Bien qu'issu de la scène underground aussie du début des eighties, Once Upon A Time s'est exilé à Hambourg en 1991. Si le groupe justifie cette expatriation par ses préoccupations politico-sociales à l'égard des pays de l'Est, nous serions plutôt tentés de la motiver par l'engouement du public germanique très sensible à ce langage musical. Romantique, sombre, atmosphérique, il évoque tantôt Birthday Party, les Bad Seeds ou les Doors. Il faut d'ailleurs croire que le groupe apprécie tout particulièrement Nick Cave et feu Jim Morrison, puisque la voix du chanteur calque régulièrement ses intonations sur celle des deux figures mythiques. Bref, si ce "Don't look down" n'est pas toujours très drôle, affrontant même parfois le chaos organisé ou la démesure structurée, il reflète un sens mélodique souvent douloureux et même à certains moments totalement bouleversant...
Que Colin Newman se soit laissé séduire par la très jolie Malka Spigel, nous comprenons. Mais qu'il se prostitue à la techno nous reste franchement sur l'estomac. C'est pourtant ce qu'il a tenté de nous faire ingurgiter, par l'intermédiaire de son nouveau groupe Oracle, sur les six premiers titres de ce disque. Une association qui implique bien évidemment sa dulcinée, Malka, mais également un autre ex-Minimal Compact, Samy Birnbach. Heureusement, la suite est beaucoup plus crédible. Sept morceaux, parmi lesquels certains vont encore en deçà de nos aspirations les plus légitimes; mais surtout "Flow" et "Waiting" qui renouent avec la richesse émotionnelle et le minimalisme electro pop développés sur les premiers elpees de Newman. Les mauvaises langues justifieront cette concession par la situation précaire du trio, qui relève aujourd'hui d'un label de ‘dance’. Mais le mal est peut-être plus profond qu'il n'y paraît. Faudrait peut être un oracle pour exorciser le mal...
Bien que taxé de néo babacool, le space rock de The Orb appartient aux nineties. C'est vrai qu'on y retrouve cette imagerie liquide capable de dilater la conscience et le temps, comme à la plus belle époque du Floyd et de Tangerine Dream. Et puis ce délire co(s)mique inspiré du Gong de Daevid Allen et de Steve Hillage. Mais Alex Patterson et Trash explorent toutes les vertus de la technologie moderne et puis impriment leur création sur un tempo house, dub, ‘dance’ si vous préférez. Au cours de l'année dernière, la formation a accompli un périple à travers le monde, une tournée qui fait l'objet de ce double CD. Deux heures de rock hypnotique paradoxalement partagé entre improvisation, imagination (malgré plusieurs écoutes on a toujours l'impression que les morceaux continuent de se métamorphoser) et recyclage (toutes les bandes ont été remixées en studio). Un disque qui ne recèle aucun message, mais dont la magie incite votre esprit à vagabonder...
Pascale Le Berre et Philippe Pascal viennent d'enregistrer leur premier album en duo. Enfin presque, puisqu'ils ont bénéficié du concours d'une pléiade de musiciens de studio. Désolé, mais au risque de passer pour des misogynes (et ce serait une grave erreur !), nous ne possédons aucune référence pour situer Pascale Le Berre. Sachez simplement qu'elle joue de la guitare, des claviers, de l'harmonica et qu'elle chante. Avec beaucoup de bonheur, il faut le souligner, Philippe Pascale possède, à contrario, une fameuse carte de visite. Ex-chanteur compositeur du mythique Marquis de Sade, puis de Marc Seberg il incarne une des figure les plus marquantes du rock alternatif hexagonal de la première moitié des eighties. Souvenez-vous de "Conrad Veidt" ou de "Brouillard Définitif", compositions essentielles qui figuraient respectivement sur les elpees "Dantzig Twist" et "Rue de Siam". Des chansons tourmentées, angoissées qui se reflétaient dans l'univers glacial, tragique et sensible de la cold wave. Malgré une traversée du désert d'une bonne décennie, Philippe n'a rien perdu de ses qualités de compositeur. Et il le prouve tout au long des dix chansons de cet opus. Il passe toujours, avec une même facilité, de la langue de Shakespeare à la langue de Molière, transitant même pour la circonstance par celle de Cervantès. Mais si l'œuvre exhale un parfum proche de ses deux groupes rennais, elle se révèle plus maniérée, plus malicieuse. Un peu comme si Gainsbourg, Daho, Verlaine et Ferry avaient eu un droit de regard sur le produit fini... Un come-back aussi sympathique qu'inattendu !
