Issu de Chicago, Dead Feathers puise manifestement ses références dans la West Coast de la fin des sixties ainsi que du début des seventies et tout particulièrement chez Jefferson Airplane. D’abord à cause de la voix de Marissa Welu, qui n’est pas sans rappeler celle de Grace Slick. Puissante, elle alimente une musique groovy, tramée dans les guitares bluesy et psychédéliques. Des parties de grattes que les deux musicos élaborent de manière structurée. Elles sont caressées sur l’obsédant et luxuriant, « Daughters », un morceau qui s’épanouit sous la forme d’une tendre ballade, mais change de tempo en fin de parcours.
« Full circle » constitue son tout premier elpee. Hormis l’intermède instrumental « One year before the island », presque toutes les pistes dépassent allègrement les 6 minutes. « Robbery » excède même les 10 minutes. Et l’opus s’achève par « Galapagos », une élégante compo ciselée par une sèche jouée en picking…
Timber Timbre, c’est le projet de Taylor Kirk, un Canadien responsable de 7 elpees, à ce jour ; et « Lovage » constitue son septième. Il fait suite à « Sincerely, Future Pollution », paru en 2017. Responsable d’une forme d’indie folk cinématographique, poétique, ténébreuse et à la limite gothique, mais à l’humour ironique, Timber Timbre parvient à fusionner des références apparemment incompatibles : Beatles, Doors, Leonard Cohen, Beach Boys, Sun Ra, Paolo Conte, et Velvet Underground, notamment.
Pour enregistrer cet opus, il a fait appel à Michael Dubue ; et la collaboration a tellement bien fonctionné, que ce dernier apporté son concours aux claviers et aux vocaux, rejoignant ainsi le drummer Adam Bradley Schreiber et les choristes.
Le long playing s’ouvre par « Ask the community », un morceau chargé de spleen, dont l’intervention au piano et l’écho dans la voix rappellent… John Lennon, alors que si sur « Stops » ses intonations semblent hantées par feu Jean-Louis Murat, tout au long de « Confessions of Dr Woo », c’est le spectre de Lou Reed qui se met à rôder. Une plage dont le final s’enfonce dans le psychédélisme. Tout comme le doux-amer « 800 Pristine corpses ». Tapissé subrepticement de psychédélisme bruitiste, « Holy motors » se distingue pourtant par sa jolie mélodie. Cette chanson constitue, en quelque sorte, un hommage à Ontario, la ville de son enfance, une ville qu’il avait quittée deux décennies plus tôt et où il avait juré ne jamais revenir ; un hommage à un endroit qu’il aime et déteste en même temps, mais qu’il aime aussi détester…
« Mystery street » est manifestement la compo la plus allègre ; mais a contrario, « Lounge » s’enfonce dans une sorte d’intimisme presque confessionnel…
« Los Angeles » est le fruit d’une étonnante coopération entre Lol Tolhurst, Budgie et Jacknife Lee. Le premier a été le batteur de The Cure et des Slits et le deuxième de Siouxsie & The Banshees ainsi que de The Creatures. Ils avaient déjà participé au projet Curious Creatures, en 2021. Quant au troisième, c’est un réalisateur artistique, ingénieur du son et producteur qui a notamment bossé pour U2, R.E.M., Snow Patrol, Bloc Party, Editors, Weezer et The Cars. Pour la circonstance, il s’est consacré à la guitare et aux distorsions.
Au départ, cet opus ne devait qu’être instrumental. Puis la Covid est arrivée et, pendant le confinement, les trois compères ont revu leur copie en invitant des collaborateurs, et tout particulièrement des chanteurs, à poser leurs voix sur les compos. Et notamment Bobby Gillepsie pour 3 morceaux, dont « This is what it is (To be free) » au cours duquel on découvre des arrangements symphoniques et des chœurs dispensés comme chez Primal Scream, puis l’excellent et menaçant « Ghosted at home » et enfin « Country of the blind » ; James Murphy de LCD Soundsystem gémit tout au long du frénétique titre maître et du tribal « Skins » ; Pan Amsterdam déverse son hip hop tordu sur « Travel channel » et Isaac Brock de Modest Mouse déblatère sur le très techno (Chemical Brothers ? The Orb ?) « We got to move » ; enfin Arrow de Wilde se déchaine sur l’épileptique « Uh Oh », une plage à laquelle participe Mark Bowen (IDLES). Parmi les guests, on épinglera encore Lonnie Holley et Mary Lattimore sur le ‘beefheartien’ « Bodies » et The Edge, à la guitare, mais traitée sur le motorik, « Train with no station » (NDR : cette voix vocodée n’est pas du meilleur goût !) et une autre piste électro, « Noche obscura ».
Bref un album percussif, nerveux, varié, clubby et surtout avant-gardiste qui mêle électro, indus, post punk et glam, mais nécessite plusieurs écoutes avant de commencer l'assimilation…
Golden Hours est un collectif qui réunit d’anciens et actuels membres de Gang of Four, The Brian Jonestown Massacre, Tricky, The Fuzztones et The Third Sound. Enregistré à Berlin et Bruxelles, cet elpee a bénéficié du concours d’un alchimiste de choix : le Belge Wim Janssens, mieux connu pour son travail auprès de Wellboy et Tricky. Eponyme et découpé en 8 pistes, le premier album de Golden Hours alterne titres chantés et instrumentaux.
L’album s’ouvre par « Come and find me », un morceau dont la ligne de basse semble empruntée à Birthday Party. Indolent dans l’esprit de Jesus & Mary Chain, « The forgotten one » s’emballe en fin de parcours, au contact des solos de guitare. Mid tempo, « Japan on my mind » est parcouru de notes de claviers entêtantes. Mais la meilleure plage est incontestablement « Dead on ». Dépassant les 6 minutes, elle est découpée dans des guitares fuzz hypnotiques, abrasée par la voix du chanteur, dont le baryton est aussi profond que celui de Sivert Høyem (Madrugada), et s’achève par un sifflotement ‘enniomorriconesque’. « Calling me home » trahit des réminiscences –ce qui s’explique aisément– empruntées à TBJM et The Third Sound.
Neil Young continue de dépoussiérer ses archives. Cet elpee devait sortir en 1977 ! Le plus curieux dans cette histoire, c’est que l’artiste a publié une suite en 2007, « Chrome dreams II ». L’original ne comptait que 12 titres. Sur cet opus, il y en a 15. Uniquement acoustiques. Soit la voix de Neil, son harmo, son piano, sa sèche et/ou son orgue à soufflets. Depuis le temps, tous ces morceaux ont été intégrés progressivement sur différents long playings, parfois en versions électriques, live, en solo ou en compagnie du Crazy Horse. Si bien qu’il n’y a pas d’inédits sur ce disque du ‘Loner’, mais deux morceaux sensiblement différents : « Hold back the tears », qu’il se réserve en solitaire, avec un texte plus long et « Sedan delivery » qu’il interprètera plus tard en compagnie de son incontournable Cheval Fou.
