occasion. On ne peut rater ni l’inscription ‘DOUR 24’ dans le dos, ni l’écusson belge brodé sur le devant.
En tout cas, cet artiste connaît parfaitement les codes du genre et maîtrise la communication vis-à-vis de son public et des médias.
Entre les dansants « Angels Face », « Nostalgic Bitch », « Infinity », c’est encore lors du downtempo « You’re Mine » que la voix du prodige de la chanson devient la plus émouvante. Cette chanson est d’une puissance sidérale. Elle s’enivre d’un goût de bienveillance et de volupté.
Alors que la dynamique du show est bien ficelée, elle s’estompe quelque peu pour laisser place à un hologramme plaqué sur l’énorme cube ; des discours, aux allures philosophiques, apparaissant alors. Celui-ci qui semblait jusqu’alors plein de certitude, devient soudainement vulnérable.
Il s’éloigne de la scène, côté backstage, son avatar prend le flambeau et se livre très sérieusement dans un profond discours ‘Je ne sais plus qui je suis, parfois’ et de réapparaître vêtu d’une cape noire. Si la cape symbolise la puissance de Batman, l’artiste devient soudainement Joker, son ennemi juré, un laissé-pour-compte, abandonné. Une descente aux enfers où un homme fragile sombre dans la folie à travers une métamorphose autant physique que psychologique, reflétant l’image des titres plus sombres qui l’emmèneront jusqu’à la fin du show.
Clou du spectacle et fête nationale oblige, un feu d’artifice conclut une prestation que l’on retiendra tant par son engagement que par son envergure à l’Américaine.
Si le light show s’est avéré discret, à l’issue de spectacle, les inscriptions exposées de part et d’autre de la scène (‘It’s OK not to be OK’) restent visibles.
Une édition digne de ce nom. Des festivaliers curieux, des artistes venus d’ailleurs et une culture de la bonne camaraderie qu’on ne trouve nulle part ailleurs.
Alors que les plus téméraires quittent d’un pas pressé le site, les autres, plus courageux, se réfugient auprès des nombreux sets dédiés à la musique électronique.
La prairie est impeccablement propre. Demain, le site retrouvera son pristin état et les tentes auront disparu du paysage.
Au loin, certains Borains répètent à tue-tête ‘In V'la Co Pou Ein An !’ D’autres s’efforcent de leur opposer l’imparable slogan ‘Dooouuurrreeeeeehhhhhhhhh’.
Une édition qui se termine dans la joie et la bonne humeur. C’est ça aussi le Festival de Dour !
(Organisation : Dour festival)
Et de trois ! Troisième journée consécutive au festival de Dour !
Ce samedi 20 juillet ne fait pas exception à la règle ! Le soleil a définitivement posé ses valises. Il faut chaud ! Très chaud même ! Plus de 30 degrés ! Une fournaise ! Inutile de dire que la bière coule à flots !
Si les festivaliers affichaient un certain état de fraîcheur à leur arrivée sur le site, pas mal d’entre eux accusent aujourd’hui des corps fanés. Mascara et rouge aux lèvres ont perdu de leur éclat !
Au programme, des artistes plus accessibles pour le spectateur lambda. Ce qui explique pourquoi de nombreux quadras et quinquas ont décidé de franchir le pas, tandis que la jeunesse préfère rester cantonnée aux endroits dédiés à la techno, au drum&bass, au hip hop ou au rap, prédominant à Dour.
Sans perdre une minute, votre serviteur frappe à la porte de Jean-Paul Groove. Oui, vous avez bien lu ! Ne perdez pas votre temps en y cherchant une quelconque filiation avec l’acteur français, Jean-Paul Rouve, rendu populaire par le film « Podium ». Il n’y en a tout simplement pas !
Le combo baigne dans la musique électronique. L’intérêt ? Il ne la joue pas, il fait bien plus que ça, il la réinvente !
Nils Hilhorst, Denis Baeten et Jeremy Debuysschere ont suivi un cursus au conservatoire de jazz. De leur instrument organique, ils recréent les rythmes composés à la base par de la musique assistée par ordinateur.
Inspiré par des artistes comme Prodigy ou Jojo Mayer, le trio est fier de présenter son nouveau-né, « Violent Party Music », un Ep cinq titres.
Le set se déroule dans ‘La petite maison dans la prairie’. Aucune trace de Charles Ingalls, sa femme Caroline, leurs trois filles Mary, Laura et Carrie ainsi que leur chien Jack !
Ces gaillards débordent d’énergie. Si le côté sonore est impressionnant, le show visuel l’est tout autant. Au mieux de sa forme, derrière ses fûts, Denis exécute de grands gestes, à l’image de certains Italiens.
Si le projet allie (forcément) groove, expérimentation et une combinaison millimétrée guitare/basse/batterie, l’esprit du live, entre punk et funk, le rend complètement sauvage. Aucun membre du band ne prend l’’ascendant sur l’autre, chacun trouvant sa place au sein de la formation. Sans doute que les nombreux effets y contribuent.
Cerise sur le gâteau, ces têtes brûlées jouent, semble-t-il, sans métronome. C’est spectaculaire et aussi fin qu’un string dans les fesses !
Jean-Paul Groove est à la musique électronique ce que Picasso est à la peinture. Il nous réserve une œuvre complexe, tout comme le jazz au sein duquel le combo a été bercé.
La main stage est prête à accueillir Puggy, un groupe belge réunissant le chanteur/guitariste Matthew Irons, le bassiste Romain Descampe et le batteur Egil ‘Ziggy’ Franzén.
Fondé en 2005 à Bruxelles, la formation propose une musique, fruit d’un mélange entre pop et rock acoustique, et le tout est teinté de légères mais remarquables influences latines.
Irons est loin d’être un inconnu. Il était membre du jury dans le télécrochet, ‘The Voice’, dans sa version belge.
La chaleur est telle que la seule petite zone d’ombre à front de scène est littéralement prise d’assaut. La plaine n’est pas encore bondée. Etrange pour un groupe qui jouit d’une telle notoriété !
Un calicot surplombe l’estrade, sur lequel est indiqué en grandes lettres ‘Puggy’ ; comme s’il était nécessaire de le rappeler.
Le chanteur est assez classieux, il porte une petite veste bleue et un t-shirt blanc, impeccablement repassés. Un bleu dominant pour célébrer la toute victoire récente du Mouvement Réformateur ?
La basse de Ziggy a bien bourlingué, elle porte sur elle l’usure du temps et des nombreux sets auxquels elle a dû faire face tout au long de ces années.
« Niver Give Up » ouvre les hostilités. Un titre de son nouvel Ep. De quoi mettre l’eau à la bouche. Alors que Matt cisèle les riffs, Romain frappe ses cordes avec acharnement, tandis que le troisième larron, veste en jeans sur le paletot, tambourine aussi fort qu’il le peut sur les nombreux fûts et cymbales dressés devant son corps raide comme un piquet. C’est énergique, c’est rock et c’est fun.
La furie gronde, le public s’exalte et très vite la sueur apparaît sur le front des musiciens.
Un climat grandiloquent envahit « To Wind The World », atmosphère amplifiée par les ivoires largement syncopés.
Irons troque sa gratte électrique pour sa semi-acoustique. C’est alors que « Lonely Town » prend son envol. Une compo aigre-douce, qui permet au chanteur de monter allègrement dans les aigus, tandis que le batteur s’amuse à jouer à contre-temps.
Matthew assène à qui veut bien l’entendre que le nouvel opus est cool. Et pour s’en convaincre, de même que ceux postés devant lui deux mètres plus bas, quoi de mieux que de proposer « Lost Child », une bien belle ballade aux accents nostalgiques. Et puisque Yseult manquait à l’appel, les deux musicos accompagnent le vocaliste dans un slow à l’unisson. Un moment suspendu, hors du temps.
Afin de garder le cap et l’attention des festivaliers (qui se sont soudainement pressés), « Last Day On Earth » permet aux percus de décoller, alors que les cordes de la basse sont mises à rude épreuve. Un morceau percutant, aux riffs singuliers et au solo tonitruant parfaitement maîtrisé par Irons lors du bridge, tandis que le batteur, perdant l’équilibre, manque de se prendre une gamelle. Le tout devant un parterre qui s’est arrêté net de jumper.
Après avoir fait le pitre, les zicos changent de registre. Matt reprend son rôle de préposé à la gratte semi-acoustique et entame, une seconde ballade dans une configuration atmosphérique. On se sent alors bercé par ce « How I Needed You ».
Un moment solennel ! La frontière entre l’estrade et la plaine disparaît au profit d’une communion où Dieu n’a d’égard que pour lui-même.
Plus construit, « Change The Colors » libère des sonorités pop/rock dansantes dignes de l’identité primaire du band. L’essai est convaincant dans son ensemble et si le mélange des couleurs est intéressant, gageons qu’elles ne s’estompent pas pour devenir tristement monochromes.
Le set prend doucement des allures de fin. « When You Know » constitue la pierre angulaire d’un show féérique, pugnace et solide comme un bloc de béton. Un titre qui permet de belles progressions au clavier, un solo de batterie comme jamais vu et une belle réciprocité entre un public réceptif et un groupe fédérateur.
Puggy a, une nouvelle fois, tenu ses promesses. Etendard de la scène belge, la formation qui détient les codes du succès, a proposé un set qui risque de résonner encore longtemps dans la tête des aficionados, la période du festival passée ! Une ode à la perfection ! La quintessence musicale !
Puggy marque Dour se son empreinte et s’inscrit décidément bien dans une puissante mouvance directionnelle
Petit crochet par le ‘Garage’, les déjantés de Gurriers vont y entamer leur show. Une belle surprise !
Une constatation, ils sont jeunes et bruyants. Dès les premières notes, les guitares vrombissent, la basse claque de manière syncopée et la caisse claire foudroie les tympans. Du rock, du vrai, enfin ! Des couilles, quoi !
