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Grant McLennan

Mes chansons me parlent… - In memoriam : 1958 –2006 (archive du mois)

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Après avoir enregistré 6 elpees, les Go-Betweens se sont séparés, tout en restant en bons termes. En décembre 1989. Robert Forster et Grant McLennan ont alors embrassé des carrières individuelles. "Horsebreaker Star" constitue le troisième opus studio de l’Australien. Il est venu nous en parler. Tout au long de cette interview, il semble détendu et heureux. Il a laissé poussé une barbichette, comme lui avait demandé sa fiancée et n’est pas trop affecté par la relative modestie de ses ventes. Pour lui, ce n’est d’ailleurs pas une priorité. L’important, c’est d’être créatif et de voir ses disques sortir. Le reste est secondaire…

1994 est une année bénie pour moi ! J’écris un script en compagnie de Robert. On a toujours été attiré par le cinéma. Mon nouvel album, "Horsebreaker Star", sort bientôt ; et il sera double. J'ai aussi enregistré le second disque de Jack Frost, un projet que je partage avec Steve Kilbey de Church. Il ne paraîtra cependant que début de l’an prochain, puisque le mien et celui de Church viennent à peine d’être mis sur le marché.

Nomination aux Grammy…

Bien sûr, je suis quand même attentif aux chiffres de vente. Mais je sais que je ne décrocherai jamais de nomination aux Grammy Awards, de toute façon… J’ai réalisé l’album que je souhaitais. Donc tout va bien. D’autant plus que j’ai la chance de pouvoir montrer ce que je fais et de le faire comme je l’entends. Je reste modeste. Et puis Jacke a vendu des milliers de copies de son bouquin soft-porn. Maintenant, bien vendre signifie-t-il que la qualité est au rendez-vous ? C’est une autre histoire. Si j’écoulais énormément de disques, je serais plus riche. Seraient-ils meilleurs pour autant ? J’en doute ? Néanmoins, après ma mort, ce sera mon seul patrimoine. Peu importe combien j’en aurai vendu. Le premier de Television n’avait quand même pas cartonné ; et pourtant, j’en parle encore.

Tu voudrais un jour être reconnu, que tes LPs soient considérés comme des classiques ?

Je serais déçu si je devais escompter une quelconque attente particulière. Mais je ne cherche pas la reconnaissance, et franchement je n'attends rien. J'espère simplement être écouté par le plus de monde possible ; car je pense que ma musique est bonne. Evidemment, quelle importance mon propre avis peut-il avoir ?

La musique te permet-elle de gagner ta vie ?

Je ne me tracasse pas trop de savoir si je vends peu ou beaucoup de disques. Mes amis à Brisbane, où je vis, s’en chargent. En fait, ma seule préoccupation c’est de penser aux composions de mon prochain album…

Reprises

As-tu écouté l'elpee de Robert Forster, ton ancien partenaire chez les Go-Betweens, consacré à des reprises ?

Oui, un bon choix éclectique. Je lui en ai parlé au moment d’opérer la sélection. Quelques morceaux ne me plaisent pas trop, même si c'est Robert qui les chante... Le son est très... très Robert. Très chaud. Sa voix est superbe, fascinante, mais je suis quand même un de ses grands fans. Maintenant, je sais aussi qu'il a déjà écrit quelques nouvelles chansons pour un album qui devrait sortir, je suppose, l’an prochain. Je le préfère sous cet angle.

Et toi, pas envie de graver un elpee de covers ?  

‘Chais’ pas si je pourrais y consacrer un album entier. Il est trop difficile d’opérer une sélection. Sur "Horsebreaker Star", j’ai inclus une version du "Ballad of Easy Rider" de Roger McGuinn. Mais tout un album ! Bien sûr, le concept pourrait être amusant, mais il faudrait de toute manière que j'y réfléchisse.

Pedal steel et banjo

Sur ton nouvel opus, tu a régulièrement recours à une pedal steel guitar, ce qui communique aux compos une coloration plus country. Pourquoi ? Etonnant, quand on sait que Robert emprunte la même voie...

Son disque sonne bien plus country que le mien, même si j’y ai glissé quelques titres typiques, comme "Late afternoon in early august", "That's That" ou "Do your own thing"… J’apprécie le style, il a bercé mon enfance. Et parfois j’aime écrire ce type de chansons. Mais tu sais, ce sont elles-mêmes qui déterminent, en fait, comment je dois les jouer. Et je ne fais jamais que suivre leur feeling. Elles me parlent et me conseillent de les jouer en puissance ou rapidement ; si je dois avoir recours à une guitare ou une pedal steel.

La décision ne t’appartient donc pas ?

Si, si, elle m'appartient. J'ai composé les chansons et connais celles qui doivent sonner country. Mais bon je suis aussi conscient que vu ma façon d’écrire et de chanter, ce ne sera jamais Nashville! L’atmosphère ‘cow-boy’ et la présence d’instruments inhabituels peut aussi donner une nouvelle impulsion, un peu comme lorsqu’on bénéficie du concours d’un invité en studio! Et puis j’aime le son du pedal steel et du banjo. C'est fun.

Tu es un type optimiste?

Dans mes chansons, je ne lésine pas sur l’humour. Mais mon optimisme est teinté de réalisme. Je ne suis pas un pessimiste, c'est trop désespéré.

Tu as connu des moments difficiles? Ton précédent album n'était pas particulièrement joyeux !

Tout le monde traverse des moments difficiles, de solitude ; est confronté aux idées noires... mais j'ai eu la chance d'y survivre, de ne pas m'être tiré une balle dans la tête.

Tu veux évoquer le suicide de Kurt Cobain, là?

Je n'y pensais pas, non. Quand j'ai commencé les sessions d’enregistrement de mon cd, aux States, je me rappelle que la radio était allumée. Elle avait annoncé qu'on venait de découvrir son corps. Il était très triste, je pense, mais il avait aussi un côté pathétique, parce que ce gars avait tout pour vivre ; et puis il était père et avait des responsabilités à l'égard de cet enfant. Il a fui ses responsabilités. C’est son choix.

Tu aimes ce qu'il faisait ?

C'était un sacré bon guitariste et compositeur. Ce type d’artiste ne court pas les rues. Il y en a bien plus de médiocres. Mais, je ne crois pas que sa mort m'ait vraiment affecté. A l'époque, j'étais dans un état de bonheur très profond, c'était le printemps, il faisait beau, je me sentais comme renaître. Et je continue à penser que l'époque que nous vivons est vraiment géniale, passionnante à vivre!

(Article paru dans le n°29 du magazine Mofo de novembre 1994)

 

dEUS

Worst Case Scenario

Pour bénéficier d'un tel tam-tam, ce quintet anversois devait vraiment sortir de l'ordinaire. C'est vrai que le groupe avait participé à la finale du ‘Rock rally 1993’, et que depuis les labels majors lui font les yeux de Chimène. Mais de là à parier sur l'avenir avec pour seuls atouts deux singles encourageants sans plus, il y a une marge que nous n'aurions pas osé franchir. Et nous avons eu tort, il faut le reconnaître. Car le premier opus de dEUS va au-delà de toutes les espérances. Une œuvre originale, mais difficile, parce que courtisée à la fois par le jazz, le classique, le dub, le hardcore, le psychédélisme, la pop, le folk et la musique contemporaine au royaume de Clock DVA, Tuxedo Moon, Tinderstick, Big Black, Cypress Hill, Pixies, Tom Waits et Red Hot Chili Peppers. Un album dont la richesse et la complexité mélodiques sont heureusement balisées par le violon grinçant mais fascinant de Klaas Janzoons et le piano électrique aventureux, fluide de Rudy Trouvé ou de Tom Barman... Etonnant!

 

American Music Club

San Francisco

Écrit par

‘L'œuvre d'American Music Club ressemble à un imposant mur de lamentations, sur lequel les journalistes peuvent battre leur coulpe et écrire tous les articles qu'ils auraient pu consacrer à Tim Buckley, s'il était encore de ce monde’ (Phil Nicholls - MM). Une belle métaphore qui donne une idée plus ou moins exacte de ce que l'on ressent à l'écoute d'un album d'AMC. Et pourtant, son septième opus est relativement moins pessimiste. Pour ne pas dire plus optimiste... Faut pas exagérer, quand même! Pas dans les lyrics, qui demeurent toujours aussi caustiques et introspectifs. Mais dans le ton. Plus rock, dans la lignée du fabuleux "Son" de Toiling Midgets gravé l'an dernier (NDR: pour rappel, Mark Eitzel y avait cumulé les fonctions de compositeur et de lead singer). Comme sur le sulfureux, lancinant, cuivré, "It's your birthday", l'intimiste, vertigineux, presque minimaliste "Love doesn't belong to anyone" ou l'insidieux, le venimeux "I'll be gone". Plus hymnique également, comme imprégné des vertus originelles ("Boy") de U2 sur "What holds the world together". Mais également plus pop. Avec un certain parfum réminiscent de Prefab Sprout ou de Deacon Blue. Mais d'une manière inattendue dans un registre vocal proche de Jean-Louis Murat sur "How many six packs does it take to screw in a light". Un album brillant. Mieux, éclatant. Qui par son éventail de nuances et sa richesse mélodique rencontre des émotions aussi complexes et pures que la joie torturée, le bonheur angoissant ou la fragilité sauvage ; des émotions qui, à la limite, deviennent même insupportablement magnifiques. Un must!

 

Pulp

Notre public est probablement le plus sexy de la planète...

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Vous avez certainement déjà eu l'occasion d'écouter le hit "Do you remember the first time?", une chanson qui figurera sans doute parmi les meilleurs singles de l'année. Elle est reprise sur un album de la même veine, "His'n Hers". Pourtant, avant de connaître ce succès foudroyant, la formation de Sheffield a végété dans la zone crépusculaire de l'underground pendant plus de dix ans. Comment comprendre que la presse britannique se soit mise soudainement à lui porter un tel crédit. Pourquoi ce groupe est-il passé du jour au lendemain de l'anonymat à l'aube de la célébrité. C'est le guitariste Russell Senior qui a bien voulu essayer de nous donner une explication à ce phénomène...

Si mes souvenirs sont exacts, Pulp était un quatuor à l'origine. A quel moment Candida est-elle venue rejoindre le groupe?

En mille neuf cent quatre-vingt trois. Enfin Candida et moi-même, puisque auparavant, la formation était composée d'autres musiciens. Seul Jarvis est là depuis le début.

Pourquoi cette longue interruption entre 87 et 91? Qu'avez-vous fait au cours de cette période?

Il n'y a pas eu d'interruption, mais nous avons vécu des moments difficiles. Nous avions enregistré un album, "Separations", mais Fire Records n'a pas voulu le sortir. Nous étions dans l'expectative. Alors nous en avons enregistré un second le mois suivant. Mais il n'a pas reçu davantage d'écho. Nous avons alors décidé de cesser de nous produire en concert. Nous nous sommes en quelque sorte croisés les bras en attendant que le label veuille bien changer de fusil d'épaule. Mais au bout de trois ans, la firme de disques ne voulait plus entendre parler de ce disque. Alors nous avons changé de label. Voilà l'explication. Cette période creuse nous a cependant permis de nous remettre en question, d'assimiler de nouvelles références. Un peu plus 'dance', mais pas trop. De repartir sur de nouvelles bases. (NDR: "Separations" est finalement sorti sur "Fire Records" en 1992).

Mais comment expliquer le soudain intérêt manifesté par le public, et par la presse pour Pulp alors?

Sans doute parce que les temps et les modes changent. Au milieu des eighties, nous étions mal compris, même détestés. Le public de cette décennie dénonçait le culte du vedettariat, et les artistes qui essayaient d'atteindre un statut de pop star, comme nous souhaitions le devenir, lui paraissait stupide. Il préférait les choses anonymes. Dès les nineties, il s'intéresse davantage aux personnalités, et c'est très bien pour nous. Notre profil est davantage taillé pour l'époque actuelle. "His'n hers" est un peu comme si c'était notre premier opus. Parce qu'il a bénéficié de conditions idéales pour être enregistré. Et parce qu'il correspond à la somme de nos sensibilités.

Qui sont très éclectiques!

Absolument! Dans une même chanson, nous parvenons à incorporer une multitude d'influences. Les cinq personnes qui composent le groupe possèdent des goûts musicaux différents. Et c'est cette fusion d'affinités différentes qui procure à Pulp ce style si particulier, si original même...

A vos débuts, Sheffield était un peu considéré comme le berceau de la musique synthétique, avec en face industrielle une école dirigée par Cabaret Voltaire, et en face pop des ensembles comme Human League et Heaven 17. N'avez-vous jamais imaginé suivre leur exemple pour obtenir quelque peu de succès?

Non, non! Nous aimions Human League et Heaven 17, et je suppose que d'une certaine manière, nous nous sommes inspirés des mêmes sources synthé-pop. Nous sommes même encore aujourd'hui parfois comparés à Human League. Mais je pense que Sheffield était davantage réputé pour ses groupes industriels. Cabaret Voltaire en tête évidemment. Les usines de construction métalliques forgent l'environnement de cette cité. Et la cacophonie urbaine en est son pain quotidien. Tu comprends donc mieux pourquoi tant de groupes ont adhéré à ce courant industriel. Personnellement, j'ai joué dans Test Department. Des claviers. Mais finalement, je me suis dit que j'aurais pu également reproduire le même bruit dans une manufacture. Et j'ai cherché un autre groupe. Capable de jouer des chansons à la structure mélodique. M'évader de ce contexte abrutissant. C'est pourquoi je suis atterri chez Pulp...

Est-ce la raison pour laquelle vos textes abordent les thèmes du travail, du shopping, de la TV, de la sexualité, des choses de la vie en général, quoi? Cherchez-vous à dénoncer l'absurdité de la condition humaine ou la considérez-vous comme une réalité sinistre, une comédie noire?

Nos lyrics ne sont pas aussi sombres. Nous ne nous prenons pas aussi au sérieux. Nous ne nous prétendons pas des artistes. Pour composer ses textes, Jarvis regarde simplement autour de lui. Il observe les gens qu'il connaît et qu'il côtoie. Il en brosse le portrait à travers leurs aventures et mésaventures. Pas avec un réalisme austère, mais en abordant les événements tragiques, bouleversants, d'une manière humoristique...

Pulp est-il devenu le groupe le plus sexy de Grande Bretagne? N'êtes-vous pas, tout comme The Auteurs et Suede, occupés de faire revivre le glam pop de T Rex?

J'ai déjà entendu parler de cette histoire? Et je l'ai finalement trouvée très amusante. Tu sais, j'ai souvent partagé la chambre d'hôtel avec Jarvis. Et le matin, lorsqu'il se lève, il n'est pas vraiment un sex symbol. Et je ne pense pas qu'il prétendrait l'être. Mais pour la scène, il se métamorphose. Il le devient. Il est élégant, flatteur, séduisant, et se crée beaucoup d'ami(e)s... Cette situation nous permet de rencontrer des tas de jolies filles. Le public est sensible à cette forme de sensualité, car elle est très accessible. Ce n'est ni Dieu, ni une des sept merveilles du monde, mais simplement un être humain qui essaie de se montrer sous son plus beau jour. Et n'importe qui pourrait le devenir. Jarvis exerce sans doute un rôle de modèle pour notre audience. Une audience qui est probablement la plus sexy de la planète... J'aime beaucoup Suede et The Auteurs, mais nous ne partageons pas les mêmes influences. Suede est beaucoup plus rock. Et je ne me sens pas davantage symboliser un groupe de glam pop. Et surtout pas inspiré de Marc Bolan! Mon Dieu! Je sui effrayé rien que de l'entendre dire. Nous essayons d'éviter de reproduire tous ces clichés revivalistes. Nous n'y avons jamais accordé le moindre crédit. Nous nous considérons comme un groupe progressif, moderne. Et je préfère être comparé à des formations telles que Suede et The Auteurs qu'à T Rex ou à des tas d'autres formations. Au moins, si la musique est différente, l'attitude est tout à fait similaire...