Et si les compos sont datées, il faut reconnaître que l’ensemble ne manque pas de charme et sont inspirées, tant du point de vue mélodique qu’émotionnel. Ainsi, en bénéficiant d’arrangement aussi soignés que sur « Harvest » et « Harvest moon », elles auraient pu y figurer.
Paru en 1978, le double long playing, « The Complete Budokan 1978 », est donc sorti en version revue et corrigée ; Il s’agissait de deux concerts immortalisés live au Japon. Soit les 28 février et 1er mars à Tokyo, au début de la tournée que Dylan avait lancée en 1978. A l’époque de sa sortie, cet opus avait été vertement critiqué. A cause des réarrangements. En l’occurrence l’ajout de choristes et d’une section de cuivres. D’ailleurs si le Zim était bien allé au Japon, on avait l’impression qu’il avait réalisé l’enregistrement à Las Vegas.
Bref, alors que l’album de 1979 recelait 22 morceaux, le coffret en propose 58. Le tout a été remixé et bien sûr remasterisé.
Originaire d’Evreux, en Normandie, Agathe Plaisance est une artiste multidisciplinaire. Outre l’écriture des textes et la composition de la musique, la songwritrice a réalisé l’artwork de « Beautiful Damages » et les vidéos qui l’accompagnent. Même si Evreux est plus proche de Paris que des bocages normands, on imagine la jeune femme retranchée dans une maison à colombages pour y concocter ses sombres et mélancoliques ballades trempées dans le folk, au coin du feu. Entre ses moments de création, elle se délecte des albums de Cat Power et en profite pour se servir un petit godet de cidre (NDR : oui, les clichés ont la vie dure). Elle en profite également pour jeter une oreille fine sur certains artistes à l’univers plus mélancolique, à l’instar du Canadien Timber Timbre. Tantôt sensibles, parfois électrifiées, souvent sombres, les huit plages de ce premier elpee sont cependant, toujours bien inspirées…
Valentine Guillen-Viale, aka Jil Caplan, est une charmeuse de serpents, une passionnée qui continue son petit bonhomme de chemin. Et en gravant son nouvel opus, « Sur Les Cendres Danser », elle compte bien nous envoûter. Il s’agit de son neuvième. Affichant 58 ans, cette chanteuse, comédienne et écrivaine est une artiste caméléon.
Jil Caplan revient à ses premiers amours, un retour aux sources qui l’ont toujours nourrie : le folk/rock à guitares, les ballades charnelles et les harmonies subtiles, naviguant quelque part entre Paul McCartney et Jeff Buckley, que ce soit dans l'expérimentation du jazz, une certaine approche du progressif que la manière de présenter ses chansons. C'est sous une forme plus rock que la Parisienne a abordé cet LP.
Ce long playing est aussi le fruit de la rencontre entre Jil et Émilie Marsh (du label FRACA), musicienne, compositrice, autrice et interprète, guitariste et arrangeuse de feu la chanteuse Dani.
Pour accompagner la sortie de ce disque, elle a partagé un clip poétique et incandescent « Tout éteindre » (à découvrir ici), réalisé par Patrick Hernandez. Porté par des chœurs apaches, des toms furieux et une guitare lancinante, le morceau raconte la passion éphémère qui met le feu aux poudres.
L’exploration de différents styles vintage est reflétée à travers le premier single, dont l’énergie grisante évoque… The Cure…
Blues, « Courage » nous entraîne dans le Delta du Bayou.
« Virginia » et « Être heureux » se révèlent davantage intimistes.
Quelques thèmes chers à Jil Caplan sont abordés tel que le deuil, la rupture, la maternité et le fait de laisser partir ses enfants (« Daronne »).
Même « Marilyn » évoque les destins tragiques d'actrices. Et évidemment on pense à Marilyn Monroe, mais aussi à Virginia Wolf.
Expérimental « Feu ! » se distingue par une rythmique métronomique quasi-martiale.
Un bel essai qui devrait permettre à Jil de renouer avec le succès.
Le premier Ep de Hideous, un éponyme, paraîtra ce 9 février 2024. En attendant, il nous propose son single, « The Rut », une compo qui parle de la routine quotidienne, des tracasseries constantes et de la pression sociale inutile qui pèse sur les gens. Souvent, ce sont les choses les plus banales qui vous donnent envie de vous échapper et d'oublier tout et tout le monde.
Hideous est un groupe de rock prometteur à l’approche fraîche et jeune, s'inspirant du son brut et grinçant des années 90. Il réunit des membres d'autres groupes notables tels que Rhea, Ramkot et Romeo Elvis.
Il s'est produit en de nombreux endroits, notamment en Flandre et aux Pays-Bas, mais également à Paris, Rotterdam et Eindhoven. Il a assuré la première partie de Black Box Revelation à l'Ancienne Belgique, à guichets fermés, ce qui est une réussite significative. Ce concert témoigne de sa popularité et de sa reconnaissance croissantes sur la scène musicale.
Responsable alors de deux singles (!), « Curse » et « Follow Me », la formation gantoise a eu l'occasion de montrer son talent cet été lors de festivals tels que Rock Werchter, Boomtown et Rock Herk, lesquels constituen des plateformes prestigieuses qui permettent aux artistes émergents d'atteindre un public plus large.
« The rut » est en écoute ici
C’est pendant leur scolarité dans un collège des Yvelines, en Ile-de-France, que les quatre membres du groupe Kyo, Nicolas Chassagne, Benoît Poher et les frères Fabien et Florian Dubos se rencontrent et s’unissent pour former le groupe Kyo, idiôme en référence aux mangas japonais et jeux vidéo.
Le quatuor sortira un premier album au succès mitigé « Pour toi », en 1999. C’est grâce son second, paru en 2003 et intitulé « Le Chemin » et son titre éponyme, partagé en duo avec la chanteuse néerlandaise Sita, qu’il finira par s’imposer.
Afin de fêter dignement ses 20 années d’existence musicale, le combo a décidé de rééditer ce disque en version bonus.
On y redécouvre forcément une pléiade de titres qui ont fait le bonheur des jeunes adultes que nous étions, à l’instar de « Tout envoyer en l’air » ou « Je saigne encore ».
Sur certaines plages, des changements d’harmonie ont été opérés, ce qui apporte davantage de profondeur aux émotions. En outre, Jocelyn Moze, désormais préposé aux fûts, apporte une nouvelle dimension aux compos.
Enfin, le chanteur, qui bénéficie de quelques featurings, dont Cœur de Pirate pour « Dernière Danse » –la nouvelle version de ce single a été retravaillée par Marsō (Pierre de Maere, Slimane, Videoclub, …), Stéphane pour « Le chemin » et Nuit Incolore sur « Je cours », une chanson qui aborde la thématique du harcèlement scolaire. Des collaborations qui apportent une lecture intéressante aux chansons.