Préparé à base d'un peu de jazz, de prog rock, de rhythm’n’blues, de gospel, de pop, de country et d'une variété (!) d'autres styles aussi différents que dispensables, cette bouillabaisse sonore témoigne d'une (f)a(r)deur et d'une mièvrerie affligeantes. Il a fallu certainement une quantité industrielle d'appâts pour faire mordre toutes ces proies à l'hameçon. Malheureusement le vivier ne devait pas être de première qualité, ce qui explique pourquoi cette soupe devrait alimenter la chaîne de distribution FM...
Deux kids et deux filles définissent le line-up de cet ensemble yankee (Raleigh, Caroline Du Nord) qui semble marqué par le punk sous toutes ses formes. Noisy, arty, comme celui que pratiquait, début des eighties, les groupes new-yorkais Sonic Youth, Savage Republic et UT. Pur et dur, à l'instar des Sex Pistols et de Generation X en 1977. Conjugué au féminin métallique, tantôt au mode Hole, Babes In Toyland ou même PJ Harvey. Les guitares sont filandreuses, capricieuses, le rythme chaotique, menaçant, les sonorités torturées, parfois à la limite du supportable. Omniprésente, la très jolie Kathy Pointdexter parvient cependant, tantôt de son timbre vocal qui oscille du candide au véhément, tantôt à la trompette, à profiler les compositions de ce "Fire in The Hole" sous un format cubiste...
Fondé à l'initiative de l'ex-drummer de PIL, Martin Atkins, Pigface incarne le modèle parfait du groupe à géométrie variable. Pensez-donc, depuis sa formation, il a consommé une pléiade de musiciens différents, parmi lesquels ont trempé, pour les plus illustres, Black Francis, Trent Reznor (Nine Inch Nails), Steve Albini, Chris Connely (Revco) et le chanteur de Jesus Lizard, David Yow. Pour la confection de "Notes from the underground", il a fait appel, entre autres, à Jello Biafra, Lesley Rankine (Silverfish), Genesis P Orridge (Psychic TV), Michaël Gira (Swans), Flea Jim Marcus (Red Hot), Nivek Ogre (Skinny Puppies) ainsi qu'à Paul Ferguson et Alex Patterson de The Orb. Une réunion au sommet du hardcore post industriel qui ne respecte aucune règle bien définie. Certains discours sonores obéissent à une structure, certains n'en ont aucune, d'autres encore sont totalement improvisés. Quatorze exposés qui ne concèdent qu'une seule constante, les palpitations métronomiques, sauvages, imprimées par les drums d'Atkins. Complètement dingue et underground !
Lorsque Roger Waters décide, en 1986, d'embrasser une carrière solo, il n'y a plus grand monde pour oser parier un penny sur l'avenir du Floyd. En fait, depuis la sortie de "The Wall", Roger était devenu le dictateur en chef. Son Pink Floyd reflétait même ses propres visions sur le monde contemporain. Il était devenu l'unique compositeur, l'unique parolier, la véritable âme du groupe, ravalant ses trois acolytes au rang de figurants. Ce qui apparemment ne leur déplaisait pas trop. Mais lorsque Waters les éclipse au profit de musiciens de studio, pour enregistrer "The Final Cut", leur passivité se mue rapidement en sentiment de frustration. Aussi, l'idée de voir Roger voler de ses propres ailes est acceptée comme du pain béni par les trois autres larrons. Avec une petite idée derrière la tête cependant, reprendre le patronyme à leur compte. Ce qui évidemment n'est pas du goût de Waters, qui estime avoir droit de vie ou de mort sur le nom du groupe. Après une procédure judiciaire, qui se terminera finalement à l'amiable, Roger lève son veto. Ce qui permet au reste du Floyd de concocter son plus mauvais album, "A Momentary Lapse Of Reason", puis d'entreprendre une tournée mondiale dont les standards seront immortalisés sur le double ‘live’, "Delicate Sound Of Thunder". Sept ans plus tard, Nic Mason, David Gilmour et Rick Wright nous reviennent avec un nouvel album studio, "The Division Bell". Une œuvre qui n'apporte pas grand chose de neuf, mais qui fera sans doute vibrer la corde sensible des baba cools. Les accords gémissants, menaçants de la guitare de Gilmour n'ont plus été aussi à la fête depuis bien longtemps. Les arrangements somptueux flirtent tantôt avec l'aurore de Barclay James Harvest, tantôt avec la perfection de "Dark Side Of The Moon". Evidemment, côté vocal, ni Gilmour, ni Wright ne possèdent le timbre de Waters, et là, c'est une grosse lacune. Sans quoi, ce "Division Bell" devrait plaire aux nostalgiques de "Wish You Were Here" voire d'"Animals". Nous fixons rendez-vous dans sept ans pour leur nouvel opus. Ce sera alors en 2001, et peut-être l'occasion de vivre enfin une Odyssée de l'Espace...
