Pour être aussi obnubilés par le rock de la fin des sixties et du tout début des seventies, il faut croire que les musiciens de ce quintet liégeois sont allés fureter dans la collection de vinyles de leurs parents. Pas seulement parce que ce "Liquid Sky" recèle la cover classique des Doors, "Riders On The Storm" ou des ballades post Kansas voire sub Kayak. Ni à cause des claviers (Hammond?) qui recouvrent d'une belle couche de poussière toutes les mélodies. Mais surtout parce que " Five To One " ose pasticher "In-A-Gadda-Da-Vida" d'Iron Butterfly sur la place publique. Pardon sur "Public Place". Même qu'au beau milieu du morceau on y retrouve un semblant de solo de batterie. Le délit prémédité dans toute sa splendeur/son horreur! (biffez la mention inutile).
Titre maître de cet Ep, "Beautiful Light" reflète l'aspect le plus pop, le plus soft du dernier album de cet ensemble new-yorkais. C'est peut-être la raison pour laquelle, il a été pressé en single. Une jolie chanson qui aurait pu tout aussi bien appartenir au répertoire de REM. Normal, lorsqu'on sait que l'album a été produit par Peter Buck. Le deuxième titre, ne figure pas sur "Forever Fleshtones", mais bénéficiant de la participation de Mike Mills aux claviers, ne s'éloigne pas tellement du climat général du CD. Finalement, c'est le troisième fragment de ce maxi qui nous semble le plus intéressant. Mixé par Jim Ball et le combo au studio RPM de New York, il recèle un son beaucoup plus crade, plus punk, qui correspond beaucoup mieux au style garage auquel le groupe nous a toujours habitués, et qu'il manifeste si bien sur les planches...
Fondé à New York, à la fin des seventies, The Fleshtones a forgé sa réputation sur les planches. Là ils y manifestait une vitalité bien crade, bien rauque, bien ‘speed’ en pratiquant un style musical mi-garage, mi-psychédélique, inspiré du rock des Yardbirds, de Count Five, de Sam The Sham ou de Question Mark & The Mysterians, et saupoudré de rhythm’n’blues. Un cocktail détonnant qui lui permettra de devenir un véritable groupe culte. Aujourd'hui le combo semble s'être assagi, et on ne parle plus guère des sempiternelles altercations entre les deux leaders du groupe, Keith Streng et Peter Zaremba. Zaremba s'intéresse d'ailleurs de plus en plus à la production. Ce qui ne l'a pas empêché de faire appel à Peter Buck, son pote de toujours, pour produire cet album; et puis d'inviter Mike Mills autre REM pour assurer les claviers. Bref, on comprend mieux pourquoi les Fleshtones diluent aujourd'hui leur agressivité dans un garage pop. Même le titres les plus remuants n'ont plus rien de dérangeant. "Forever Fleshtones" macère ainsi dans une solution légèrement cuivrée de r&b, solution filtrée successivement par les vertus les plus mélodiques des Kinks, de Van Morisson, d'XTC et des Stones.
Alors qu'en 1977, Sid Vicious créait le pogo, de l'autre côté de l'Atlantique, Flipper inventait, le ‘worm’, technique qui consistait à s'effondrer sur le sol, en essayant d'entraîner le plus de monde avec soi. L'aventure de cet ensemble californien cessera pourtant le 9 décembre 1987. Dramatiquement. Will Statter succombant à une overdose d'héroïne. Après cinq années de silence, Flipper vient de se reformer. "Album Generic Flipper" ne constitue pourtant pas le nouvel opus du combo yankee, mais une réimpression en CD d'un elpee paru en 1982. Le nouvel album serait déjà sorti aux States. Mais pour le Vieux Continent, il faudra probablement encore attendre quelques semaines. "Album Generic Flipper" reflète la partie la plus pure de l'esprit hardcore propagé outre-Atlantique. Celui que développera au cours des eighties des groupes comme Black Flag, Hüsker Dü ou Meat Puppets. Mais également début des nineties, des formations comme Nirvana ou les Melvins. Un véritable document dont l'expression filandreuse, corrosive, désespérée, nous permet juste de patienter jusqu'à la sortie du futur CD: "The Light, The Sound..."