Filiformes, les gars sont torses-nus, hormis le chanteur qui a conservé sa chemise bariolée à la Thomas Magnum (personnage célèbre de la série télévisée éponyme). Le bassiste porte une petite moustache qui lui confère un look très british.
Gurriers et guerriers, même combat ! Sur les planches, ils sont proches de l’affrontement. Une chose est sûre, ils sont turbulents. Les sonorités s’entrechoquent, fusent, éclatent. Ça gueule, ça fouette et ça fout une putain d’ambiance de feu.
Récemment encensé par ses compatriotes de Fontaines D.C, la formation livre un post punk au cours duquel les riffs déjantés sont légion.
Parfois, de légères oscillations parasites se manifestent par un sifflement. Elles appartiennent au concept hostile et foutraque de l’expression sonore. Si les compos abordent pour thèmes la violence et sa banalisation par les médias, le band les explore dans une légèreté qui sent bon l’été.
Malgré sa musique singulière et ses mélodies brutes, Gurriers se distingue par sa bestialité bon enfant. Dans le public, ça pogote. Les chopes se télescopent, la bière se déverse à chaque mouvement du corps, le tout dans une odeur de pisse insupportable.
La scène dublinoise est à nouveau en pleine effervescence. Et le jeune quintet marche allègrement sur les traces de Sprints, Basht., Melts, A Burial At Sea, Fears, Fontaine DC, Gilla Band, Inhaler, Murder Capital, Silverbacks et bien d’autres encore…
Zaho De Sagazan est de retour après avoir bercé les festivaliers du LaSemo une semaine plus tôt. Et le défi est de taille car si l’artiste avait été accueillie favorablement, le festival de Dour est un autre terrain de jeu, plus brut, plus amer et plus pugnace.
Nombreux groupes ont, dans le passé, dû supporter les invectives et les jets d’objets les plus insolites, à l’instar de Patrick Juvet, BB Brunes ou encore Jo Lemaire dans les plus jeunes années du festival. Car ici, on aime ou on n’aime pas. Et quand on n’aime pas, c’est ‘straight to the point’. Ingratitude, quand tu nous tiens…
L’estrade est parsemée d’un tas d’instruments électroniques. Au vu de l’odeur nauséabonde qui règne ici, votre serviteur se plante à un endroit stratégique lui permettant de respirer par le nez ; la bouche ouverte, c’est pratique, mais la peur de gober une mouche est grande. L’intelligence au profit du pratique !
Zaho de Sagazan, est une auteure-compositrice-interprète et musicienne française. En mars 2023, elle publie son premier album, « La Symphonie des éclairs », et se forge rapidement une belle en notoriété.
En février 2024, elle est nommée dans cinq catégories de la 39ème cérémonie des Victoires de la musique, et elle remporte quatre prix, dont ceux de la chanson originale et de l'album de l’année.
Elle commence à diffuser des vidéos sur Instagram dès 2015. Elle s’y met en scène pour interpréter de nombreuses reprises et quelques compositions originales. En 2016, pour sa toute première scène, elle interprète « La Bonne Étoile » de -M- au théâtre Simone Veil de Saint-Nazaire lors du Concert Salade des ‘Irréductibles’ du lycée Aristide-Briand, auquel elle participera jusqu'en 2019
Le chapiteau est plein à craquer. Un bon signe !
Son curriculum vitae fait apparaître une participation dans l’émission de téléréalité ‘The Voice’. Décidément, ce show cathodique est une machine à tubes. On y fabrique des artistes comme des petits pains. Et pas toujours de qualité, malheureusement !
« Dis-Moi Que Tu M’aimes » met immédiatement un terme à ces doutes. Elle se confie, dans un français précis, sur ses désirs amoureux, appuyé par des oscillations aériennes et cosmiques, alors que les arrangements soignés, embrassent ci et là une onde électronique. La tristesse qui se dessine sur son visage décrit mieux que les mots, le spleen qui la transperce de part en part.
Alors qu’elle n’affiche que 24 ans, la jeune dame s’épanche lourdement, mais sobrement et efficacement, sur ses 10 ans de dépendance au cannabis dans « Aspiration », une chanson à texte dominée par l’électro, mais consolidée par les interventions de Rémy, Tom, Simon et Greg, plus que ses musiciens, ses amis, comme elle aime à le souligner.
Généreuse à souhait, elle invite les uns et les autres à prêter une oreille attentive à « Le Dernier Des Voyages », une nouvelle compo, sans doute annonciatrice de quelque chose de bien plus concret.
La demoiselle déclame sa poésie frénétique par des mots simples, mais qui ne sonnent jamais creux. Elle transforme sa fragilité en force tranquille et se démarque en imposant une version moderne de la ‘nouvelle’ chanson française. Elle dit n’avoir jamais connu l’amour véritable tout en étant tombée amoureuse d’un gars qu’elle n’a jamais vu. Démêler le vrai du faux serait incongru et sans intérêt. Autant se laisser bercer par le joli conte de fée dressé par « Mon Inconnu », et enchaîner par « Je Rêve », une composition qui chantée une fois, sera serinée inlassablement, dans l’hilarité générale.
Sagazan chante l'amour, parce que les chansons sont faites avant tout pour cela. Il est universel et dépasse les frontières. Depuis toujours, ce sentiment impalpable, incolore et inodore, accompagne les hommes et les femmes. Son piano l’exorcise de ses démons sur « Tristesse ».
Sa poésie est délicate, les mots sont doux. Elle est fragile et timide à la fois, mais, à travers son répertoire, elle démontre qu’elle sait ce qu’elle veut.
Elle entraîne l’auditoire, dans son univers feutré, lentement, progressivement. La foule écoute et savoure, religieusement. Et lorsque « La Symphonie Des Eclairs » retentit (premier album studio de la chanteuse), c’est l’explosion ! Son interprétation grave lui confère quelque chose de théâtral. Le public devient acteur et spectateur. Il vénère l’artiste comme un Dieu.
Et quand la tempête s’apaise, l’orage prend le relais et gronde tout au long de « Ne Te regarde Pas », une compo où l’électronique reprend le contrôle d’un spectacle éclair. Une heure de show, c’est largement insuffisant pour un spectacle de cette ampleur.
Alors que la tentation de tourner les talons et de retrouver les coulisses est grande, Zaho s’émancipe en osant une reprise exceptionnelle et personnelle d’un titre du regretté David Bowie, « Modern Love ».
L’artiste a évidemment mis le feu. Elle est acclamée par les milliers de spectateurs qui se sont rassemblés au sein de cet espace confiné.
Le set prend fin par une danse de sioux, lors d’une improvisation totale. ZdS y invite tous ceux qui l’entourent. Autant dire que rarement une fin de concert aura été si joyeuse !
Elle quitte tristement ses invités, tout en précisant que Dour est le meilleur festival au monde. En tout cas, si ce n’est le meilleur, il figure parmi les plus insolites.
Et de crier une dernière fois le Douuuurrrreeeuuuuuuuhhhhhh repris par le public en cœur.
Une avant-dernière journée placée sous le signe de la bonne humeur et de la découverte. La météo, que l’on avant annoncée capricieuse, est restée clémente ; et la chaleur a réchauffé les corps autant que les cœurs.
Est-ce que le 21 juillet, devenu proverbial pour sa drache nationale, fera exception ? Wait and see. A demain !
(Organisation : Dour festival)
Sur la plaine de festival de Dour, la météo a de nouveau changé de visage. Aujourd’hui, il fait vraiment très (trop) chaud. Une horreur ! Pas un pet d’air à l’horizon, alors que les scènes sont situées dans un couloir de vents, d’où la présence de ces éoliennes démesurées qui attisent la curiosité des uns et des autres.
Et comme Dour rime avec démesure, bon nombre de filles se promènent en sous-tif. Y en avait des nichons ! Et à l’instar du « Zizi » de Pierre Perret, parmi les ‘lolos’, il y avait les vrais, les faux, les laids, les beaux, les durs et les mous…
Comme la fin de semaine est propice au relâchement, la foule s’est évidemment pressée pour fêter dignement le début du week-end.
Autant y aller tout de go, la programmation de ce vendredi est plutôt mollassonne, car la plupart des scènes sont consacrées soit au rap, au hip hop ou encore à la musique électronique.
Il faudra attendre samedi et dimanche pour espérer davantage de rock, un style qui plaira à une large frange de public, encore minoritaire pour l’instant. Il en faut pour tous les goûts, paraît-il !
Donc, à défaut de têtes d’affiches alléchantes, votre serviteur se laisse guider par son intuition. Il se plante donc devant la main stage, baptisée ‘Arena’. Elle est située à une encablure du VIP. Un endroit réservé à une élite, mais le plus consternant, c’est que la plupart de ceux qui s’y cantonnent, ne s’aventurent même pas sur le terrain. On ne mélange pas les genres, hein !
Dour, ce n’est pas la brousse, quand même ! D’accord, il est vrai qu’on risque d’y rencontrer aussi bien la faune, et notamment ces festivaliers aux accoutrements dignes d’un carnaval ou de la Gay pride, que la flore, au gré de ces odeurs qui vous titillent les narines mais ne ressemblent pas aux bâtons de santon.
Très objectivement, caricaturer ce festival à ces seuls descriptifs serait réducteur. Car le DF est bien plus que ça, n’en déplaise à ses détracteurs ! C’est surtout l’endroit rêvé dédié à l’underground, un lieu où il fait bon vivre et où on peut espérer un lâcher-prise réel dans ce monde de brutes et aseptisé. Et par les temps qui courent, c’est un véritable luxe.
Les gens se sont massés en nombre pour Skepta. Manifestement, il attise la curiosité. Et puis, le soleil s’est caché derrière l’immense structure scénique et procure une ombre salvatrice. Et croyez-en l’expérience d’un vieux de la vieille comme votre serviteur, elle devient vite une richesse au même titre que l’eau.
Une rapide consultation sur le line-up du site internet du festival (très bien conçu du reste), renseigne que le gars est un rappeur. Un de plus ! Un de trop ! Que faire ? Prendre ses jambes à son coup ? A quoi, bon, les autres scènes ne proposent pas mieux !
