Ce chanteur/compositeur/guitariste n'est pas n'importe qui, puisque non content d'avoir côtoyé Mark Knopfler au sein des Notting Hillbillies, il est parvenu en 1989 à débaucher Eric Clapton pour enregistrer "B.C. & The Five O'Clock Shadows". Album pour lequel Mark avait également collaboré, il faut le souligner. Pourtant, on ne peut pas dire que Brendan ait rencontré la même gloire que ses deux illustres fréquentations. Ce qui n'empêche pas le personnage de jouir d'une fameuse réputation dans la profession. Il nous revient aujourd'hui avec un album flambant neuf. Et des idées neuves (!). En fait il ne trempe plus sa country dans une solution faite à base de blues, de reggae, de cajun et de rock, mais bien du blues dans une solution faite à base de reggae, de country, de cajun et de rock. Cherchez la différence! Trêve de plaisanterie car ce "Redneck state of the art" constitue un excellent exercice de style, auquel il manque sans doute une bonne dose de vivacité pour véritablement enthousiasmer. Une seule exception, "Your time will come", sorte de blues rock rural dynamisé par des accords de guitare gémissants, pétillants, et imprimé sur un tempo bien enlevé. Mais à cet instant, nous sommes déjà à l'avant-dernier morceau de l'elpee...
Stereolab et Cul De Sac partagent une même passion et une même inspiration pour le krautrock. Celui de Can et de Faust en particulier. Mais si le premier place ses expérimentations presque exclusivement au service de la pop, le second lui procure une trame pour explorer l'ambient. Une ‘ambient’ caverneuse au sein de laquelle vous pouvez y croiser tantôt des particules de blues, de folk, de jazz, de surf, de world music, d'avant-gardisme (Stockausen, John Cage), de psychédélisme circa "More", et bien sur de rock, en vertu du recours à la basse, à la steel guitar et aux drums. Une alchimie qui cherche à capturer la force vibrante et spontanée de l'improvisation. Pour Cul De Sac, il existe de multiples formes d'ambient à explorer, c'est ce qui explique sans doute pourquoi il n'est pas encore l'heure d'aller au lit...
Né en Italie et émigré dès l'âge de sept ans en France, à Paris très exactement, Daran est devenu depuis quelques années un véritable globe-trotter des concerts. Pour l'Hexagone bien sûr. Il vient d'enregistrer son deuxième album. Un opus qui fait suite à l'excellent single "Dormir dehors". Daran possède une belle voix, légèrement éraillée, désabusée, aux inflexions plutôt sombres, amères. Mais si à première vue, son blues folk s'apparente à celui que pratique Charlélie Couture, au fil du sillon il perd tout relief et toute consistance. Et ce malgré certaines incursions dans le métal (Bijou?), la cold wave (Cure?) ou même le garage (Zombies?). Ou si vous préférez, lorsqu'il affronte les accès de guitare, de basse ou de claviers. Dans le style, un groupe athois comme Faits Divers fait certainement beaucoup mieux.
Nouvel album pour cet ex-Taxi Girl qui semble avoir troqué son âme de rocker pure et dure contre celle d'un auteur/compositeur de chanson française. Une conversion encore plus frappante lorsqu'on sait qu'à l'origine Daniel ne jurait que par les synthés. Place donc, sur "Nijinsky", à la poésie et au romantisme. Aux souvenirs de voyages imaginaires, aux chansons d'amour et aux slows qui autorisent Cupidon de faire flèche de tout bois. Peu d'intensité donc. Sauf sur le titre maître. La meilleure composition de l'opus. La plus électrique aussi. Car pour le reste, on a l'impression que l'inspiration de Darc est tombée du carquois d'un certain Little Egypt. Depuis qu'il a enterré la hache de guerre...