Sous la férule du bassiste Steve, Pulp a tourné un film consacré au thème de la perte de la virginité. Un court métrage inspiré par le single "Do you remember the first time?". Est-ce un documentaire entrecoupé d'interviews ou une leçon d'éducation sexuelle?

(rires): C'est un documentaire entrecoupé d'interviews susceptible de servir de leçon d'éducation sexuelle. En fait, nous avons recueilli les propos de différentes personnes sur leur vie sexuelle. En Europe, ce type de reportage n'aurait guère d'impact. Mais en Grande Bretagne, la notoriété des personnes interrogées suscite un grand intérêt auprès du public.

Quel est ton fruit préféré ?

Le fruit de la passion. Des fruits exotiques. Les nouveaux fruits qui arrivent sur le marché. Le pommorello (?). Ceux que nous ne connaissons pas encore et que nous allons découvrir. Nous adorons varier les goûts. Déguster un fruit est à la fois délicieux et sensuel. Cet acte symbolise la musique de Pulp...

Version originale de l'interview parue dans le n° 26 du magazine Mofo de septembre 94.

 

 

Dig

Impossible de rester à Los Angeles sans se faire bouffer par le système...

Écrit par

Dig était présent au 'Pukkelpop' de Hasselt en août 1994. En une demi-heure, il est parvenu à mettre le public dans sa poche. Son premier album date pourtant de l'année dernière. Une oeuvre dont la texture mélodique se trame dans les fibres électriques les plus savoureuses des House of Love, My Bloody Valentine, Radiohead, Smashing Pumpkins, Pixies, Sugar et du psychédélisme floydien de Syd Barrett. Un opus aux textes torturés, sarcastiques, hallucinants. Pour mieux comprendre la nature de Dig, il était indispensable de rencontrer une des deux têtes pensantes de Dig. Scott Hackwith de préférence. Parce que chanteur, guitariste et compositeur, il est devenu en un temps record un producteur demandé...

Si je ne m'abuse, Dig est un groupe relativement jeune, puisqu'il s'est formé en 1993. Mais auparavant, quel était l'emploi du temps de ses musiciens?

Nous avons vécu au jour le jour, exercé de petits boulots journaliers, séjourné au sein de groupes sans importance. Affronté les aléas de l'existence. Acquis une certaine expérience de la vie. Personnellement, j'ai participé au tournage de plusieurs films comme acteur de second plan. Des choses finalement banales par rapport à ce que nous sommes occupés de vivre avec Dig.

Vous venez de San Diego, une ville située à la frontière mexicaine. Or, là-bas, il me semble que la musique qui y est pratiquée trempe essentiellement dans le 'tex mex'. Une explication?

Non, nous sommes originaires de Los Angeles. Mais nous avons vécu un certain temps à San Diego. Disons que la genèse du groupe lui appartient Ce qui explique pourquoi nous ne sommes pas des adeptes du 'tex mex'. En fait les circonstances ont voulu que le groupe se soit formé là-bas. Cela aurait pu être ailleurs, puisque nous voyageons énormément.

Exemple votre séjour prolongé à Boston?

Impossible de rester à Los Angeles sans se faire bouffer par le système. Un groupe qui y végète deux ans est systématiquement récupéré par le business. Tu sais, L.A. est encombré de clubs où il ne vaut mieux pas mettre les pieds. Ils sont à la solde de l'industrie musicale. Nous sommes allés à Boston pour y jouer nos premiers concerts. D'excellents souvenirs! Et avec le recul, je pense que c'était la meilleure solution pour préserver notre indépendance.

Tu aimes la scène de Boston? Pourtant j'ai lu que tu étais surtout attiré par la musique sudiste. Que représente le Paisley Underground pour Dig?

Oui, la scène de Boston nous branche. Les Pixies, Frank Black aujourd'hui, les Breeders, et tous ces groupes du Massachusetts comme Dinosaur Jr. Parce qu'ils ont exercé et exercent encore une influence considérable sur l'évolution du rock américain. La musique sudiste aussi. Aussi bien celle des seventies que des eighties. En particulier Lynyrd Skynyrd qui demeure encore et toujours à nos yeux un symbole. Le Paisley Underground? Ce n'est vraiment pas notre truc! Par contre, nous avons beaucoup de respect pour ce qu'a fait Hüsker Dü. Il a permis à la scène indépendante américaine de se forger une identité. Nous sommes également attirés par tous ces groupes de guitares qui ont fleuri en Grande-Bretagne, en pleine période noisy, comme Swervedriver et Ride...

Pourtant, en comptant trois solistes dans votre line up, nous serions plutôt tentés de croire que vous érigez un mur de guitare comme chez Band of Susans?

Non certainement pas un mur de guitares. Nous accordons trop d'importance à la texture et à la profondeur de nos lignes mélodiques. Hormis le nombre de guitaristes, nous n'avons aucun point commun avec Band of Susans et tous ces autres groupes new-yorkais.

Comment interpréter tes lyrics? Comme un message social? Un exercice de style surréaliste. Ou un épanchement d'ironie pure?

Je ne me considère pas comme un écrivain ou un poète. J'aborde des thèmes qui m'intéressent et surtout qui m'émeuvent. J'essaie de composer de bonnes chansons. En général, l'inspiration vient assez spontanément. Je me vois mal passer des heures à sécher devant une feuille vierge. Tout dépend de mon état d'esprit. Je ne pense cependant pas que mes textes adoptent un ton systématiquement ironique. Mais il est exact que je les aborde, en général, sous un angle humoristique. Quelquefois, je suis même le seul à comprendre mes propres plaisanteries... (rires)

Tu as produit le dernier album des Ramones. Une fameuse carte de visite, non?

Au départ, j'ai pensé que c'était une blague. Tu imagines toi produire les Ramones? D'autant plus que je n'ai pas de bagage technologique extraordinaire. Mais sincèrement, il n'a pas fallu beaucoup me pousser pour accepter. Pourtant, je n'ai compris le mobile de leur choix qu'au cours des sessions d'enregistrement. En fait, ils recherchaient tout simplement un dépaysement, tout en bénéficiant de bonnes conditions de travail. Prendre leur pied dans une ambiance très cool. C'est primordial pour eux! Ils sont beaucoup trop expérimentés pour recevoir des conseils. Finalement, n'importe qui aurait pu prendre ma place. Je pense que de plus en plus d'artistes essaieront de trouver des producteurs susceptibles de les ressourcer. C'est en tous cas mon point de vue.

L'intérieur de la pochette est illustré par différentes photographies d'un chien. Une raison particulière?

C'est mon chien. Un phénomène! Je lui ai consacré quelques lignes dans la chanson "Mothership". (NDR: il s'appelle Frampton, mais rien à voir avec Peter Frampton!).

Tu as un jour déclaré que les drogues étaient une partie de ta vie. Que simplement refuser en Amérique n'était pas concevable. Peux-tu préciser ta pensée?

J'ai eu recours aux drogues. Cette consommation faisait partie de mon existence. Mais il est difficile d'en parler pour tout le monde... Mes anciens amis et moi-même formions un cercle très fermé, décidé à fuir et à contester la triste réalité du monde. Il nous arrivait de fumer un joint au cours de ces réunions... Mais au fil du temps, tous ces potes ont trouvé du boulot, se sont mariés, ont eu des enfants, ont renoncé à ces rencontres. Personnellement, je ne me sens pas prêt à entrer dans ce monde d'adultes. Et si je devais m'y jeter, ce serait contre ma volonté...

(Version originale de l'interview parue dans le n° 27 - septembre 1994 - de Mofo)

Jah Wobble

Les PIL étaient plates, il a fallu les recharger…

Écrit par

Il commence sa carrière à 18 ans, en 78, comme bassiste de Public Image Limited. Les deux albums enregistrés en compagnie du groupe de Johnny Rotten ("First Issue" et "Metal Box"), avant de le quitter, ouvriront les portes à la new-wave. Dès les premières lignes de basse concédées à PIL, on se rend compte qu'il s’agit d’un bassiste d'exception. Jah Wobble le prouvera en solo (en publiant des long playings comme « Betrayal » ou « Snakecharmer ») et aujourd'hui, chez ses Invaders of The Heart. Son dernier opus (« Take me to God ») est un des ses meilleurs disques ; il y utilise la recette de la world music pour mitonner sa spécialité du chef : d'excellentes chansons chargées d’atmosphères. Le premier sujet abordé par Jah concerne la longue éclipse qui l'a éloigné des studios et des scènes...

Je n'ai jamais été quelqu'un de très régulier. Je ne suis pas comme ces musiciens qui réalisent un album tous les ans, tels des métronomes. Je suis plus dissipé. Je ne reste jamais à rien faire. Je me déplace d'un endroit à l'autre, sans toujours me soucier de mon emploi du temps. J'aimais aussi bien aller boire un verre, plutôt que de travailler. Et puis un jour, je me suis rendu compte que j'étais devenu alcoolique. Oh, rien d'extraordinaire, juste un alcoolo comme il en existe beaucoup...

Alcoolo

Tu en parles volontiers?

Pourquoi pas? Ce n'est pas un problème qui sort du commun... Il y a des tas de gens qui ont des problèmes avec l'alcool ou la cocaïne, peut-être plus encore dans le rock business... Sans doute à cause de la pression terrible qu’il fait subir aux rockers. Le rock bizness encule les gens! (rires) La conséquence de la frustration. Ce qui n'est pas neuf, ni spécifique aux musiciens : les mineurs de fond connaissaient aussi des problèmes d'alcool ! Mais finalement, je crois qu’il est bénéfique d’être confronté à un tel danger. Bien sûr, il faut arriver à s'en tirer. Mais en ce qui me concerne, c'était devenu si grave, que je devais trouver une solution. Obligé.

Tu as donc arrêté la musique. Tu as eu un autre job?

Oui, des petits boulots. Et je me suis désintoxiqué, je suis redevenu sobre. Camionneur… J'ai aussi été conducteur de métro à Londres. De retour à la vraie vie... Il a dû se passer 3 ou 4 ans pendant lesquels j’ai décroché de la musique. De 84 à 88, même si un album est paru pendant cette période. Mais là, je m'étais laissé bouffer par la drogue et l'alcool. Et puis, une fois clean, j'ai ressenti que l'envie revenait

Tu acceptes de parler de ce passé?

Ca m'est égal !

Quel souvenir gardes-tu de l'époque de Public Image Ltd?

Très, très amusant ! C'était une période un peu folle. Des tas d’événements dingues me sont arrivés. Et je suis très heureux de les avoir vécus, et surtout d’y avoir survécu, bien sûr. Après avoir quitté le groupe, je me suis dit que l’aventure PIL n’était guère extraordinaire, que des tas de groupes partageait un même concept, revendiquaient un même son. Un an plus tard, je me suis rendu compte que ce n'était absolument pas le cas. Pour l’époque, nous étions vraiment des marginaux. Notre créneau était totalement spécifique ; mais c'était aussi quatre types qui prenaient quatre drogues différentes à des moments différents…

C'est la raison pour laquelle tu as claqué la porte?

Non. Il y a un aspect qui me dérangeait. Trop de monde tournait autour de PIL. Des coiffeurs, des gens du style ; et de moins en moins de paramètres retenaient mon attention. Perso, j'ai toujours apprécié, sur le moment, ce qui pouvait se produire d'intéressant autour de nous. Et là, j'avais l'impression qu'il ne se passait plus rien ou en tout cas, pas suffisamment d’événements. Trop peu de concerts, par exemple. Il me semblait qu'on pouvait en accorder davantage et bien meilleurs... Mais au fil du temps, on a tendance à ne retenir que le positif, même si la période était difficile, même si les egos étaient surdimensionnés, les disputes débiles et la tension permanente... D'une certaine manière, je garde une image parfaite de cet épisode. PIL, je n'y suis resté que deux ans, mais au cours de cette période on a enregistré deux albums importants, deux disques qui ont permis d’ouvrir des voies...

Ensuite, tu rencontres Holger Czukay, de Can. Tu le considères comme un professeur?

Je l'ai rencontré à Londres vers 78, grâce à un ami commun. Je connaissais quelques bribes du répertoire de Can, et je n’en connais pas davantage aujourd'hui. Je ne me considère pas comme un grand fan de Can, mais j'aime bien certains trucs. Les plus bizarres, les plus allumés. Un morceau comme « Hallelujah », j'adore! Mais le reste, ce qui est davantage orienté rock'n'roll, me semble moins intéressant. Bref, je préfère le répertoire le plus expérimental, surtout quand Jaki étale sa technique incroyable à la batterie. Les bandes live que j'ai entendues m'ont semblé excellentes. Pour en revenir à Holger, il est devenu un professeur, car il est parvenu à faire ressortir des capacités qui existaient déjà en moi, mais à l'état latent. J'avais déjà en mon for intérieur, cette suspicion vis à vis de la musique. Holger m'a aidé à la formuler. Il a été une grande inspiration pour moi, et j'aime les gens qui m'inspirent. Aujourd'hui, à mon tour, c'est une grande fierté de rencontrer des gens qui me disent qu'ils s'inspirent de moi. A ceux-là, jamais je ne dis : ‘Tu dois faire ci ou ça’. Je préfère les discussions sur les principes généraux, pour les aider à se positionner comme interprète ou musicien. Je n'ai jamais cherché à copier Holger, mais bien à appliquer ses principes à mon cas personnel. Je travaille dans son esprit, mais pas comme lui. Il y a aussi chez lui un côté ‘Jouons d'abord, réfléchissons ensuite’ qui me plaît beaucoup.

A quelle musique tu t'intéresses aujourd'hui?

Parmi les formes modernes, je dirais la techno. C'est très naïf mais très énergisant, ça me plaît bien. Je crois qu'il y a un parallélisme avec la musique punk de l'époque où j'ai débuté.

Ta musique reflète-t-elle, d'une certaine façon, une ‘prise de position politique’?

Oh, tout est politique, si on veut. Le comportement de chacun a une signification, donc c'est de la politique à la limite. Mais je veux éviter la politique avec un grand P, parce que j'estime que c'est de la merde ou quasi. J'essaie de me construire une vie la plus efficace possible. Et pour y parvenir, à mon avis, il faut chercher une sorte de spiritualité. Donc, la politique... Attention, j’admets que cette manière de vivre n'est valable que pour moi et pas pour les autres. Je comprends bien qu'on se passionne et se batte pour une cause comme la préservation de la forêt amazonienne ou quelque chose de ce style-là. Mais, ma propre vie est guidée par une spiritualité et par la musique, bien sûr.

Tout est jeu

Tu es marié?

Non, divorcé, j'ai deux gamines.

Qu'as-tu appris d'elles?

Une ouverture d'esprit. Je les regarde comme celui que j'étais à leur âge. Chez les gosses, il y a, à la fois, folie et spontanéité. Je me dis qu'elles représentent l'équilibre que j'ai cherché pendant des années... Il suffit de les observer jouer. Pour elles, tout doit être merveilleux, tout est jeu, tout est joyeux : qu'elles s'imaginent être dans le cosmos ou soient simplement dans le jardin… Une ouverture d’esprit qui m'a aidé à voir les choses différemment.

John Wobble, c'est ton vrai nom?

Oui, oui.

Sais-tu que la drummeuse d'L7 a appelé son chien Jah Wobble?

(très pince-sans-rire) Génial, excellent. Il doit effectivement y avoir quelques chiens, quelques chats qui portent mon nom. J'en suis heureux.

Tu portes toujours ce béret?

Non, pas toujours. Des chapeaux ausi. J'aime revêtir de beaux costumes et les assortir d’un couvre-chef. J’adore les grands chapeaux. En général, je suis très, très bien habillé.

Tu imagines ta carrière future?