La curiosité est quand même de mise car, si Skepta baigne dans un truc mille fois entendu, singularité, il s’exprime en anglais.
L’artiste connaît bien ce festival pour s’y être déjà produit en 2016. Un habitué des lieux, donc.
A l’époque, il avait assuré sa prestation dans la Boombox. Bénéficier de la grande scène démontre que d’artiste en devenir, il obtient aujourd’hui le statut de chanteur confirmé.
Votre serviteur est entouré de jeunes de moins de 20 ans qui le regardent comme un extraterrestre. Un de ceux-là vient même le questionner sur son âge. Un comble alors qu’il est coiffé d’une casquette identique !
De son vrai nom Joseph Junior Adenuga, c’est un rappeur, certes, mais aussi producteur de musique britannique originaire du Nigeria. Il est le frère du musicien J.M.E (Jamie Adenuga) et de la présentatrice de radio Julie Adenuga.
Il a fondé le collectif Meridian Crew, nommé ainsi pour rendre hommage à la rue où il vivait dans le quartier de Tottenham. Il a bossé en compagnie d’artistes d’horizons divers (Blood Orange, Earl Sweatshirt, Ratking et même Idris Elba). Il sort son premier elpee (un best of !) « Greatest Hits » en 2007 et « Microphone Champion », en 2009, comme indépendant. Son troisième opus studio, « Doin' It Again », paraît en 2011 sur le label AATW qui l’a signé. C’est grâce à son quatrième long playing, « Konnichiwa », gravé en 2016, qu’il décroche son plus gros succès, et remporte le Mercury Prize.
Il propose un show bien rythmé enrichi de projections d’images qui soulignent la gravité des propos.
Contrairement à pas mal d’homologues de sa génération, il n’y pas d’exagération, ni dans les gestes, ni dans le discours, évitant ainsi bien des retours de flammes. Un concert, moins impénétrable et donc plus abordable !
L’homme est, comme souvent dans ce style musical, accompagné d’un collaborateur qui se charge des platines. Affichant une sincérité à toute épreuve, c’est un pionnier du grime, un rap au bpm très rapide. La sono crache des sonorités qui incitent la foule à danser.
Ses productions brutes, sombres et convulsives sont portées par un flow musclé. On le sent tantôt revanchard, tantôt résigné face aux défis et vicissitudes de la vie.
Une chose est sûre, il sait parfaitement compter jusque trois. Une démonstration : ses compositions commencent toujours par un ‘One, two, three’. Skepta adepte des mathématiques ? Il n’y a qu’un pas que l’on n’oserait franchir !
Direction le ‘Garage’, haut lieu emblématique des fans de guitare, basse et batterie. D’un pas pressé, votre serviteur arrive sur le site en quelques minutes seulement, tel un marathonien aux jeux Olympiques. A défaut de trophée, il espère un concert de bonne facture.
L’auditoire est majoritairement constitué de mecs aux gros bras tatoués. Vu son mètre soixante-sept et ses soixante-huit kilos, votre serviteur a donc tout intérêt à ne pas la ramener, sans quoi il risque de prendre une beigne.
Quoique, parmi les spectateurs, un gamin d’à peine trois ou quatre ans titube sur le sable qui recouvre le sol. S’il me cherche, lui au moins, je peux le castagner ! A ses côtés, un homme marche difficilement également. Mais lui, précisément, ce sont les effets de l’alcool. Il a bien raison le gaillard, l’eau ça rouille !
Originaire de Lille, dans le Nord de la France, Oddism sort son premier Ep en 2014. Autoproduit, il s’intitule « The Odd One ».
S’il épouse à ses débuts du post-hardcore, sa musique vire ensuite au mathcore (« Dance In the Maze »).
Dès les premières secondes, les envolées lyriques du gars préposé au chant défoncent les tympans. Il vocifère, hurle. Très franchement, on dirait qu’il est en train de vomir et de proférer : ‘Raoul, le cri qui dessaoule’.
Si la formation donne l’impression de jouer n'importe quoi, n'importe comment, c’est évidemment un leurre. Parce qu’effectivement, ses structures musicales sont complexes et les riffs recherchés. En outre, la rythmique frénétique du préposé aux fûts détonne par rapport à son jeu de double pédale à la grosse caisse. C’est aiguisé comme une lame de rasoir et fin comme une tranche de jambon.
Un genre déjà exploré. Mais à contre-courant de ce que votre serviteur écoute le plus souvent. L’expression sonore oscille du rock à la pop, en passant par le post-rock, la dream-pop ou encore le shoegaze.
Bref, il se sent aussi seul qu’un cheveu sur la langue. Ne s’agit-il pas tout simplement de l’application ‘bête et méchante’ de la vieille méthode d’apprentissage de la vie, l’essai-erreur, caractérisé par des essais divers qui sont continués jusqu'au succès de la recherche ou jusqu'à ce que le testeur arrête sa recherche ?
L’estrade devient une arène où des joutes d’un autre siècle se jouent, chacun exécutant une danse étrange en effectuant des mouvements de tête allant du bas vers le haut. Si les cheveux n’y sont plus, les longues barbes font l’affaire. Le paon ne fait-il pas la roue pour attirer les femelles pendant la période de reproduction ? Qu’il danse en faisant bouger ses plumes de façon qu'elles reflètent la lumière, rendant ainsi ses couleurs d'autant plus visibles ? Ici, pareil, mais à défaut de queues (quoi que !), y a la barbouze.
Bref, Oddism propose ici un genre explosif, tonitruant, imprévisible et d’une puissance sidérale.
Préférant le ‘Garage’ à toute autre scène, votre serviteur reste planqué comme un piquet de béton ancré dans le sol pour y voir et écouter Billy Nomates.
Elle est née et a grandi dans l'agglomération de Leicester, et a milité au sein de nombreux groupes.
Un concert de Sleaford Mods auquel elle assiste en 2019 lui donne l'élan nécessaire pour se lancer dans une carrière solo.
Elle publie son premier elpee –un éponyme– en août 2020. Pour y parvenir, elle a reçu le concours de Geoff Barrow. Un Ep baptisé « Emergency Telephone » est publié en 2021. La même année elle chante sur un titre de l'elpee de Sleaford Mods, « Spare Ribs ». Enfin, en 2023 elle écrit et produit elle-même son deuxième long playing, « Cacti ».
Elle est loin d’attirer la foule. Restons positifs, regardons le verre à moitié plein, plutôt qu’à moitié vide !
Elle est blonde et arbore une crinière de lionne. Elle se présente seule sur les planches. Ses musicos sont-ils morts de soif ? Elle a juste opté pour cette configuration, son seul support reposant sur une bande-son. Quel dommage ! L’intérêt d’un concert est bien sûr musical, mais aussi et surtout visuel. Autant écouter des disques alors !
Même la principale intéressée n’est pas surprise de constater que ses fidèles se ne sont pas donné rendez-vous. C’est dire ! Les complotistes y verront un rapport de force, ‘No mates’ signifiant ‘qui n’a pas d’amis’. Ah, mais bien sûr !
La blondasse nous accorde donc une prestation en playback. Ou comment Billy Nomates devient l’antithèse d’un concert de rock ou de punk.
Pourtant, faisant d’une faiblesse une qualité, la jeune demoiselle prendra le contre-pied en proposant un set étrangement énergique. Au programme de ce soir : danse, sauts et autres numéros dignes d’une saltimbanque. A pieds nus ! Faut se préserver, arrivé à un certain âge, paraît-il !
La voix de Billy est sauvage. Elle invite au voyage à travers les contrées sauvages, alors même que les thématiques abordées relèvent plutôt de la franche dépression. Peut-être que ses cabrioles sans chaussures ni chaussettes permettent d’exorciser de vieux démons, à l’instar de « Saboteur forcefield », un morceau un peu mou du genou ou encore « Blue Bones » et son envie de bien faire.
Se servant de sonorités dance, rock et rap, elle est parvenue à faire la différence à l’aide du peu de moyens dont elle disposait. La recette ? Un charisme évident et une énergie folle !
Dernier retour vers la main stage pour ce soir. Kaaris y est programmé. Surprise… c’est un rappeur !
Décidément, vu le nombre de concerts de rap auquel votre serviteur a assisté, il va devenir champion de la fine lamelle d’Emmental.
Le gars fédère visiblement ; la plaine est blindée de people. Et casquette vissée sur la tête, pardi !
De son véritable nom Armand Gnakouri Okou, ce Français est également parolier et producteur. En 2013, il publie « Or noir », produit par Therapy Music. L'album connaît un tel succès que l'artiste le réédite. Il est considéré comme le rappeur qui a popularisé la trap en France. Sa tournée est directement inspirée de cet elpee. Il vient y fêter ses 10 ans.
Dans le milieu, il est préférable de baptiser un disque « Or noir » plutôt qu’« Or dure », y a moins de risque de se faire censurer.
Le gars est black de chez black ! Comme s’il sortait de la mine (NDLR : en 1935, Dour constituait l'un des centres miniers les plus importants, en Belgique, et le dernier charbonnage a fermé définitivement ses portes en 1961).
Et avant d’entamer son concert, on sent qu’il est chaud-boulette. Mais la comparaison s’arrête là, votre serviteur souhaitant éviter le même procès d’intention que le ‘Sauvage’, personnage emblématique de la ducasse d’Ath.
Le gars n’échappe pas à la règle. Ses textes sont incisifs et dénoncent tout un tas de vieux combats, passant de l’hymne anti-police, à la culture de la guerre (« Kalash Criminel »). Son phrasé, c’est une ligne dialectale usitée par tous les banlieusards.
Kaaris ne s’est probablement pas plongé, au cours de son enfance, dans la littérature raffinée respectueuse des règles orthographiques et grammaticales, usant et abusant dans d’une de ses compos (« Zoo ») de ‘strings et de chattes’. Peut-être, dispose-t-il de prédispositions vétérinaires ?