Compile pour les poids lourds du punk hardcore issus de Portland. Un quartette qui a trouvé une large audience auprès de la jeunesse yankee désœuvrée, à cause de sa musique agressive et sans fioriture. Mais également à cause des lyrics chargés de nihilisme et de cynisme. Poison Idea avoue même perpétuer la première vague du punk insulaire, avec des groupes comme les Pistols, les Damned et les Lurkers. Ne vous attendez donc pas à un milligramme de subtilité ou d'imagination dans cette bouillie sonore; mais à des riffs de guitares âpres, sales, disgracieux, dispersés en pagaille, et consommés dans la plus grande précipitation. Le genre de truc qui nous reste sur l'estomac...
Premier album pour ce quartet californien qui pratique un style musical à la croisée des chemins des Pixies, des Cramps, de Teardrop Explodes et de Jam. Un style pétillant, téméraire qui libère une énergie phénoménale, énergie imprimée sur un tempo viscéral. Même les compositions les plus tendres vibrent avec une intensité protéinée. Mais l'originalité de cet ensemble procède de la personnalité de son leader, Robert Zabrecky. Showman exceptionnel, chanteur dont le timbre vocal campe un hybride entre Johnny Rotten et Pete Shelley, et surtout contrebassiste il apporte une bouffée de fraîcheur à l'agit pop irrésistible et savoureux dispensé tout au long de cet album. Produit par Earle Mankey (Concrete Blondes), ce disque épatant nous laisse espérer un futur et hypothétique concert en Belgique... On peut toujours rêver quoi!
Depuis 1986, les Pretenders nous reviennent avec un album tous les quatre ans ; soit au rythme de la coupe du monde de football. Un événement (sportif ou musical?) à ne manquer sous aucun prétexte... Pour enregistrer "Lost Of Independents", la formation a bénéficié du concours de trois producteurs. Et pas des moindres! Si Ian Stanley (Tears For fears, Lloyd Cole) y est impliqué pour l'essentiel, Stephen Street (Morrissey) hérite de trois fragments, alors que Chris Thomas, responsable de la production du tout premier elpee du groupe, s'en réserve un seul. Un retour aux sources confirmé par la présence de Martin Chambers, drummer originel. Un retour aux sources qui se manifeste par le style de l'album. Tantôt tendre, furieux ou voluptueux il fait la part belle aux mélodies pop rock excitantes, sauvages, taillées dans les riffs de guitares cinglants, ébréchés, imprimées sur un tempo ravageur et irrésistible et coulées dans le vocal mi napalm/mi chocolat de Chrissie Hynde. Evidemment si vous ne vous intéressez qu'au single "I'll Stand By You" ou à l'une ou l'autre romance sans grand intérêt, vous risquez fort de ne pas vous y retrouver.
Un zeste de blues (Allman Brothers Band) et deux doigts de rock sudiste (Lynyrd Skynyrd) noyés dans un grand verre de hard conventionnel constituent les ingrédients nécessaires et indispensables à la préparation du cocktail sonore de Pride & Glory. Un trio californien drivé par un certain Zakk Wylder, guitariste qui a forgé sa réputation auprès d'Ozzy Osbourne. Si vous l'ignorez encore, Ozzy Osbourne était au début des seventies, le premier chanteur du Black Sabbath. C'est d'ailleurs à cette époque que Pride & Glory aurait dû vivre. Et ce n'est qu'à ce prix que l'ensemble aurait pu escompter se couvrir de gloire. Faudrait une machine à remonter le temps !