Si dans l’ensemble, cette réédition s’avère d’honnête facture, elle manque de peps : les guitares sont un peu mollassonnes, la ligne de basse est un peu trop confidentielle et le drumming insuffisamment mis en exergue…
Originaire de Bristol IDLES sortira son cinquième elpee ce 16 février 2024. Découpé en 11 titres, cet elpee a été coproduit par Nigel Godrich (Radiohead, The Smile, Beck), Mark Bowen du groupe et Kenny Beats (Denzel Curry, Vince Staples, Benee).
IDLES est l'un des groupes de rock les plus puissants de la dernière décennie. Par ailleurs, Godrich, Bowen et Beats forment un excellent trio de faire-valoir pour IDLES, les poussant sur de nouveaux terrains, puis tirant les rênes lorsque c'est nécessaire. Ainsi, « Tangk » est à la fois tentaculaire et concentré, imaginatif et intuitif.
À propos de l'album, le chanteur Joe Talbot a déclaré : J'avais besoin d'amour. Alors je l'ai fait. J'ai donné de l'amour au monde et c'est magique. C'est notre album de gratitude et de puissance. Que des chansons d'amour. Tout est amour’.
Le premier single, « Dancer », est un titre lancinant et déroutant. Des basses qui claquent et des guitares qui ricochent permettent à Talbot de parler de sueur et de sexe sur la piste de danse. C'est lascif, ludique et positif.
Talbot chante l’extase d'une nouvelle relation, mais il chante aussi la dynamique spéciale entre IDLES et ses fans ou IDLES et le monde en général. Ici, c'est le vœu d'un groupe de continuer à s'élever et se battre pour eux-mêmes et leurs auditeurs, de continuer à offrir la sinistre persistance de la joie, de l'espoir, de l'amour et de l'émerveillement tant que c'est ce dont tout le monde a besoin pour survivre. C'est une chanson d'amour de la même manière que « Tangk » est un album d'amour - ouvert à tous ceux qui ont besoin de crier quelque chose à haute voix pour repousser le sentiment de vide qui les envahit, maintenant ou pour toujours.
Joe Talbot a également indiqué : « Dancer » est la violence qui vient du cœur battant de la piste de danse, qui s'engouffre dans votre corps et vous donne vie à partir de la musique, de l'amour et de vous-même.
La musique de IDLES s'épanouit non pas en dépit de nos problèmes, mais grâce à eux. Si nous ne prenons pas soin de nous-mêmes et les uns des autres, qui le fera ?
En concert au Lotto Arena d’Anvers le 09.03.2024
Le clip consacré à « Dancer » est disponible là
The Jesus and Mary Chain publiera un tout nouvel album le 8 mars 2024. Il s’intitulera « Glasgow Eyes ».
Glasgow Eyes a été enregistré au studio Castle of Doom de Mogwai à Glasgow, où Jim et William ont poursuivi le processus créatif du précédent elpee, « Damage and Joy ». Il en est ressorti un disque au cours duquel la bande aux frère Reid embrassent un deuxième chapitre productif, un maelström de mélodie, de feedback et de chaos contrôlé, reflétant leur amour pour la musique de Suicide et Kraftwerk ainsi qu’une nouvelle appréciation des attitudes moins disciplinées que l'on trouve dans le jazz.
Issu de ce futur long playing, le single « Jamcod » est disponible sous forme de clip, là
En concert le 23 avril 2024 à l’AB de Bruxelles.
Les musiciens de Fat White Family ne sont pas croisés les bras au cours de ces quatre dernières années. Depuis la sortie de leur dernier album, "Serfs Up", ils ont assuré la première partie de Liam Gallagher lors de son plus grand concert solo à Knebworth, réalisé et projeté un court-métrage aux accents bergmaniens intitulé ‘Moonbathing in February’ et le frontman Lias Saoudi a écrit un best-seller relatant l'ascension tumultueuse du groupe vers une célébrité moyenne : ‘Fat White Family and the Miracle of Failure’ (Trad : Fat White Family et le Miracle de l'échec).
En attendant la sortie d’un nouvel elpee, prévue pour 2024, la vidéo de "Religion For One", un portrait de l'ambition corrompue, de l'inceste esthétique et de l'histoire de l'expressionnisme abstrait, est disponible là
Grandaddy sortira son tout nouvel album studio, "Blu Wav", le 16 février 2024. En attendant, il nous invite à visiter "Cabin in My Mind", du conteur prolifique Jason Lytle, une invitation à la méditation et au country-rock.
"Blu Wav" s'inspire de la beauté écrasante de la nature et des moments banals qui déclenchent les souvenirs les plus forts de la vie. Le titre de l'album se veut un mélange littéral de ‘bluegrass’ et de ‘new wave’. L'idée est née lorsque Jason Lytle, le maestro de Grandaddy, conduisait dans le désert du Nevada et que la chanson "Tennessee Waltz" de Patti Page passait sur la station de radio country classique. Il a immédiatement été intrigué par la possibilité de conserver le balancement lent et les paroles simples et douces de la valse bluegrass tout en ajoutant des couches de synthétiseurs denses et l'électronique de la nouvelle vague. Il incorpore ainsi, et pour la première fois, la luxuriance lo-fi et l'orchestration parfois psychédélique qui ont fait la réputation de Grandaddy, dans la country. Sept des treize chansons sont des valses et, comme le signale Lytle, ‘il y a une quantité démesurée de pedal steel’.
Grandaddy a récemment célébré son héritage par une série de rééditions à l'occasion de son 20ème anniversaire, notamment le coffret "Sumday Twunny". Lytle a également participé aux vocaux pour un album posthume de Sparklehorse à la demande de la famille de son ami feu Mark Linkous.
Le clip de "Cabin in My Mind" est disponible là
Le prochain elpee de Chastity Belt, « Live Laugh Love », paraîtra ce 29 mars 2024.
Chastity Belt est resté un espace de soutien permettant aux membres de grandir et d'expérimenter, en s'appuyant sur les ingrédients les plus essentiels à leur processus depuis le début : l'authenticité et la légèreté. Enregistré en trois sessions en autant d'années (janvier 2020, novembre 2021 et 2022), l'objectif était davantage d'apprécier le temps passé ensemble en studio que de le faire ressembler à du travail.
Les membres du groupe sont dans la fleur de l'âge en tant que musiciens. Leurs parties tracent des motifs complexes les unes sur les autres, mais il y a de la place pour respirer entre les couches. Chacun contribue à l'écriture, changeant parfois d'instrument, et pour la première fois, les quatre musiciens chantent une chanson.