J'ai l'intention de rester longtemps dans la musique. Et c'est bien, j'y suis à ma place et il y a une place pour moi, je ne dois pas trop me tracasser. Je ne peux pas imaginer un jour en avoir marre au point d'arrêter d’en jouer ou ne plus avoir suffisamment d'idées pour pouvoir continuer. Bien sûr, c'est comme tout le monde, il m'arrive d'être un peu las, surtout quand il s'agit de faire la promo d'un disque. Je t'assure. Par exemple, je déteste accorder des interviews par téléphone. Quelle horreur! Bref, c'est comme quelqu'un qui prend le train chaque jour pour aller au travail, il lui arrive d'en avoir ras-le-bol. Mais, je ne crois pas que je puisse être complètement dégoûté de mon métier au point d'arrêter de le pratiquer.

(Article paru dans le magazine Mofo n°27 de septembre 1994)

 

Grant Lee Buffalo

On peut jouer aussi bien jouer dans un salon ou dans une arène

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Ils avaient frappé fort en publiant "Fuzzy", leur premier album, mais ils ne comptent évidemment pas en rester à ce stade. Déjà qu'ils sortent « Mighty Joe Moon », leur deuxième disque en ce début septembre (chez Phonogram). Les trois de Grant Lee Buffalo, à savoir Grant Lee Philips (chant et guitares), Paul Kimble (basse) et Joey Peters (batterie) s'expliquent après leurs prestations au T/W et avant leur retour en Belgique (le 26/10 à La Luna).

Pourquoi ne pas avoir choisi ‘The Grant Lee Philips Band’, comme patronyme, puisque Grant Lee Phillips est de toute façon le patron indiscuté du groupe?

Grant Lee Phillips : Disons qu’il est apparu au début de l'existence du groupe, à une époque où nous n'arrivions pas à nous décider. C’était plus un personnage qu'autre chose ; mais dès le début, dans les cabarets à L.A., il est devenu indissociable du trio, et nous avons été incapables de nous en débarrasser, lorsqu'il s'est agi d’en dénicher un autre.
Joey Peters :
C'est vrai qu’il reprend les deux premiers prénoms de son nom, mais c'est véritablement un groupe, dans le sens où la musique que nous produisons sur scène ou sur disque, est le résultat de la collaboration de trois personnes qui travaillent ensemble depuis très longtemps. Grant écrit les paroles, il est aussi le compositeur, mais le son est produit par nous trois.

College Radios

Attribuez-vous votre succès actuel aux ‘college radios’ des campus américains?

GLP : Je ne sais pas. A mon avis les ‘college radios’ sont en passe de devenir des radios commerciales comme les autres ; elles sont très contrôlées. Alors qu'à leurs débuts, elles étaient indépendantes et faisaient office de radios pirates. A présent, c'est moins le cas, elles sont liées à 1'industrie musicale
Paul Kimble :
Oui, les firmes ont réalisé qu'elles pouvaient vendre énormément de disques par 1'intermédiaire des leaders d'opinion que sont ces stations. Elles se sont ruées dessus en envoyant leurs responsables de la promo leur payer à boire et à bouffer ; c'est plutôt les maisons de disques qui les ont embobinées et leur font à présent prendre la direction musicale qu’elles souhaitent… Mais il reste encore des radios de collèges qui luttent contre ce phénomène.
GLP :
Il y a aussi quelques stations commerciales qui ont repris le rôle à leur compte : WFNX à Boston, par exemple, refuse toujours de mettre sa programmation sur ordinateur et de la déterminer par les chiffres.
PK :
Pour revenir à ta question, je ne pense pas que nous ayons été accueillis à bras ouverts par les radios. Notre succès n'a pas dépendu d'elles ou alors de façon très marginale ; il est la conséquence de la multiplication de nos concerts. Bien sûr, il y a la ‘hype’ de la presse qui a incité beaucoup de gens à s’intéresser à notre album. Mais le phénomène s'est déclenché grâce aux nombreux sets et premières parties que nous avons accordés l'an dernier. C'est plutôt grâce à notre travail qu'on est devenu populaire.

Est-ce difficile d'être un ‘songwriter’ aux States par les temps qui courent?

GLP : Oui, je crois que les temps ont été durs, ces dernières années pour les artistes qui essaient de raconter une histoire ou d'écrire n'importe quel type de chansons qui évolue. Quelque part, il existe des restrictions qui s’appliquent à des chansons qui passent en radio : sa rapidité, le nombre de mesures par minute, le temps qu'elle dure, le sujet dont elle parle... Ces critères agissent comme des restrictions, et limitent le type de thèmes dont on peut parler. Si tu veux causer de ‘Sex, Sex, Sex, Sex’, le dire très vite et terminer ta chanson en trois minutes, tu as une bonne chance d'y arriver, mais au-delà, cela devient difficile.

A Torhout, vous aviez l'air vraiment furieux en sortant de scène?

GLP : Le groupe suivant (NDLR : Therapy?) réalisait son soundcheck derrière pendant que nous jouions, il y avait pas mal d'agitation sur les côtés du podium, et ce ramdam nous faisait vraiment chier
PK :
Il y avait beaucoup de bruit, et comme nous sommes une formation plutôt calme, dynamique me paraît un terme plus approprié, et que ce tintamarre se déroulait durant un des moments les plus intimes de "Fuzzy", c'était très désagréable. Nous entendions à peu près ça : ‘Iiiii, Boum! Boum! Tchac ! Uuuu !’. On s’est plaint le samedi, et le dimanche ce fut nettement plus calme, je ne sais pas pourquoi. C’était un drôle de festival, très bien organisé avec seulement 5 minutes de break entre les groupes… C’est à mon avis un handicap pour le public qui n’a pas le temps de se relaxer entre les prestations.
GLP :
On dirait que le T/W essaie d’imiter MTV sur scène !

Etait-ce une bonne idée pour un groupe comme le vôtre, mieux adapté aux petites salles, de se produire devant un public aussi nombreux?

JP : On doit être capable de faire les deux. Etre imprévisible a toujours été un des buts du groupe ! Par exemple, on a tourné aux States en compagnie de Pearl Jam pendant quelques semaines, et puis Sugar. On a tourné avec des gens dont la musique est à 90% heavy, ce qui prouve que nous sommes capables de se produire devant cette tranche de public, c'est un des aspects du business… Je pense que l'on se sent à l'aise sur ce type de scène et que nous sommes capables de jouer de cette façon. Et si nous passons dans un club, nous avons une approche différente... Ce qui me plaît Chez Grant Lee Buffalo, c'est qu'on arrive à moduler notre musique en fonction des circonstances.
GLP:
On est ‘adaptable’. On peut aussi bien jouer dans un salon ou dans une arène.

Vous sentez-vous plus proches de gens comme Neil Young et Bob Dylan que Nirvana?

GLP : Je crois qu'on est plus proche de Nirvana que des autres noms que tu as cités. Nous sommes le produit de l'époque dans laquelle nous vivons. On est plus contemporains que ces idoles du passé que sont Young et Dylan. Mais nous sommes des fans de ces vieux mecs! Il y a beaucoup d'artistes des années 60 qui ont une influence sur notre génération, mais nous ne devons pas nous cramponner à cet héritage du passé. Même si on se réfère aux anciens, c'est à nous et nous seuls de tracer notre propre voie

Croyez-vous que l'apathie qui règne aux States et que vous décrivez dans « America Snoring » peut s'étendre à l'Europe?

PK : Oui, bien sûr; je pense que cette apathie, qu'elle soit politique ou émotionnelle, peut s'étendre au monde entier Je ne crois pas qu'elle soit spécifique aux USA. Il suffit d'observer ce qui se passe en Europe pour l'instant : la montée de l'extrême-droite, la dérive conservatrice, le racisme, les gens qui veulent bannir un type d'art ou de musique. Ce sont des problèmes qui ne sont certainement pas l'apanage des States. Ce qui se passe aux Etats-Unis a plus d'impact sur nous, car c'est là que nous avons grandi et c'est l'endroit où nous vivons, mais le phénomène décrit est loin d'être unique.

Comment expliquez-vous le soutien de Michael Stipe et Bob Moud, deux personnalités musicalement très éloignées?

PK : C’est parce que nous ne jouons pas une catégorie de musique précise, ce qui signifie qu’il existe une facette de notre musique qui plait à pas mal de gens. Mais c'est une arme à double tranchant : d'un côté, il est difficile d'avoir une prise sur le monde musical en adoptant ce genre d'approche, parce que tu n'es pas enfermé dans un genre musical précis et donc les firmes de disques ne peuvent te vendre comme un style déterminé pour un programme de radio spécifique ; d'autre part, c'est un avantage, parce que tu n'es pas stéréotypé et tu peux espérer séduire davantage qu'un panel quantifié d'auditeurs qui se concentre sur un genre ou une mode.

Auto-déception

Cette chanson, "Demon Called Deception", quelle signification lui donnez-vous?

GLP : Au cours des siècles, l'être humain s'est toujours référé aux anges et aux démons. Fondamentalement, ils font partie intégrante de notre âme. Et si tu rencontres un démon qui s'appelle déception, tu évoques forcément ton auto-déception... Dans cette chanson, j'adopte le rôle d'un individu qui a découvert l'auto-déception... et qui y trouve un certain confort, parfois, c'est la seule chose vers laquelle tu puisses te tourner.

‘LA.-Blues’, est-ce une expression qui convient à votre musique?

PK : Je crois que Los Angeles, surtout sur l'album "Fuzzy", a un impact sur nos chansons. Les préoccupations du moment, à l'époque de la conception de l'album, nous ont certainement influencés : les élections, la guerre du Golfe et les émeutes dans certains quartiers étaient figées dans nos esprits, lorsque nous composions.
GLP :
Le premier album est hanté par L.A. ; mais le rapport à la ville est moins présent sur le second, parce que nous sommes restés éloignés de Los Angeles très longtemps. Il est plus subjectif, plus introverti et réfléchi. En même temps, il reflète les sentiments de gens qui ont passé pas mal de temps ensemble à parcourir le monde et rencontré des personnes différentes parlant d'autres langues et véhiculant d'autres idées...

L’expérience était positive?

GLP : Tout n'a pas été parfait, et tout ne s'est pas déroulé comme nous l'aurions souhaité. Mais c'est chouette de savoir que, dans le monde, vivent d'autres être humains qui se posent des questions comme ‘Pourquoi avons-nous un tel arsenal nucléaire’, c'est rassurant de voir qu'il existe des gens qui s'en inquiètent.

America is the world

Tu crois que les Européens se posent des questions plus fondamentales que les Américains?

GLP : Nous, Américains, ne sommes habitués à envisager un pays juste à côté du nôtre, exception faite du Canada que les Américains considèrent comme des cousins proches: ‘Those nice folks upon the hill’ comme ils disent... Et puis, il y a le Mexique au sujet duquel les gens formulent énormément de préjugés. On n'a donc pas l'impression d'avoir une culture différente juste à côté de la nôtre. De ce fait, nous nous sommes enfoncés dans l'apathie.
PK :
Oui, il existe un sentiment d'isolement qui a un grand impact en politique: l'isolationnisme et le protectionnisme sont des thèmes porteurs aux States, de même que le slogan ‘America is the world’.
JO :
un exemple pour illustrer ce comportement : il est difficile de trouver en Amérique un journal qui parle de ce qui se produit en France, sauf s'il s'agit d'un événement énorme, tandis que ce qui se passe aux Etats-Unis a souvent une répercussion médiatique immédiate en Europe. Chez nous, le non-Américain n'est pas un sujet porteur.

(Article paru dans le n°26 de septembre 1994 du magazine Mofo)

 

L7

En Amérique, on a un autre sens de l’humour

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Après avoir publié un "Bricks are heavy", produit par Butch Vig, qui les a révélées au grand public mais dont elles disent le plus grand mal aujourd'hui (‘trop propret, bidon’), les filles de L7 présentent leur nouvel album ("Hungry for stink" chez Phonogram), mais réfutent toujours l'étiquette grunge qu'on leur a collée sur le dos. Dee Plakas, la drummeuse du groupe, justifie son raisonnement.

On est ensemble depuis 8 ans, bien avant que quiconque ait entendu parler de Sub Pop et du grunge. Le grunge, ce n'est qu'une étiquette simplificatrice !

Votre album a été enregistré au moment du tremblement de terre de Los Angeles. Mais ce séisme a-t-il influencé votre travail ?

Franchement, je ne le crois pas. Nos chansons étaient écrites avant. On a juste été freinés dans notre élan. Notre matos est tombé par terre et a été endommagé. Résultat : on a pris du retard sur le planning prévu. Mais rien de plus...

Vous avez, cette fois, fait appel à Garth Richardson, le producteur de Rage Against The Machine...

Il est très différent de Butch Vig avec qui nous avions travaillé pour "Bricks are heaven". Par exemple, il n’aime pas utiliser des casques de retour ; il préfère un bon gros bon gros baffle qui crache fort. Dès lors, en studio, on s'est senties vraiment comme sur scène, sans casque sur la tête et mais beaucoup de boucan autour de nous. C'est ce qui nous convenait comme manière de travailler. Et puis, on a enregistré au sein de trois studios distincts. J'ai donc joué de la batterie dans différentes pièces, ce qui donne un son chaque fois différent. Les grandes pièces donnent un son large, les petites un son, disons plus ‘étroit’...

Le ‘Tampon-jet’

Votre bio parle d'une provocation...

Vraiment ? Quoi ?

On relate que Donita au festival de Reading a jeté un tampax dans le public...

Oh, la belle affaire ! C'est sans importance. Donita l'a fait, mais il faut remettre son geste dans le contexte. La foule nous envoyait de la boue sur la gueule ! Donita n’a pas du tout apprécié d’être ainsi traitée, ne comprenant pas, sur le moment, qu'en fait, il s'agissait pour le public d'une manière de manifester son enthousiasme ! Bon, toute cette boue sur sa guitare, ça l'a fait chier et elle a réagi instinctivement. Elle a pensé que ce serait rigolo d'envoyer son tampon... Les gens ont essayé d'attraper le projectile au vol, un spectateur l'a saisi et s'est rendu compte de ce que c'était...

Pourquoi le mentionner dans la bio, si vous estimez que c'est ‘sans importance’ ?

On ne l'a pas écrite nous-mêmes, cette bio. Je suppose que certains estiment ce geste provocateur... Pour nous, c'est simplement marrant. Peut-être qu’en Europe, les gens comprennent-ils mal cette attitude ? En Amérique, on a un autre sens de l'humour qu'ici. Crois-moi, lancer son Tampax, ce n'était pas une prise de position politique.

Camel Lips

Vous apparaissez dans "Serial Mother", le dernier John Waters. C'était votre premier rôle dans un film?

Oui, j'ai un grand respect pour John et toutes, nous sommes des grandes admiratrices de son style, ça va sans dire. Mais j'ai aussi une grande considération pour les acteurs. On doit se lever très tôt le matin et on passe la plupart de son temps assis à attendre très, très longtemps, tout en ayant sur soi un maquillage ou un costume. C'est pas toujours marrant ! Nos habits avaient été spécialement coupés pour nous. Des pantalons très, très étroits ! Dans le film, notre groupe s'appelle les Camel Lips.

Pourquoi John Waters vous a-t-il demandé de jouer dans son film et comment est-il parvenu à vous convaincre d’accepter la proposition ?

Apparemment –enfin, c'est ce qu'on nous a dit–, il nous apprécie et avait écouté notre premier CD. Quand il a écrit les scènes avec le groupe, il pensait à nous pour le rôle, il a donc contacté notre agent. On a lu le script, qu'on a trouvé rigolo. Voilà... je pense qu'on s'est bien défendues. Bien sûr, pour nous, c'est une bonne promotion, même si dans le scénario, on ne se comporte pas comme L7 ; là, on est très métal, très cliché, très femelles, aussi...

Un peu comme dans Spinal Tap ?

Je n'y avais pas pensé, mais je crois que la comparaison est tout à fait justifiée.

Tu t'intéressais au cinéma avant cette expérience?