Sur un autre morceau il rend un bel hommage à Shannen Doherty, rendue populaire dans Beverly 90210, où il s’exclame ‘J'encule Brandon et Dylan’. Si ça, c’est pas sympa !?
Un artiste qui aime aussi de grands noms de la poésie française, comme Verlaine ou Baudelaire lorsqu’il chante « Ciroc » (‘J'crois qu'y'a assez d'place dans ton cul pour y mettre ma bouteille de Ciroc/Tu sors avec le string sur les beuj', on rentre avec un 100 meujs’).
L’artiste prodigue un rap trap, genre musical issu du hip-hop sudiste, qui a émergé au début des années 2000 dans le sud des États-Unis. Un style qui se caractérise par son contenu lyrique et un son particulier, lié notamment à l'utilisation importante du kick de la boîte à rythmes.
Votre serviteur, devenu soudain marginal autour de la bande animale, se met à utiliser les poncifs des milliers de personnes présentes, pouce et auriculaire relevé et balancement du bras droit, avec la palette vissée vers l’arrière svp. Manque plus que la chemise ouverte et la chaîne en or qui brille.
A cause de ses textes irrigués par la violence et les outrances, Kaaris a tout récemment fait l’objet d’une plainte pour homophobie : ‘Si ces pédés crament au napalm, j’veux la palme’. Des paroles qui relèvent de l’injure et d’incitations publiques à la haine ou à la violence à l’égard d’un groupe de personnes à raison de leur orientation sexuelle.
Une compo qui ne provoque ni haine, ni colère à Dour, car l’auditoire est, semble-t-il, habitué, depuis de nombreuses années, à ce type de discours. Le personnage est fantasque, plutôt drôle, et tombe dans une facilité et mièvrerie déconcertante. Comme dirait l’autre, ‘il est gentil !’, une manière détournée de qualifier un idiot de première catégorie.
En acceptant cet artiste en terre Sainte, le DF ne devient-il pas le complice d’un comportement et de paroles borderline ?
La nuit s’est installée, la lune éclaire distinctement la plaine du festival, encore pleine à craquer. Ne dit-on pas que les loups chassent la nuit ? Les Kassos se sont en effet donné rendez-vous pour faire la fête. La bière coule à flots. Votre serviteur file tout droit au VIP, afin de prendre un peu de recul.
Demain est un autre jour !
(Organisation : Dour festival)
C’était en 1989. Votre serviteur venait de fêter ses 16 printemps ; et il foulait la plaine du premier festival de Dour. A l’époque, une seule scène, une poignée d’artistes, mais déjà une tête d’affiche de qualité en la personne de Bernard Lavilliers.
De festivalier lambda, votre serviteur est donc chargé de vous imprégner de cette ambiance que l’on ne retrouve nulle part ailleurs. Le Belgique n’est-elle pas perçue comme le terrain du surréalisme par excellence ?
Les événements ont bien changé depuis. S’il y a 35 ans, on bricolait comme on pouvait, le festival de Dour est devenu une véritable machine industrielle se déroulant pendant cinq jours, sur huit scènes, accueillant 230 artistes et attirant 250 000 personnes. Sans oublier ces géantes éoliennes disséminées un peu partout qui, à défaut de procurer de l’ombre, amusent le peuple.
On vient à Dour, plus pour la rigolade et la bonne humeur, que pour ses têtes d’affiches. La découverte est le leitmotiv du DF. Et si depuis quelque temps, on couvrait davantage la musique électronique, le hip hop et le rap, les organisateurs, sous l’impulsion de vieux briscards, ont remis en œuvre une scène dédiée au rock, dans son prisme le plus obtus. Ce lieu, devenu emblématique, est le bien nommé ‘Garage’.
Outre ‘The Last Arena’, la plus grande scène qui peut accueillir 20 000 âmes, ‘De Balzaal’ consacrée à la musique électronique, la ‘Boombox’, qui fait la part belle au hip-hop, à la musique soul, au r’n’b et au swing, il reste ‘La Petite Maison dans la Prairie’ destinée aux fans de musique indie. On a fait le tour du propriétaire…
Hormis la main stage, pratiquement toutes les autres sont couvertes. Et comme la Belgique est un pays de drache nationale, chacun y trouvera son compte.
Alors que votre serviteur couvrait le LaSemo, la semaine dernière, un festival où il était de bon ton de croiser des enfants, un conseil : laissez-les à la maison ou confiez-les à votre baby-sitter, sans quoi ils risquent d’être traumatisés à la vue des festivaliers de Dour, qui sont, à quelques exceptions près (comme votre serviteur), le plus souvent exubérants.
Le festival a réellement commencé la veille, mais dans une version light, les artistes se cantonnant seulement à divers endroits. Avez-vous déjà vu un cycliste se décarcasser au Tour de France dès les premiers coups de pédale ? Non ! Ici, c’est pareil, mollo-mollo !
Pas de quoi laisser de souvenirs inoubliables, ce jeudi. Tel un aventurier, sac à dos, gourde à portée de main et chaussures de marche aux pieds, votre serviteur vogue de scènes en scène tout en s’exclamant Douuuurreuuuhhhhhh, seul comme un con. Un passage obligé, sans quoi il risquerait de passer pour un marginal.
Le festival doit vivre et survivre. Mais les prix affichés sont exagérés. Une pinte, c’est 3,50€. Et pourtant, elle a le goût de la pisse. Même chose pour la bouffe. Autant se mettre à quatre pattes et brouter l’herbe, il y en a à foison. Même si ça ne durera pas !
Première tour de piste avec Dinos. Il se produit sur la main stage. C’est un rappeur. Le black est bâti comme une armoire à glace et possède des paluches impressionnantes. On dirait des péniches.
Né Jules Jomby, il originaire de La Courneuve, en Seine-Saint-Denis.
A seulement 21 berges, il possède déjà toute l’assurance requise des grands noms. Grâce à son premier projet, Thumbs Up, monté en 2011, il commence à se faire un nom dans la famille des rappeurs.
Pas certain que le gars chante très juste, sa voix empruntant les effets de l’autotune, un plugin correcteur de hauteur sonore (son, note) permettant de faire croire que l’on chante juste. Ce branquignole baratine son monde. Pour la petite histoire, en novembre 1998, la chanteuse américaine Cher s’illustre par une utilisation spectaculaire de l'autotune, appliqué à sa voix sur la chanson « Believe ». Mais, Cher avait naturellement de la voix…
A l’aide de titres percutants (on sait maintenant pourquoi Dinos s’est longtemps appelé ‘Punchlinovic’) comme ce « Placebo, une chanson dans laquelle il se convainc de s’être soigné d’un amour déchu, tout en cachant son chagrin, le gamin assure comme un chef.
Bravant sa « Paranoïaque », il balance pléthore d’insultes au public (NDR : dont ‘fils de pute’). Mais, c’est pour la bonne cause. On le pardonne donc. Et puis aussi, quelque part, ça fait partie du jeu !
On retiendra les spectaculaires colonnes de feu dispersées de part et d’autre de l’estrade et des compos, quelquefois hasardeuses, mais sincères à l’image de « No Love » ou encore du touchant « Helsinki ».
Dinos, un artiste en or (DinosOr) ?
Au Garage, au loin, retentit le bruit d’une caisse claire. Fallait quasiment une boussole pour s’y rendre, le site ayant été revu à la hausse par rapport à son antédiluvien qui le précédait. Avant, il y avait des repères, comme ces arbres au niveau de l’étranglement de deux sites, mais ici rien, si ce n’est un horizon sans fin. En chemin, un spectateur portant un t-shirt à l’effigie d’Arctic Monkeys se presse. Plus de doute, c’est la bonne direction.
C’est DITZ, un band issu de Brighton, qui s’y produit. Le lieu est jonché de sable au sol, ce qui lui donne un petit côté (f)estival. Une sacrée bonne idée. De nombreux spectateurs s’y sont allongés, non pas le cigare en main, mais une tigette moins épaisse dégageant cette odeur caractéristique de sapin.
Après quelques minutes, deux certitudes. D’abord sous un angle musical, aucune révolution au programme. La seconde, et c’est sans doute la raison pour laquelle on est tenté de rester, chope à la main, c’est le bordel monstre que le combo fout.
Son truc, c’est le rock post-punk avant-gardiste influencé par le post-hardcore et le noise rock des années 80 et 90. Et en agissant un max sur les pédales d’effets,
Le leader, visage androgyne, porte un petit top et une jupette. Un genre qui permet de voir de belles guibolles épilées. Le drummer frappe ses fûts frénétiquement. A chaque levée de bras, une odeur nauséabonde se propage dans les narines de ceux pressés au crash.
La combinaison basse/batterie permet aux compositions d’embrasser de belles couleurs. Le vocaliste surjoue parfois, mais l’esprit est tel, que ses singeries sont bien accueillies dans le public.
La filiation avec ses homologues britanniques Psychotic Monks n’est pas fortuite. Après avoir assuré les premières parties de Turnstile et d’IDLES, on se souviendra longtemps de l’énergie dégagée par le chanteur, où, debout, soutenu par les mains du public, il saute au sein de la foule, telle une gazelle, fuyant le lion dans la savane.
Avez-vous déjà eu cette sensation de faim qui vous tenaille et devoir ingurgiter quelque chose que vous n’aimiez pas ? Une métaphore qui colle bien à Caballero & JeanJass.
Le plus grand des deux a enfilé une tenue rouge ressemblant à celle d’un Playmobil. Ou plutôt d’un Playmo(débile).
Le temps de cerner ces porte-drapeaux de la scène hip-hop noir-jaune-rouge, que le public s’est pressé en masse miraculeusement. Il y a des Belges évidemment, mais aussi autant de représentants d’outre-Quiévrain. Les deux gusses ont une sacrée tchatche.
Leur différence de taille fait penser à Laurel et Hardy. Et comme eux, l’humeur communicative est au rendez-vous.