Pour enregistrer son troisième album solo, cet ex-Go Betweens a voulu se faire plaisir. Puiser dans le répertoire d'autres artistes pour y interpréter ses chansons préférées. Depuis "Nature's way" de Spirit à "Look out here comes tomorrow" de Neil Diamond, en passant par "Echo Beach" de Martha & The Muffins, "Tell me that it isn't true" de Dylan, "Locked away" de Keith Richards et "2541" de Hüsker Dü. Une composition de Grant Hart qui a d'ailleurs bénéficié d'une gravure en single. Une œuvre pour laquelle il s'est fait épauler par Graham Lee des Triffids ainsi que par Mick Harvey et Conway Savage des Bad Seeds. Des reprises auxquelles Robert parvient, par son audace, sa spontanéité et sa délicatesse, à sculpter de nouveaux angles. Des chansons qu'il caresse d'une voix tourmentée, poignante, à la manière d'un Simon Bonney ou d'un David McComb...
Les plus gros succès de FGTH remixés pour les besoins de la ‘dance’. Soit "Relax", "Two Tribes", "Welcome To The Pleasure Dome", "Rage Hard" et "Warriors Of The Wasteland" dans des versions qui jusqu'à présent n'étaient disponibles qu'en 12 inches. Dispensable !
Bien que jouissant d'une énorme popularité aux Antipodes, cet ensemble australien a dû attendre fin 1993 pour faire son entrée sur la scène internationale. Grâce au hit "Accindently Kelly Street", superbe chanson qui envahit les ondes radiophoniques depuis quelques semaines. Et qui figure bien évidemment sur ce "Marvin The Album". Malheureusement, hormis "Labour Of Love", dont la gravure en single ne devrait tarder, les onze autres fragments s'égarent dans une sorte de soft pop feutrée de folk, de jazz ou de bossa nova, mais sans grand relief ni originalité. Même la superbe voix d'Angie, dont le timbre rappelle tantôt Harriett (Sundays) tantôt Suzanne Vega, ne parvient pas à arracher ces compositions d'une certaine morosité, voire d'un certain ennui... Contentez vous donc du single !
Vingt ans plus tôt, Eno venait de quitter Roxy Music alors que Fripp assistait impuissant à l'agonie de son premier King Crimson. Leur rencontre va déboucher sur des expérimentations avant-gardistes, totalement révolutionnaires pour l'époque, que seul jusqu'alors le compositeur américain Tery Riley était parvenu à déflorer. Ces applications feront l'objet d'un album en 1973, "No Pussyfooting". Deux longues faces partagées entre les lamentations de la guitare de Bob et les perspectives synthético-atmosphériques imaginées par Brian. La firme de disques, major en l'occurrence, va très mal prendre la chose... sauf lorsque l'elpee atteindra le top 30 aux Iles Britanniques. En 1975, le duo décide de remettre le couvert avec "Evening Star". Eno y prépare (in)consciemment ses observations dans le domaine de l'‘ambient’, observations qu'il concrétisera sur "Discret Music" et "Another Green World" un peu plus tard; alors que Robert traite les cordes de sa Les Paul à la manière d'une symphonie électrique post "Lark's Tongue In Aspic". Ce recueil résume en quatre fragments la quintessence de ces deux œuvres. Une compilation enrichie de quatre versions différentes de "Healthy Colours", quatre adaptations d'un même thème. Probablement imaginé à la même époque cet inédit préfigure les travaux menés début des eighties par Cabaret Voltaire dans le domaine de la manipulation des voix. Un document !
Il existe chez Front 242 deux dimensions diamétralement différentes. La première, vous vous en doutez, répond à des normes de haute technologie et de synthétisation du son. Elle s'élabore exclusivement en studio. La deuxième transmet des pulsions viscérales dans un environnement visuel épileptique. Elle se consomme ‘live’. Alors, un enregistrement public, reproduit sur disque, sans son support optique et énergétique souffre inévitablement d'une carence d'efficacité. Bien que bénéficiant d'une remasteration studio, ce set accordé à la radio néerlandaise VPRO3 le 25 octobre 93 a davantage une valeur documentaire, voire sentimentale, qu'artistique. Pour fans exclusivement !