Alors que le précédent opus de Primal Scream, "Screamadelica", reflétait essentiellement les conceptions house, dub et acid rock projetées par le producteur Andy Weatherall, "Give Out But Don't Give Up" exécute un bond d'un peu plus de vingt ans dans le passé. Vous avez, sans aucun doute, déjà eu l'occasion d'apprécier le single "Rocks", matraqué sur toutes les ondes radiophoniques. Et bien l'essentiel de ce disque avoue des caractéristiques semblables. Vous pensez à celles affichées sur "Sticky Fingers" et "Exile On Main Street" par les Rolling Stones ? Et vous avez raison! Faut dire que pour retrouver le feeling des compositions de Jagger/Richards, Bobby Gillespie s'est entouré d'une véritable armée de collaborateurs. Depuis le producteur légendaire d'Allman Brothers Band et du Cream, Tom Dowd, en passant par la section rythmique Muscle Shoals, la section de cuivres Memphis Horns et l'ex-bras droit d'Alex Chilton, Jim Dickinson, délégué aux claviers chez les Stones à une certaine époque. Si le groupe concède, sur la face cachée de ce morceau de plastique, l'une ou l'autre ballade surchargée de gospel, il y dispense surtout deux titres de rhythm’n’blues excitants, sulfureux, dévastateurs. Réminiscent de Sly & The Family Stone sur "Funk Jam" et nappé de claviers post Booker T & The MGS sur l'instrumental "Struttin'"... D'authentiques pierres qui roulent, mais de collection!
Enregistré en 1987, cet opus était resté coincé au stade de la maquette pour des raisons aussi obscures que futiles. Après avoir passé sept années au frigo, on aurait d'ailleurs pu craindre que les huit compositions de ce disque deviennent obsolètes. Il n'en est rien. On y rencontre même en forme de clin d'œil au "Prisencolinensinainciusol" d'Adriano Celentano un étonnant "Superfunkycalifragisexy". Attention, ce disque risque de devenir une pièce de collection. Pour la bonne raison que sa vente n'est autorisée que du 19 novembre 94 au 27 janvier 95. A l'issue de cette date fatidique, les exemplaires seront purement et simplement retirés du circuit. Vu le statut (!) de Prince, vous imaginez dès lors le prix que risque d'atteindre ce CD au marché noir (!)...
Cinq années après avoir commis "Sunshine On Leight", album qui s'est vendu à plus d'un million cinq cent mille exemplaires, les jumeaux Reid nous reviennent avec un troisième opus. Pas de bonne ni de mauvaises surprise, puisque les onze nouvelles chansons de cet "Hit The Highway" auraient pu tout aussi bien figurer sur les deux premiers morceaux de plastique. Le disque est d'ailleurs ponctué d'une version légèrement revisitée du best seller « I'm gonna be ». Une collection de chansons intimistes, fragiles, volontairement désuètes qui justifient, en notre for intérieur, le sentiment de prêter l'oreille à la réplique la plus contemporaine des Everly Brothers...
The Prodigy, c'est avant tout Liam Howlett, éternel insatisfait qui partage son emploi du temps entre la scène et le studio. La scène ? Il y récolte un succès phénoménal. Aux Iles Britanniques bien sûr. Jouant chaque week-end devant plus de dix mille personnes. Le studio ? Pour y développer de nouvelles expérimentations technologiques. Avec ou sans son groupe. Comme musicien, ingénieur du son ou producteur. Eternel insatisfait puisque malgré le crédit dont il jouit auprès du public ‘dance’, Liam cherche à se forger une crédibilité ‘underground’. Il en a d'ailleurs un peu par dessus la tête d'être considéré comme un manipulateur de synthés. Aussi, pour l'enregistrement de "Music for the jilted generation", il s'est intéressé à l'instrumentation basique du rock. Et en particulier à la guitare et à la basse. Enfin du bout des doigts... Et puis il s'est acheté une conscience sociopolitique en abordant les thèmes qui hantent la nouvelle génération. Celle qu'il appelle gaspillée par le pouvoir dirigeant. Louable intention qui nous permet de découvrir une autre facette de Prodigy. Mais ce synthétisme ambiant, expérimental, épuré de rythmes hip hop, de samples et de collages nous paraît, malgré tous ses efforts, encore bien léger. Profondément superficiel !