‘Nous avons un sens aigu de nos inclinations musicales respectives’, déclare Lund. ‘Je pense que cela permet beaucoup d'espièglerie... nous pouvons nous surprendre l'un l'autre, comme le ferait une bonne chute…’
Son premier single, « Hollow », met en exergue le côté rêveur du son du projet. Il associe des accords shoegaze et des voix émoussées à une ligne de guitare mélancolique. « Hollow » est accompagné d'une vidéo qui se moque de la culture du bien-être des influenceurs, jouant avec le titre insolent de l'album, et elle est à voir et écouter là
Servo est un trio rouennais qui s’est spécialisé dans un post-punk dansant alternant entre des contemplations instrumentales évasives et embrumées et une violence implacable où tous les instruments explosent en même temps, le tout couvert d’un chant contrasté entre monotonie et puissance hallucinée. Son troisième elpee, « Monsters », est paru ce 8 décembre 2023 et se distingue par des rythmiques plus musclées et une dimension mystique poussée à l’extrême. L’accent est mis sur la puissance et la brutalité de chaque morceau. Une fois la tempête passée vient le temps des détails, inventer une complexité qui doit être aussi prévisible qu’inattendue pour l’auditeur.
Composé de textures musicales mystiques surchargées de violence esthétisée, « Monsters » donne l'impression d'assister au sermon d'un pape fou, haranguant ses ouailles sur une chaire noire. Le mélange de goth, de kraut, de pysch et de post-punk dans le breuvage des sorcières donne une bande-son de comédie musicale d'horreur prête à vous exploser la cervelle - comme Joy Division se battant avec IDLES sous l'œil de Dario Argento.
La vidéo consacrée à « Thank you maniac » est disponible ici et celle à « Day and night monsters », là
Graham est un compositeur moderne par excellence, ingénieux et sinistrement poignant. Quant à Marta, c’est une compositrice éclectique réputée pour ses influences modernes et ancestrales stimulantes.
« Linger In Silence » est un vrai suspense, soutenu par des cordes qui montent en puissance jusqu'au crescendo. Marta chantonne, le piano de Graham se soumet, un accordéon fredonne et une guitare en acier gémit ; la scène change, la tension monte. Le morceau est épique avec des cymbales qui s'écrasent au beau milieu d'un symbolisme enjoué.
Le résultat est la double interprétation d'une même chanson : « Linger In Silence » est le résultat d’une brève rencontre en anglais et en italien qui offre deux points de vue dérivés d'une même mélodie évocatrice. La construction est lente avec une section centrale panoramique et, inévitablement, une fin remarquable.
‘J'ai vu Marta del Grandi en concert pour la première fois au printemps dernier à Austin. Un spectacle fantastique ! Lorsque la collaboration est devenue possible, j'ai sauté sur l'occasion. Elle apporte tout un monde de créativité sonore et pousse le matériel vers de nouveaux horizons, en ajoutant des paroles et des voix avec sa touche personnelle. J'espère que nous pourrons bientôt nous retrouver sur scène ensemble’, explique Graham.
‘C’était un honneur de collaborer avec Graham, j'ai écrit et enregistré les voix au Lac Majeur l'été dernier et les paroles sont inspirées par le calme et la paix de ce magnifique scénario’, ajoute Marta, élève de jazz au Conservatoire G. Verdi de Milan...
« Linger in silence » est en écoute là
Neon Fields est un groupe britannique qui s'est formé en 2020, juste avant que la pandémie mondiale ne frappe. Pendant les périodes de fermeture qui ont suivi, le trio établi à Bristol a repoussé les limites du genre en partageant sa musique à distance et en affinant ses sonorités dans l'isolement. Le résultat est un style unique et sophistiqué qui révèle des paysages sonores cinématiques, des tonalités industrielles et des récits créatifs.
Neon Fields se prépare à sortir un nouvel opus, en attendant, il nous propose son nouveau single, « Cage of lions », et il est disponible solus forme de clip ici
Le groupe torontois Hot Garbage publiera son nouvel opus, "Precious Dream", le 19 janvier 2024. En attendant, il nous propose, sous forme de clip, "Mystery", un deuxième extrait de cet elpee. Et il est disponible ici
"Mystery" livre la curieuse histoire de Judy et Billy au milieu d'un riff surf fuzzé et tordu. Après avoir réussi à convoquer la Mosrite de Davie Allan, perdue depuis longtemps, les psych rockers canadiens choisissent de plonger dans la chromesthésie (NDR : La chromesthésie est une des formes de la synesthésie -il en existe une centaine de différentes- qui fait apparaître des sensations colorées lors de la stimulation par des sons et des notes musicales ; et la synesthésie est un phénomène neurologique, non pathologique, par lequel deux ou plusieurs sens sont associés) peignant une fresque musicale stylée sur l'amnésie volontaire et la confusion béate. Le morceau se construit avant d’atteindre un point culminant intense et tourbillonnant -un sentiment familier pour ceux qui connaissent les travaux précédents du groupe- avant de laisser l'auditeur retomber dans le crochet de guitare hypnotique du morceau, le laissant effectivement se demander : ‘What was this all about ?’
"Mystery" devrait plaire aux fans de A Place to Bury Strangers, The Jesus and Mary Chain ou The Cramps…
En deux albums, le quartet parisien Hoorsees s’est construit une solide réputation de faiseur de mélodies pop imparables auprès du public français ainsi qu’américain, par l’intermédiaire du label new-yorkais Kanine Records (Grizzly Bear, Chairlift, The Pain of Being Pure at Heart...)
Son troisième elpee, « Big », paraîtra ce 12 janvier 2024. Le groupe y explore, pour la première fois, des sonorités plus électroniques, résultat d’une influence inédite jusqu’ici chez eux : la ‘French Touch’ du début du millénaire. Il aura fallu, et c’est un comble, que le groupe traverse l’Atlantique lors d’une tournée pour qu’il se décide à se pencher enfin sur « Bankrupt » de Phoenix et « Discovery » de Daft Punk, à force d’entendre le public américain les rappeler à leur héritage. En signe avant-coureur, la band nous propose un premier single, sous forme de clip.
Couplets moqueurs et refrains pop imparables, « Artschool » fait la part belle aux claviers no wave, aux rythmiques robotiques façon Talking Heads et aux riffs de guitares aiguisés dans l’esprit des premiers albums des Strokes. Un titre qui évoque la vie des étudiants ‘arty’, insupportablement cools en toutes circonstances, dont on a un peu honte d'être envieux.
La vidéo est à voir et écouter là
Fondé par quatre lycéens à Sens (c’est dans l’Yonne), pas tellement un berceau historique du rock, Johnny Mafia s’est construit au fil du temps une implacable réputation de groupe de scène. Et en trois albums et des tas de concerts, il est parvenu a su s’imposer en tête de liste d’une nouvelle scène française qui n’en finit plus de surprendre.
Presque trois ans après la sortie de « Sentimental », son dernier elpee, suivie d'une tournée qui les aura emmenés jouer aux quatre coins de l'Europe et jusqu'en Corée du Sud, Johnny Mafia est de retour avec un nouveau single, « Vomit Candy », accompagné d’un clip réalisé et produit par La Sale Affaire ! Il est disponible ici
"Beef" constitue le second single du quatuor anversois Sekushi (sexy en japonais) qui figurera sur son double Ep qui n'est pas encore sorti. Une compo qui mêle plusieurs styles dans un son homogène.