Deuxième album en moins de quatre mois pour Daniel B et Patrick Codenys, alias Front 242. Et comme prévu, Jean Luc et Richard se sont effacés pour une chanteuse. Une certaine 99 Kowalski du trio transylvanien Spill. Une chanteuse dont le timbre voluptueux, translucide, campe un hybride entre celui de Cossey F Tutti et de Sarah Cracknell (Saint Etienne). Malgré l'une ou l'autre intervention plus musclée, plus rageuse, plus virile (!), "Off" privilégie les atmosphères instrumentales. Ce qui le différencie de son précédent opus "Up evil", jaugé alors pour deux mesures d'électro hardcore yankee (Ministry, Rage Against The Machine, Nine Inch Nails) et une d'acid techno (The Orb, Sunscreem et consorts). Le nouvel opus ne se contente pourtant pas d'inverser les doses. D'abord, il limite les samplings de guitares. Ensuite, il revient à des formes synthétiques plus originelles (Throbbing Gristle?), voire contemporaines (Terry Riley?). Bien sûr, Front continue de sculpter sa matière première sur un tempo viscéral. Mais cette substance cybernétique n'est plus systématiquement martyrisée, torturée, militarisée. Elle épouse des pulsions climatiques d'une manière plus instinctive. En outre, le disque recèle trois fragments qui débordent du contexte rituel. "Serial killers don't kill the girlfriend" flirte avec la cold wave gothique de Daniel Ash, "Skin fur coat" sanctifie la techno pop de Depeche Mode, alors que l'envoûtant (quoique trop bref) "Animal Gate" transcende la phase la plus féconde de Shamen ("Progen", "LSI").
Six versions différentes du titre maître et deux de "Crapage" recyclés tour à tour par Andy Wallace, J.G. Thirwell, Lion Howlett et par The Orb. Huit remixes qui dénotent quelque peu par rapport à "Off" et "On", les deux excellents albums gravés par la bande à Daniel B et Patrick Codenys au cours de l'année 1993. Ce n'est donc pas la peine d'en faire une religion...
Non content de se partager la basse, la guitare et la batterie, Greg Edwards et Ken Anderson ont également produit leur deuxième album. Un musicien de studio est bien venu donner quelques coups de baguettes en studio, mais seulement pour quatre titres. Si ce duo yankee trahit quelques affinités avec le grunge, côté vocal surtout (NDR : qui a parlé de Kurt Cobain?), son expression est "Magnified" par le post punk et la pop. Drums tribaux (Magazine?), cordes de guitare effilées, scratchées, filandreuses (Siouxsie & The Banshees), basse menaçante (Stranglers?) scellent un excellent profil mélodique, cold pop, réminiscent de Killing Joke, quelque temps avant qu'il ne se sépare, et surtout de Psychedelic Furs...
Aussi prolifique qu'imprévisible, Mark E Smith a enregistré la bagatelle de dix-huit albums depuis 1976. Soit une moyenne d'un elpee par année. Une performance hors du commun pour un artiste qui ne s'est jamais laissé submerger par l'évolution du temps ou des modes. Mieux encore, ces paramètres, il les a toujours anticipés, pour ne pas dire prophétisés. Et pourtant sa musique complexe, radicale, répétitive est toujours aussi reconnaissable. A cause de cette sensibilité chaotique qui transpire de ses mélodies. De sa voix laconique, impénétrable, glaciale, sorte de monologue ésotérique qui lui permet de marmotter ses lyrics merveilleusement enchevêtrés. Mais chaque elpee exhibe une nouvelle facette de son rock kaléidoscopique. Pour "Middle Class Revolt", il a ainsi recours tantôt aux cordes de guitares acoustiques fastueuses, capricieuses, tantôt aux claviers fluides, volatiles. Une œuvre fatalement difficile à décoder. Mais tellement fascinante et hypnotique, qu'il est inutile de lui résister...