Cette compilation réunit 14 compositions enregistrées par ce trio néo-zélandais entre 1988 et 1993. Nonobstant la collaboration de feu Nico et de John Cale sur "Abschied", ainsi que de Patti Smith pour la lecture du poème "Communication with heaven", le répertoire de Dead C concède un minimum d'interventions vocales. Aux spécificités ‘joydivisionesques’ lorsqu'elles se manifestent. Un gros reproche cependant. La qualité du son. Manifestement négligée, parfois même aussi médiocre qu'une prise de son réalisée à partir d'un mini-cassette. Une insuffisance qui devient au fil du temps franchement agaçante. Nous empêchant de pénétrer dans ce monde sonore glacial, dépressif, complexe à la croisée des chemins de la no wave (Sonic Youth?) du krautrock (Can?) et du Velvet Underground (Evidemment!).
Fondé au tout début des eighties, Dead Can Dance explorait à l'origine un univers ‘cold’, atmosphérique, sensiblement proche de Cocteau Twins. Ce n'est qu'à partir de 1987, soit lors de la sortie du troisième elpee, "Within the realm of a dyin' sun", que le concept australien s'est transformé en projet hautement intellectuel. S'inspirant tantôt de la musique ethnique (chinoise, gallique, indienne, latino-américaine, maghrébine, etc.), tantôt de la musique médiévale, et en particulier séculaire et liturgique du XIème siècle. Aujourd'hui, son expression n'a plus grand chose à voir avec le rock. Enregistré au Mayfair Theatre de Santa Monica en Californie, et découpé en quinze fragments, parmi lesquels figurent douze inédits, "Toward the within" est destiné à sonoriser un film vidéo du même nom. Malheureusement, ni l'inflexion vocale de Brandon Perry, ni le timbre délicat, fragile de Lisa Gerrard, ne parviennent à transcender ces mélodies semi-exotiques, au goût ‘world’ franchement morose...
"I'm just alive", titre qui ouvre cet album, nous donne immédiatement la couleur. Découpé dans les cordes de guitare torturées, gémissantes, éclaboussé de claviers insidieux, maladifs, avinés, imprimé sur un tempo lancinant, il nous replonge dans le monde fascinant et morbide de Joy Division. Mais si la suite se révèle aussi sombre, semblant vouloir se repaître, tels des vautours, des corps en décomposition de Cave, Cohen, Beefheart, Scott Walker et Jesus & Mary Chain, elle s'ouvre à d'autres horizons plus mystérieux, réverbérant même des échos éphémères de Portishead, Ian McCulloch et Boo Radleys. Une œuvre dont les contes ironiques, menaçants et passionnels farfouillent dans la folie, le cannibalisme, le sadisme et la perversion, traçant à travers ses seize fragments, les contours de l'angoisse, de la cruauté et de l'obsession. Et Delicatessen y exhale un charme surréaliste aussi inattendu que cinématique. On comprend d'ailleurs aussi beaucoup mieux pourquoi le quatuor a choisi pour patronyme le titre de ce film... "Skin Touching Water" adopte même une forme d'existentialisme nauséeux (NDR: Merci Jean-Paul!), dramatiquement gothique, pour être plus précis, comme sur "You cut my throat, I'll cut yours" (NDR: Bon appétit!). Mais en général glisse des climats les plus doux et séduisants aux plus désespérés et sinistres. La voix malveillante de Neil Carlill se chargeant de mordre goulûment la structure sinusoïdale des mélodies à l'air psychédéliquement vicié...
Pour enregistrer son premier album, ce quartet issu de la Caroline du Nord a bénéficié du concours d'un certain John Custer à la production. Le même Custer qui avait mis en forme le premier opus de Cry of Love. Car de production, il est fatalement question sur ce "Righteous". Tout au long de ce disque, ce personnage intervient chirurgicalement sur le produit fini à l'aide d'effets spéciaux et de samples. Malheureusement, malgré tout le lustre et toute la sophistication apportés à ces différentes opérations, le résultat obtenu manque de la plus élémentaire originalité. Hésitant entre le funk, la soul, ou même le rhythm'n’blues à coloration ‘Stax’, il cherche vainement un hypothétique croisement entre Michaël Jackson et les Spin Doctors. Le genre de stéréotype destiné à sonoriser les clips à gros budget, avec nanas aux poses lascives et mâles tatoués. Vous voyez ce que nous voulons dire...