Le DJ aux platines, un compagnon de route, s’amuse visiblement. Il est chargé d’insuffler les bandes-son, à charge pour les autres de les habiller avec un flot de paroles, pas toujours compréhensibles. L’ambiance y est. Même le gars planté en chaise roulante depuis près de 30 minutes, s’est levé d’un coup sec pour danser. Dire qu’il y en a qui perdent leur temps à Lourdes dans l’espoir d’un miracle. Lourdes et Dour, même combat !
On ne peut pas dire que le combo s’essaie dans la prose poétique, à l’instar de Verlaine ou de Rimbaud, dans son « Dégeulasse » (‘Est-c'que tout l'monde a vu c'que j'ai vu aux infos ?/Ouais, c'est dégueulasse. C'est qui le connard qu'a pissé sur la planche ?/Ouais, c'est dégueulasse/Si c'est toi, j'espère que tu t'es lavé les mains/Sinon c'est dégueulasse/Attends mais quand j'y pense, tu m'as serré la pince/Et ça c'est dégueulasse’). Magnifique, non ?
Pour clôturer cette première salve, le tour music de votre serviteur s’arrête à la Main stage. La boucle est ainsi bouclée.
James Blake s’y présente aux côtés de deux autres comparses. Il se plante à droite du podium. Pour la circonstance, il est chargé de bercer les morceaux de sa voix d’outre-tombe. A l’extrême gauche, un autre préposé s’est posté derrière des claviers et machines en tous genres, alors que le centre est réservé au percussionniste, entouré de ses cymbales aussi diverses que variées.
JB produit une musique tentée d’électronique à partir de seuls instruments organiques. D’où la curiosité de bon nombre.
Né en 1988 à Londres, Blake est un auteur-compositeur-interprète, multi-instrumentiste et producteur britannique. Au cours de sa carrière, il a contribué au travail de production d'artistes tels que Kendrick Lamar, Beyoncé, Jay-Z, Rosalía, Frank Ocean ou Travis Scott. Il a également remporté un Mercury Prize après deux nominations, un Grammy Award après sept nominations, et a été cité à trois reprises aux Brit Awards.
Affublé d’une veste au col Mao, sombre, il assène, de ses ivoires, une musique qui pourrait s’apparenter à la bande son d’un film spaghetti. La Fender, quant à elle, et ses effets, lui assène un côté chill, alors que le drummer insuffle cette dose d’énergie salvatrice. Bref, un mélange osé, mais cohérent et surtout qui tient sur la route.
Alors que « Say What You Will » tient ses promesses, le set prend doucement des allures de fin. Une prestation impeccable et digne de ce nom.
Au terme d’une première journée marquée par la chaleur, cette nouvelle édition du festival de Dour, commence sous des auspices audacieux qui attisent la curiosité.
Le soleil, lui aussi, tire doucement sa révérence. La lune s’est invitée sur le plateau. Les étoiles brillent par milliers, tout comme celles présentes dans les yeux des aficionados…
A demain !
(Organisation : Dour festival)
sam. 21/09 |
Noannaos Night
jeu. 03/10 |
Black Metal Rainbows bookpresentation & concerts
live sets by Vulva + Acidic Male and Rattenburcht
dim. 26/01 |
Stick To Your Guns
Warmduscher a annoncé la sortie de son 5ème elpee, « Too Cold To Hold », et a partagé un visuel pour « Fashion Week », le premier titre extrait de l'album. Il sortira le vendredi 15 novembre 2024. Lors des sessions, le groupe a reçu le concours de quelques invités, dont Irvine Welsh, Lianne La Havas, Confidence Man's Janet Planet, Jeshi et CouCou Chloe.
Le line up implique Clams Baker Jr, Benjamin Romans Hopcraft, Adam J. Harmer, Marley Mackey, Quinn Whalley et Bleu Ottis Wright et « Too Cold To Hold » est annoncé comme le meilleur et plus ambitieux du combo. En prenant en compte la répétitivité et la polyrythmie, en y ajoutant une pincée de saveurs hip hop et même de jazz, et en les mettant au service de leur pogo punk-funk et disco, on obtient un mélange envoûtant.
À propos du premier morceau extrait de l'album, « Fashion Week », qui est un témoignage joyeux des fans inconditionnels de la mode, Clams a déclaré : ‘C'est une célébration des personnes qui ont une passion pour la mode et qui sont prêtes à tout pour être belles et se sentir bien’.
Warmduscher est né en 2014 d'un choc créatif entre les membres de divers groupes importants et cette formation spontanée a donné naissance à un collectif qui n'était pas seulement un projet secondaire, mais une force musicale qui allait bientôt se tailler une place unique.
Lors de ses quatre albums précédents, « Khaki Tears » (2015), « Whale City » (2018), « Tainted Lunch » (2019) et « At the Hotspot » (2022), le groupe a travaillé sous la houlette des producteurs les plus respectés et s'est attiré les louanges des fans pour son esprit DIY et sa capacité à mélanger les genres sans effort et sans crainte.
« Too Cold To Hold » est annoncé comme le plus éblouissant, le plus éclectique et le plus sincère à ce jour.
‘Nous voulions qu'il soit brutalement sincère dans notre description de nous-mêmes’, explique Ben. ‘Nous sommes connus pour agir d'une certaine manière, jouer d'une certaine manière et déployer une certaine méthode. Je pense que la recette de Warmduscher est le chaos. Dans tous les domaines…’
Le clip consacré à « Fashion Week » est disponible ici
L’édition 2024 du festival Left of the Dial se déroulera du 17 au 19 octobre. Il permettra de découvrir les dernières pépites de la musique alternative internationale à Rotterdam et de faire vibrer le centre-ville au son des guitares électriques pendant trois jours intenses de découvertes musicales avec plus de 120 groupes alternatifs émergents issus d’Europe et d’ailleurs !
Les groupes et artistes se produiront dans plus de 20 endroits différents, comme des boîtes de nuit, des bateaux, des églises et bien plus encore.
Cette année le festival ajoute à son programme une conférence musicale fort intéressante. Au cours de cet après-midi, des professionnels tel que Trevor Dietz (manager de Fontaines D.C.) et le producteur Dan Carey (de Wet Leg, Franz Ferdinand et Black Midi) prendront la parole. Les organisateurs de concerts pourront également découvrir ce que signifie assister à un concert en tant qu’utilisateur de fauteuil roulant ou encore découvrir à quoi ressemble l’équipe de fous furieux de Rotown, à l’origine du festival !
La presque complète line-up du festival :
Automotion (UK) • Aerial Salad (UK) • ALBER JUPITER (FR) • Bad Bangs (AU) • Benefits (UK) • Better Joy (UK) • Big Warm Bed (UK) • Blue Slate (IE) • Brodie Milner (UK) • Bruise Control (UK) • C Turtle (UK) • Canned Pineapple (UK) • Chappaqua Wrestling (UK) • Cloud Cafe (NL) • Cosmorat (UK) • Crackups (BE) • Cubzoa (UK) • deary (UK) • Disgusting Sisters (UK) • DoFlame (CA) • Dog Race (UK) • Dog Sport (UK) • Dog Unit (UK) • Douglas Dare (UK) • Ebbb (UK) • En Attendant Ana (FR) • ENOLA (AU) • Few Bits (BE) • Flip Top Head (UK) • flypaper (UK) • Formal Sppeedwear (UK) • Foyer Red (US) • Frankie (BE) • Gespuys (NL) • The Holy (FI) • Human Interest (UK) • HYPER GAL (JP) • Hypothetics (UK) • IAN SWEET (US) • Jawnino (UK) • Keo (UK) • Kerosene Kream (SE) • KNIVES (UK) • L‘objectif (UK) • ladylike (UK) • Little Hand Feet (UK) • Liz Lawrence (UK) • Lone Wolf (NL) • Lou Terry (UK) • Lover’s Skit (SE) • Low Girl (UK) • Man/Woman/Chainsaw (UK) • Mermaid Chunky (UK) • Meryl Streek (IE) • Moleskine (FR) • Mould (UK) • MUCK. (UK) • MYNK (UK) • Nerves (IE) • New Age Doom (CA) • No Windows (UK) • Oh Boland (IE) • Pamphlets (US) • Parsnip (AU) • Pem (UK) • pencil (UK) • Pleasurelnc. (UK) • Polevaulter (UK) • Purrses (BE) • Quade (UK) • Really Good Time (IE) • Saloon Dion (UK) • Sam Akpro (UK) • Savage Mansion (UK) • SHEIVA (UK) • Skydaddy (UK) • Slaney Bay (UK) • Slate (UK) • Sloe Noon (DE) • Soft Boy (BE) • Special Friend (FR/US) • Tanz Akademie (IT) • Tea Eater (US) • test plan (UK) • Tiberius b (UK/CA) • TTSSFU (UK) • Tulpa (UK) • Twen (US) • Ugly (UK) • Van Houten (UK) • Victory Lap (UK) • Video Age (US) • Wax Head (UK) • Wild Pink (US) • The Wytches (UK) + encore à annoncer.
Left of the Dial
17/18/19 Octobre 2024
Rotterdam
Originaire de Toronto, Charlie Berger est un personnage singulier qui a choisi pour patronyme de son dernier projet, Dormer. Il milite au sein d ‘un tas de formations inspirées du shoegaze, telles que Soft Wounds, With Hidden Noise, Tonemirror, Lacquer et Slowly ; en outre, il a fondé un label DIY baptisé Lossleader.
« Concerning you » constitue le troisième opus de Dormer., mais le deuxième d’une dilogie, dont le premier s’intitule « Concerning me » et était paru l’an dernier.
Ce nouveau long playing propose une autre collection de chansons discrètes faites par un type discret dans une pièce discrète.
Indolente et véhiculant des paroles sur le sentiment de solitude et d’être déconnecté du monde, ses compos sont chargées de spleen.
On pourrait facilement qualifier sa musique de slowcore, ce qui peut se comprendre, puisque dans le passé, il a bossé en compagnie des membres de Low.
Extrait de cet album, « Wake » est en écoute ici
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Responsable d’une forme de dream pop, deary est un duo londonien réunissant Ben Easton et Rebecca 'Dottie' Cockram.
