29.03.2025 Marcin Patrzałek
La Madeleine, Bruxelles
Les billets sont en vente à partir du vendredi 6 septembre à 10 heures.
ME 15.01.2025 Queen Priyanka
Charlatan, Gand
Les billets sont en vente à partir du vendredi 6 septembre à 11 heures.
Août en Eclat est LE rendez-vous incontournable de fin d’été. Gratuit, familial et pluridisciplinaire, ce festival accueille, depuis 2005, une vingtaine de spectacles, un village des enfants, un marché du monde et des saveurs ainsi que des animations de rue. Arts circassiens et concerts en tous genres trouvent un magnifique écrin sur les places Verte et Van Zeeland, en plein centre historique de Soignies.
Une journée fort attendue par petits et grands, d’autant plus que l’ensemble des activités et des concerts ne coûtent que dalle. Et gratuité ne rime pas avec facilité, puisque d’année en année, l’affiche se veut de plus en plus alléchante. La preuve, cette année, les Négresses Vertes et Stephan Eicher, qui se chargera de présenter une rétrospective d’une carrière longue de 40 ans, vont clore la journée.
Le soleil est généreux, tout comme d’ailleurs l’ensemble du staff qui ne ménage pas ses efforts pour que les festivités puissent se dérouler sans accroc. Bravo à eux !
Côté musique, deux scènes se côtoient, la grande pour les artistes confirmés et la plus petite pour celles et ceux, qui pourraient le devenir.
Sur le coup de 13h30, CestCalvin ouvre les hostilités sur la petite scène. Il s’agit d’un tout jeune gaillard d’à peine 24 berges. Auteur, compositeur, réalisateur et interprète hip-hop, il est carolo d’origine. Sa particularité ? Il s’est construit à la seule force de ses vibes.
Fils d'un bassiste de jazz, il baigne dans la musique et la culture afro-brésilienne depuis son plus jeune âge. Fort de ces influences, mais également de celles d'artistes comme Daft Punk, Outkast ou encore de la scène rap issue de la côte Ouest américaine, son premier morceau posté sur Instagram, « Ignorance », a été enregistré sur son téléphone, dans sa chambre. Osé, non ?
Le jeunot est accompagné d’un comparse qui lui procure un support musical à l’aide de sa platine (NDR : rares sont ceux qui, en effet, dans ce style, sont épaulés par des musicos). Gageons dès lors qu’il parviendra à remplir l’espace scénique. Il est vêtu d’un polo, capuche sur la tête ; et de grosses lunettes de soleil sont vissées sur son front.
Timide, sa voix tremblote un peu. Ses textes sont largement inspirés d’expériences qu’il a vécues. Il y brosse l’amour, les sentiments ou encore les ex, à l’instar de cette compo légère, mais profondément sincère : « Gros bisous ». Il sait aussi se montrer perspicace lorsqu’il s’agit de décrire son quotidien à l’instar de « All-in », qui vient malheureusement rappeler que la période des congés est un souvenir lointain pour la majorité des festivaliers présents sur le site. Qu’importe, Carpe Diem !
Il s’affranchit. On apprend qu’il a coopéré avec d’autres artistes de renom comme JeanJass, principalement connu pour ses multiples collaborations en compagnie du rappeur belge Caballero. Malheureusement, il n’a pu être présent. Mais que les fans se rassurent, CestCalvin a plus d’un tour dans son sac. Ni une, ni deux, un pote surgit des coulisses. C’est Nicki. Ensemble, ils partagent le projet Tempo. Le jeu du rappeur prend alors une dimension plus professionnelle à travers sa flopée de compos tantôt incisives, tantôt amusantes, à l’instar de « No stress ».
Le set, dans son ensemble, manque encore de cohésion et de profondeur, mais CestCalvin s’en tire globalement bien. Seul bémol, les trop nombreux effets sur la voix, obtenus à l'aide de l’autotune, utilisé à l’origine pour corriger les notes aiguës ou plates de la voix.
The Rackers opère un virage à 180°. Fondé en 2016, ce trio réunit des amis de longue date : Allan Tombeur (basse), Yohan Pisella (batterie) et Jimmy Morais Rosa (guitare, chant).
The Rackers, c’est la tradition du bon vieux rock des 90’s aux influences UK puisées chez Royal Blood, The Strokes, The Rapture, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Blur, The Libertines et bien d'autres....