Encore un groupe batave. Issu d'Alkmaar pour être plus précis. Pas mauvais du tout! Paraît même que cet album a été enregistré en trois heures. Une belle performance en vertu des quatorze morceaux proposés. Les moins surprenants? Ceux qui marchent sur les traces de Bettie Serveert. Les plus conventionnels? Ou classiques, si vous préférez, ceux qui exsudent un rhythm’n’blues rémniscent d'Eric Burdon et de ses Animals. Les plus intéressants? Ceux qui affrontent le garage punk, le garage pop ou le punk pop avec une efficacité redoutable. Héritage issu des Buzzcocks, des Fleshtones, des Dead Boys, et même des Cramps sans leur voodoo (Queens?). Quant à la pointe d'originalité, elle procède du contraste entre la voix écorchée d'Eus Van Den Nieuwendijk et celle plus fiévreuse, féminine de Wendy Albrink…
S'il n'y avait le brio du drummer, Dante Cimino, ce "Dyslexicon" aurait rapidement été rangé dans le tiroir au grunge. Nous n'avions d'ailleurs plus jamais entendu une prestation aussi remarquable sur vinyle depuis le début des seventies. Celle de Mike Giles pour le célèbre "21st century schizoïd man" de King Crimson (Encore!). Enfin, surtout sur l'avant-dernier fragment de cet elpee, "Viva kernal"... Produit par Phil Nicolo (Urge Overkill, Big Chief, Urban Dance Squad), le deuxième opus de ce quartette philadelphien dispense cependant un métal aux harmonies contagieuses, à l'énergie vitale et viscérale, rappelant ni plus ni moins Foo Fighters. Enfin, un Foo Fighters dont les vocaux auraient été placés en état de léthargie. Mais sinusoïdaux, ils inoculent une sensation de psychédélisme à l'acidité floydienne ou plus exactement sydbarettienne... Faut pas mélanger les torchons et les serviettes!
Ce n'est certainement pas à Seattle que ce trio aurait dû s'établir, mais à Boston. Parce que sa musique n'a strictement aucune affinité avec le grunge ou le trash métal, dispensant un punkcore essentiellement inspiré par les Breeders, Belly et autres Throwing Muses. Peut être d'une manière plus âpre, plus aride, à l'instar de Babes In Toyland. Mais au climat particulièrement alambiqué. Un trio drivé par deux filles qui se partagent guitare et basse, mais surtout chantent à tour de rôle. L'unique kid se réservant les drums. Un opus pas trop mal fichu, mais qui souffre à la fois d'une trop grande linéarité dans le ton, et surtout d'une carence de feeling dans la mélodie. Et là, c'est un handicap extrêmement lourd...
Dale Morningstar est le personnage clef de ce combo canadien (Toronto) qui semble attiré à la fois par les faces alternatives de Pavement, de Beck et de Mercury Rev. Hormis "Insensitive creeps", superbe composition acoustique, qui aurait pu appartenir au répertoire d'Immaculate Fools, le départ d'un grand prix de formule 1 et une danse du scalp, les treize autres fragments prêchent l'expérimentalisme ultime. Celui qui mène au Tartare (rien à voir avec la sauce du même nom, bien sûr). A l'image de la pochette. Côté recto un enchevêtrement de bras et de membres aspirés par l'empire des ténèbres, et au verso un cortège de damnés qui s'y rend. Dans ces conditions, comment voulez-vous que nous soyons disposés de passer à table?
Ce quartet nous vient de Santa Barbara en Californie. Mais n'allez surtout pas imaginer que sa musique concède quelque relation avec la série américaine qui a pollué le tube cathodique pendant de nombreuses années. Ce serait même lui faire injure, puisque Diswalla semble davantage inspiré par la musique insulaire. Le New Mersey sound tout d'abord. D'Icicle Works pour être plus précis. A cause de ces envolées mélodiques, presque hymniques, déversées avec une certaine emphase. Vocalement surtout. Et puis la nouvelle génération des groupes de guitare. Radiohead en tête. Notamment pour le timbre vocal de JR Richards qui épouse les inflexions vocales de Thom E Yorke, lorsque les chansons se font plus tendres, sentimentales. Une voix susceptible cependant de changer de registre et devenir plus âpre, plus mordante comme celle de Ian Astbury, lorsque l'expression emprunte le profil post punk de (Southern Death) Cult. Même ses modèles yankees ont été choisis parmi les ensembles les plus anglophiles. Smashing Pumpkins, par exemple. Ce qui n'empêche pas Dishwalla d'agrémenter cette trame de rhythm’n’blues ou de funk. "Pet your friends" recèle même une cover revitalisée d'"It's going to take some time" de Carole King. Excellent!