Son nouveau single, « The Moth », a été coproduit par le groupe et Iggy B de Spiritualized. Une compo à la mélodie saisissante qui baigne au sein d’une atmosphère sombre, dévorante, mais directe. Sur un breakbeat strident, les guitares mugissantes ou chatoyantes scintillent, telles des lames dégainées, alors que la ligne de basse devient menaçante.
Une véritable métamorphose, par rapport aux singles et aux deux Eps (« Fairground », et un éponyme en 2023), parus à ce jour.
Ben Easton s’explique :
‘Nous nous sommes beaucoup concentrés sur le rythme et la syncope mais également sur les contre-mélodies et les percussions à contretemps.
C'est très dense et immédiat, avec peu d'espace pour respirer, ce qui accentue le au climat claustrophobe du morceau...’
La vidéo de "The Moth" est disponible là
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swan•seas, c’est le projet de Corrado Angelini, le chanteur/guitariste du groupe Nostalgics.
« Songs in the Key of Blue » constitue le premier opus du Milanais, un disque dont la musique évolue au sein d’un paysage indie rock turbulent, réminiscent des 90’s, subtilement infusé de textures shoegaze et dream-pop.
Si la structure repose sur un classique guitare/basse/batterie, l’expression sonore est enrichie d'éléments électroniques et de boîtes à rythmes. Les mélodies s’attardent comme des secrets chuchotés, les synthés s’insinuent délicatement, et brumeuses, les tonalités de sixcordes se mettent à tourbillonner.
La vidéo consacrée à « Fuzzy feeling » est disponible ici
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Signé sur le label parisien Icy Cold, écurie au sein de laquelle milite également le très prometteur V V & the Void, Stella Sleeps vient de sortir « Undisclosed location », son second elpee. Il fait suite à « Anemic city », paru en 2022.
Originaire de Vänersborg, en Suède, on sait pas trop d’il s’agit d’un projet ou d’un véritable band.
Alternative, sa musique fusionne un bel éventail de rock underground : dark et cold wave, post punk, dreampop, shoegaze et la liste est loin d’être exhaustive. A la fois esthétique, ténébreuse, délicate, mais efficace, elle se distingue par ses traversées éparses de sonorités de guitares ‘miaulantes’ et empreintes de mélancolie…
Issu de cet elpee, « Turnmoil » est en écoute là
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Clap de fin pour cette 16ème édition du LaSemo !
Le soleil est de la partie. Ses rayons lèchent allègrement la peau des festivaliers qui, pour le coup, se baladent en t-shirts, s’enduisent de crème solaire et portent des lunettes… sur la tête. Comme quoi, la météo est décidément capricieuse…
Ce dimanche, la programmation s’adresse à un auditoire plus averti, puisqu’elle propose, notamment, les déjantés Dionysos et la chanteuse, guitariste, poète, écrivaine, artiste-peintre et photographe. Patti Smith.
D’un pas pressé, votre serviteur parvient à se frayer un chemin au cœur de la foule, dans l’espoir d’assister au set d’un gars bien de chez nous. Saule ! Il a déjà commencé sa prestation, car les horaires doivent impérativement être respectés. Qu’à cela ne tienne !
Le gaillard à l’explosion capillaire ébouriffante est bâti comme un roc(k). Et il connait relativement bien l’endroit puisqu’il n’en est pas à son coup d’essai. Certains se souviendront de sa prestation spontanée, accordée l’année dernière, alors que la pluie avait contraint une partie des festivaliers à s’abriter.
Baptiste Lalieu, de son vrai nom, s’est imposé auprès du grand public grâce à « Dusty Men », un titre qu’il interprétait en compagnie de Charlie Winston, en 2012. Il le reprend d’ailleurs. Mais pour la circonstance, le Britannique est ici remplacé par le guitariste qui endosse impeccablement ce rôle. Résultat différent, mais plaisir intense identique.
La main de Baptiste est bandée. Impossible pour lui de gratter ses cordes. Son organe vocal est cependant opérationnel.
« Marta Danse » met tout le monde d’accord. Sublime, cette chanson narre l’histoire d'une vieille dame, Marta Gonzalez, atteinte de la maladie Alzheimer qui, à l'écoute du ‘Lac des cygnes’, se remémore les gestes qu'elle effectuait autrefois. Une compo poignante et morose, mais tellement positive. L’une des plus jolie de l’elpee « Dare Dare », paru en 2021.
La machine fonctionne parfaitement. Le Montois poursuit son petit bonhomme de chemin en attaquant le frais et sautillant « Et pourtant je marche » ainsi que « L’homme sans », nouvelle compo jouée pour la première fois, la veille, en live.
Saule est un « Type normal » qui voue un réel amour à la chanson française tout en se montrant rigoureux dans la formulation et ce même quand il jongle avec les doubles sens à la Antoine Hénaut, un autre artiste bien de chez nous.
Comme la plaine regorge de vieux briscards, dont votre serviteur, l’artiste se sent obligé de réserver quelques morceaux aux vétérans, comme « Minimum », issu du premier opus ou encore « Le boss ». Un titre qui rappelle combien le respect est important vis-à-vis de la ligne hiérarchique (‘T'es qu'un con qui s'ignore/J'ai raison et t'as tort/Et je suis ton patron/Sans moi plus de pognon’). Bref, une belle maxime à garder pour soi !
L’artiste livre une prestation durant laquelle, on passe du rire aux larmes (de bonheur) sur fond de chansons festives et épicuriennes, à l’instar de son auteur. Des chansons qui recèlent parfois une ombre, mais sont remplies d’enthousiasme et de joie de vivre.
Saule s’offre un concert rare, audacieux, unique et classieux. Et de rappeler qu’en octobre 2024, il célèbrera deux décennies d’une carrière exceptionnelle aux côtés d'invités tels que Cali, Alice on The Roof et son comparse de toujours, Charlie Winston !
Et comme vingt années d’une créativité débordante méritent une célébration à la hauteur de son talent, le choix du Cirque Royal pour cet événement s’est imposé naturellement. Un lieu de spectacle à Bruxelles, connu pour son atmosphère chaleureuse et son acoustique exceptionnelle, soit un cadre idéal pour une soirée pleine d'émotions et de souvenirs au cours de laquelle l’artiste revisitera ses plus grands succès. Un concert qui marquera également le lancement d'une nouvelle ère pour Saule, préparant le terrain pour un opus acoustique et la sortie de son prochain long playing, prévu début 2025.
Alors que le live s’achève doucement, une invitée de marque grimpe sur les planches. Il s’agit de Lovelace, une artiste bruxelloise qui appartient à la nouvelle scène pop alternative, rencontrée lors d’un atelier d’écriture qu’il animait. Ils chantent en duo, « Petite Gueule », une véritable bombe. Les voix s’accordent à merveille.
De ses débuts prometteurs à aujourd’hui, Saule a franchi bien des caps, su toucher les cœurs et transcender les frontières musicales.
Alors qu’il lui restait encore quelques minutes, son micro s’est soudainement coupé. Une manière abrupte de mettre fin à un concert d’une énergie rare.
Quoi de plus normal d’assister au concert de… Pomme lorsqu’on a une faim de loup ?
Le peuple s’est rassemblé en masse. Le podium est couvert de champignons. Des petits, des grands et de toutes les couleurs. De quoi se remémorer la comptine de Billy Ze Kick, « Mangez-moi, mangez-moi »,
Après avoir joué à guichets fermés à Forest National et tourné aux Etats-Unis, Pomme termine sa tournée ici.
Elle se présente, menue et très fragile à la fois, dans une tenue plutôt classique. Elle annonce d’emblée qu’elle risque d’interpréter des chansons tristes alors que c’est l’heure de la sieste. Et elle ne s’est pas trompée puisque le spleen la traverse de part en part dans chacune de ses compositions. Elle avoue avoir déjà versé 1 000 000 de larmes.
Sa musique est effectivement vulnérable. A cause de ses fréquents accents nostalgiques. Son mal-être est évident, à l’instar de « Paroles » ou lorsqu’elle aborde l’anorexie dont elle semble encore atteinte au vu de sa silhouette.
Elle revêt une casquette militante lorsqu’elle aborde de grands sujets sociétaux comme le féminisme, les minorités sexuelles ou encore la xénophobie. Et ça marche, surtout chez celles et ceux –et ils sont nombreux– qui ont vécu cette expérience.
Claire Pommet, à l’état-civil, nous réserve un show sympa, mais plombant sur la distance. Son registre finit par plonger les plus optimistes dans une profonde dépression.
Elle tient en main un petit bout de plastique. Elle explique à celles et ceux nés au cours de ce millénaire que ce drôle d’objet s’appelle ‘appareil photo jetable’, un truc complètement obsolète de nos jours. Le but de la manœuvre est de faire passer cet engin dans le public pour récolter un maximum (27 exactement) de souvenirs de cette tournée.
Petit détour à la Guingette. L’invité attitré, Cédric Gervy ou plutôt Cédric et ses Gervy, s’y produi(t)sent. Le bonhomme y a convié ses amis de longue date. Sa fidèle mascotte, une espèce de peluche déglinguée, est de la partie également.
Le gars est présent depuis le début de l’aventure. Alors qu’il est enseignant dans la vie professionnelle, sur les planches, il devient l’amuseur public préféré des festivaliers.
Le set est osé, bien percutant. Sincèrement, on vient voir ce gars, non pas pour ses performances vocales (qu’il n’a pas) ou le prisme philosophique de ses textes (c’est effectivement discutable), mais bien parce que Gervy est considéré comme le Lucky Luke de la vanne et du bon mot.
Autant dire que ses concerts sont synonymes de franche rigolade (« George est content », « « Que c'est chiant le reggae », etc.) C’est une thérapie contre la morosité ambiante à lui tout seul. Ça change de l’autre Pomme pourrie !
Bon allez Cédric, ‘Bonne année quand même et à l’année prochaine !’ ?