Bien sûr, je suis d'ailleurs une grande collectionneuse de bouquins sur le Hollywood de la grande époque. Je suis fascinée pour tout ce glamour : Gene Harlow, Clark Gable, Greta Garbo, des gens comme ça... Et puis, je possède des cassettes vidéo. Avec mon mari, il nous arrive souvent de rester au lit et de se brancher sur une chaîne télé qui ne diffuse que des vieux films de ce style, comme "Casablanca", par exemple… j’aurais bien voulu vivre dans les années 30!

Tu es riche?

Oh non ! Tu as entendu parler de cette chanson des Replacements : "One foot in the door, the other foot in the gutter" ? Eh bien, c'est nous ça : les gens nous ont entendues, commencent à nous apprécier, mais il nous reste un pied dans la gouttière ! On vit toutes dans de petits appartements au milieu de quartiers miteux. Peut-être que grâce à notre nouveau disque, on pourra déménager ! Parce que je n'en fais pas de mystère : j'aimerais être plus riche et je serais heureuse de m'acheter une chouette petite bicoque dans un beau coin tranquille où je pourrais promener mon chien...

Tu as un chien ?

Plus maintenant, ma chienne vient de mourir. Tu ne devineras jamais comment elle s'appelait : 'Jah Wobble’, comme le bassiste de Public Image ! Quand elle était petite, elle était toute chancelante (‘wobbly’ en anglais) et comme j'étais, à l'époque, une grande fan de PIL...

(Article paru dans le n°26 du Magazine Mofo de septembre 1994)          

 

Ozric Tentacles

Les accidents utiles…

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Des néo baba cools qui jouent une musique atmosphérique préparée à base de rock, de jazz, de new age, de reggae, de techno, de world et de psychédélisme. Ils aiment le Floyd, Spacemen 3, Yes, Gong et The Orb et accordent une grande importance à l'improvisation. Ils ont multiplié les concerts depuis 1982 ; si bien qu'aujourd'hui, leurs prestations ‘live’ sont absolument stupéfiantes, comme celle accordée au festival de Dour en juillet dernier.

Rencontre avec Ed Wynne, le guitariste, John Egan, le flûtiste, et Joie Hinton, le claviériste, deux heures avant leur set mémorable...

Combien de concerts avez-vous joué depuis ‘Stonehage’, en 1983? (rires)

Ed : Approximativement, une bonne centaine. Peut-être plus!
Joie : Si notre mémoire est bonne!

Est-ce que jouer ‘live’ est un peu votre vie ?

Joie : J'y consacre un tiers de ma vie. La seconde est réservée au studio. Et la troisième à ne pas jouer de la musique. La vie familiale revêt également une certaine importance pour chacun d'entre nous. Même si une partie de mon habitation a été transformée en studio. Un amour de studio d'enregistrement ! Mais nous ne jouons pas 365 jours par an. Voilà la description de mon emploi du temps.

Le clan Ozric Tentacles vit-il en communauté ? Partagez-vous les idées de la génération hippie des seventies ?

Joie : Non, nous ne vivons pas ensemble et ne souhaitons pas fonder une communauté. Nous avons chacun notre chez soi.
Ed : Nous ne partageons pas les idées des hippies et n'essayons pas davantage de les propager auprès de notre public.

Pensez-vous qu'Ozric Tentacles appartient à un monde où le punk n'était rien d'autre qu'un mauvais voyage à l'acide ?

Joie : Effectivement. Pourtant, notre drummer, Merv, a sévi au sein d'un ensemble punk. Mais il avait les cheveux trop longs pour y végéter. Sans quoi je partage totalement ce point de vue.

Zia est impliqué chez Union, alors que Joie et Merv participent aux expérimentations d'Eat Static. Quel est l'intérêt de cette dispersion?

Joie : Le plaisir, l'amusement. Découvrir de nouvelles perspectives sonores.

Est-il exact qu'en public, lorsqu'un musicien commet une erreur, le groupe la répète quatre fois, de manière à marquer un nouveau point de départ pour la suite des événements? Quelle est la part d'improvisation dans votre musique? Vos compositions arrivent-elles par accident?

Joie : Oui, de nombreuses compositions arrivent par accident. Et nous commettons de nombreuses erreurs (rires). Il est exact que lorsque quelqu'un d'entre nous se fourvoie, nous reproduisons quatre fois son erreur pour indiquer une nouvelle orientation musicale à suivre. Une justification pour multiplier les erreurs (rires). Elles sont très utiles, je les affectionne...
Ed : Près de cinquante pour cent de notre musique est improvisé. Nous structurons une base à nos compositions qui se retrouve sur disque. Mais elle doit être susceptible d'être retravaillée. Ce qui nous permet de nous rendre où bon nous semble... Deux à trois titres interprétés ce soir iront certainement dans ce sens...

Les parties vocales sont pratiquement inexistantes dans la musique d'Ozric Tentacles. Pensez-vous que le chant soit un mauvais instrument ? Et pourquoi ?

Ed : Non, pas du tout. La voix est un merveilleux instrument. Mais nous avons opté pour une musique essentiellement instrumentale, parce qu'elle permet de communiquer davantage de feelings. J'aime la voix humaine. Cependant chez la plupart des groupes, je suis incapable de comprendre ce qu'elle exprime. Evidemment, des paroles permettent de soulever des questions sur la vie politique ou les problèmes rencontrés par notre société. Mais ces questions, je préfère me les poser, voire en discuter. Pas m'en servir comme message idéologique. Jon chante un peu sur l'une ou l'autre chanson.
Jon : Oui, quelques mots. Mais ils restent très vagues. Ils servent à la texture musicale, et l'auditeur est libre d'en faire sa propre interprétation.

Ozric Tentacles prône-t-il les vertus du psychédélisme spatial comme le Floyd, Spacemen 3, Gong et Hawkwind ?

Joie : Nous partageons des perspectives similaires. Notamment l'évasion dans l'infini spatial comme chez Pink Floyd, Spacemen 3 et Yes.

Gong n'a-t-il pas exercé une influence majeure sur le groupe ?

Ed : Oui, mais lorsqu'il était au sommet de son art. C'est-à dire lorsque Daevid Allen et Steve Hillage l'administraient. Nous avons surtout absorbé son feeling. Et puis la sonorité très cosmique des guitares.

Qu'est-ce que le psychédélisme pour Ozric Tentacles ? (long silence)

Joie : Quelle est la question?
Ed : Euh! Euh! Euh ! Qu'est ce que le psychédélisme ? Euh! Euh! Euh !...

Une musique pour l'esprit ?

Ed : Oui, pour l'esprit et le corps !

Source d'inspiration ?

Ed : Susceptible de l'être ! Je n'ai jamais abordé ce sujet en profondeur. Personne ne sait réellement ce que le terme psychédélisme veut dire. Si tu le traduis littéralement, tu obtiens ‘couleur de l'esprit’. Une explication comme une autre. Personne n'est jamais parvenu à m'en donner une signification exacte. Certaines formes de drogues sont psychédéliques... Je ne sais pas vraiment... Une forme de musique destinée à pénétrer dans le labyrinthe du subconscient, sans doute.

Oui, mais n'est-ce pas trop dangereux de s'y aventurer ? La folie ne guette-t-elle pas au bout du périple?

Ed : Dangereux ? Peut-être ! C'est fascinant en tous cas. Mais si tu entraînes l'auditeur dans ce voyage étrange, tu dois être sûr qu’il soit confortable. Et choisir le secteur précis à explorer. Ce que nous proposons de lui faire découvrir n'est pas dangereux. Nous ne voulons pas le conduire à la folie, mais simplement l'inviter à ressentir une bonne vibration, le rendre heureux...
Joie : De très étranges questions!

Kevin Ayers estime que la musique psychédélique est devenue pornographique parce qu'elle s'est prostituée au graphisme. Il cite le cas de The Orb, en exemple. Qu'en pensez-vous?

Ed : J'aime beaucoup The Orb. De la musique porno ? Qu'est-ce qu'il sous-entend ? Ce n'est pas mon avis. Nous ne sommes pas du tout sur la même longueur d'ondes. Sensuelle oui, mais certainement pas porno !

La musique d'Ozric Tentacles, c'est une bonne potion pour élaborer les bandes sonores cinématographiques ?

Joie : A une certaine époque, j'ai composé des ‘soundtracks’ pour la télévision. Mais je n'ai jamais eu l'occasion d'en adapter pour le cinéma. J'aimerais vivre cette aventure. Ce serait formidable!

Bernard Dagnies.

Article paru dans le n° 26 du magazine Mofo de septembre 94

 

Ian McNabb

Un peu comme si j'étais parti en week-end avec la femme de Neil Young?

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Ian McNabb, c'est l'ancien chanteur compositeur d'Icicle Works, groupe liverpuldien né au début des eighties, responsable de petites perles pop comme "Birds fly", "Love is a wonderful colour" et "In the cauldron of love". Depuis la séparation du groupe, soit en 88, il tente un come back en solo. Mais jusqu'il y a peu, il faut avouer qu'il ne s'était guère montré à la hauteur de son talent. Voici quelques mois une idée saugrenue lui a traversé l'esprit: pourquoi ne pas demander au Crazy Horse de participer à l'enregistrement de son nouvel album? Et figurez-vous que le mythique combo de Neil Young a accepté la proposition. Si bien que son "Head like a rock" a pris une coloration électrique tout à fait inattendue, très intense, et puis surtout savoureusement garage. Rencontrer Ian Mc Nabb? C'est un véritable plaisir! Un chouette gars, humble, chaleureux, enthousiaste et très lucide...

J'ignore combien d'interviews tu as accordées cet après-midi, mais quelle est la question qui t'a été le plus souvent posée? Y donnes-tu toujours la même réponse?

Excellente entrée en matière! Il est exact que la plupart des interviews ressassent les mêmes questions. Et ce n'est pas toujours très rigolo. Au fil du temps, tu ressembles à un automate (NDR: il remue la mâchoire comme un automate). Aussi, j'essaie de traiter une même question, posée par différents interlocuteurs, sous un angle différent. J'exécute en quelque sorte un exercice de style. Une attitude qui me permet d'échapper à une certaine lassitude. Ah oui, j'y arrive! Le sujet le plus régulièrement soulevé concerne la collaboration du Crazy Horse de Neil Young pour l'enregistrement de mon album.

Tu t'attends donc à ce que j'aborde cette question?

C'est tout à fait naturel!

Comment t'es-tu débrouillé pour décrocher le concours du Crazy Horse?

Tout simplement en leur demandant. En vingt-six ans, personne n'y avait jamais pensé, à l'exception de Neil Young. Et pourtant, ils ne me connaissaient pas. Je leur avais envoyé le CD "Truth & Beauty", mais ils l'avaient égaré. Ils ignoraient totalement ce que j'allais leur proposer. On n'a pas tellement discuté. Juste le temps de brancher les guitares aux amplis et de jouer quelques accords. Le courant est passé instantanément entre nous. Ce qui explique pourquoi ils ont accepté de se mouiller au projet.

Comment se sont déroulées les sessions d'enregistrement?

Au départ, j'étais un peu impressionné de devoir me frotter à des artistes aussi prestigieux. Toute la crème de Los Angeles y était. Et puis surtout Billy Talbot et Ralph Molina. Ce sont de véritables pros qui ne laissent rien au hasard. Lorsqu'ils prennent les choses en mains, on se sent emporté comme dans un tourbillon. Je dois avouer que parfois, j'ai été quelque peu dépassé par les événements. Mais au bout du compte je suis enchanté du résultat. Tu sais, c'est un peu comme si un rêve d'enfance venait de se réaliser. Je reste un grand admirateur de Neil Young, je ne m'en cache pas...

Quel sentiment as-tu éprouvé en te substituant à Neil?

Je n'ai jamais voulu prendre la place de Neil! Ce serait présomptueux de ma part! Et cela n'a jamais été dans mon intention. Je souhaitais simplement inoculer à mes chansons cette sonorité si particulière, si électrique. Et à mes yeux, seul le Crazy Horse pouvait me le procurer. Pourtant, au départ, Neil n'était pas tellement ravi de voir son groupe collaborer avec un autre musicien que lui. Il avait l'impression d'être trahi. Un peu comme si j'étais parti en week-end avec sa femme. Mais pour Billy et Ralph, Neil avait bien eu des aventures avec d'autres formations. Alors pourquoi pas eux?

Comme l'an dernier, lorsque Neil a tourné avec Booker T and the MG'S?

Figure-toi que ce périple ne s'est jamais achevé. Neil n'était pas tellement satisfait des prestations, et il a abandonné le projet bien avant le milieu de la tournée. Neil est un personnage très sensible, mais également exigeant, tant pour lui-même que pour les autres...

Où en est l'idée de tourner 'live' en compagnie du Crazy Horse?

Nous avons accordé quatre dates en Angleterre. A Liverpool, à Manchester, à Londres et au festival de Glastonbury. Pour la suite, tout dépendra du succès de l'album. S'il marche très fort, une tournée mondiale pourrait être envisagée. Mais cette décision est indépendante de ma volonté.

Pourquoi avoir choisi la marionnette Reginald Prickpuss pour orner la pochette de "Head like a rock"?

Nous cherchions une idée originale pour l'illustrer. Pas une banale reproduction ou une photographie sclérosée. Mais quelque chose qui frappe l'imagination. Et le hasard a encore bien fait les choses, puisque nous sommes tombés sur cette marionnette ventriloque en feuilletant des magazines. Nous avons trouvé l'idée originale et surtout très amusante (il mime, louche et grimace en même temps, déclenchant un grand éclat de rires). Il donne aussi une petite idée du climat qui a régné tout au long des séances d'enregistrement. Et puis, certaines pochettes exercent un certain magnétisme, une certaine attraction. On ne parvient pas toujours bien à en comprendre la raison. Celle-ci tranche en tous cas avec les tronches d'enterrement des photos de groupes proposées habituellement. Elle saute immédiatement aux yeux. Et pour cristalliser l'image de Reginald dans l'esprit des gens, nous avons tourné un clip en compagnie de la marionnette...

Es-tu autobiographe?

Tu vises sans doute les chansons "Fire inside my soul" et "Child inside a father". J'accorde une certaine place aux expériences vécues dans mon écriture. Mais ce n'est pas systématique. A travers ces deux titres, j'ai voulu résumer en quelques flashes les moments les plus marquants de mon existence. Mais je laisse également ma plume voguer au gré de mes rêves les plus inaccessibles. L'être humain traverse pour l'instant une histoire chargée de tant d'événements tristes. Je ne sui pas John Lennon! Lorsque les Beatles se sont séparés, il était devenu exclusivement autobiographe. Une attitude qui l'a rendu hermétique au monde contemporain. C'est trop introspectif. Cette source d'inspiration n'est pas idéale!...

Les States semblent toujours te fasciner. Dans le passé, il t'est arrivé de prendre un accent yankee pour interpréter l'une ou l'autre chanson. Pour enregistrer "Head like a rock", tu t'es exclusivement entouré de backing vocaux américains. Pourtant, tu es issu de Liverpool, fief des Beatles. N'es-tu pas occupé de renier tes origines?

Je ne vois franchement personne susceptible d'arriver à la cheville des Beatles. Leurs harmonies vocales étaient tout à fait exceptionnelles. Même en solo, ni George, Paul, Ringo ou John, ne sont parvenus à retrouver cette magie. Et je ne parle pas des groupes comme Squeeze, Tears For Fears ou des Australiens Crowded House qui ne sont que de pâles imitateurs. Parmi les chansons des Fab Four, "I wanna hold your hand" et "Magical Mystery Tour" demeurent à mes yeux les plus belles. Pas que je sois indifférent aux autres. Mais ce sont celles que je préfère. Ma musique, je la veux dans l'air du temps, actuelle. C'est peut-être la raison pour laquelle je suis attiré par tout ce qui se fait au States. Et puis, je souhaitais bénéficier de choeurs gospel sur certaines de mes chansons; or, et c'est chez les artistes noirs américains que tu trouves les choristes les plus talentueux.

Que penses-tu du "Best of Icicles Works" concocté par Beggars Banquet? Quels sont aujourd'hui les rapports que tu entretiens avec les musiciens du défunt combo?