Nouveau line-up pour ce trio new-yorkais qui vient de remplacer son bassiste pour la troisième fois. Après Mike Kirkland et Troy Gregory, place aujourd'hui à l'ex-Killing Joke, Paul Raven. Ce qui ne semble pas avoir changé grand chose au style musical exercé par Prong. Et même si on y décèle un sens mélodique un peu plus aiguisé, son hardcore est toujours taillé dans le métal sauvage, provocateur, sinistre et glacial. Coproduit par le groupe et Terry Date (Soundgarden, Fishbone), "Cleansing" nous projette dans un monde imaginaire pour y vivre un scénario catastrophe, au sein duquel une rame de métro incontrôlable fonce inexorablement dans l'inconnu, accélère dangereusement, gronde furieusement en menaçant de tout écraser sur son passage... Hallucinant!
Bienvenue dans la caverne d'Ali Baba en compagnie de Link Protrudi & The Jaymen. Soit un projet parallèle imaginé par Rudi Protrudi, le leader des Fuzztones. Ils ne sont cependant pas quarante impliqués dans l’aventure, mais ne se gênent pas pour rafler tout ce qui peut leur apporter une certaine séduction orientaliste. Que ce soit la musique contemporaine, fifties, sixties, ethnique, africaine, classique ou vaudevillesque, tout est mis à profit pour constituer un butin sonore. Même les titres de l'album épousent un profil exotique. "Sultan's Desir", "Diddley Dharma", "Serpentine" ou l'adaptation d'"Arabian Knights" de Tchaïkovski. Link et ses acolytes poussent même l'impudence en tentant une "Seduction of the virgin prune". (NDR: Ce qui reste à prouver!). Sésame, ouvre-toi!
Quatorze ans après la séparation du Led Zeppelin, Jimmy Page et Robert Plant ont décidé de retravailler ensemble. Enfin, pas tout à fait quatorze années, puisque à l'occasion du 40ème anniversaire d'Atlanta, le dirigeable était remonté sur scène en compagnie du fils de feu John Bonham. En fait, l'étincelle a été allumée par MTV, intéressée par la rencontre des deux figures légendaires dans le cadre de l'émission ‘Unplugged’. Mais comme Page et Plant estimaient que cette formule était trop restrictive, il lui ont trouvé un autre format. Plus électrique, vous vous en doutez. Mais également ethnique et symphonique. Vous avez peut-être eu l'occasion d'assister à cette session d'enregistrement diffusée récemment sur la chaîne musicale insulaire. Le duo y est accompagné par le groupe de Plant, le London Metropolitan Orchestra et un orchestre arabe. Plusieurs compositions de cet opus ont été prélevées de ce concert. Et notamment la version fabuleuse de "Kashmir" qui met en exergue la voix fabuleuse de Nayma Akntar. Parce que d'autres titres inclus sur ce CD ont été réalisés tantôt à Marrakech, en compagnie du Gnaoua, musiciens marocains de souche noire africaine, tantôt au Pays de Galles ou même dans un studio de TV londonien. Des sessions nécessitées pour le tournage d'un film qui devrait sortir incessamment. "No Quarter" implique bien sûr de nouvelles compositions : "City Don't Cry", "Wah Wah", "Yallah" et bien sûr le titre maître. Mais aucune d'entre elles n'atteint le niveau des adaptations du catalogue de Led Zeppelin. En particulier "Friends", "That's The Way", "Gallows Pole" et bien sûr "Kashmir", dont l'étoffe mérire à elle seule l’acquisition de l'album...
Pain Teens appartient au label texan ‘Trance Syndicate’, un label underground qui compte également dans son écurie des formations aussi improbables que Drain, Johnboy, Ed Hall et les Cherubs. Pain Teens se montre, sur ce "Destroy Me, Lover", à la hauteur de sa réputation. Un album complexe, étrange, menaçant qui allie subtilement instrumentation rock conventionnelle (basse, guitare, batterie), samplings et collages. Le quatuor y brouille les limites entre l'horreur et l'humour, la beauté et la tragédie, la perversion et le charme ; dépeignant des paysages sonores tantôt paisibles (notamment sur la cover de Leonard Cohen, "The Story Of Isaac"), sombres, obsessionnels (Venus In Furs), psychédéliques, cauchemardesques (Legendary Pink Dots), délirants, déchiquetés (Butthole Surfers) ou sinistrement post-industriels (Throbbin' Gristle), paysages sonores dont la mélodie ne tient qu'à un fil, celui de la voix sereine , suave, sensuelle de Bliss Blood (Martha & the Muffins?). Etonnant!