Chez Divine Soma Experience, on retrouve le bassiste d'Ozric Tentacles, Roly Wynne. Une indication qui devrait plus ou moins situer le style musical dispensé tout au long de ce "Welcome to the land of dragons". Encore que la dimension atmosphérique y soit encore plus marquée. Rythmes tribaux, techno, dub et space rock se mêlent ainsi dans un éther psychédélique capable de pénétrer au plus profond de votre inconscient... (NDR: rigolez pas, mais à peu de choses près, c'est ce qui est indiqué sur la bio). Et au pays des dragons, cette divine soma expérience s'exprime en termes de surréalisme virtuel (NDR: allô la terre!).
Inévitablement, à l'écoute de ce "Wrapped in sky", on ne peut que penser à REM. Pas le REM d'"Automatic for the people", de "Monster" ou de "Fables of the Reconstruction", mais un REM dénué de psychédélisme, sevré de garage. Folk rock, si vous préférez. Pensez à Hootie & The Blowfish et à Jayhawks. Ou même à l'électricité mélodique dylanisée. "Wrapped in sky" constitue déjà le sixième opus de Drivin'n'Cryin, et a reçu, comme par hasard, le concours de Peter Buck. Une œuvre d'honnête facture, mais beaucoup trop traditionnelle pour sortir de l'ordinaire...
Bien qu'âgé de 26 ans, Peter Droge n'en est qu'à son premier album. Un disque qui flaire l'Amérique à cent pas. Celle de Tom Petty, John Hiatt, Dylan et même de Neil Young. Ce qui peut sembler très paradoxal, lorsqu'on sait que cet artiste vit à Seattle, berceau du grunge. Pas question de boue métallique cependant sur ce "Necktie Second", mais des ballades sculptées dans le country rock qu'il interprète d'une voix traînante et fragile. Rien de bien extraordinaire sur cet elpee mais de bonnes chansons, à l'image du chouette single "If you don't love me (I'll kill myself)", du sudiste ‘creedenceclearwaterrevivaliste’ "Two steppin monkey" et de cet étrange "Sunshot stop watch" hanté de guitares ‘shadowsiennes’. Agréable sans plus!
Isabelle Monteiro est brésilienne, Mike Chylinski yankee. Ils partagent tous deux une même passion pour la musique et surtout le même appartement à Londres. Ils décident de monter un groupe et partent à la recherche d'un guitariste. A l'issue des multiples auditions ils fixent leur choix sur le Britannique Daron Robinson. Ils gravent l'un ou l'autre single, qui déclenche instantanément l'enthousiasme au sein de la presse insulaire. Et aujourd'hui, le trio nous propose son premier opus. Une œuvre à la tristesse profonde et à la mélancolie douce, qui aborde sous un voile de mystère les thèmes de la mort, du sommeil, du rêve et de la divinité ; des thèmes qu'Isabel chuchote, murmure, d'une voix languissante (Mariane Faithfull rencontre Patti Smith). Un résultat proche de celui qu'avait obtenu Jesus & Mary Chain pour l'enregistrement du single "Sometimes always", lors de sa collaboration avec Hope Sandonval, vocaliste de Mazzy Star. Mais plutôt que de laisser constamment cet épanchement osciller de la vulnérabilité à la perversion, de la compassion au mépris, Drugstore laisse libre cours aux flambées d'électricité et de feedback, aussi féroces et furieuses que chez Madder Rose. Fascinant!