Le label m'avait demandé l'autorisation de sortir cette compilation. Je ne m'y suis pas opposé, mais je ne me suis pas tellement soucié du contenu de ce recueil. Finalement, j'ai peut-être eu tort de ne pas m'impliquer davantage dans la sélection des titres, car ce disque ne reflète pas exactement ce qu'Icicle Works a réalisé de meilleur. Ce qui n'a pas empêché le CD de bien se vendre. Mais ce n'est certainement pas un "best of". J'envisage d'ailleurs d'en sortir un plus conforme à la réalité, un disque qui permettrait au public de se faire une idée plus exacte de l'histoire du groupe... Lorsque la formation s'est séparée, nous ne pouvions plus nous voir en peinture. On se regardait comme des chiens de faïence. Mais le temps a cicatrisé les blessures. Et il nous arrive à nouveau de nous rencontrer. De prendre un verre, de discuter, de rigoler ensemble. C'est à peine si on se souvient encore du motif de la discorde qui a entraîné la disparition du groupe. Mais je n'aime pas trop fouiller dans le passé. Je préfère aller de l'avant. Je n'ai que trente-trois ans, et je pense sincèrement avoir acquis suffisamment d'expérience pour enfin pouvoir me réaliser. Je ne me suis jamais senti aussi proche du sommet de mon art...

Version originale de l'interview parue dans le n° 26 de septembre 94 du magazine Mofo

 

Oasis

Definitely Maybe

Oasis est occupé de gagner la faveur de toute la jeunesse insulaire. Ils sont jeunes, beaux, ambitieux, impertinents. Et ont déjà hérité du pseudonyme Sex Beatles. Pourtant, dans leur musique, pas question de samplings, de sequencers ou de boîte à rythmes; mais une solution électrique conçue dans la plus pure tradition britannique. Nous vous avions annoncé la couleur lors de la sortie du single "Love Forever". "Definitely Maybe" répond tout à fait à notre attente. Onze hits potentiels qui scellent idéalement le point de rencontre entre la pop et le rock. Onze mélodies contagieuses, amphétaminées par la voix ‘rottenesque’, gémissante de Liam Gallagher et transcendées par les cordes de guitares crépitantes, acérées, soniques de son frère Noël. Onze chansons qui réverbèrent les échos les plus vulnérables des Fab Four, des Stones, Pistols, Smiths, T Rex, Mondays, Crazy Horse et puis surtout des Stone Roses, auxquels ils n'auront guère de difficultés à se substituer depuis que cet autre ensemble mancunien brille par son silence. Et n'imaginez surtout pas qu'Oasis risque de souffrir du même syndrome, puisque apparemment Liam compose comme il respire. Epatant!

 

Kevin Ayers

Le psychédélisme? De la musique porno!

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Musicien aux talents multiples, parolier à l'humour sarcastique, à la nostalgie douce-amère, au goût prononcé pour toutes les formes de désuétude, de décadence, voire de 'non sens', cet adepte du psychédélisme sous sa forme la plus pure a réalisé un come-back très remarqué en 1992. Après plus de cinq années de silence, il est sorti de sa résidence dorée d'Ibiza pour graver un nouvel album "Still life with guitar". Et depuis, cet ex membre fondateur du Soft Machine a repris le chemin des tournées. La plupart du temps en duo... Rencontre d'un personnage mythique, à la personnalité fascinante qui pousse la gentillesse à nous accorder, comme Peter Hammill, son interview dans la langue de Molière et accepte d'évoquer un passé pourtant encore douloureux...

Avant de sortir "Still life with guitar", en 1992, tu es demeuré cinq ans sans donner signe de vie. Y-a-t-il une explication à ce long silence?

Pas vraiment ! Dans la vie on n'a parfois plus rien à dire. Lorsque tu composes, l'inspiration ne vient pas sur commande. Lorsque tu te réveilles le matin, tu es incapable de savoir si tu vas écrire quelque chose d'intéressant. Tu peux avoir l'intention de le faire. Travailler toute la journée et toute la nuit, mais sécher devant une feuille vierge. L'écriture n'est pas une discipline automatique. D'ailleurs, l'étincelle peut jaillir n'importe où, même aux toilettes... (rires)

"Still life with guitar" est donc un titre chargé de significations?

Oui, mais en anglais, il a un double sens. Il se traduit également par nature morte. Disons que c'est un équilibre entre les deux significations...

Un CD de Kevin Ayers est sorti voici deux ou trois mois. Je suppose qu'il ne s'agit pas d'un nouvel album? Pourquoi ne bénéficie-t-il d'aucune promo?

Ce n'est pas un nouvel album, mais une compilation qui inclut des sessions d'enregistrement 'live' réalisées pour l'émission radio de John Peel. C'était très intéressant. Mike Oldfield y a participé. On avait plein d'idées, et on a travaillé sans la moindre contrainte. Le problème de promo n'est pas de mon ressort. C'est effectivement ennuyeux, mais la distribution est hors de mon contrôle...

Je constate que Mike Oldfield répond toujours présent lorsque tu fais appel à lui. Est-ce que tu comptes encore reconduire la même équipe pour concocter ton prochain opus?

Ce serait difficile, puisque Olie Halsall n'est plus de ce monde. Je sais que sa disparition n'a pas fait grand bruit, mais elle était à l'image du personnage. Discret, énigmatique, il n'a jamais voulu suivre le chemin normal du rock'n roll. Il a toujours voulu côtoyer des gens bizarres comme moi, et il est parti sans faire de bruit. Mais tu peux demander à n'importe quel guitariste ce qu'ils pensent de lui, et tu recevras invariablement une réponse élogieuse à son sujet. Parce que c'était un personnage extraordinaire. Sa disparition m'a beaucoup affecté...

Sur "Still life with guitar", on a l'impression que tu concentres toute ton énergie sur les guitares acoustiques. Est-ce un nouveau credo ?

Non, puisque j'ai commencé dans ce style ; et finalement, c'est celui que je préfère. J'aime également la guitare électrique et les sonorités électroniques. Mais je trouve que la guitare sèche est plus humaine, plus chaude, plus naturelle. Si tu ne comprends pas le feeling de la guitare acoustique, tu ne comprendras jamais rien à la guitare. Si tu es incapable de tirer quelque chose d'intéressant d'une seule corde ou d'un seul accord, tu resteras toujours incapable de le faire avec cinq, dix ou quinze. C'est un feeling. Et le feeling naît avec la guitare acoustique...

Est-ce que joues encore de la basse?

Pas pour l'instant. Mais, c'est l'instrument que je préfère. Parce que je le considère comme le coeur de l'orchestre. Et que si tu veux jouer de la guitare, il est indispensable de connaître aussi la basse. Des tas de guitaristes pensent être capables de jouer de la basse, mais ils la traitent comme une guitare électrique. Or, il y a une différence fondamentale entre les deux instruments. J'aimerai bien encore en jouer. Mais je suis incapable de chanter en même temps. C'est à cause de ma manière de chanter. Parce que ma voix passe toujours à travers le rythme. Mais chanter sans relief ne m'intéresse pas. C'est pourquoi, j'ai besoin d'une base solide derrière moi. Jouer de la basse et chanter en même temps est une opération que je ne suis pas encore parvenue à réaliser.

Au début de ta carrière, tu étais fort impliqué dans la musique psychédélique. Quel regard portes-tu sur le retour de ce style dans les nineties. Sur ce que réalise Steve Hillage dans ce domaine avec The Orb? Et d'une manière générale sur l'évolution du rock?

Je n'ai pas eu l'occasion d'écouter The Orb. Je suis un jour tombé sur Steve occupé à triturer des samples de Jimi Hendrix. Cela lui a d'ailleurs causé des problèmes. Il m'a dit qu'il considérait ces manipulations comme de l'art. Qu'il travaillait comme un peintre qui choisissait ses couleurs avant de les appliquer sur une toile sonore. Une manière de voir les choses, mais que je ne partage pas. J'ajouterai même que je n'aime pas du tout ces tripotages. Je préfère choisir mes propres coloris... Le rock contemporain ne va pas très bien. Il existe bien sûr des exceptions, mais en général, il manque de passion, d'engagement. De plus aujourd'hui, comme il y a moins de choses à dire, le risque de se répéter est beaucoup plus grand. La musique la plus effective, la plus actuelle, est le rap. Elle est directe, véhicule des thèmes brûlants sur les problèmes rencontrés par la génération nouvelle. Mais c'est plus une musique à danser qu'à écouter. En plus, elle est plutôt morose. Attention, je n'ai pas dit qu'elle était mauvaise...

Kevin Coyne qualifiait le rap de blues du XXème siècle.

Une excellente image. Je partage entièrement son point de vue...

Et le psychédélisme?

De la musique porno. Elle s'est prostituée au graphisme. Je n'en ajouterai pas davantage. J'apprécie pourtant toujours l'énergie qu'elle manifeste. Elle est toujours vivante. Parce que la chose la plus importante dans la musique demeure l'énergie. Tu peux écouter une chanson avec des paroles banales, mais son énergie peut te transporter. Car le reste n'est plus que forme et style. Il n'y a plus rien de nouveau à se mettre sous la dent. Il faudra peut être attendre une invasion d'extraterrestres pour voir fleurir de nouvelles idées. Ce qui ne veut pas dire que je ne considère pas la musique comme positive.

Est-ce que tu croises encore Daevid Allen, Robert Wyatt et Mike Ratledge?

Daevid Allen, oui ! Nous avons effectué une tournée ensemble aux States. Nous nous sommes produits dans une vingtaine de petits clubs. Au départ, ce périple n'était pas très intéressant, mais la multiplication des sets nous a permis de nous y retrouver. Une expérience assez difficile à vivre, cependant. Parce que tu passes la plupart de ton temps dans un avion ou dans les aéroports. Robert Wyatt et Mike Ratledge? Aucune idée de ce qu'ils deviennent!

Tu as eu l'occasion de travailler avec Nico à plusieurs reprises, et notamment pour la confection de ton fameux elpee "The Confessions of Doctor Dream and other short stories". Quel sentiment as-tu éprouvé lors de sa disparition?

Cela devait arriver. Je n'ai rien à ajouter à ce propos. C'était dans la logique des choses...

Si tu en avais l'occasion, quelle période de ton existence changerait volontiers?

Mon éducation scolaire. J'ai suivi un enseignement militaire, strict. L'école était académiquement correcte, mais désastreuse au niveau du contact humain. Cette école était totalement homosexuelle. Sadique. Et pas seulement à cause des châtiments corporels infligés, mais à cause de l'attitude misogyne de son personnel. Les femmes étaient proscrites de l'établissement. Et lorsque je suis sorti de cette école, je ne savais pas ce qu'était une fille. Je ne parle pas au niveau de la sexualité, mais du contact humain. J'avais alors seize ans. Tu imagines le gâchis! Mon départ dans la vie, tu vois, n'était pas vraiment idéal...

Au bout de combien de temps, le soleil commence à te manquer, lorsque tu es en tournée?

Il existe différentes sortes de soleil. Le soleil de l'âme est certainement le plus important. Pas le soleil qui brille. Il ne doit pas toujours nécessairement briller dans le ciel, mais bien dans l'âme des gens...

Version originale de l'interview parue dans le n° 25 (juillet 1994) du magazine MOFO

 

 

 

 

 

 

The Ramones

Pourquoi voudrais-tu qu’on change?

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Il y a vingt ans que les Ramones nous la ramènent courte, fun, joviale et bruyante. Vingt ans que ces faux frères nous donnent une leçon de punk-rock à la fois minimaliste et absolu. Vingt ans qu'ils nous font comprendre qu'avec peu on peut faire beaucoup, qu'avec juste de l'énergie à revendre on peut bâtir un rock monumental. C'est vrai, le statut des Ramones, aujourd'hui, n'est plus, paradoxalement, celui de l'époque "End Of The Century". Mais il est clair que ce groupe restera ‘quelque part’, une formation essentielle. Johnny Ramone, en tout cas, n’imagine pas le rock sans eux…

On est vraiment un prototype de groupe rock. Tu nous mets sur une scène avec nos guitares, une batterie et Joey, et on te donne une définition du vrai rock. Sniff. Cela, le public le comprendra toujours. Merde, si ce groupe est là depuis deux décennies, c'est pas pour nos beaux yeux uniquement! Je regrette mais toute cette musique ‘fusion’, c'est pas du rock’n'roll. Le rock c'est de l'excitation, pas des trucs tellement tortueux que tu es même incapable de suivre la mélodie.

En vingt ans d'existence, vous n'avez que fort peu modifié vos batteries et...

Pour quoi faire? Que veux-tu changer quand tu fais vraiment ce que tu aimes? Pourquoi tout remettre en question quand tu joues la musique que tu ressens et que le plaisir pris est partagé par le public? Faut pas se compliquer la vie, mec, nous on est vachement heureux ainsi. Sniff.

Pourquoi Dee Dee a-t-il quitté le groupe et joue-t-il désormais en solo?

Je n’ai pas encore compris. Les autres non plus d'ailleurs. Dee De a complètement bouleversé sa vie. Il a quitté sa femme et on peut dire que dans la foulée il a quitté le groupe. Il avait des tas de problèmes ; note, Dee Dee, s'il se met à boire ou à fumer, il devient vraiment dur à suivre. Normalement, il est clean maintenant.

Son apport au niveau du travail d'écriture des morceaux était important. Comment comptez-vous vous y prendre, sans lui?

Dee Dee va toujours écrire des chansons pour les Ramones. Sniff. Qu'est-ce que tu veux? Il sait bien qu'il gagnera toujours plus d'argent en écrivant pour nous que pour lui tout seul.

Tu es un type riche, toi?

Je pourrais en tout cas sans problème terminer aujourd'hui ma carrière au sein du groupe et vivre de mes rentes, sur le même ton, jusqu'à la fin de ma vie, auprès de ma famille. Mais bon, je n'ai pas des goûts de luxe, non plus. J'ai juste une âme de collectionneur. Je collectionne des tas de trucs, notamment des trucs Disney, j'adore ça!

Il y a quelques mois, vous avez publié "Acid Eaters", un CD sur lequel vous avez commis des reprises de classiques de groupes comme les Who, les Troggs, les Beach Boys, les Stones... Pourquoi ce projet?

C'est parti un peu par hasard. Sniff. Durant l’été de l’année dernière, on a enregistré trois de ces reprises destinées uniquement à un Ep. Le résultat était tellement bon qu'on nous a demandé d'en faire d'autres pour sortir un CD complet. L’expérience nous a amusés et on l'a réalisée.

Comment avez-vous choisi les chansons que vous alliez adapter? Selon quels critères?

Au départ, on imaginait qu'on allait surtout reprendre des titres sortis originellement entre 66 et 68 parce qu'on estimait que c'était une époque formidable pour la musique. Puis, c'est vrai, on a un peu débordé mais on a juste choisi au feeling. Si on avait envie, on prenait et on a retenu le meilleur de ce qu'on a interprété. Sniff. Il fallait aussi que les chansons se prêtent à notre manière de les jouer, bien évidemment.

Kiss a lui-même organisé une série de reprises de ses chansons par d'autres et un CD basé sur ce schéma vient de sortir ("Kiss My Ass"). Tu imaginerais faire la même chose avec des compositions des Ramones?

Un album est sorti aux States. Il s'intitule "The Gabba Gabba Hey" et réunit une vingtaine de formations qui ont joué nos compos ; mais nous n'avions pas organisé ça nous-mêmes. Il s'agissait d'un truc un peu ‘low budget’ impliquant des groupes pas trop connus, tu vois? Le projet de Kiss est différent. Mais tu imagines, toi, une version funk-pop de "Sheena is A Punk Rocker"?

Pas vraiment, non. J'ai entendu dire que vous aviez demandé à Ted Nugent d'enregistrer avec vous?