A moins d'être un fana de hardcore pur et dur, nous ne voyons guère de cobayes susceptibles d'encaisser plus de trois titres d'affilée du troisième elpee de Pantera. Guitares hyper agressives, accablantes, basse matraquée, vomissements gutturaux et rythme primal palpitent au cœur même de votre matière grise, à la manière de l'infâme intrus coupable de déclencher vos migraines post saoulographiques... Vite une aspirine!
Depuis la séparation des Aphrodite’s Child, Vangelis Papathanassiou s'est essentiellement consacré à la réalisation de bandes sonores cinématographiques. Citons "1492" et "Chariots Of Fire" parmi ses œuvres les plus célèbres. Lors de la sortie du film de Ridley Scott, pour lequel Harrison Ford tenait le rôle principal, "Bladerunner" n'avait pu sortir en CD sous sa forme originale. C'est chose faite aujourd'hui !
Résultat des élucubrations de Joakim Thaström, personnage dont la matière grise semble avoir été endommagée lors de l'explosion post industrielle de la moitié des eighties, Peace Love and Pitbulls mord dans le hardcore (ça rime !) de My Life With The Thrill Kill Kult avec une férocité et une froideur thermonucléaire. Cependant, ni les jappements vocaux, ni le tempo obsessionnel, ni les sonorités impitoyables ne valent les quatre fers d'un chien…
Juste avant de publier son nouvel album, le groupe de Seattle décidait de sortir trois CDs ‘live’. Vendus séparément, ces trois morceaux de plastique épinglent vingt-quatre titres enregistrés à Atlanta en avril dernier. Autant le dire tout de suite, cette trilogie s'adresse surtout aux inconditionnels ; les enregistrements ne nous paraissant pas d'une qualité exceptionnelle. Par contre, avec "Vitalogy", nous venons de prendre une véritable claque. Ce qui était loin d'être prévisible. Parce que l'ensemble était encore, voici quelques mois, au bord de la rupture. Entre-temps, Kurt Cobain s'est donné la mort. Un choc terrible pour Eddie Vedder, qui au fil du temps, s'était lié d'amitié avec le leader de Nirvana. Cette tragédie semble, en tout cas, avoir remis Pearl Jam sur les rails. Pour combien de temps ? Dieu seul le sait ! Maintenant, nous serions de mauvaise foi en vous annonçant que l'enregistrement de "Vitalogy" s'est déroulé dans une ambiance allègre. Parce que le spectre de Kurt a plané tout au long de ces sessions. Et on le ressent très fort sur les quatorze chansons de cette œuvre. Pas toujours très abordable, il est vrai. Mais chargée d'un feeling incroyable. Eddi Vedder y vomit sa colère et sa douleur avec une rage et une férocité désolée, sinistre et traumatisante. Les guitares se chargeant d'entretenir l'intensité malveillante, profanatrice, sanglante et vitale au rock de Pearl Jam...
Steve Perry possède une belle voix. Proche de celle de Rod Stewart. En 1978, il avait remplacé Gregg Rolie au sein de Journey. Il y restera jusqu'en 1987, participant à la confection de six albums de platine. Journey, si vous l'ignorez encore, était le groupe du célèbre drummer Ainsley Dunbar, un ensemble dont la créativité s'est justement éteinte en 1977. Maxime, lorsque l'imagination disparaît, le flouze pointe le nez ! Ne vous attendez donc pas à monts et merveilles du deuxième opus de Steve Perry. A moins que vous ne soyez inconditionnel de ce métal sous surveillance, aux arrangements soignés, habilement serti de ballades mielleuses, que l'on appelle communément hard pop FM...