Retour au Château pour le tant attendu concert de Patti Smith. De passage au LaSemo Festival, l’icône de 77 ans a, sans doute, celle qui a marqué les esprits, tant en ce qui concerne sa posture que sa musique.
Grisonnante, osant deux belles nattes qui lui drapent le visage, elle fixe le public au loin et s’écrie ‘ Are you angry ?’, afin de vérifier s’il est en phase avec elle.
Elle entame son set très calmement par le brillantissime « Summer Cannibals ». Sa détermination est sans limite. « Redondo Beach » et sa rythmique syncopée précipite la foule dans un climat reggae, alors que « Cash » et ses contours rock and roll, font de cette artiste, une femme pleine de surprises. Sa voix est plus rauque qu’à ses débuts ; une caractéristique qui lui va à ravir et accentue la gravité de ses compositions.
Ses musiciens doivent avoir aussi quelques décennies au compteur, à voir leur cheveux, couleur sel, sans le poivre. Ils ont le sens du rythme et de la répartie. Le guitariste, sis à gauche de la native de Chicago, est nettement plus jeune ; la bonne quarantaine quand même. Son regard bienveillant la suivra tout au long du concert, comme s’il voulait la protéger. Pas étonnant, c’est son fils.
Très à l’aise, elle reprend le « Black coat » de Bob Dylan et également le « Summertime Sadness » de Lana Del Rey, une belle ballade aux accents émouvants, puisque relative à la peur de perdre un être cher. Elle s’épanche alors sur son mari décédé, il y a bien longtemps (NDR : en 1994 !), Fred Smith, guitariste de MC5. Notamment ! Il y a des blessures qui ne guérissent décidemment jamais.
Mariant la poésie beat avec le garage rock des 60’s er 70’s, elle est considérée comme la ‘marraine’ du mouvement punk, un genre qui semble l’avoir quitté, embrassant ci et là des chansons plutôt cosy, mais corrosives dans l’intention.
Erudite, elle évoque Rimbaud, Verlaine ou encore Baudelaire lorsqu’il s’agit de poésie et Kurt Cobain ou Johnny Cash pour le volet musical. Des fantômes bien-pensants qui veillent sur elle.
Lorsqu’elle entame « Because the night », les poils de votre serviteur se hérissent sur ses bras. Une chanson née de sa rencontre avec Bruce Springsteen, il y a 40 ans, et qui n’a pas pris une ride.
« Peaceable Kingdom » rappelle que Smith figure parmi les musiciens (plus de 600) qui ont appelé au boycott d’Israël, refusant ainsi de se produire dans les institutions culturelles complices cet Etat.
La légende termine son set par une version downtempo de « Smells Like Teen Spirit », le titre-phare de l'album « Nevermind », du mythe américain Nirvana, sorti en 1991.
La poétesse originaire de Chicago se laisse aller à quelques considérations personnelles, et tout particulièrement lorsque durant son premier voyage en Belgique, en 1976, elle avait croisé des enfants les plus sauvages, les plus fous et les plus beaux du monde.
Les cheveux maintenant détachés, elle ressemble à une lionne. Patti Smith remercie sincèrement le public et les organisateurs pour ce beau moment. Elle semble étonnée d’être entourée d’arbres alors qu’en Colombie, on les détruit sans raison.
Elle supplie toutes les générations d’en prendre soin. Une belle leçon pour les générations à venir.
Durant près d’une heure trente, cette femme aux allures de rockeuse a prouvé qu’elle n’avait rien perdu de sa splendeur et de sa verve. On a retrouvé une artiste toujours aussi impliquée dans les actions sociétales, environnementales et humaines. Mais surtout une personne au grand cœur.
Enfin, le dernier concert de votre serviteur met en scène les indétrônables Dyonisos.
C’est un groupe de rock français, originaire de Valence, qui doit notamment son succès à ses prestations scéniques et à l'univers particulier ou plus exactement surréaliste dans lequel il évolue.
La bande de joyeux drilles s’est embarquée dans une tournée qui célèbre 30 années d’une carrière passionnante. Trois décennies qu’elle nous réserve des chansons bienfaisantes –en français ou en anglais– caractérisées, le plus souvent, par leur double voire triple sens. Le sens des mots, le sens du verbe, mais aussi cette envie de plus en plus urgente de faire chavirer le cœur de toutes et tous dans un élan de joyeuseté sans limite.
Mais toutes ces années, ont-elles permis aux musicos de s’apprivoiser ou de se supporter ? A les voir à l’unisson s’amuser comme des gamins, la réponse est oui.
Mathias Malzieu, le chef de clan, est vêtu d’un costume rouge et coiffé d’une casquette qui lui donne un petit côté Mario Bros.
Il a frôlé la mort. On lui annonce en 2013 qu’il est atteint d’une maladie orpheline baptisée aplasie médullaire. Elle se signale par le dysfonctionnement de la moelle osseuse qui rend cette dernière incapable de produire des cellules sanguines (globules rouges, blancs et plaquettes) et donc remplace progressivement les cellules circulantes destinées à mourir naturellement. Ce qui implique une immobilisation en chambre stérile et un pronostic vital engagé. On oublie souvent la chance qu’on a d’être tout simplement en vie. D’où ce besoin de vivre sa vie fond la caisse…
Sa chaise roulante customisée trône au milieu de l’estrade. Un fauteuil dont il se servait encore tout récemment alors qu’il s’était blessé sur scène. Il a retrouvé ses guiboles de jeune homme, mais ses péripéties passées lui ont servi de leçon. Il préfère désormais faire profil bas.
Babette, sa compagne sur les planches, s’est installée sur sa gauche. Les trémolos dans la voix ressemblent à s’y méprendre à ceux d’Olivia Ruiz, une jeune femme issue de la téléréalité, mais qui a bien percé dans le milieu depuis. Elle partagera d’ailleurs la vie de Mathias, entre 2005 et 2011. Drôle de coïncidence, non ?
Le dernier LP du combo, « L'Extraordinarium », n’est pas à proprement parler un ‘best-of’, mais bien un recueil de chansons nouvelles puisque pléthore d’invités y ont participé. Un disque foufou à l’image de la prestation du jour. Au menu, que des trucs frapadingues !
Si certains utilisent le succès pour s’enfoncer dans de confortables sofas artistiques, Dyonisos continue de grimper aux arbres ! Et de nouveaux arbres. Où et comment vont-ils puiser cette force ?
En tout cas, si au fil du temps le band n’a cessé d’aiguiser sa fantaisie, ce soir, il a livré une prestation remarquée et remarquable. Est-ce là, la définition même de murir ?
On est en tout cas à peu près certain que l’aventure Dyonisos ne s’arrêtera pas ici. Y a-t-il quelque chose de jouissif de se sentir à part, d’être en marge, de faire ce qui n’a pas été fait ? Au fond, l’imagination, c’est le pouvoir plus que l’argent…
Alors que l’extravagance dirige cette cérémonie, les chansons sont pourtant souvent rythmées par l’amour, sorte de colonne vertébrale de la vie. Mais, l’idée de la création ne vient pas seulement de l’amour, l’humour et les belles choses. La rage, la haine vis de gens que l’on déteste et/ou qui nous ont blessés peuvent aussi se révéler un bon carburant.
Sans être caricatural, Dyonisos, c’est à la fois de l’hyperactivité et de l’hypersensibilité.
Alors que le groupe n’a jamais collé à un dessein politique de manière frontale, c’est le comportement qui devient politique, à l’instar de ce « Song for Jedi » qui claque comme un chewing-gum en bouche.
Avant de quitter le podium, un quidam se charge, sous les directives de son leader, de réaliser un slam (aussi appelé body surfing au Québec, et crowd surf en anglais), soit sauter dans la foule et se laisser porter par elle. Et allongé, il y parvient en atteignant le poste de la régie son. Un défi brillamment réussi ! On apprendra que ce jeune homme se nomme Kévin. Mais il aurait pu aussi s’appeler Jedi !
Un concert d’une intensité rare, un show plein de spontanéité et un Mathias Malzieu dans une forme olympique.
Cette édition aura été un grand cru !
(Organisation : LaSemo)
La météo est particulièrement capricieuse ce samedi. Alors que la veille pourrie, elle était le principal sujet de conversation des festivaliers, aujourd’hui, elle a laissé place à un large soleil, reléguant au placard les doudounes, au profit des t-shirts et bermudas. Même la crème solaire a fait son apparition, c’est dire !
Malgré cette clémence bien heureuse, les stigmates de la veille n’ont pas entièrement disparu. La boue jonche encore le sol à divers endroits.
Lorsque votre serviteur débarque sur le site, RORI traîne aux portes de l’enfer, référence à son premier album intitulé « Ma Saison En Enfer ». Le rouge domine évidemment. Les projecteurs d’abord, la batterie, les pieds de micro ainsi que le microphone, ensuite…
La Liégeoise n’est pas une novice dans le milieu. Elle a connu un joli succès d’estime et critique au sein de Beffroi, l'un des groupes les plus prometteurs de Belgique, qui avait notamment gravé « Swim », un titre largement diffusé sur les ondes radiophoniques, en 2015. Elle n'a alors que 16 printemps. Malheureusement, son comparse, Valentin Vincent, est emporté par la maladie à l'âge de 20 ans. L'aventure qui n'a plus de sens, prend fin. C'était en 2018.
Une période de reconstruction s'ensuit naturellement. Parmi les options possibles, l'arrêt de sa carrière. Mais elle s'accroche. Sa rencontre avec Hadrien, le guitariste qui l’accompagne aujourd’hui, donnera naissance au projet qu’elle défend depuis.
Vêtue d’une tenue blanche très sexy, lui conférant un côté glamour, la jeune femme laisse apparaître un corps filiforme. C’est la première fois qu’elle se produit sur la plaine du LaSemo.
Ses comparses ne sont autres que l’ex-The Subs, Hadrien Lavogez et Loïc Lavogez qui succède ainsi à Pierrick Destrebecq (NDR : il a notamment milité chez Recorders, Abel Caine ou encore au sein du backing group de de Mat Bastard). Il s’était déjà chargé des fûts, notamment au festival ‘Les Gens d’Ere’, pour remplacer Destrebecq, blessé paraît-il.