Depuis 1989, année de la sortie de son premier et remarquable album, "Tell' em we're surfin'", on ne peut pas dire que ce quintet insulaire ait bénéficié des bonnes grâces de la presse spécialisée anglaise. Les rares singles ou Eps et les prestations ‘live’ se sont même vus, et régulièrement, battus en brèche. A un tel point que nous nous demandions si la formation n'allait pas finir par splitter. Et puis, les fossoyeurs de talents ont dû se sentir mal à l'aise en écoutant ce "Magic Happens". Personnellement, nous ne nous cachons pas pour avouer avoir toujours beaucoup apprécié Family Cat. Mais sincèrement, nous ne pensions pas que le groupe était capable d'une telle performance. Et c'est tant mieux ! D'abord il y a les lyrics. Dramatiques, convaincants. Ensuite le sens mélodique. Fertile en sonorités électriques chatoyantes, torrentueuses, épileptiques, onctueuses, diffusées à la manière d'un House Of Love chargé d'adrénaline. Enfin la richesse des compositions. Pas toujours faciles à aborder, mais qui épinglent des moments totalement transcendants comme ce "Hamlet for now" ou sinueux, énigmatiques, à l'instar de "Move over I'll drive". Magique !
Si le groupe liverpuldien était parvenu à défrayer la chronique fin des eighties début des nineties par un succession de singles aussi savoureux les uns que les autres –pensez à "Hearts & Minds", "Stepping Stone", "Groovy Train" et "All Together Now"– puis par la confection d'un premier opus largement rétrospectif, il s'était totalement planté lors de la sortie d'un deuxième album jugé sans âme et sans identité. Tellement insipide qu'il ne méritait même pas qu'on lui consacre plus de deux lignes. The Farm vient heureusement de revenir à son meilleur niveau sur ce "Hullabaloo". Pas de hit potentiel cependant, mais dix compositions à la spontanéité rave, à la sensibilité house, à l'idéologie rouge et au groove contagieux. Une bonne raison pour penser qu'en poursuivant dans la même voie, la formation pourrait occuper rapidement, dans l'univers ‘scally’, la place vacante laissée par le défunt Happy Mondays...
Persécuté par ses idées sur la pollution, l'écologie, la société, la spiritualité et la sexualité, Cathal Coughlan continue de faire passer toutes ses obsessions et ses visions cauchemardesques à travers sa musique. Pas en abusant de slogans. Mais en démontrant tous les mécanismes de la politique du monde contemporain. Un album riche, imprévisible, aux mélodies fracturées, truffées de bruitages aussi étranges que judicieux. Un disque féroce, solennel et venimeux exacerbé par les cordes de guitare sauvages, puissantes, mordantes, infiltré de claviers insidieux, et infecté par le vocal tantôt tendre, grinçant ou schizophrénique de Cathal. " Lost in the farmer west " épingle même deux chansons totalement antonymiques. " Walk your way ", qui macère dans un climat déchirant, sombre, proche d'American Music Club ; et " Humiliate me ", qui affronte la face la plus basique rock d'un Captain Beefheart…
En psychanalyse, un fétiche est un objet inanimé ou une partie du corps non sexuelle, capable de devenir à lui (ou à elle) seul(e), objet de la libido. Hormis son patronyme nous ne voyons pas très bien ce que ce groupe autrichien (Vienne) peut susciter d'aphrodisiaque. A la rigueur un exhibitionnisme post industriel stérile, à la limite du sadomasochisme hardcore (Sigmund Und Sein Freund?), notamment lorsqu'il maltraite la cover de Lydia Lunch, "Stares to nowhere". Pour le reste, "Brute Force" risque purement et simplement de vous donner l'envie de vous taper la tête contre les murs.
Pour convaincre John Mascis de jouer de la batterie sur son album, Zeke Fiddler doit certainement être un musicien d'exception. Quant on connaît le caractère acariâtre du leader de Dinosaur Jr, cela ne fait pas l'ombre d'un doute. "Waterproof" ne date pourtant pas d'hier, mais de début 1993. Et si nos souvenirs sont exacts, les sessions d'enregistrement se sont déroulées peu de temps avant que Dinosaur Jr n'annule sa tournée européenne... suite à l'application d'un plâtre au bras de John, victime d'une tendinite persistante... Revenons à notre imperméable ; qui dégouline, vous vous en doutez, d'électricité vivifiante, pétillante, crépitante. Et dont l'intensité varie suivant les différentes charges conduites tour à tour par Gumball, Screamin' Trees, Smashing Pumpkins et Dinosaur Jr (quoi de plus naturel!)