Ouais, mais son label n'a pas arrêté de tout faire pour que ça ne marche pas! C'est nul. On aimerait bien aussi recevoir le concours d’un mec comme Pete Townsend sur un de nos albums. C'est gens-là sont aussi vrais que nous. Sniff.

Si demain les Ramones se séparent, que fais-tu ?

Rien

Comment ça ‘rien’?

Oui. Je reste chez moi, je vis dans ma famille et auprès de mes potes, mais je ne monte pas un autre groupe et je ne rentre pas au sein d’une autre formation. Je serais incapable de faire ça. J'ai pris un trop grand pied au sein de cette aventure –et ça continue– pour pouvoir assumer autre chose. Je jouerais des trucs pour moi.

(Article paru dans le n°25 du magazine Mofo de juillet 1994)

 

The Fleshtones

Nous préférons être un groupe-culte que rien du tout...

Écrit par

Les Fleshtones, c’est l’archétype du garage band. Inspiré à l’origine par le rock des Yardbirds, Count Five, Sam the Sham & the Pharaohs, Question Mark & The Mysterians, Suicide et par le rhythm’n blues coloration ‘stax’, les Fleshtones voient le jour en 1976, et vont s’imposer comme un des meilleurs groupes de scène, réputation qui leur vaut aujourd’hui un véritable culte. Et si leur 8ème album (« Forever Fleshtones ») se révèle moins crade et moins speedé, leurs qualités scéniques sont demeurées intactes. Le quatuor au grand complet avait voulu participer à cette interview. Ambiance…

Le fait que vous avez décidé de former le groupe parce que vous estimiez que la musique diffusée aux ‘parties’ n’était pas à votre goût, c’est une légende ?

Peter Zaremba : C’est exact ! Il n’y avait pas assez de bons vieux disques comme ceux de Lightnin’ Slim ou d’Iggy Pop. Alors on a pensé que ce serait bien de combler cette lacune. C’était avant que les Ramones ne commencent leur carrière…

Vous auriez voulu vivre les ‘sixties’ ?

P.Z. : Pour nous, il n’est pas important de retourner en arrière. Nous apprécions cette musique. Elle est excellente, excitante, mais bon, ça ne justifie pas d’avoir des regrets de ce type.

A ses débuts, les Fleshtones étaient comparés aux Barracudas. Vous connaissiez ce groupe ?

Bill Milhizer : Oui, mais les Barracudas n’existaient pas (rires). Au début, les Barracudas étaient comparés aux Fleshtones… Mais c’était quand même un bon groupe.

Huit albums sur cinq labels différents : les Fleshtones cherchent à concurrencer les Cramps ?

B.M. : Les Cramps n’ont pas les mêmes objectifs que nous. Ce qui nous est arrivé est accidentel. Aujourd’hui, nous sommes stabilisés. Nous venons d’enregistrer notre deuxième album pour Danceteria. Et c’est un record pour les Fleshtones ! Nous ne voulons plus vivre dans l’incertitude. Adopter le régime des Cramps doit être terrible. Pourquoi parles-tu des Cramps ?

Parce qu’il y a chez les deux groupes la même exploration des genres musicaux, le même esprit des adaptations, et le respect d’un style bien défini, pas une mode.

Keith Streng : C’est heureux que les Cramps existent. Un grand groupe ! Mais entre nous, il n’y a jamais eu de compétition. Nous avons même appartenu au même label.

P.Z. : Les Cramps sont nos amis depuis très longtemps. Nous avons travaillé ensemble pour la ‘Copeland Family’. Depuis cette époque, nous nous sommes liés d’amitié. Mais c’est vrai, et amusant aussi, qu’à l’origine, nous avions les mêmes sources d’inspiration.

K.S. : Alan Vega a également été important pour nous. N’oublie pas de le mentionner. Parce que Suicide fait partie de nos racines musicales…

Ne pensez-vous pas que « Roman God », enregistré en 81, reste à ce jour, le meilleur album des Fleshtones ?

K.S. : Non, ce n’est pas le meilleur. Mais probablement le plus important : il nous a permis de sortir de notre coquille. En Europe, et en particulièrement en France, il a coïncidé avec notre première tournée.

En devenant un groupe-culte, n’avez-vous pas l’impression, quelque part d’avoir un peu vieilli ?

Ken Fox : La vie, c’est la vie. Je en crois pas qu’un groupe-culte vieillisse plus qu’un autre. Nous préférons, de toutes manières, être un groupe-culte que rien du tout.

B.M. : C’est très bien un culte !

K.F. : Je ne suis pas fâché lorsqu’on nous dit qu’on vieillit, mais bien que notre culte vieillisse !

Dans le domaine du rythm’n blues et du garage, ne partagiez-vous pas, à l’origine, les mêmes idées que les Stranglers ?

P.Z. : Je n’ai jamais très bien compris les idées des Stranglers ; et encore moins leurs idéaux. Une véritable énigme. C’est le groupe le plus étrange qui ait existé. Un groupe mystérieux, obscur, qui n’a jamais exploré que son propre univers. Je les respecte. Ils sont apparus à la même époque que les Cramps et les Fleshtones. Et je pense que nous nous ressemblons tous dans nos différences. Chaque groupe est difficile à catégoriser. Ceux qui pensent pouvoir y parvenir, n’ont rien compris.

Etes-vous des collectionneurs de compilations ‘Peebles’ ou de vieux 45 tours ‘Stax’ ?

P.Z. : Non, je possède un bel éventail de disques et de 45 tours originaux, mais je ne suis pas un collectionneur.

K.F. : Lorsque tu es impliqué dans la musique jusqu’au cou, il est très difficile de te constituer une collection. Tu n’as pas suffisamment de temps pour fréquenter les boutiques de disques. Myriam Lennox des Cramps y parvenait, mais avec d’énormes difficultés.

« Forever Flesthones » a été produit par Peter Buck. Peter et Mike (NDR : Mills) jouent également sur le disque. Inévitablement, on ressent le feeling soft pop de REM dans les compositions. Ca ne vous a pas trop gênés ?

K.S. : Si !

P.Z. : Non (rires). Tu sais, nous avons élaboré le corps de la musique avant de rentrer en studio. Et à l’origine, il était plus doux !

K.F. : C’était inévitable ! Au sein d’une communauté aussi restreinte, si tu veux ajouter un peu de claviers, tu appelles Mike, et il rapplique sur-le-champ.

P.Z. : Le studio, c’est un peu sa vie.

B.M. : Peter Buck est un producteur formidable. Le meilleur que nous ayons eu depuis David Faulkner !

P.Z. : Mais son style est plus direct, alors que chez David, il est plus hermétique. David fait également très bien son job, mais il est plus strict. Peter est un type plus instantané. Il est du Sud. Très relax. L’album transpire cette tranquillité. Peter s’est investi à fond. Nous lui sommes très reconnaissants du fruit de son travail.

Vous êtes allés à Athens pour l’enregistrer ?

En chœur : De très, très, très nombreuses fois.

K.F. : Cet endroit était devenu notre seconde résidence.

P.Z. : il y avait même au bar, une banderole à notre attention : ‘Bienvenue aux Fleshtones à Athens !’ (rires)

Vous vivez toujours à New York ?

P.Z. : Absolument ! Mais pour l’enregistrement de « Forever Fleshtones », nous avons plus vécu à Athens qu’à New York…

Maganapop est également de cette région.

P.Z. : Peter, Mike et tous leurs amis ne jurent plus que par Magnapop. Nous on veut bien, mais à la fin, ça devenait vraiment de l’intox…

K.S. : S’il te plaît, ne nous cause plus de Magnapop aujourd’hui. (rires)

Vous êtes de grands fanas de musique australienne, paraît-il ?

P.Z. : Absolument !

K.F. : Hoodoo Gurus, Saints, Birthday Party, etc.

Died Pretty?

PZ. : Oui, mais ne mentionne pas notre nom si tu les rencontres. Lors d’une tournée en Australie, à Sydney, Ron Peno était tellement bourré qu’il a commencé à nous chercher misère. On s’est énervés, et puis on s’est tapé sur la gueule…

K.F. : Notre formation préférée est sans doute les Hoodoo Gurus. C’est le groupe le plus ‘groovy’ de la terre, etc., etc.

La wold cup aux States, ça vous intéresse ?

B.M. : (probablement distrait, il se lance dans une longue tirade sur l’organisation du festival anniversaire de Woodstock qui se déroulera en août prochain)

P.Z. : Hey Bill, c’est de la world cup de foot qu’on parle, pas de Woodstock ! (fou rire général)

B.M. : Ah… lorsqu’il y a une rencontre aux States, les gens semblent intéressés. Mais le lendemain, plus personne n’en parle. Ils reprochent au football de ne pas être suffisamment spectaculaire. Moi je préfère le base-ball.

P.Z. : La vérité est que les médias n’accordent pas l’importance voulue à ce sport. Pourtant, le soccer a aujourd’hui des structures qui n’existaient pas il y a dix ou vingt ans. On le pratique aujourd’hui dans le secondaire et les universités. Il existe un championnat. Et je pense qu’après la coupe du monde, les médias vont se rendre compte qu’il y a de l’argent à gagner en le popularisant. Ce sera le véritable déclic…

 
Interview parue dans le n°25 (juillet 94) du magazine Mofo.

 

Violent Femmes

Faire partie de l’histoire du rock n’ roll.

Le trio de Milwaukee (Wisconsin) est de retour, après de longs palabres contractuels qui ont failli tuer le groupe. Les Violent Femmes, dont Moe Tucker n'a pas hésité à dire qu'ils étaient les Velvet Underground d'aujourd'hui, ont perdu leur batteur original. Le nouveau chapitre commence par un "New Times" étonnamment bien titré...

- Nouveau batteur, nouveau label, nouvel album qui s'appelle "New Times": ça fait beaucoup de nouveautés, non?

Gordon Gano : C’est surtout notre nouveau contrat qui est important à nos yeux ; le nouveau batteur représente un nouveau tiers dans le groupe, mais ce remaniement s’est opéré le plus naturellement du monde. "New times" fait évidemment référence à tous ces changements ; mais bon, le titre est très sobre, très simple, en deux syllabes, pas d’hésitation. Dans le passé nous avions parfois choisi des titres compliqués comme "The Blind leading the naked" ou "Why do birds sing ? ". C'était plus coloré, mais était-ce nécessairement meilleur ?

- Slash, votre ancien label, ne voulait plus de vous?

GG : C’est plus compliqué que tu ne penses ! Non seulement, ils ne nous aimaient plus, mais ils nous empêchaient de sortir des disques ailleurs. Donc, il y a un moment où c'est devenu d'interminables discussions d'avocats… Ce qui a mis forcément notre carrière entre parenthèses. En fait, je crois que chez Slash, ils n’ont jamais vraiment apprécié notre musique. La preuve: ils nous demandaient constamment des reprises ; ils voulaient toujours que nous sonnions comme un autre groupe. Ils ont toujours voulu que nous imitions les artistes les plus populaires. Dans les derniers moments, ils voulaient faire de nous des clones de REM...

- Les Violents Femmes ne vendaient pas assez à leurs yeux?

GG : En fait, nous vendions trop pour qu’ils se débarrassent de nous sans autre forme de procès ; mais pas assez pour qu'ils soient contents ! Très étrange. Nos rapports ont, de toute façon, toujours été conflictuels. Aujourd'hui, nous avons signé un bien meilleur contrat chez Elektra. La situation est claire: on leur donne un produit fini, c'est inscrit noir sur blanc.

- C'est pour mettre un terme à votre collaboration qu’est sortie cette compilation, « Add it up (1981-1993) » ?

GG : Une très bonne chose pour nous. Nous étions absents (pour les raisons contractuelles expliquées plus haut) depuis un bon moment quand elle est sortie, et on nous a laissé choisir le programme… Nous avons notamment inclus ce message sur le répondeur téléphonique que j’avais laissé à Brian et Victor. C’était juste avant l'enregistrement de notre première démo: mes parents m'avaient enfermé chez moi! Mais c'était par mégarde, il n'y avait, chez eux, aucune intention méchante... Enfin bon, elle est chouette cette compilation ; et elle a mis un terme à la première époque du groupe, celle avec Victor Di Lorenzo, comme batteur.

- La question est inévitable: pourquoi le départ de Victor?

GG : Il voulait se consacrer à autre chose. Les Femmes, c'était devenu ennuyeux pour lui. Au sein de la formation, on a toujours été libres. Chacun d'entre nous a eu la possibilité de réaliser un ou plusieurs albums solo ; mais la préoccupation majeure devait rester le groupe! Depuis un certain temps, notre projet commun lui pesait visiblement. Pas grand-chose à dire d'autre : il n'y a pas une explication rationnelle à ce départ. Aujourd'hui, nous parlons d'une séparation amicale ; mais il y a eu, je ne le cache pas, beaucoup de problèmes avec Victor, à la fin : des problèmes personnels, professionnels et musicaux. Il est parti ; mais je ne dis pas non plus que nous ne l'avons pas aussi un peu poussé dehors.

- Le nouveau, Guy Hoffman, comment l'avez-vous recruté ?

GG : On le connaît depuis bien longtemps. Depuis 1979, peut-être ? Bien avant que les Violent Femmes se forment en tous cas. A l'époque, Guy était dans le band le plus populaire de Milwaukee: les Oyal Tasters. Raison principale pour laquelle il n'a pas été notre batteur... Si les événements avaient été un peu différents, il aurait pu l'être dès le début! Je me souviens que Brian et moi, on s'était dit: ‘Comme batteur, ce sera Victor ou Guy’. Il n'y avait que ces deux-là pour jouer notre genre de musique.

- Comment lui avez-vous demandé de vous rejoindre ?

GG : C'est Brian qui s'en est chargé. A Milwaukee, on est des petites stars locales ; ce n'est que là qu'on nous voit à la une des journaux, à côté du président (rires)... Donc, on ne voulait pas passer une petite annonce. On a simplement demandé à Guy de faire un essai, sans parler à qui que ce soit de cette démarche. Nous voulions que tout soit réglé légalement avec Victor. Pour qu'on n’ait pas d'emmerdes après ; parce qu'on avait déjà eu notre compte avec Slash. Tout de suite, ça a collé. Guy fait partie de la même génération. On a grandi à la même époque. On a fait partie de la même scène, celle née directement après le punk. On a aussi un peu le même trajet. Bref, un tas de points communs... Et puis, il connaît l'histoire des Violents Femmes et nos anciennes chansons ; sans oublier qu’il avait déjà joué avec nous à plusieurs reprises. On ne se perd pas en explications pendant les répétitions, quoi !

- Vous teniez absolument à continuer en trio

GG : On a expérimenté une formule à quatre, juste avant d’enregistrer "Why do birds sing?". On avait recruté un percussionniste. C'était intéressant ! Mais plutôt que d'apporter un plus, on avait l'impression de perdre quelque chose en chemin…

- Quand ils parlent de vous, les journalistes font continuellement référence à votre premier opus, sorti en 1982. Pourquoi?

GG : Beaucoup s’y réfèrent, c'est vrai. Notre premier album a connu un succès phénoménal, incroyable. C’est un classique, une sorte de "Dark Side of the moon" alternatif! Le disque de Pink Floyd a été classé dans les charts pendant des années, c'est peut-être encore le cas maintenant. Notre premier album n'y est jamais entré ! Pourtant, il s'est vendu avec une régularité fantastique: on en a écoulé près de deux millions de copies ! A ce titre, c'est le tout premier de l'histoire à devenir ‘disque de platine’ avant d'entrer dans le Top 200 du Billboard. Sans précédent, et à l'encontre de toutes les lois du business.

- Cet elpee est, dit-on, l'‘expression ultime de l'adolescence’... Penses-tu qu'en quelque sorte, il passera à la postérité?

GG : Personnellement, je pense que c'est un classique, mais tout le monde n'est pas de mon avis. Le Rolling Stones Magazine ne l'a pas classé parmi les 100 albums les plus importants des années 80. Je crois que c’est une erreur. Malheureusement, rien ne dit que ce n'est pas moi qui me fous le doigt dans l'œil... Alors, si tu pouvais continuer à l'utiliser comme référence dans tes articles, ce serait chouette (rires). Les Violent Femmes veulent faire partie de l'histoire du rock'n'roll. Aucune discussion.