Le riff surfeur, soutenu par une basse et une batterie stables, vous plonge rapidement dans une transe qui n'est interrompue qu'à mi-parcours par un petit mouvement harmonique. Les breaks apportent suffisamment de variations rythmiques pour que le son reste frais et excitant, et vers la fin, vous êtes toujours immergé dans un bain chaud de voix psychédéliques.
« Beef » est en écoute là
Avec « Capitan », les Marseillais de Kill the Thrill naviguent dans un paysage de rêve.
Kill the Thrill est doté d'une vision unique et insaisissable. Le duo français rêve d'un mélange abrasif mais hypnotique de rock industriel, de post-punk et de dark wave. Dès lors, le morceau extrait de son prochain album, « Autophagie », est accompagné des hallucinations surréalistes d’une vidéo cinématographique qui pourrait donner des cauchemars à David Lynch.
D'une durée de près de 10 minutes, « Capitan » est un voyage épique, bien que patient. Le premier plan de la vidéo apparaît lentement dans l'obscurité, comme si la caméra essuyait le sommeil de son œil. Les cordes bourdonnent comme des mouches tandis que le riff se transforme en un groove au format industriel, le tout servant de cadre à la voix patinée de Nicolas Dick.
Une mer d'images décousues inonde l'écran : statues englouties, flore en fleurs, colibris suspendus en plein vol. D'une manière ou d'une autre, ces visions surréalistes s'assemblent, gravitant autour du rythme régulier de la chanson, comme si elles étaient assemblées par leur propre logique onirique. Avant le rideau final, une apothéose de synthétiseurs rugit avec toute la terreur et l'émerveillement de la vie elle-même.
Voici ce que Dick et la bassiste Marylin Tognolli déclarent au sujet de leur nouveau single : ‘« Capitan » est un vaisseau habité, englouti par la réalité, en route vers son propre naufrage. Ce n'est pas un naufrage conçu comme une punition divine, mais comme un destin presque bienfaisant pour ce qui ne trouve pas sa place dans la compagnie des hommes. Le cycle avale tout et le recrache tout ce qui est simulacres, organique et inerte. Le clip a été monté comme un récit, chaque image faisant partie de l'allégorie. Une allégorie de paradis terrestres et temporaires...’
« Autophagie » sortira le 26 janvier 2024. En attendant, le clip consacré à « Capitan » est disponible là.
La formation dublinoise Sprints sortira son premier elpee, Letter To Self, le 5 janvier 2024.
Le quatuor garage punk a partagé un nouveau titre et une vidéo consacrée à Up and Comer, qui fait suite aux singles autonomes Adore Adore Adore et Literary Mind, parus précédemment.
Formé en 2019, Sprints pratique un punk/rock abrasif, influencé par les premiers Pixies, Bauhaus, Siouxsie Sioux, King Gizzard, Savages et LCD Soundsystem. Ses Eps Manifesto (2021) et A Modern Job (2022) ont suscité l'enthousiasme de la presse musicale britannique, qui les a soutenus à de nombreuses reprises.
Karla Chubb, chanteuse, guitariste et compositrice principale, explique que leur premier album est profondément personnel et autobiographique dans ses paroles et ses thèmes clés, tandis que sur le plan sonore, il explore un espace inspiré par leur amour du gothique du début des années 80, du noise rock des années 90 et d'influences plus modernes. Il revisite leurs moments les plus vulnérables et les imprègne d'un garage-punk viscéral. L’album vise à transformer en positif ce qui est considéré comme intrinsèquement négatif : les sentiments d'anxiété, de colère et de rage. C'est cathartique, c'est honnête, c'est brut.
Le premier single Up and Comer s'attaque au syndrome de l'imposteur. ‘C'est un récit invisible qui a été construit par les doutes et la négativité dont j'ai été nourrie par les autres’, explique-t-elle. ‘C'est une chanson qui s'attaque à ces idées et qui, au lieu de les laisser continuer à me freiner, me voit enfin me libérer de ce que l'on attendait de moi.’
Chubb, le guitariste Colm O'Reilly, le batteur Jack Callan et le bassiste Sam McCann se sont rendus dans la vallée de la Loire en France pour enregistrer l'album en 12 jours avec Daniel Fox du Gilla Band. Le résultat est un album d'une puissance stupéfiante, dont le message central est l'acceptation de soi.
Le clip de Up and comer est disponible là
Agé de 28 ans, Jordan Ward est originaire de Saint-Louis, dans le Missouri. Cette star américaine de la soul et du r’n’b a entamé sa carrière comme danseur professionnel et notamment dansé pour Justin Bieber et Becky J., avant de se lancer dans la musique. A ce jour, il a publié deux elpees, « Valley Hopefuls » en 2019 et « Forwards » en 2023.
Hétéroclite, multiracial et multigénérationnel, le public est majoritairement constitué de fans d’origine anglo-saxonne qui vont mettre l’ambiance, longtemps avant le show de Jordan. Surtout les filles…
C’est son programmateur, Kato, qui assure le supporting act. Deux ordinateurs sont installés sur une table, en fond de scène. De petite taille, l’artiste maitrise parfaitement son sujet en mixant des morceaux de soul, r’n’b, électro, techno et même drum’n’bass. Idéal pour chauffer la foule avant la tête d’affiche…
Jordan Ward grimpe sur les planches. Il a de longs cheveux coiffés en dreadlocks, est vêtu d’un pantacourt et d’une veste en jeans et est chaussé de souliers en cuir à semelles assez épaisses. Il est uniquement soutenu par Kato, son programmateur, qui se sert des mêmes ordinateurs. Et pas besoin de chœurs féminins, ils sont exécutés par ses fans qui connaissent toutes les paroles des chansons par cœur.
Dès le premier titre, le groovy « IDC », Jordan occupe tout l’espace scénique. Sa voix est claire, sucrée et suave. Parfois, elle me fait penser à celle de Jay-Z.
Il accomplit, de temps à autre, des pas de danse sur la pointe des pieds… comme une ballerine. Très interactif, notamment avec le public féminin qui ne cesse de faire grimper la température dans la salle, il est rayonnant, déborde d'une énergie chaleureuse et libère des ondes positives qui lui semblent familières. D’ailleurs ses textes traitent de sa vie de famille, de sa jeunesse, de son amour pour la danse et des problèmes de drogue chez ses proches.
Il n’en oublie pas ses hits, « Lil Baby Crush », « Ok/Hibachi », « Zoom Zoom » et bien-sûr « Holding Me Back » ainsi que « White Croc », des titres qui figurent sur ses deux opus.
Chaque fois que Jordan s’adresse à l’auditoire, entre les chansons, les applaudissements pleuvent de partout.
Jordan accordera un rappel de deux morceaux, « Letsgoski » et « Gangoo », au sein d‘un climat sémillant et propice à la danse.
Un set funky, soul et r’n’b de 60 minutes. C’était court mais excellent. On regrettera simplement l’absence de véritables musicos.