Imaginez la confection d'une bande sonore cinématographique pour un film hypothétique. Un périple au sein de l'ambient prévisiblement indéfini (NDR : c'est pas de nous, mais de la bio) ; ou encore le "Tubullar Bells" de Mike Oldfield exorcisé par les claviers cathédralesques d'Eyeless In Gaza (NDR : c'est de nous, mais ne le répétez à personne !). La fascination exercée par le monde des poissons exotiques dans un aquarium... En fait, "Skipper" laisse la porte ouverte à une multitude de rêves et de suppositions. Et Daniel Figgis est l'auteur de ces élucubrations atmosphériques exclusivement instrumentales. Il en assure toutes les parties de claviers. Harmonium, mellotron et piano, pour être précis. Et s'il s'est entouré d'une pléiade de musiciens qui se partagent une multitude d'instruments (guitare, basse, flûte, viole, violon, etc.), c'est uniquement pour signer les arrangements de ses compositions.
Rob Halford est un peu la figure de proue de ce quintet puisque avant de fonder Fight, ce chanteur compositeur relevait de Judas Priest, groupe de hard rock qui a connu un énorme succès commercial à la fin des seventies. Rob possède toujours cette voix braillarde, sursaturée, un organe vocal qui vous écorche littéralement les oreilles. Il s'est même acheté une conscience politique; probablement aux fins d'étoffer ses lyrics. Mais paradoxalement, son nouveau groupe cherche un compromis entre le trash de Metallica et le nombrilisme d'AC/DC. C'est en tous cas ce que "Mutation", qui n'est pas tout à fait un nouvel album puisqu'il est partagé entre titres ‘live’ et remixes, est parvenu à nous infliger...
Nous attendions beaucoup du deuxième opus de ce trio californien, et nous n'avons pas le droit d'être déçus. Car ce "Mighty Joe moon" est un petit chef-d'œuvre d'émotion et de lyrisme. Gant Lee Buffalo y projette ses visions tentaculaires, filmiques, d'une Amérique amorale, dangereuse, au bord de la folie. Des visions alimentées par des histoires de présidents assassinés, de feuilletons de TV séries B, de chauffards de poids lourds, de sportifs déchus, etc. Un album sombre, douloureux, aux mélodies simples et plaintives, que berce, dans un enchevêtrement subtil et fascinant de tonalités acoustiques et électriques ébréchées, cinglantes, languissantes ou satinées, la voix imposante, douloureuse, au timbre toujours aussi savoureusement proche de Mike Scott, de Grant Lee Philipps. Un must !
Les Grays ne sont pas nés de la dernière pluie, puisque Jason Falkner a sévi chez Jellyfish et Jon Brion au sein d'Aimee Mann. Si le choix de leur patronyme est inspiré d'un vocabulaire codé, utilisé par les services secrets américains, pour qualifier les OVNIs, "Ro Sham Bo" n'est pas une marque de shampoing, mais le premier opus de ce quartet californien (Los Angeles). Un disque de pop savoureuse, contagieuse, inspirée à la fois par Squeeze, les Heartbreakers de Tom Petty et surtout les Beatles. Circa "Abbey Road" pour la richesse mélodique et "Magical Mystery Tour" pour les arrangements. Sans oublier les superbes voix qui se conjuguent en harmonie. Un chouette elpee, au sein duquel nous avons littéralement flashé pour "The Same Thing", remarquable chanson qui mériterait une gravure en single. Epatant !