Encore un groupe qui agrège le ragga, le punk, le trash, le rap et le hardcore. Un quartette gallois (Newport) qui, jusqu'à présent, s'était surtout illustré en accomplissant les premières parties des concerts de Pop Will Eat Itself, de Senser et de Manic Street Preachers. Pas de quoi déclencher une guerre atomique, mais un excellent exercice de style qui devrait plaire, sans conteste, aux aficionados de Faith No More, Clawfinger et consorts...
Anne Dudley s'est surtout illustrée à la fin des eighties en compagnie de JJ Jeczalik au sein d'Art of Noise. Ces véritables gourous de la haute technologie parviendront même à remettre le vétéran Tom Jones au faîte des charts, avec "Kiss". Pourtant, Anne avait auparavant collaboré avec des artistes aussi huppés que Malcom Mc Laren, Frankie Goes to Hollywood, Paul Young ou Pet Shop Boys. Tantôt comme pianiste. Ou simplement pour ciseler les arrangements. Et puis, au cours de son adolescence, elle a suivi les cours de musique dite classique. A Londres très exactement. Au Royal et au King's College pour être vraiment précis. Tout au long d’"Ancient and modern", elle a voulu revenir à ses racines académiques. Assistée par un orchestre de 50 musiciens et de 18 choristes, elle a voulu remettre au goût du jour la musique du 15ème siècle dans un contexte contemporain. C'est à dire réarrangé pour les nineties. Un disque assez difficile, à la limite du pompeux qui risque probablement d'incommoder à la fois les mélomanes coincés et les rockers obtus. Difficile dans l'art de manier l'‘ancient’ et le ‘modern’...
Il nous semblait que le Zim était particulièrement en forme le jour de l'enregistrement de l'émission "Unplugged", sur MTV. Il avait d'ailleurs eu le bon goût de nous réserver plusieurs de ses classiques. Notamment "Love Minus Zero/ No limit", "Knocking on heaven's door", "All along the watchtower", "The times they are a-changin" et surtout "Like a rolling stone". Malheureusement, les interprétations reproduites sur l'album manquent singulièrement de relief et n'atteignent jamais l'intensité des originales. Problème de production? Possible. Encore que celle-ci ait été confiée à Ed Cherney et Don Was. Mais très envisageable, lorsqu'on sait que Bob s'était totalement sublimé pour concocter son dernier opus, exclusivement acoustique, "Good as I been to you". Faudrait peut-être complètement remixer la bande son!
Encore une formation qui nous vient de Seattle, mais dont le sort semble avoir été épargné par le grunge. Ce qui n'a pas empêché les différents membres du quintette de côtoyer, à une certaine époque, les musiciens de Pearl Jam, de Soundgarden ou de Monster Magnet. Drivé par les frangins Wood, Devilhead élabore une musique étrange, brumeuse, le plus souvent languissante, aux relents de métal, de blues, de rhythm’n’blues, et même de bossa nova ; une musique dont les caractéristiques les moins imprécises pourraient s'inspirer de Led Zeppelin, Prince, Minutemen, Christian Death, Doors, Robin Trower, Robert Wyatt et de quelques autres... Rien de bien diabolique cependant, ni d'insidieusement lubrique, et encore moins de volcanique. Là est peut-être le hic!
Purs produits de l'école post industrielle de Düsseldorf, Die Krupps et DAF sont considérés, aujourd'hui, comme la genèse de l'electro body music. Non content d'avoir inspiré SPK et Test Dept, ils ont ouvert la voie du succès à Nitzer Ebb et surtout à Front 242. Près de quinze ans plus tard le mythe est toujours en activité. Enfin son guide spirituel, Jürgen Engler. Puisque Ralph Dorper (Propaganda) a cédé le relais à Chris Litz. Jürgen se prend toujours aussi au sérieux et ses lyrics n'ont strictement rien perdu de leur potentiel caustique. Sa musique s'est cependant raffinée, sophistiquée au contact des nouvelles technologies de studio. Le mélange gothique, féroce de rythmes synthétiques et de métal en fusion prend ainsi une coloration plus intuitive, plus cérébrale. Produit par Tony Platt (AC/DC, Motörhead, Cult), "Odyssey of the mind" nous entraîne dans un monde peuplé de "Bladerunners" et de "Terminators", une odyssée cauchemardesque où l'homme vit en perpétuelle peur de la machine...