En 1992, nous avions été agréablement surpris par la qualité de son deuxième album, "La sigla del sadico esperto". Nous pensions même que la formation était néerlandaise. Sans doute, parce que le groupe avait jusqu'alors toujours enregistré ses disques aux Pays-Bas. Pourtant, ce trio limbourgeois est bien de chez nous. De Nieuwkerken très exactement. "Kuvun Huuto" va au delà de nos espérances. Un disque de popcore à la fois grinçant et mélodique. Riche et orientaliste. Original et électrique. Sombre ou échevelé. Et puis il y a la voix. Hors du commun, elle campe un hybride entre Johnny Rotten, Jello Biafra et Peter Murphy. Quant aux mélodies, elles cherchent un compromis entre Hüsker Dü, Sonic Youth, les Pixies, Carter USM, Captain Beefheart et les Sex Pistols. Evidemment, le coup de pouce donné par Kramer y est certainement pour quelque chose. Kramer, c'est ce personnage mythique qui a mis le monde à l'envers avec Shockabilly et Bangwater, ce baroudeur qui a notamment produit le défunt Galaxie 500. Pour enregistrer ce disque il a même emmené le groupe dans son propre studio aux States. Et le résultat est tout à fait remarquable !
C'est en 1979 que Tom Petty s'est illustré aux States avec l'album "Dawn The Torpedoes", et son mega hit "Refugees". Pourtant, cet auteur/compositeur/chanteur/guitariste flanqué de ses Heartbreakers a traversé la période la plus intéressante de son histoire entre 76 et 78. Une période au cours de laquelle il va nous gratifier d'un remarquable opus auto-titré et d'un tout aussi brillant "You're Gonna Get It". La suite se révèlera malheureusement, beaucoup moins concluante. Ainsi, au cours des eighties, Tom va davantage chercher à plaire aux rockers de salon et aux midinettes californiennes plutôt qu'à chercher un quelconque renouvellement de son inspiration. Et paradoxalement, ce manque flagrant de composition originale va le conduire directement à la célébrité... Ce recueil aborde les dix elpees de ce yankee, sélection enrichie de deux inédits parmi lesquels nous sommes quand même parvenus à flasher sur la cover du célèbre "Something In The Air" du Thunderclap Newman...
Jolie, sexy, fascinante, mais également intelligente, pour ne pas dire intello, Liz secrète à travers ses lyrics une littérature révolutionnaire, spirituelle, teintée de cynisme, sur un ton à la fois espiègle, capricieux et féroce. Une sorte de pop qui copulerait avec le punk sur un lit de mélodies sournoises, bordé de cordes de guitare croustillantes, filandreuses, énigmatiques, sereines en apparence, mais irascibles au fond de l'âme; mélodies filtrées dans le pessimisme glacé de Lou Reed et fouettées par la passion filandreuse d'une Kristin Hersh...
Queensryche nous vient de Seattle. Mais ne présente aucune affinité avec le grunge. D'ailleurs, son approche du métal est beaucoup trop sophistiquée, nous rappelant des ensembles nés au cours des seventies comme Kansas ou Kayak, alors que la grandiloquence et l'androgynie des harmonies vocales semblent avoir été ensemencées tantôt par Bon Jovi, tantôt par les Scorpions, voire dans le meilleur des cas Supertramp. Dans ces conditions, comment voulez-vous encore croire que Seattle puisse encore se proclamer comme la terre promise ?
Vu la popularité recueillie par ce Texan au sein de l'Hexagone, il était inévitable que l'enregistrement de son premier album ‘live’ y soit perpétré. De ce périple accordé l'an dernier, Calvin a sélectionné quatorze fragments interprétés soit à Paris, à Orléans ou à Rouen. Un disque qui souffle le chaud et le froid. Le chaud acoustique, lorsque les guitares sèches sortent de leur contexte country folk, pour emprunter un chemin sonore dont la subtilité et la sensibilité se situent à mi chemin entre Mark Knopfler et Tom Waits ("A Crack In Time", "Crossroads"). Le froid métallique, par la faute d'un guitariste dont les égarements nombrilistes asphyxient systématiquement tout développement mélodique. Ce qui explique sans doute pourquoi "Le Voyageur" est une petite déception...
La musique de Radial Spangle semble vouloir défier toute logique. N'essayez donc surtout pas d'y trouver un fil conducteur. Vous en seriez pour vos frais. Envahi par cette forme de psychédélisme surréaliste, tentaculaire vous pénétrez alors dans un univers sauvage, convulsif, pervers, paranoïaque et sans issue. Un Mercury Rev à n'entreprendre que sous la garantie d'une Sonic Youth...
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