Billie Joe et Mike Dirnt se connaissent depuis l'âge de onze ans. Ils partagent une même passion pour la guitare électrique et se lient d'amitié. Quatre ans plus tard, ils engagent un ‘drummer’, fondent Sweet Children et commencent à écumer les clubs. Ce ne sera que deux ans plus tard, soit en 1989, que les deux compagnons décident de transformer le patronyme de leur groupe en Green Day. Depuis, la formation californienne a enregistré trois albums, et puis changé de batteur. Mais pas de style musical ! "Dookie" dispense quatorze fragments taillés dans le punkcore juvénile. Quatorze compositions qui dégoulinent d'intensité et de pureté électrique. Exactement comme chez Hüsker Dü et Buffalo Tom. Les cordes de guitare bourdonnent, crépitent, la section rythmique impressionne d'efficacité alors que les harmonies vocales sucrées épanchent des lyrics post-adolescents, cyniques, tourmentés. Un opus qui aurait pu être brillant, s'il avait fait preuve d'un peu plus d'originalité...
Malgré son patronyme champêtre, Greenberry Woods ne relève ni du folk, ni de la country, mais de la pop le plus pure, la plus savoureuse, la plus fruitée. Celle des Beatles et des Byrds pour ne rien vous cacher. A cause des harmonies vocales limpides, délicates, raffinées. Et puis du sens mélodique contagieux. Mais également de Big Star. Parce que les compositions sont sculptées dans l'électricité chatoyante, incisive, aigrelette. Un éventail de références qui fait inévitablement penser à Teenage FanClub. Et vous n'avez pas tout à fait tort. Simplement le parfum se mêle parfois d'effluves propres aux Proclaimers voire à Frank & Walters. Il ne vous reste plus qu'à éplucher ce "Rapple Dapple" pour en savourer les quatorze morceaux...
Les musiciens de Gumball ne sont pas des illustres inconnus puisque Don Flemming a séjourné chez Dinosaur Jr alors que Jay Spiegel a côtoyé Thurston Moore au sein du légendaire Velvet Monkeys. Ajoutez-y des cendres de Ball et de Half Japanese et vous obtiendrez le nouveau line-up du groupe devenu depuis peu un quatuor. Si nous vous précisons que la formation s'est fixée à Boston et que cet opus a été coproduit par John Agnello (Dinosaur Jr, Cell), vous ne devriez guère éprouver de difficultés à imaginer le style musical proposé par Gumball. Véritable chaînon manquant entre Sonic Youth et Dinosaur Jr, cet ensemble dispense tout au long de ce "Revolution on Ice" une intensité pop plaintive, gémissante, malicieuse, chargée d'électricité distordue, grésillante, bourdonnante, sulfureuse, mélodique et infectée de claviers poussiéreux...
Peter Gabriel s'est tellement investi, depuis quelques années, dans la ‘world music’, qu'il en est presque arrivé à négliger sa propre création. Les albums studio se font de plus en plus rares, alors que ses implications sur les œuvres des artistes de son label Real World se multiplient. Heureusement, lorsqu'il se produit ‘live’, ses élèves se mobilisent pour lui renvoyer l'ascenseur. Et quels élèves! Pensez donc, son groupe est aujourd'hui composé de Manu Katche aux drums, Jean-Claude Naimro aux claviers et de Paula Cole au chant. Sans oublier les fidèles Tony Levin à la basse et David Rhodes à la guitare. Question de conserver une structure de base rock. Parce que lors des concerts dispensés à Modène en Italie les 16 et 17 novembre 93, il avait reçu le concours de Shankar au violon et de Levon Minassian à la flûte. Ainsi que de Papa Wemba, Reddy Mela Amissi et Styno Mubi Matadi aux backing vocaux. Deux sets qui font l'objet de ce double CD ‘live’. Et si Peter s'est montré à la hauteur de son talent incommensurable de showman, il ne restait plus, pour le plaisir des oreilles, qu'à laisser remasteriser le tout par le célèbre Peter Walsh. Résultat des courses, cet opus épingle quinze titres ciselés à la perfection (NDR : parfois même un peu trop !), parmi lesquels vous retrouverez avec plaisir des classiques tels que "Come Talk To Me", "Red Rain", "Solsbury Hill", "Don't Give Up", "In Your Eyes", "Digging The Dirt" et l'incontournable "Sledgehammer". Il ne manque que l'image!