(Article paru dans le n° 25 de juillet 94 du Magazine Mofo.)

Saint Etienne

Etaler sa tête sur une pochette, c’est ridicule…

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Expérience pour le moins inhabituelle, l'interview de Saint Etienne s'est déroulée pendant le soundcheck. En effet, ni Pete Wiggs qui répondait à nos questions, ni Bob Stanley n'y participaient. Pour ce dernier, c'est normal, il n'est même pas sur scène pendant le concert auquel il assiste en tant que spectateur. Donc, sur fond de musique de Saint Etienne (la voix de Sarah Cracknell est quand même présente), on parle du dernier album, "Tiger Bay".

Sur cet album, contrairement aux précédents, les titres s'enchaînent sans transition ‘parlée’. Pourquoi?

Pete: On aimait cette formule, car elle possède un petit côté ‘soundtrack’ qui liait les morceaux entre eux et donnait une certaine unité à l'album. Elle contribuait à former des images dans la tête de celui qui écoute le disque. On n’y a pas eu recours, cette fois, parce qu'on cherchait quelque chose de différent, mais aussi parce que ça coûte affreusement cher en ‘royalties’. Pour la circonstance, on a utilisé un grand orchestre et il nous a coûté moins cher.

Sur ''Tiger Bay", figurent des chansons plus soul, assez mélancoliques...

C'est un album plus diversifié que les précédents. C'est une volonté qui était présente dès l'écriture. On ne voulait plus seulement balancer des mélodies répétitives sur des beats dance. Les textes sont devenus plus désenchantés. Des histoires d'amour tristes (rires). Quand j’écris des textes, je deviens curieusement d’humeur mélancolique...

Il y a eu peu de temps entre la sortie de ''Tiger Bay" et celle de "So Tough". Explication?

Oui, mais on a quand même enregistré des singles inédits et une chanson de Noël en compagnie de Tim Burgess des Charlatans. Il faut dire qu'on aime beaucoup notre studio. Son confort nous manque assez vite. On devient malades (rires). C'est un petit local dans lequel on travaille toujours ; il est aussi grand qu'une chambre à coucher. Et on bosse constamment sous la houlette du même ingénieur. Enfin, on n'aime pas de trop longs temps morts entre les sorties.

Le studio, c'est votre labo?

En quelque sorte. On aime essayer d'écrire la chanson pop parfaite qui sera numéro 1. Mais quand on travaille dessus, elle se transforme tellement. C'est la raison pour laquelle, je pense, qu'on n'a jamais décroché de gros hit, alors que certaines chansons pourraient l'être, si elles étaient enregistrées différemment. En définitive, on finit toujours par faire ce qu'on aurait envie d'entendre plutôt que ce qui permettrait de vendre. Dans les chansons les plus commerciales, à priori, il existe toujours un élément qui les empêche de l'être vraiment (rires).

J'aime bien Kylie

Il y a toujours le risque de devenir vulgaire, de sonner comme Kylie Minogue, non?

J'aime bien Kylie Minogue. Vraiment (rires). Quand on l’avoue, les gens ne parviennent jamais à savoir si on est sérieux. Mais on est toujours sérieux quand il s'agit de musique. Et si on a une occasion de travailler avec elle, on la saisit. Parce que c'est marrant. On ne pense pas aux conséquences.

"Pale Movie", de ce point de vue, est très ‘limite’.

Oui (rires). Cette chanson a été un enfer à mixer. Ces guitares flamencos... En plus, elle change constamment de mesure.

Que penses-tu des Pet Shop Boys ?

Je les aime beaucoup. "Behaviour" est un grand album. Nous sommes souvent comparés à cause de la dimension ironique. Pourtant, on n’enregistre jamais de disques avec ironie! Aussi parce que Bob, comme Neil Tennant, a été journaliste ; ce qui nous rend suspects. On nous reproche de trop bien connaître le milieu... Et je ne suis même pas sûr que les Pet Shop Boys soient ironiques. Une chanson comme "Being Boring" ne peut pas l'être, elle est trop forte pour ça. Et je crois qu'ils ont été terriblement déçus qu’elle n’ait pas récolté beaucoup de succès, car elle était très personnelle.

Et Pulp?

Ils sont très bons. Ils commencent à vraiment marcher, non? C'est fou de penser qu'ils sont arrivés à ce stade. Jarvis est quelqu'un qui pourrait tomber dans le ridicule s'il n'était si ‘cool’, si drôle.

New Order?

J'ai été très fan, aux débuts. Et de Joy Division. C'est extraordinaire la manière dont ils ont évolué. Depuis le groupe aux guitares un peu sinistres jusqu'à cette pop. Et puis, leurs pochettes sont fantastiques. Celles de Factory nous ont sûrement beaucoup influencés. On prend des illustrations qui nous plaisent sans qu'elles aient besoin de se raccrocher au contenu du disque. Pour celui de Noël, on avait choisi d’illustrer la pochette par l’image d’une vache. Aucun rapport avec Noël (rires). C’est ridicule d'étaler nos têtes sur les pochettes. Quel intérêt? En France, c’est souvent le cas. Egalement aux Etats-Unis. Là-bas, nos singles paraissent généralement avec nos tronches dessus. Même chose pour "Tiger Bay". C’est terrible! (rires)

Vous vous faites remixer en même temps que vous remixez d'autres artistes...

Ce qui est amusant quand on remixe les autres, c'est qu’il y a également un travail d'écriture, d'une certaine manière, puisqu'on peut atteindre un résultat très différent de l'original Tu as une vision très générale de la chanson et tu en donnes ton interprétation personnelle. On écoute quelquefois le morceau et on sélectionne un extrait dont on trouve qu'il conviendrait comme sample. Pour "Rodney King" des Boo Radleys, on a samplé le passage qu'on voulait et on en a fait une boucle. Et au fur et à mesure qu'on y travaille, on déniche d'autres idées pour emmener la chanson encore plus loin que l’originelle. Au final, ce n'est plus vraiment les Boo Radleys mais ce n'est pas Saint Etienne non plus. C’est assez étrange. Se faire remixer est très excitant aussi. Et puis surtout entendre ce que d'autres vont faire de ta chanson! !

Article paru dans le n°25 de juillet 94 du Magazine Mofo

Beastie Boys

Des garnements, pas des malades…

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Il ne vous est jamais arrivé, quand vous étiez gosses, d'avoir envie d'enquiquiner votre vieille voisine? De lui improviser un petit concerto pour cymbales à l’aide de deux couvercles de casseroles piqués à maman? Eh bien, les Beastie Boys, c'est un peu ça! Trois freluquets insolents auprès desquels ‘on’ a eu le malheur de laisser traîner des instruments de musique... Résultat, "Ill Communication", leur dernier album en date, décline une fois de plus le mot ‘boucan’ à toutes les sauces.

Causez-leur de rap, de hip-hop, voire de hardcore, soit. Mais surtout ne vous laissez pas aller à évoquer ce que ce genre de musique pourrait véhiculer comme message à caractère social. Le premier qui prétend être resté sérieux en compagnie des Beastie Bovs plus de cinq minutes, on l’enferme avec le dernier 2 Uillimited en bruit de fond. D’accord, ils ne repeignent plus aussi souvent que dans le passé, leurs chambres d’hôtels avec la confiture du petit déj’. Mais au naturel, les Boys sont restés de vrais garnements. Répondant à côté des questions qu’on leur pose quand ils ne vous lâchent pas un ‘you see what I mean’ laconique. Vous regardant droit dans les yeux lorsqu’ils vous accordent une réponse supposée philosophique, histoire de voir après combien de temps vous aller tenir avant de succomber au fou-rire. Bref, rencontrer ces trois zozos-là, c’est comme esquinter du pain frais avec du beurre même pas frigotartinable ! On en veut pour preuve les réflexions de Mike D, alias Michael Diamond, balancées entre deux dégustations de pralines ! Des chocolats, quoi… Affublé d’un sweat et d’un pantalon vert dans lequel on aurait pu tenir à l’aise à trois, notre homme venait de se prêter à une petite sessions-photos, sous l’objectif attentif d’une mignonne photographe. Visiblement, il en aurait fallu plus pour faire un ange d’un Beastie Boys, en tournée de promotion !

C'est con, un violon?

Vous n'avez pas dû trop insister pour qu'on vende votre nouvel album en y appliquant l'autocollant ‘Parental Advisory’.

Ce n’est pas la première fois que cette aventure nous arrive! Tous nos disques ont été rangés ‘Parental Advisory’, sauf "Licence To Ill", qui est sorti avant qu'on ne développe cette merveilleuse pratique. Tout ca, c'est très con. Et en plus, chez vous, l'autocollant est presque aussi grand que le CD. Aux States au moins, il est de petite taille !

Pourtant, vous vous y permettez quelques prouesses artistiques, comme de jolis instrumentaux ou l'utilisation d'un violon...

Sur "Eugene's Lament", juste! Bah, c'est surtout parce qu'Eugene aime bien emporter son violon en studio. A force de l'entendre, on l'a autorisé à en jouer sur un morceau. C'est fun, d'insérer des trucs qui ne collent pas vraiment à notre image. Mais ne va surtout pas t'imaginer que c'est pour faire comprendre aux gens qu'on sait aussi utiliser de vrais instruments de musique.

Idem pour la flûte sur "Flute Loop"?

Si tu veux... Sauf que là, c'est samplé d'un truc qui s'appelle "Flute Thing", d'Al Kooper.

Il vous est déjà arrivé de respecter un artiste au point de vous jurer de ne jamais le sampler?

C'est intéressant, cette question à propos du sampling. Il y a toujours eu deux écoles... Ceux qui associent sampling et pillage. Et puis, les autres. Nous, peut-être… A l’aide d’un bon sampling, tu peux réaliser un bon morceau. Même si le disque dont tu le tires est très nul, tu vois? Le sampling, c'est quelque chose que tu peux utiliser à l'infini; rien que sur un titre, tu peux faire des tonnes de repiquages. Nous, on trouve cette méthode très créative.

Premier album: "Licensed To Ill; dernier album en date: "Ill Communication". La maladie, c'est quelque chose qui vous branche?

Allons bon, la maladie, vingtième édition! Mais non, pas plus qu'autre chose. Je ne crois pas qu'il faille voir un rapport entre ces deux titres. "Licence To ill", c'était juste un disque de mecs un peu sauvages qui avaient envie de se défouler. "Ill Communication", c'est surtout parce qu'on a l'impression que la plupart des titres de ce disque sont exécutés par des types bizarres. Malades? Je ne sais pas, peut-être juste de mauvais poil…

Mon chien vit à L.A.

Justement, "Ill Communication" commence sur un mode plutôt rageur; ça vous arrive d'avoir la rage?

Oh tu sais... Nous faisons pas mal de bruit, nous créons du bruit même, et on n'essaye pas toujours de le maîtriser. Le volume à fond, du fun avant tout! Ce n'est pas très revendicatif, pas vraiment enragé.

Dans de précédentes interviews, vous répétiez que vos textes, finalement, importaient peu...

C'est vrai, et je ne reviendrai pas sur le sujet. Je crois que les textes ne sont pas tellement importants. Nos albums et nos concerts, c'est plutôt une question de sentiments. Tiens, t'as envie de décrire un micro? Et paf, on y va, on improvise. C'est notre recette.

Irions-nous jusqu'à dire que pour des rappeurs comme vous, la ‘rue’, ce n'est pas capital?

La rue, en général, ce n'est pas vraiment notre monde. Nous sommes plus souvent en studio, entouré d’une bande de potes. Et puis, on partage notre temps entre New York et Los Angeles. Si tu veux tout savoir, personnellement, j'ai 28 ans et je crois que je suis marié. Je vis à New York, mais j'ai un appart' à Silverlake, L.A. Et mon chien vit à L.A. ; donc je suis peut-être un peu plus souvent là-bas, même si je retourne souvent à New York... En fait, c’est à New York que tout se  passe, ce qui nous inspire forcément beaucoup plus. Los Angeles est devenue une ville terriblement chiante.

C'est quoi les Beastie Boys en studio? Un bordel monstre, une salle d'études?

Comme tout le reste: fun! Mais mesuré! Je me rends de plus en plus compte que nous avons beaucoup de chance de disposer d’un studio dans les collines d'Hollywood. Je veux qu'on en profite et surtout qu'on nous évite de courir partout à la recherche d’un autre à louer, là où tu dois respecter des horaires et tout et tout. En plus, tu en connais beaucoup des studios où tu peux également jouer au basket et pratiquer le skate? Dans le nôtre, on peut ! Au fait, tu sais qu'au milieu de tous tes papiers, là, t'as vraiment l'air d’un architecte emmêlé dans ses plans? Perso, si je n'avais pas fait de la musique, c'est un job que j’aurais voulu exercer, architecte. Tu me vois, occupé dessiner de superbes immeubles ? A Bruxelles, vous êtes gâtés, c'est une ville superbe, vraiment!

Vous avez désormais votre propre label ainsi que ce studio, et vous avez tout baptisé du nom de ‘Grand Royal’. Dans le but de lui attribuer de multiples significations?

Oui, oui! Grand Royal, c'est aussi un fanzine qui parle de tout ce à quoi nous nous intéressons. Et puis aussi de tout ce à quoi s'intéressent les gens qui nous entourent. Des rubriques fringues jusqu'aux critiques de disques. Nous expliquons par exemple quels disques il faut écouter, et ceux qu'il vaut mieux virer à la poubelle. On parle éventuellement de ceux qui ont une belle pochette, mais si le contenu est nul; tu penses, on n'hésite pas à le dire. Qu'est-ce qu'il y a d'autre dans ‘Grand Royal’? Ah oui, des articles de fond, de billets d'humeur, et même des recettes de cuisine !

Pieds nus, avec du velours!

Quand vous n'êtes pas derrière les fourneaux, vous vous battez toujours pour avoir le droit de faire la fête?

Pour faire la fête? On ne demande la permission à personne! Disons qu'on se battrait plutôt pour enregistrer des disques.

Au fait, qu’est-ce qu’une fête réussie chez les Beastie Boys?

Aaah (l'œil droit se transforme en clignoteur)! D'abord, une bonne sono, avec un système qui te rend bien les basses, tu vois. Quelque chose qui pulse. Après, un excellent DJ, qui t'envoie des disques sans blanc entre les morceaux. L'endroit aussi, c'est hyper important. Je rêve d'un truc à la japonaise, où on laisserait ses chaussures à l'entrée, comme dans les restos. A l'intérieur, rien que des décors doux pour l'œil, genre du velours ou quelque chose du style. Une ventilation efficace, c'est capital! En général, dans toutes les boîtes, ça déconne ou alors, il n'y en a pas. Et en sortant, tu pues la clope, c'est dégueulasse! Ce qu'il faut aussi, c'est une ‘chill out room’, tu vois, un endroit où la musique est plus cool où tu peux aller te relaxer. Voilà, quand t'as tout ça sous la main, la fête peut commencer…

La fête en question, c’était le 15 juin dernier, à la Luna, qu’elle s’est déroulée. Sold out! Assistés d'un Dj, d'un percussionniste et d'un claviériste, nos trois chérubins s'en sont donnés à cœur joie. Braillards à souhait, fous furieux derrière leurs instruments, l'heure et demie de Mike, MCA et Ad Rock a débouché sur un délire le plus complet. Leur rap hardcore incendiaire a fait valser le public par vagues entières, du frontstage jusqu'au bar. Et si les stagedivers sont restés étrangement calmes, on a assisté certainement à un des meilleurs concerts pour couvercles de casseroles entendu depuis bien longtemps. Peut-être juste un poil moins fort que le nouvel album sur lequel les plages s'enfilent sans temps mort; sur scène, des blancs, il y en a eu deux ou trois, à chaque fois que le trio passait de la formule ‘avec instruments’ à celle ‘juste les platines’. Le set aurait donc pu être encore plus dense. Rien que d'y penser, on frissonne! Mais pour bien faire piger au public qu'en fin de compte, les enquiquineurs, ce sont eux, ils ont quand même gardé "Fight For Your Right" pour une autre fois. Bande de petits salopiauds!