Si le jeu de Loïc manquait de conviction et de frappe à ses débuts, il a vachement rectifié le tir depuis. L’ombre de Pierrick s’en est allée….
Cependant, les gestes du batteur adoptent une amplitude excessive. Si sur le plan visuel, le lambda y trouve son compte, techniquement, c’est sans intérêt et ces mouvements fatiguent les bras inutilement. Mais, chacun sa merde après tout !
La demoiselle entame son tour de chant par « Ma Place ». Alors qu'elle s’est exprimée jusqu’ici dans la langue de Shakespeare, elle chante maintenant dans celle de Molière, ce qui lui permet de se raconter. Le français l’accompagne d’ailleurs en intégralité durant sa prestation.
Caractérisé par son phrasé haché, ses sonorités pop et ses appuis rythmiques, la musique de RORI, artiste manifestement charismatique et communicative, rallie rapidement le public à sa cause et s'inscrit dans l'air du temps.
Une bonne nouvelle n’arrivant jamais seule, elle propose à celles et ceux qui sont venus la soutenir, un nouveau titre à paraître, signe que la petite ne dort pas sur ses lauriers. Et de demander au public de faire semblant qu’il connaît déjà la chanson. Elle possède décidément le don de la communication, cette petite.
Touchante et la sensibilité à fleur de peau, Camille, à l’état-civil, a accordé un concert d’une intensité rare, livrant un peu plus encore le fruit de ses émotions. Et que d’énergie ! Elle bouge tellement que le perfecto qui lui permettait de garder une température corporelle correcte, devient vite envahissant.
Pour son premier show de l’été, elle embraie tout de go par « Loser », une chanson qui n’est pas anodine ; car plus jeune, nombreux sont ceux qui ne lui prédisaient rien de bon. Et de leur balancer avec une conviction étonnante ‘d’aller se faire foutre’, sous des applaudissements d’encouragement.
Alors que la compo spasmodique au parfum salvateur « C'est la vie », titre éponyme de son Ep, révèle des accents nostalgiques, « Docteur » vient doucement caresser la fin d’un set très enrichissant. Une compo ultra médiatisée dont la foule semble connaître le refrain et qui met exergue, cette différence qu’elle aime à cultiver aujourd’hui.
Si la musique de RORI embrasse différents styles, allant de la pop au rock en passant même par le funk, ses chansons abordent des sujets personnels et très intimes. Alors qu’hier, ces thèmes la rongeait, aujourd’hui elle semble en tirer parti, le tout dans un élan positif qui sent bon la fureur de vivre.
RORI, une femme rageuse et énergique, dont le style lui est propre, s’impose comme l’une des figures montantes du paysage musical belge.
Mentissa, à l’autre bout, prend le relais. Une Belge également. En tout cas de cœur, car pour des raisons professionnelles évidentes, elle a déposé ses valises en France.
Une artiste black au style chill ouateux. Un virage à 90° par rapport au précédent spectacle auquel votre serviteur vient d’assister. Mais, c’est aussi ça un festival, passer de groupe en groupe, d’artiste en artiste et de découverte en découverte.
Elle est habillée en soubrette. Etrange… Sa robe est trop courte, selon ses déclarations. Les mecs massés aux premiers rangs n’ont a priori pas le même point de vue. Pour eux, ce ne sera jamais assez court. Elle est épaulée par un claviériste à droite, alors qu’à sa gauche une violoncelliste au physique plutôt avantageux attire l’attention.
Son public est relativement jeune. Il faut dire qu’il s’agit de la finaliste remarquée de la saison 10 de la version française de ‘The Voice’, une émission au cours de laquelle elle a démontré son potentiel. Hasard du destin, elle finira par devenir coach de cette télédiffusion, dans sa version belge. Une concrétisation à ses yeux.
Sans filtre sur ses doutes, ses complexes et ses rêves, la chanteuse à la voix d’une pureté extraordinaire, mais qui la porte tel un étendard au creux des sillons, se livre à nu, à l’instar de « Balance », où elle évoque ses kilos superflus et les restrictions auxquelles elle a dû s’astreindre pour atteindre un idéal de canon de beauté.
Très second degré, elle n’hésite pas à égratigner gentiment un type qui lui crie haut et fort qu’il l’aime. Du tac au tac, elle lui répond qu’avec un coffre pareil, il devrait lui aussi participer à l’émission. Il n’en faudra pas plus pour s’attirer encore un peu plus la sympathie du jeune public.
Elle est revenue en terre sainte afin de présenter son premier opus pour lequel elle s'est attaché les services de grands auteurs de renom comme Vincha (qui écrit souvent pour Ben Mazué), Yannick Noah et Claudio Capéo.
Entre pop et chanson française classique enivrante, la demoiselle produit un set juste et satisfaisant tout en se laissant bercer par un spleen profond, renforcé par le pouvoir des cordes du violoncelle.
Lorsque sa voix puissante, qui laisse apparaître les nuances les plus subtiles, se pose sur "Et bam", un morceau écrit et composé par Vianney, l’artiste fait mouche auprès du public… conquis d’avance. Une jeune fille, mais d’une grande maturité.
Retour au podium du Château pour Zaho de Sagazan. Il y a un monde de dingue. Votre serviteur ne peut profiter du spectacle, la distance le séparant la scène se chiffrant à plusieurs dizaines de mètres.
Révélée l’année dernière, la jeune auteure-compositrice-interprète est originaire de Saint-Nazaire. Elle aussi est issue de ‘The Voice’. Décidément, cette émission est une machine à tubes. On y fabrique des artistes comme des petits pains. Et pas toujours de qualité, malheureusement !
Ici, l’angle de vue est assez différent car, si l’artiste s’est prêtée au jeu cathodique, elle explore un univers singulier. « La Symphonie des Éclairs », premier disque bien noté auprès de la critique populaire, en est un bel exemple.
Elle s’épanche dans un français précis sur ses désirs amoureux, appuyé par des morceaux aériens et cosmiques, alors que les arrangements soignés, embrassent ci et là une onde électronique.
Il y a chez Sagazan des relents poétiques. Son interprétation grave lui confère quelque chose de théâtral. Parfois aussi de manière exagérée. Mais le public ne semble pas lui en tenir rigueur.
Sa plume tantôt romantique, tantôt solaire, donne l’impression qu’elle se sent incomprise et victime des vicissitudes de l’existence.
Alors que le concert semble de bonne facture, les qualités d’écoute et de vue ne permettent pas à votre serviteur de partager davantage ce jardin secret. Une autre fois peut-être.
Il est temps maintenant d’assister au show de Loïc Nottet. Un artiste qui tisse sa toile intelligemment.
Connu pour ses participations à la troisième saison de l'émission ‘The Voice Belgique’, le Concours Eurovision de la chanson 2015 et l'émission télévisée française ‘Danse avec les stars’ sur TF1, l’artiste s’est construit une belle renommée au niveau national, mais aussi outre-Quiévrain. A un tel point tel que lorsqu’il se produit en concert, les places s’écoulent en quelques minutes seulement, à l’instar de groupes internationaux notoires.
En coulisses, il se murmure que Nottet et son team se sont empressés de préparer un spectacle qui devrait ravir même les plus sceptiques.
La nuit est tombée et on ressent un taux d’humidité qui remonte par le sol. Il va donc falloir du courage pour rester statique durant une heure et demie.
A l’heure dite, les danseuses et danseurs se pressent au milieu de l’estrade. Ils sont vite rejoints par l’ambassadeur du jour. Cheveux gominés, il porte des fringues ringardes de couleur noire qui lui donnent l’impression d’incarner Spock dans ‘Star Trek’ (exception faite des oreilles pointues).
Cette troupe effectue un travail remarquable. Et étrangement, le chanteur ne prend pas l’ascendant, chacun occupe ainsi une place de choix dans l’ensemble, une qualité rare chez les artistes, il faut le souligner.
Ça court ! Ça virevolte ! Les corps presque dénudés se chaloupent, flirtent pour plus d’étreinte sur fond de souplesse et de don de soi. Les galbes des corps des deux jeunes demoiselles laissent plus d’un spectateur sans voix. On dirait de vrais pantins désarticulés.
Le Carolo n’est pas en reste non plus. Et on entend le souffle court du jeune homme de 28 ans qui parvient à peine à reprendre ses mots entre deux compos.
Outre « Selfocracy, Sillygomania », « Addictocrate » reste son disque le plus personnel, à l’instar de « Trouve-fête » qui permet aux uns et aux autres de s’exprimer librement dans une gestuelle magistrale.
Nottet se dessine comme s’il était atteint du syndrome de Peter Pan à travers « Révérence », alors qu’il répète à l’envi « Je t’haine » à une fan avec laquelle il aime se prendre en photo.
Généreux à souhait, il s’épanche sur sa vie, afin que les fans apprennent à le cerner encore un peu plus. On apprendra ainsi qu’il éprouve des difficultés à trouver le sommeil (« Nuit Blanche ») ou qu’il a commencé la danse par le classique (« Cygne »).
Sur « Million Eyes », son titre incontournable, la voix du jeune homme prend une dimension fantasmagorique, surtout quand les aigus, hautement perchés, retentissent.
Il est doucement temps de prendre congé de ses invités. Ce sera le dernier concert de Nicki, l’une des danseuses. « M./Mme », son premier titre en français, sonne le glas d’un show millimétré et irréprochable.
Les aficionados les plus fervents regretteront sans doute l’absence de « Rhythm inside », caractérisé par son ‘rapapa tonight’ légendaire.
Il est temps de se dire au revoir. Il fait nuit noire. Les badauds s’enfoncent comme bercé par les dernières notes de musique.
Le second jour du LaSemo tire doucement à sa fin, lui aussi. Mais restons positifs, regardons le verre à moitié plein, plutôt qu’à moitié vide…
(Organisation : LaSemo)
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