Le groupe rôde ses compos en concert, remporte plusieurs concours et se produit sur de belles scènes, comme au Bota ou dans le cadre du Ronquières Festival. Le succès prenant de l’ampleur et l’envie de partager un univers bien à eux l’incite à enregistrer un premier album. Prometteur, il s’intitule « Lovaria », un nom emblématique dans la Cité des loups. Pas étonnant donc que les lascars arborent des vestes en jeans noires à l’effigie distinctive d’un grand loup.
Après une brève intro, le combo grimpe sur les planches et attaque immédiatement « Melany ». Une compo énergique aux riffs de guitare et dont les coups sur la caisse claire déchirent.
Le son punchy pousse le public à se presser en masse pour découvrir ce groupe à la vitalité débordante.
Le power trio s’en donne à cœur joie tout au long d’’un « Doctor » au sonorités post-industrielles mancuniennes voire liverpuldiennes.
L’investissement est réel alors que dehors, la chaleur devient tropicale. La sueur perle sur le front de Yohan, tandis qu’Allan garde la bouche ouverte ; sans doute la seule alternative pour diminuer sa température corporelle.
Les chansons s’enchaînent à grande vitesse. Les références britanniques sautent aux oreilles tout au long de « Fabulous », « You think » ou encore « Quiet drink ».
Le public danse frénétiquement. Des festivaliers lambdas ont même retiré leurs godasses, dans une communion folle. « Hey Honey » provoque une exaltation des grands jours.
Caractérisé par ses contre-temps temps à la basse et à la batterie, le tonitruant « Lolly’s Wood » clôt un set au cours duquel les portugaises en ont pris un sacré coup.
Une découverte à suivre de très près, c’est une certitude.
Nouveau changement de cap puisque Benni est responsable d’un folk doux et léger.
Le destin de cette jeune demoiselle hors du commun s’est écrit alors qu’elle n’avait que 18 printemps, en Nouvelle-Zélande. Elle y croise fortuitement un gars qui joue de la gratte en rue. Une rencontre qui va orienter son parcours.
Si la musique fait partie de son ADN, elle a d’abord fréquenté une académie à partir de 8 ans, pour y apprendre à jouer de la guitare classique. Elle a participé à la chorale de son village pendant un peu plus d’une décennie. Ensuite, elle a achevé sa formation musicale à la SAE de Bruxelles, en 2020. Elle a également participé au ‘Concours-circuit’ la même année ; ce qui lui a permis d’assurer des premières parties d’artistes confirmés comme Sharko, Roscoe ou encore Cœur de Pirate.
S’il lui arrive de se produire seule, Benni est aujourd’hui soutenue par un backing group. La demoiselle semble intimidée par la foule qui est déjà conséquente en ce début d’après-midi.
Elle entame sa prestation par un magistral « You ». Maîtrisée, sa voix possède un grain voilé, lui conférant une fragilité singulière.
Son univers musical rencontrerait davantage d’écho au sein d’un environnement beaucoup plus feutré. Se produire au cours d’un tel festival pourrait constituer une mise en danger, notamment parce que le public ne s’est pas nécessairement déplacé pour elle. Mais, elle s’en sort formidablement bien. Des spectateurs se sont assis sur le sol écoutant religieusement cette artiste au grand cœur et au talent indéniable.
Le féérique « September 20 » (NDR : il a été produit par Thomas Médard de Dan San et mixé par Tommy Desmet, mieux connu pour son travail auprès de Girls In Hawaii, entre autres), signe le deuil d’une première histoire d’amour. Benni, soudainement abandonnée, écrit les lignes d’une lettre d’excuses qu’elle aurait aimé recevoir. Dès lors, pourquoi ne pas prendre la plume à la place de l’autre ? La chanson a-t-elle provoqué une réponse chez la personne dont le message était destiné ? Nul le saura !
D’une voix envoûtante, elle entreprend ensuite un « Come » destiné à toutes ces âmes perdues. Ses musiciens ont quitté l’estrade et Benni, seule, interpelle. Sa prestation est plus que convaincante. D’une passion, elle dessine aujourd’hui les traits d’une future carrière musicale jalonnée d’excellentes critiques. Comme quoi, il faut croire en ses rêves. Si sa vie était une histoire, cette fable en serait-elle la morale ?