Article paru dans le n°25 de juillet 94 du Magazine Mofo

 

Cell

Penses-tu réellement que Cell soit un groupe de blues ?

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Lors de la sortie de son premier album, les médias avaient hâtivement associés ce quartette new-yorkais au mouvement grunge. En gravant "Living Room", la formation est parvenue à démontrer qu'elle n'avait que des affinités très superficielles avec ce mouvement seattlenesque. Produit par John Agnello, il a été enregistré dans une église en bois, sise à Woodstock. Un endroit insolite justifiant le point de départ d'un entretien qui ne manquera pas de Cell, réalisé en compagnie du chanteur guitariste Jerry Dirienzo et du bassiste David Motamed... 

Qui vous a donné l'idée d'enregistrer votre dernier album dans une église en bois? 

Jerry : Personne! Nous voulions bénéficier d'un site naturel pour le réaliser. Le producteur connaissait bien cet endroit, puisqu'il y avait déjà travaillé. Et, il nous y a emmenés.
David : Nous voulions nous évader de notre environnement quotidien. Nous isoler pour atteindre le maximum de concentration. 

Je pensais que vous vouliez exorciser l'esprit des seventies. 

J. : Autrefois, c'était un lieu de culte, mais il ne l'est plus. Il a été aménagé en studio d'enregistrement. Il n'a plus aucune fonction religieuse. Mais on y retrouve toujours une certaine spiritualité. Pas parce que cet édifice était une église, mais parce qu'il est situé au beau milieu de la forêt, à l'écart de toute agitation urbaine.
D. : Qu'est-ce que tu entends par exorciser les seventies? 

Personnellement, Woodstock évoque toujours le célèbre festival de 1969. 

D. : Tu sous-entends donc que nous voulions capturer ou conjurer l'esprit de cet événement historique? 

 En quelque sorte. Un esprit qui se réveillera les 13 et 14 août prochains, puisqu'il s'y déroulera un festival anniversaire.

D. : Avec les mêmes artistes? 

Ce serait difficile, parce que certains ne sont plus de ce monde. (rires) 

D. : Aujourd'hui, il existe un véritable business qui gangrène Woodstock. Cette ville est devenue moche, sans âme. Le principal objectif de sa population est de te vendre un tee-shirt à 25 $. Alors, tu imagines que la reproduction d'une telle manifestation ne servira qu'à graisser la patte aux grosses sociétés commerciales. Ce Woodstock bis va reléguer la musique au second plan. On n'y verra que d'énormes banderoles à la gloire de Coca Cola, Sony, Chesterfield Cigarets et autres sponsors de la même trempe.

J. : Woodstock est devenue totalement miteuse. Et refaire ce festival après vingt ans est totalement stupide...
D. : Et maintenant on risque de lire en manchette dans ton canard: "Woodstock était stupide"... (rires)
J. : C'est vrai, il ne faut pas déformer mes propos. Je veux surtout dénoncer les manœuvres lucratives qui vont parasiter ce festival... 

Est ce que le feeling musical de Cell se conjugue essentiellement au féminin?

J. : Je pense qu'il s'agit seulement d'une facette de notre style. Nous ne le manifestons pas consciemment. Nous essayons d'ouvrir notre composition à toutes les formes d'émotion. Féminines, mais pas exclusivement. Il y en a bien d'autres. Moins machistes que celles que revendiquent les groupes de heavy metal, c'est exact. Mais susceptibles de s'ouvrir vers l'extérieur. Et en tous cas pas restrictives... 

Jerry et Ian assurent la composition. Travaillez-vous ensemble, en parfaite symbiose, à la manière de Lennon et Mac Cartney, ou chacun de votre côté?

J. : Oh non! Individuellement. Nos sensibilités sont trop différentes.
D. : Je crois que composer est un acte instinctif, individuel. Lorsqu'une chanson est terminée tu peux la discuter, l'arranger, mais sa conception reste la plupart du temps personnelle. Lennon et Mac Cartney n'ont pas toujours créé en étroite collaboration. A partir de 1963, je doute très fort qu'ils aient partagé leur écriture...

Pourquoi vos chansons abordent, la plupart du temps des thèmes existentialistes?

J. : J'ignore si le public perçoit un tel message. Mon écriture reflète tout simplement l'état d'esprit de la génération contemporaine. Une génération qui possède un énorme potentiel de qualités existentialistes, potentiel épanché naturellement, comme dans notre musique. Je ne compose pas en m'imposant cette tournure d'esprit. Mais inconsciemment, cela influe sur la manière de regarder les choses.

Observées, quand même, d'une manière sombre, angoissée, un peu comme chez American Music Club, Sonic Youth, Afghan Whigs et Pearl Jam?

D. : Le temps de l'insouciance et du rock’n roll est révolu. Je suis incapable de dire combien de chansons ont été écrites sur le surf, les filles et autres sujets aussi futiles, mais aujourd'hui, nous regardons le monde différemment.
J. : Tous ces groupes sont effectivement sombres. La raison procède probablement dans la volonté de l'être humain de sonder à l'intérieur de sa propre personnalité. L'homme est fasciné par cette recherche, parce qu'il existe trop de superficialité. Autant dans la vie que dans la musique. Mais certains groupes essaient de creuser encore plus profond dans l'âme. Ce qui te donne l'impression de cette morosité. Mais je ne crois pas que ces artistes soient sombres ou tristes, et encore moins négatifs. Le public devient de plus en plus exhibitionniste de ses émotions. A la limite du narcissisme. Parce qu'il est déçu de ce qui se passe autour de lui. Mais il faut demeurer attentif, parce qu'en se prenant au jeu, on finit par s'y identifier. Kurt Cobain est ainsi tombé dans le trou, et il n'a pu s'en extraire...   

Lorsque les médias avancent que Cell est au blues ce qu'Afghan Whigs est à la soul, considérez-vous cette réflexion comme un compliment?

D. : Penses-tu réellement qu'Afghan Whigs joue de la soul? Et que Cell est un groupe de blues?

Non!

D. : OK! On s'est bien compris. Tu peux passer à la question suivante...

Jerry, tu as côtoyé Thalia Zedek, qui a sévi début des eighties au sein du mythique Live Skull et joue aujourd'hui chez Come. Est-ce que la no wave représente quelque chose pour toi?

J. : La no wave? Non, je ne me suis jamais intéressé à ce mouvement arty.

Pas même à Sonic Youth et à Swans?

J. : Si. Mais penses-tu qu'ils ont relevé de la no wave?

Absolument!

J. : Alors oui, ils représentent beaucoup pour moi.

D. : Je ne pense pas que la no wave ait eu un impact sur nous. Peut-être au niveau musical; mais certainement pas au niveau de l'attitude. C'est plutôt une question de racines. Ils appartiennent à New York. C'est une partie de ma vie. De ma jeunesse. D'une époque terriblement créative. A propos, il y a bien deux bonnes années que Swans n'a plus donné de signe de vie.
J. : Peut-être disposent-ils, aujourd'hui, de suffisamment de ressources! (rires)

"Living Room" a été produit par John Agnello, personnage qui travaille régulièrement avec Dinosaur Jr et Screamin' Trees. Est-ce un ami intime?

J. : Non. Nous ne connaissions pas John avant d'enregistrer le deuxième opus. Nous avons écouté ce qu'il était parvenu à réaliser avec d'autres groupes. Et nous en avons conclu que sa participation pouvait être très bénéfique pour notre formation. Nous ne sommes devenus des amis qu'après avoir travaillé avec lui.

Si un jour Bob Mould vous demande de produire un CD, quelle serait votre réaction? (...silence ponctué d'un grand éclat de rires)

J. : Je serai totalement choqué. Totalement!
D. : Où as-tu été cherché cette question? Mon Dieu!

Désolé, mais je ne comprends pas votre réaction. Vous pouvez m'expliquer?

J. : Difficilement!
D. : Jerry et Bob se sont connus auparavant. Il le connaît beaucoup mieux que moi; mais je comprends bien sa réaction. C'est pourquoi une telle proposition me surprendrait et me choquerait également. Il y a des choses qu'il est impossible d'étaler sur la place publique...
J. : Effectivement... très flatté, mais particulièrement choqué!...

 

Version originale de l’interview parue dans le n°24 (juin 1994) du magazine MOFO.

 

 

Pulp

His´ N´ Hers

Fondé au tout début des eighties, Pulp ne s'est jamais tellement montré prolifique. A ce jour, il n'a toujours gravé qu'une poignée de singles et quatre elpees y compris "His' n' Hers". En fait, le groupe insulaire (Sheffield) n'a pris son véritable envol qu'en 1991. Soit après avoir recruté la claviériste Candida Doyle. Le quintet enregistre alors, dans la foulée, trois singles puis un opus qui ne sortira cependant qu'en juin 92. Mais libéré du joug velvetien, ces disques vont enfin permettre à la formation de sortir de l'anonymat. Aujourd'hui, Pulp nous revient avec un nouvel album, "His'N'Hers", une œuvre qui devrait bénéficier de l'engouement provoqué par la vague néo pop qui déferle aux Iles Britanniques (Frank & Walters, Radiohead, Blur, Dentists, etc...). Parce que son style rafraîchissant, fruité, raffiné, à la trame instrumentale riche, au lyrisme profond, ironique, parodique, et ses vertus mélodiques –les singles "Lipglass", "Babies" et Do you remember the first time" en sont les plus belles illustrations– cueillies dans les jardins de Soft Cell, Doctors Of Madness, Sparks, Saints, Orange Juice et Saint Etienne nous ont purement et simplement envoûtés...

 

Stone Temple Pilots

Purple

Soundgarden, Smashing Pumpkins, Pearl Jam et Stone Temple Pilots semblent, à ce jour, être les rares formations à avoir le mieux négocié l'après grunge. Et dans des registres différents, il faut le souligner. Auteur d'un premier elpee épatant en 92, sur lequel figurait le formidable hit "Plush", le quartet de San Diego pourrait, bien qu'il s'en défende, prendre la place dans le cœur des aficionados du défunt Nirvana. Viscéral dans le bon terme, "Purple" combine la quintessence du métal avec la sensibilité et la spontanéité des grands groupes traditionnels des sixties et des seventies (Small Faces, Led Zeppelin, Blue Cher, Montrose). Tout comme "Core", il a bénéficié de la production de Brendan O'Brien (Red Hot, Black Crowes). Ce qui explique sans doute pourquoi le son des Pilots n'a subi aucune altération. Les onze titres de cet opus sont toujours taillés dans la mélodie sombre, rageuse, menaçante, le rythme imprimé sur un tempo implacable, les cordes de guitares croustillantes, gémissantes, chaudement texturées alors que le baryton profond, venimeux de Weiland jaillit avec une force cinglante et un charisme indélébile. Superbe !

 

Manowar

Défendre le ‘vrai’ heavy-metal...

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Ne parlez surtout pas de metal fusion, de crossover aux mecs de Manowar. Ils vous dévisseraient la tête! Non, sans rire, à une époque où on met le hard rock ou le heavy metal à toutes les sauces, eux, ils veulent, envers et contre tout, défendre une approche du heavy rock (ainsi tout le monde est content ?) en manifestant un maximum de conviction et de simplicité. Selon leur point de vue, tous les Nirvana, Alice ln Chains et autres Pearl Jam qui font joujou avec leurs petites guitares n'ont rien à voir avec le heavy metal.

Pas de la gnognote

Qu’ils viennent seulement nous voir en concert et ils verront de quel bois on se chauffe. Le heavy metal, c'est du sérieux, c'est pas de la gnognote. Quand je pense qu'aux States on assimile ces groupes grunge au mouvement heavy, j’en suis malade…

En quelques mots, Eric Adams, chanteur de Manowar, vient de résumer toute la philosophie du band. Une philosophie qui nous reporte assez loin, il y a près de 20 ans déjà, lorsqu'un type nommé Ted Nugent pratiquait le même genre de discours, assénant des vérités telles que ‘if it's too loud you're too old’ (‘si c'est trop fort, c'est que vous êtes trop vieux !’), Nugent –qui se faisait alors surnommer ‘Guitarzan’ (rigolo, pas vrai ?)– a sans doute eu plus qu'une influence sur Manowar. Un Manowar qui vient récemment, de signer chez Geffen (le label de Nirvana...), et dont les deuxième et troisième albums ("Into Glory Ride" et "Hail to England", originellement sortis en 83 et 84) ont été réédités en cd (un peu contre le gré du groupe, un ‘best: of’, intitulé "The Hell Of Steel", vient aussi d’être remis sur le marché par son précédent label, Atlantic/Warner).

J’ai appris la sortie de ce cd en regardant ‘Headbangers ball’ sur MTV, raconte Eric Adams. Je ne savais même pas qu'Atlantic en avait eu l’idée. Après avoir regardé cette émission, j'ai appelé Joey (NDR : DeMaio, le bassiste.et cofondateur du groupe) et on a vérifié le contrat. En fait, il y est mentionné qu'Atlantic a le droit de sortir deux ‘best of’ du groupe quand ils le souhaitent. On ne peut donc rien faire. Ils ont profité lâchement de notre départ en tournée pour publier ce disque. Bon, il est bien présenté, les chansons sont bien les nôtres, mais cette situation nous fait quand même un peu chier. Enfin, c'est le genre de trucs auxquels les musicos sont fréquemment confrontés.

Quand prévoyez-vous de graver un prochain vrai cd ?

Bah, pas tout de suite en tout cas. On va d’abord achever ce circuit et puis on s'y mettra. On a besoin de décompresser un peu et puis vraiment d’être dans le truc pour bosser, pour écrire des chansons. Chez nous, c'est pas vraiment automatique, tu vois : on a besoin d'être dans le mouvement".

10 albums ‘live’ par mois

Vous qui êtes des spécialistes de la prestation ‘live’, pourquoi ne pas publier un album enregistré en public?           

T'en fais pas, après chaque concert qu'on donne, on sort dix albums ‘live’ dans le mois qui suit! Sans blague, on doit être le groupe le plus piraté au monde. Ce qui doit aussi être un record (retenez le terme record, on y reviendra). Mais c'est vrai qu'on pense à sortir un véritable ‘live’, un officiel celui-là. Histoire d'au moins proposer un bon disque à tous ceux qui veulent y retrouver l'incroyable dose d'énergie proposée en concert. Ce sera sans doute pour après notre prochain cd studio.

Il y a quelques mois, vous comptiez fermement battre votre record (nous y voilà!) homologué par le Guinness Book du groupe qui joue le plus fort au monde...

On l'a fait ! En Allemagne. On l’a battu et on y tient beaucoup. Et je n'imagine pas qu'un groupe autre que Manowar puisse jouer plus fort encore. Même nous, sur scène, on portait des protections aux oreilles, mais c'était génial. On en est très fiers.

Que réponds-tu aux médias qui prétendent que Manowar est incapable de faire autre chose que du bruit et d'évoluer?

Qu'ils aillent se faire foutre! On ne joue pas pour les médias. Nous, on se décarcasse pour les mecs qui achètent nos disques qui paient leur ticket de concert, qui nous permettent d'être là, de plus en plus forts, depuis 13 ans. C'est pour eux qu'on fait tout ça. Avec notre public, on forme une grande famille, unie. On amène des kids sur scène pour bien leur faire faire comprendre. On maintient les contacts avec nos fans, on lit les lettres, on les appelle au téléphone. On a bâti Manowar en se produisant beaucoup, à peu près partout. On a donc convaincu notre public petit à petit. Il y a maintenant une fidélité réciproque. Le reste, on s'en tape…

(Article paru dans le n° 23 du magazine Mofo de mai 1994)