"Hell Freezes Over" constitue le premier album du célèbre quintet yankee depuis sa reformation. En fait, il s'agit de l'enregistrement d'un set acoustique accordé pour MTV. Onze fragments enrichis par quatre nouvelles compositions studio. Rien de bien transcendant cependant. Et même des classiques comme "Hotel California" ou "Take it easy" font vraiment pâle figure par rapport aux versions originales...
Encore un ensemble néerlandais, mais beaucoup plus revivaliste. Flirtant aussi bien avec le rock, le blues, le rhythm’n’blues que le psychédélisme. On a même parfois l'impression de replonger un quart de siècle en arrière en pleine dynamique post blues conduite par des légendes telles que Spencer Davies, Traffic, Small Faces et Jimi Hendrix. Encore que le phrasé de guitare adopté par Thys Muse se révèle, à l'image de Robin Trower, plus filandreux. Et pour accentuer l'authenticité de cette expression passéiste, Easy Meat n'a pas hésité à parfumer le tout d'une pointe d'exotisme… Avec des fleurs ?
Décidément, la scène pop britannique est en pleine ébullition. Car si le nouvel album de Blur nous a séduits, le deuxième d'Echobelly nous a totalement conquis. Une véritable pluie de singles potentiels s'est d'ailleurs abattue sur "On"... Si Echobelly est aux Smiths ce qu'Elastica est aux Stranglers, il est cependant difficile d'imaginer que Sonia Aurora soit la réplique féminine de Morrissey. A cause de ses inflexions vocales? Peut-être! Et encore... Ses lyrics? Pas du tout, puisqu'ils abordent des sujets aussi contemporains et féministes que l'avortement, la discrimination sexuelle et raciale lorsqu'ils ne se consacrent pas au voyeurisme de la société ou aux abus de consommation de drogues. Musicalement, si le trémolo de guitare rappelle vaguement Johnny Marr, l'expression sonore est beaucoup plus vivace, plus pétillante, plus féroce. Les rythmes découpés au rasoir. Les mélodies contagieuses, venimeuses. L'électricité intense, grinçante, effilée. Et puis la voix inoxydable, sensuelle de Sonia exhale une sensibilité pop instantanée, unique, explorant les émotions les plus extrêmes...
Au sein de ce quintet californien, on retrouve Carla Azar, drummeuse qui a côtoyé Wendy et Lisa pendant cinq bonnes années. Et une certaine Annie Preven. Elle a fréquenté les Beaux-arts pendant plus de dix ans, période nécessaire et suffisante pour la dégoûter de la musique classique, puis décidé de laisser tomber son violon pour se consacrer exclusivement au chant... Pour recruter le line up de son groupe, Annie a sélectionné des musiciens particulièrement talentueux. Une preuve de son état d'esprit demeuré perfectionniste jusqu'au bout des ongles. Malheureusement, une association de virtuoses ne débouche pas systématiquement sur un bon groupe. Et encore moins sur la confection d'un bon album. Cet opus éponyme en est une parfaite illustration. La production hyper-léchée a certainement sa part de responsabilité. Mais également l'absence de relief mélodique. Résultat des courses, les treize fragments de cet opus lanternent dans un univers sub Pretenders, sub Lone Justice et dans le meilleur des cas, rencontrent le spectre de Janis Joplin, mais privée de blues...
Fondé en 1989, The Edsel Auctioneer implique deux ex-membres de Pale Saints. Soit Ashely Horner et Chris Cooper, apparemment restés en bons termes avec Meriel Barham, puisqu'elle a accepté de participer à l'enregistrement du deuxième album de ce trio de Leeds. La formation a pu également compter sur le concours du leader de Bivouac, Paul Yeadon, et puis surtout de Steve Whitfield (Cure, Mission) à la production. Un album chargé, paradoxalement d'électricité alternative. Tantôt branchée sur le courant pop insulaire (Pale Saints, Teenage Fan Club, Eugenius), tantôt sur le courant noisecore yankee (Dinausor Jr, Hüsker Dü, Buffalo Tom). A la limite garage lorsque les mélodies abrasives, vibrantes s'enflamment et libèrent toute leur intensité créative. Comme sur "11th September 94" et "Haircut". Une constante cependant, les harmonies vocales pudiquement, nonchalamment glacées qui saupoudrent les lyrics existentiels. The Edsel Auctioneer, un nom difficile à retenir, mais un album facile à aimer.