Fille d'armateur grec, Diamanda Galás est un personnage hors du commun dans le monde de la musique. Pas seulement parce que E. A. Poe, Gérard de Nerval et Charles Baudelaire constituent ses livres de chevet. Mais parce que cette intellectuelle est très sensible aux problèmes rencontrés par les sidéens. Et puis, parce qu'elle ne mâche pas ses mots à l'égard de l'hypocrisie manifestée par l'Amérique et les Américains. Enfin, parce qu'elle chante d'une voix extraordinaire, capable de passer du soprano à la basse sans le moindre artifice. Imaginez un hybride entre le timbre de Nina Hagen et de La Callas! Pour enregistrer "The Sporting Life", elle a reçu le concours de John Paul Jones, ex-bassiste de Led Zeppelin, et de Pete Thomas, drummer des Attractions. Un disque qui alterne compositions cathartiques, psychotiques, sur lesquelles Diamanda laisse son larynx vomir, en français, grec, italien et bien sûr anglo-saxon, un énorme ectoplasme de gémissement véreux, fragments redécoupés par la ligne de basse (à huit cordes) de l'ex-dirigeable ; et titres de blues plus accessibles curieusement inspirés par la mythique et défunte Janis Joplin...
Deuxième album en moins d'une année pour cette artiste yankee (Indiana) qui relève du label arty britannique 4AD. Un choix tout à fait judicieux en vertu de la sensibilité musicale affichée par Lisa. Une expression à la texture atmosphérique glacée, torturée, mélodramatique tramée dans les cordes de guitare blêmes, renfrognées, les drums minimalistes, les breaks de piano macabres, et alimentés de lyrics vulnérables, angoissés, que chuchote d'une voix spectrale, maussade, innocente Lisa Germano. Un album dont la beauté mélancolique n'est certainement pas de nature à requinquer les dépressifs...
Fin de l'année dernière, Giant Sand commettait un disque expérimental, basiquement country folk, mais pigmenté d'accès de jazz, de musique concrète, de minimalisme, voire de punk déstructuré. Un opus difficile à assimiler pour ne pas dire indigeste. Aujourd'hui, la bande à Howe Gelb a décidé de revenir à un garage rock plus conventionnel. Donc chargé d'électricité. Un style qui correspond beaucoup mieux à la définition du rock urbain défendu par Giant Sand. Encore que le timbre vocal rauque, venimeux de Howe s'autorise des inflexions largement dylanesques. Et si l'on décèle l'une ou l'autre extravagance ou élan émotionnel lié à la vie privé de Gelb, en général ce "Glum", qui a bénéficié de la production de Malcolm Burn (Iggy Pop, Neville Brothers, John Mellencamp), navigue dans les eaux tumultueuses, troubles, marécageuses charriées par Pavement, Pixies ou autre Crazy Horse. Deux fragments libèrent même une intensité digne de Neil Young : "Happenstance" et "I helvakoboy song"...
Howe Gelb n'en finit plus de brouiller les pistes. Souvenez-vous de "Center Of The Universe", son dernier opus. Chris Cacavas, ex-claviériste de Green On Red, y avait participé. Et miraculeusement, Giant Sand renouait avec une certaine forme de garage plus rituelle, plus savoureuse. Pour "Purge And Slouch", il a décidé d'expérimenter de nouvelles combinaisons musicales. Basiquement country folk, elles affrontent tantôt le blues, le rock, le free jazz ou la musique concrète lorsqu'elles n'explorent pas le minimalisme sulfureux de Violent Femmes ou le punk déstructuré de Sonic Youth. Et comme le timbre vocal profond, à la limite du beefheartien d'Howe dessèche ce qui subsiste comme élément mélodique, vous comprendrez aisément pourquoi nous pensons que Giant Sand est occupé de prêcher dans le désert...
Cypress Hill, Snoop Doggy Dog et les Beastie Boys sont probablement aux Goats ce que le trois-pieds est à la Pythie. La chèvre y rend des oracles chargés de hip hop, de hardcore, de jazz, de trash et surtout de rap, avec l'esprit éthéré, expérimental d'un Ryuichi Sakamoto et les artifices scratchés, cuivrés, samplés, funkyvores d'un Run DMC. Pas la peine d'en faire tout un fromage!
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