(Organisation Ancienne Belgique)
« Just Can't Get Enough », premier succès de Depeche Mode, c'était lui. Ensuite, il est parti former Yazoo, avant de fonder un autre duo baptisé Erasure. Fervent défenseur de la ‘synth pop’ (NDR : la pop électronique), le voici qui, la soixantaine bien entamée, publie son premier LP solo, quasi instrumental, et ambiant, organique aussi, malgré l'omniprésence des machines, déployant des paysages sonores grandioses nonobstant le climat claustrophobe qui a prévalu à leur création durant les différents confinements dus à la COVID.
Rencontre avec Vince Clarke qui sort son premier album solo en 40 ans de carrière…
Pourquoi ce titre, « Songs of Silence » ?
J'ai eu l'idée de ce titre, que j'ai gardé en tête, alors que je travaillais sur un autre projet il y a quelques années. Mais il s’explique surtout parce que je suis un grand fan de Paul Simon, et au cours de mon adolescence, une de mes chansons préférées était « The Sound of Silence » de Simon and Garfunkel. Par ailleurs, comme il s'agit principalement d'un disque instrumental, le titre coïncide parfaitement avec l'ambiance de l'album.
L'Eurorack, synthétiseur spécial que vous utilisez sur cet elpee, y joue un rôle central...
Il existe de multiples fabricants de modèles dans le monde entier qui créent leur propre style de synthétiseur. Eurorack permet de réunir toutes ces différentes approches. Un peu comme si vous aviez en main la voiture idéale : un moteur Porsche, un design Alfa Romeo...
Je suppose que nous devons remercier la COVID qui vous a enfin permis de sortir votre premier long plyaying solo en quarante ans de carrière ?
Il a certainement été le facteur déclencheur. Durant le premier confinement, j'étais coincé chez moi comme tout le monde, et j'ai passé beaucoup de temps en studio. C'était une période très propice à la réflexion. Beaucoup de mauvaises choses se sont produites dans ma vie et dans celle d'autres personnes proches, ce qui a vraiment influé sur la façon dont j'ai commencé à composer ces morceaux. Je souhaitais exprimer d'une manière ou d'une autre la tristesse que je ressentais à ce moment-là.
Au départ de chacun compo, vous produisez une note et vous ‘tournez autour’ un peu à la façon dont Michael Brooks utilisait son ‘infinite guitar’, il y a trente ans. Cet opus serait-il en rapport avec ce procédé ?
Il y a certainement un lien, mais également avec d'autres musiques ambient électroniques que j'ai écoutées récemment.
En compagnie d'un ami, je produis une émission de radio consacrée à la musique électronique. C’est l'occasion pour moi de découvrir de nombreux artistes différents et divers types de musique ambient. J'ai toujours été curieux de savoir comment ces musiciens s'y prenaient pour composer ; pour ma part, je travaille à la création de chansons classiques depuis 40 ans dans un format refrain/couplet/refrain. Je me suis demandé si je serais capable de créer, développer et étirer un morceau intéressant sans vraiment utiliser ces astuces, plutôt que d'utiliser les traditionnels changements d'accords.
Je comptais sur une texture évolutive. Et j'ai aimé le processus plus que tout. Je l’ai trouvé très thérapeutique dans son ensemble.
Avez-vous été influencé par des artistes comme Brian Eno, David Sylvian, Ryuichi Sakamoto, Laurie Anderson ou Tangerine Dream ?
Evidemment, je connais tous ces artistes programmés dans notre émission de radio ; mais, pour être tout à fait franc, je n'ai vraiment découvert cette musique qu'il y a environ quatre ans. Jusque-là, le genre ne m'intéressait pas particulièrement. C'est sans doute parce que je vieillis un peu ; j'ai plus de patience désormais pour écouter un morceau (il sourit).
Par ailleurs, la musique ambient électronique a fortement évolué. S'il y a 20 ans, quelqu'un m’en parlait, je pensais toujours au bruit de la mer sur le rivage ou au cri des baleines (rires). Le genre s'est énormément développé, parallèlement à l'évolution de l'instrumentation électronique dont on dispose désormais. Le matériel que j'utilise à présent est beaucoup plus ouvert à l'expérimentation et je trouve cette perspective fascinante.
Vous faites est une sorte de ChatGPT musical sous contrôle humain ?
(Il rit) Oui, je suppose. Pour certains morceaux du disque, lorsque j'enregistrais, alors que je produisais quelque chose de très électronique, j'entendais parfois un son plus humain dans ma tête. Ainsi, par exemple, « The lamentations of Jeremiah » était au départ une sorte de paysage sonore de science-fiction. Je l'ai ensuite envoyé à mon ami Reed Hays, un excellent violoncelliste, qui a composé et enregistré une partition de violoncelle par-dessus. Soudain, c'est devenu un morceau complètement différent, très humain et triste.
Et c’est pareil pour le titre « Passage » qui contient une voix de soprano tout au début et en son milieu ; là encore, l'apport de la voix a créé ces morceaux particuliers, subitement complètement différents et organiques.
Pourquoi n'en jouez-vous pas vous-même car le premier instrument sur lequel vous avez joué lorsque vous étiez enfant, c'était le violon ?
C'était il y a longtemps ! J'ai commencé à en jouer à l’âge de 12 ans. J'ai gardé mon violon... qui est irréparable. Mais en vieillissant, j'apprécie d'autant mieux les talents et les compétences des autres d'autant que ceux de Reed Hays sont exceptionnels. Aucune chance que je puisse l'égaler vu mon lamentable jeu au violon (rires).
Vous êtes un passionné de technologie et d'instruments de musique. Aviez-vous l'impression durant l'enregistrement d'être semblable à un pilote de drone ?
(Il réfléchit) Je ne sais pas... L’intégralité du processus d'enregistrement de ce disque s'est révélée complètement différent de tout ce que j'ai réalisé auparavant. D'abord, j’étais seul en studio ; enfin, mon chat et moi. Évidemment, lorsque j'écris des chansons avec mon partenaire d'Erasure, cela n'a rien à voir. Mais ces sessions n’étaient pas censées se retrouver sur disque. C'était juste moi qui expérimentais et créais de la musique en studio. Donc à l'origine, les morceaux s'intitulaient drone 1 2 3 4. Puis j’ai envoyé les fichiers à mon ami Daniel Miller de Mute Records qui m'a suggéré de les graver sur un album, ce qui n'était pas du tout mon intention au départ. J'aurais pu être simplement heureux de continuer à triturer ces morceaux à l'heure où je vous parle. Mais j'en ai tiré beaucoup de satisfaction, notamment du processus, probablement plus que toute autre chose. Un voyage intéressant.
Mais alors pourquoi des titres comme « White Rabbit » et « Red Planet » ?
(Il rit) J'avais l'habitude, pour les albums d'Erasure, d'écrire les chansons, et de laisser le choix des titres à Andy qui est bien meilleur que moi dans ce domaine.