Ensemble aux trois-quarts féminin, Elastica apprécie tout particulièrement les ensembles post punk de la fin des seventies. Blondie, Stranglers, Wire, Fall, Buzzcocks et Magazine, en particulier. Et cette passion se ressent très fort dans sa musique. Ce qui explique sans doute pourquoi, la formation a été taxée de groupe de new wave de la new wave. Et bien sûr, sur son premier opus, on y retrouve le suc de cette époque. Le plus intelligent et le plus excitant, faut-il le souligner? Par exemple celui qu'exhalait la bande à Burnell dans "No more heroes" sur le single "Waking up". Mais le quartet ne se limite pas à exhumer les vertus du passé. Justine, chanteuse guitariste, a séjourné dans le line-up initial de Suede. Elle était même devenue la girlfriend de Brett Anderson. Et cette expérience lui permet, sans doute, d'avoir aujourd'hui une vision plus contemporaine, et surtout astucieuse des nineties. Un peu à la manière de Blur (pastiché, en outre, sur le final "Vaseline") ou même de PJ Harvey pour les thèmes fatalement féministes, désenchantés, exsangues de romantisme. Un disque qui ravira les amateurs de power pop audacieux, chargé d'adrénaline et à l'exubérance juvénile.
Cinquième album pour Elisa Waut. Et suivant la bonne habitude, le trio brugeois a accordé un soin tout particulier à la confection de la pochette. Une photo semi décadente, très XIXème siècle, de Greta Buysse nous invite à pénétrer dans le monde harmonieux et intimiste d' "Angelus". Deux morceaux de plastique partagent cette œuvre. Le premier a été composé et produit par Hans Helewaut, le second ciselé par Raymond Van het Groenewond. Mais ils observent un respect constant du style cabaret à l'esthétisme glacé, ne se limitant pas à un accompagnement basse/batterie/guitare, pour mieux profiter du concours d'une panoplie d'instruments beaucoup moins conventionnels. Comme le sitar, le saxophone, l'accordéon, l'orgue hammond, le violon, la steel guitar, le violoncelle et le glockenspiel.
Quintet nantais à l'enthousiasme et à la lubricité légendaires, Elmer Food Beat compte aujourd'hui huit années d'existence. Un cycle qui méritait sans doute une mise au point. Donc une copulation. Pardon, une compilation. Révélatrice de l'esprit polisson de cette équipe de joyeux drilles. Donc des titres croustillants tels que "Est-ce que tu la sens", "Toutes essayées", "Daniela", "Le plastique c'est fantastique", "Je vais encore dormir tout seul ce soir", et bien d'autres, parmi lesquels figurent des versions totalement inédites...
Album à la fois attendu et inattendu pour EMF. Inattendu, puisqu'en 1992 la rupture semblait inévitable. Attendu, puisqu'il enchantera son public de teen-agers. Un disque plutôt éclectique qui alterne compositions plus accessibles, ‘MTVesque’ si vous préférez, house mancunienne et frénésie juvénile pop/trash/funk/rock/metal/hip hop vivifiante. Aux vertus Faith No More, Pop Will Eat It Self, 25th Of May, Red Hot et Carter USM. Pas de hit potentiel du calibre "Unbelievable", cependant. Mais une ballade acoustique, un titre au profil "Beloved" et deux morceaux plus progressifs, sauvages, à la limite de l'expérimental, en guise de conclusion. Une œuvre qui se révèle, en général, plus âpre, plus agressive, épisodiquement parfumée d'ambient (Gong?) et qui laisse surtout une bien meilleure impression que "Stigma"...
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