Soudain, la responsabilité était mienne... résultat, c’est devenu un cas vraiment classique du son du morceau qui suggère le titre.
Par exemple, j’estime qu'un titre comme « White Rabbit » semble assez frénétique.
Et évidemment, c'est une référence à ‘Alice au pays des merveilles’. Le passage, dans lequel chante la soprano, me donnait l'impression d’un voyage difficile. Mais les titres ont surgi spontanément ; il m'a fallu à peine une demi-heure pour intituler les dix morceaux. Je devais sans doute inconsciemment y penser ces deux dernières années, car soudain ils ont émergé à la surface de ma conscience...
Et « Mitosis », est-ce une référence au jeu vidéo ou à cet élément scientifique qualifié de mitose ?
C'est une référence au phénomène scientifique, à l'activité frénétique des cellules qui se divisent.
Je souhaitais un titre qui exprime la vitesse et le chaos. Et c'est le mot qui a surgi.
« Red Planet », se réfère, je suppose, à la planète Mars.
En effet. Et je suis un grand fan de science-fiction.
Il en était donc de même pour un autre morceau, intitulé « Last Transmission ». Ils sont le résultat de visionnages de films de science-fiction pendant la COVID.
Donc, si Ridley Scott vous demandait de composer la bande originale du nouveau ‘Prometheus’, vous répondriez avec enthousiaste ?
Et comment ! Le tout premier titre que j'ai composé et qui m'a inspiré l'album, « Cathedral », l'a été après avoir visionné ‘Blade Runner 2049’ que j'ai dû voir six fois. A la fin, j'ai commencé à prêter attention à la bande originale. Et je me rappelle juste m'être dit : ‘J'adore cette B.O. et je crois que je vais composer celle de ‘Blade Runner 3’... Mais j'attends le coup de fil, on verra bien (rires).
Mais rêvez-vous de composer la bande originale non seulement d'un film de science-fiction ou tout simplement d'un film ?
J'ai en quelque sorte composé quelques petites choses par ci par là, mais c'est un autre monde. Je me suis penché là-dessus il y a peut-être 20 ans. J'ai passé du temps à Los Angeles avec des gens du cinéma et des directeurs musicaux. Après ces rencontres, j'ai réalisé que c'était un univers dans lequel je ne voulais pas évoluer. Il y a beaucoup de politique en jeu, et puis je ne souhaitais pas composer en compagnie de quelqu'un qui regarde par-dessus mon épaule.
La pochette évoque le ‘Best of’ de The Cure, un disque paru il y a bien longtemps, dont la photo en noir et blanc représente le visage d'un vieil homme ?
Lorsque cette aventure s’est transformée en album, j'ai souhaité que la pochette corresponde un peu plus à un documentaire ou soit un peu plus sérieuse que celles des disques auxquels j'ai participé par le passé.
L’idée que ce soit dans un style très documentaire et très rugueux me semblait intéressante. J'ai 63 ans et il me plaît de ne pas faire semblant de ne pas avoir mon âge. Les visuels donnent un peu plus de poids au disque ; c'est pourquoi nous avons choisi le noir et blanc. Et le photojournaliste Eugene Richards n'est pas du tout un photographe musical, mais plutôt documentaire.
Comment revoyez-vous aujourd'hui à cette scène électro qui a sévi au début des années 80 ? Je pense à John Fox, Heaven, 17, Human League et Fad Gadget ?
C'étaient mes héros. Je garde donc de très bons souvenirs de cette époque et, j'écoute encore toujours ces disques.
Lorsque j'étais jeune, la musique punk est apparue, ce qui était assez excitant ; mais en fin de compte, je ne la trouvais pas très révolutionnaire. Juste du rock and roll joué un peu plus vite...
Ce qui ne veut pas dire que je n'aimais pas. Au contraire j'adore les trucs punk. Mais quand la musique électronique a émergé, elle m'a paru révolutionnaire. La réinvention de tout, du son, surtout grâce à des groupes comme Human League, Fad Gadget et Neu!, c’est quelque chose que nous n'avions jamais entendu auparavant.
C'était donc incroyablement excitant. Eh bien avant de commencer à faire de la musique pour de l'argent, mes amis et moi étions fans de ces formations qui ont émergé à l'époque…
Ceux que j'ai mentionné pratiquaient de la cold wave. D'un autre côté, des bands comme OMD, Ultravox, Pet Shop Boys et The Bronsky Beat étaient plus pop. Vous les appréciiez autant ?
Oui. Je suis un grand fan de ces groupes simplement parce qu'ils ont sorti énormément de bonnes chansons. A l'époque de Depeche Mode, nous étions tous fans de musique pop, de chansons qui duraient trois minutes, sans doute parce que c'est ce à quoi nous avons été exposés à la radio en grandissant. Dans le cas d'Erasure, on dit souvent que nous sommes un groupe de synth-pop. Mais je préfère entendre qu’Andy et moi sommes de véritables auteurs-compositeurs.
Simplement, nous utilisions des synthétiseurs. Les chansons que j'ai le plus aimées sont pop, dont je suis grand fan et je n’ai pas honte de le dire.
Les Sparks et Jean-Michel Jarre ont-ils exercé une grande influence sur vous ?
Oh, « This Town's Not Big Enough For The Both Of Us » a été le tout premier disque que j'ai acheté. J'avais 15 ans et ma sœur travaillait chez un disquaire et pouvait bénéficier d’une réduction. Ce qui était donc important. C'était la première fois que l'on voyait un claviériste qui ne souriait pas... Par la suite, évidemment, tout le monde l'a imité... (rires).
Et Jean Michel Jarre ?
J'ai eu la chance de travailler avec lui sur quelques titres d'un album. Il m'a contacté, puis est venu me voir à New York. Ma femme et moi étions très stressés parce que c'était la personne la plus célèbre que nous ayons jamais rencontrée. J'ai signalé à mon épouse qu’il fallait acheter du bon vin et lui proposer de l'excellente cuisine... (rires). Bref, nous étions vraiment très anxieux. Mais il s'est avéré être l'une des personnes les plus charmantes que je n'ai jamais rencontrée. Et puis, il est tellement enthousiaste ; il adore ce qu'il fait, c'est évident. Cette rencontre a été un véritable honneur pour moi et j'étais très flatté.
Suivez-vous encore la carrière de Depeche Mode ?
Pas de façon compulsive, mais j'ai écouté leur dernier album ainsi que les deux précédents qui sont probablement parmi leurs meilleurs disques. L'écriture de Martin (Gore) y est phénoménale.
Le plus récent est évidemment très poignant à cause de la mort d'Andy Fletcher. Lorsque le premier single est sorti, j'ai demandé au label s'il était paru avant ou après la mort d'Andy Fletcher. C'était avant. Pourtant, il reflète le drame de son décès. Martin est un véritable génie…
Vous composez souvent à la guitare dans Erasure. Mais pour cet elpee, vous avez débuté par la machine…
En effet et avec des sons très simples, puis j'en ai progressivement introduit d'autres et des éléments divers, sans planning, dans un processus évolutif.
Ce qui a pris du temps car j'étais totalement absorbé par le projet. Il ne m'a jamais paru comme une corvée, et j'y ai trouvé beaucoup de sérénité.
Vince Clarke - Songs of Silence (Mute) – Date de sortie : 17 novembre 2023
Après avoir gravé Little Eden en 2021, The Bevis Frond publiera son nouvel opus studio, Focus On Nature, le 1er mars 2024.
Le nouveau single, Focus On Nature (en écoute ici), vient de sortir. Il révèle des sonorités de guitares sur plusieurs niveaux, lesquels soutiennent une contemplation onirique de la nature et de ses voies mystérieuses. Quant aux harmonies du refrain, elles se développent jusqu'à une apothéose symphonique grisante.
Ces 75 minutes de mélodies glorieuses oscillent du psychédélisme des années 60 au folk anglais, en passant par les Wipers de Seattle, la pop de Dinosaur Jr et les explorations dignes d'Hendrix. Ainsi, il y a toujours un élément d'anglicité enjouée dans leur musique. Fortement influencés par les Lemonheads, Teenage Fanclub, Elliot Smith, Pavement et Dinosaur Jr, les Bevis Frond livrent une nouvelle œuvre exceptionnelle qui vient s'ajouter à leur immense catalogue.
Focus On Nature commence par un résumé perspicace de cinq minutes de la crise climatique Heat avec un riff brûlant et un solo incendiaire. Nos vies et notre époque sont soumises à un examen, à partir des badinages du groupe en cavale qu’on trouve sur The Hug et Here For The Other One. Il y a une fantaisie mystique sur Happy Wings tandis que Leb Off est une vision sombre de l'austérité de l'après-guerre sur fond de psychédélisme doucement gratté. Tout au long du chemin, il y a des histoires de guerre réelles, dans la perspective de notre inéluctable avenir et de cocktails diaboliques.
Comme son précédent elpee, Little Eden, Focus On Nature étudie la lassitude du monde mais remplit une toile plus grande : le fast-food et le réchauffement climatique, les cœurs brisés et les nuits passées à sortir terminées depuis longtemps, l'immortalité quotidienne et le fait d'être un cadeau de Dieu. C'est comme si Townshend était à son plus haut niveau thématique, Big Star dans toute sa gloire acoustique, équilibrant parfaitement le combo rock garage punky qui finit par aboutir à Empty avec les breaks de Gilmour qui élèvent le tout à la noblesse de l’art.
Actuellement en phase finale de production, Nick Saloman fait également l'objet d'un nouveau film documentaire dont la sortie est prévue en 2024.
L’adage veut que le troisième album d’un groupe soit celui de la maturité. Pour Nature Morte, c’est plutôt celui de la singularité.
Comme dans tout album de Nature Morte, l’alchimie entre rythmiques, harmonies et mélodies demeure intacte. Mais pour ce troisième long-format, le trio s’offre une liberté créative criante.
De ses influences 80’s disséminées discrètement à cette reprise de l’intemporel classique de Deftones “Fireal”, Oddity dessine un univers à part dans la discographie de Nature Morte. La formation francilienne ne se réinvente pas, elle mue. Une fois de plus, elle n’a que faire des étiquettes stylistiques habituelles. Elle suit ses propres règles quitte à s’auto-cataloguer, presque ironiquement, comme de l’indie-metal.
L’album complet est en écoute ici
« Blason », troisième album solo de Nicolas Comment, est un Memory game : un jeu de pistes et d’armoiries. Sous forme de portraits-chinois qui sont autant de vies d’artistes, les 11 chansons de ce disque sont un hommage aux muses cachées, aux pygmalions secrets.
L’artiste (auteur-compositeur-interprète mais également photographe et écrivain) y est entouré du meilleur groupe de rock français The Limiñanas ainsi que de choristes de rêve –la chanteuse californienne Brisa Roché et son double, la Parisienne Milo McMullen– qui incarnent ces biopics dans un jeu de miroirs, comme les multiples faces d’un dé, d’un Rubik's cube… Des complices –le poète-compositeur Patrick Bouvet, le pianiste Maxence Cyrin, le trublion Romain Guerret (ex-leader du groupe Aline) et le réalisateur Éric Simonet (Movement) y croisent le fer avec le guitariste de Bob Dylan, Freddy Koella ou le producteur-claviériste (et cinéaste) Marc Collin (Nouvelle Vague).
Enregistré au studio Alphaville à Châtelet-les-Halles et masterisé à la Bastille, le Son même de Paris y relève le gant de la chanson d’auteur française, indépendante et Rock.
La ‘lyrics vidéo’ de « Helmut » (feat. Brisa Roché & Milo) est disponible ici
Sang Froid est né en hiver. Après avoir gravé un premier Ep en 2021 et accordé des dates en compagnie de Perturbator ou Frustration, les Nantais franchissent le pas de l’album. Huit titres qui accompagneraient parfaitement une marche seul la nuit, le cœur trop lourd, dans une ville trop grande, à l’architecture froide.
Trahi par son nom, cet opus aborde la nuit, la solitude, les addictions et l’amour. « All-Nighter » met en musique les émotions et expériences qu’un humain peut vivre le temps d’une nuit ; qu’il soit seul à se retourner dans son lit, à errer dans les rues d’une ville, à travailler ou à s’oublier dans les substances.
Son récit débute au crépuscule et se finit à l’aube. Son décor, lui, est urbain et décadent. Le tout se veut inspiré par des groupes tels que Cocteau Twins, Dead Can Dance, Sister Of Mercy ou encore Depeche Mode. « All-Nighter » a été enregistré, mixé et masterisé en compagnie de Benoît Roux (Alcest, Sylvaine, Nesseria, etc.) au Drudenhaus Studio (Nantes).
Aujourd'hui, le quatuor composé de membres de Regarde les Hommes Tomber et de The Veil propose un second extrait, "Eternal Light".
Aussi froid et gris que le précédent titre, ce deuxième aperçu est une introspection, la quête d'une certaine lumière dans le noir.
"Eternal Light" est à écouter là
Après avoir publié un premier single intitulé "Voice", hymne féministe rappelant la nécessité de garantir les droits des femmes et des minorités de genre, puis un second single baptisé « Naked man (in the forest) », qui renvoyait à la violence représentée par la confrontation à un exhibitionniste dans l’espace public, epona Guillaume nous en propose un troisième, "Don't Care".
epona décrit ce premier Ep comme le reflet des contradictions de notre existence et de nos interactions avec les autres, à la fois lumineuses et sombres, légères ou plus profondes, souvent douces mais parfois très acides. Sur une musique influencée par le rock des 90’s et des années 2000, les mots d’epona dénoncent tout ce qu’il n’est plus possible d’accepter.
Le clip de « Don’t care ! » est disponible là
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