Proche de son public, l’artiste ne manque pas d’humour lorsqu’elle lui demande de mimer la tristesse juste avant d’interpréter un faux dernier titre, prétexte au rappel, sous la forme d’un « Queen of cactus cove » épatant.
Petite, Benni adorait dessiner des baleines. Symbolisent-elles la protection et la sagesse ? Communiquent-elles par la musique de leurs ultrasons pour prendre soin des unes et des autres ou pour naviguer entre la profondeur des océans et la surface ? La question reste posée, au terme d’un set vraiment trop court.
Si les festivals prônent souvent l’éclectisme et le mélange des genres, ici, le choix de cette artiste à fleur de peau s’est avéré gagnant.
Sur la main stage, les préparatifs qui précèdent le concert de Fùgù Mango (prononcez Fou-Gou-Mang-Ô) s’activent. Pendant ce temps-là, le soleil frappe dur sur la caboche.
Formé en 2013, à Bruxelles, le combo implique les frangins Lontie, Jean-Yves (guitare) et Vincent (chant et percus), tous les deux issus de feu Bikinians. Ils partagent une même passion pour le groove, les rythmes africains et l’indie pop… Deux Eps, publiés respectivement en 2008 et 2009 leur procureront d’ailleurs une critique impressionnante dans les pages d’un célèbre magazine français, qui les compare alors à Oasis et Supergrass. Rien que ça !
Les deux frangins fondent Fùgù Mango en 2013. L’un est situé à front de scène, tandis que l’autre reste en retrait. Le line up inclut également Anne. Elle se réserve les backing vocaux, les claviers et la basse. Et elle se plante au centre du podium. Deux blacks corpulentes se placent de part et d’autre. Elles sont vêtues de blanc. A l’arrière, le batteur et un percussionniste sont chargés d’imprimer le rythme.
L’estrade est relativement bien achalandée d’instruments divers et variés. Les classiques guitare, basse et batterie, évidemment. Mais aussi, des percussions, de maracas, ainsi qu’un xylophone.
C’est par son dernier né, « Toposphère », que FM débute son set, profitant de multiples reflets ensoleillés et chaleureux qui entretiennent un certain sentiment d’allégresse. Une compo dans la langue de Voltaire svp. Un exercice de style qui colle bien à la formation. Une ode à l’envie de liberté et d’évasion.
Le combo était déjà parvenu à mettre sa culture métissée au service de « Mango Chicks », un premier Ep fort prometteur paru en 2016 qui lui avait permis d’écumer pas mal de scènes et festivals (Eurosonic, Printemps de Bourges, Europavox, Paléo, etc.) et même de partir en tournée dans les Balkans…
Très vite, le concert offre une large palette de sons exotiques, rythmes afro et indie pop, tout en privilégiant le groove. La culture de Fùgù Mango en quelque sorte. Malgré les températures élevées, les chansons provoquent un élan dansant. Même les plus timides s’y adonnent.
La conjugaison des voix opérées entre Vince et Anne rappelle, de manière incantatoire, le binôme de The XX, groupe de rock britannique en vogue. Le rôle des choristes va bien au-delà de la simple représentation. Elles s’investissent franchement et apportent même une raison d’être à l’ensemble.
Intemporel, « Blue Sunrise », tiré de « Alien Love », rappelle l’aspect tropical et métissé de la pop concoctée par FùGù Mango. Les percus apportent elles aussi pas mal de rondeur. Ça sent le sable chaud et la mer turquoise. De même, « Willy Wonka », issu d’un dernier essai baptisé « La Maquina » permet de savourer pleinement les fragrances exotiques grâce à son rythme afrobeat, tout comme « Subugu », prétexte parfait pour un collé/serré endiablé, sublimé par ses enveloppes plus électroniques à base de xylophone.
Et lors du titre maître aux accents hispaniques, « La Maquina », les paroles sont hurlées et reprises en chœur par un public décidément fort réceptif…
Véritables hommes du monde, les frangins absorbent les cultures issues de leurs périples. Ces guitares langoureuses, ces nappes de synthé luxuriantes et ce plaisir de produire de belles mélodies illustrent parfaitement ces desseins.
Résumer FùGù Mango à quelques synthétiseurs chauds, des accords de guitares, et une basse qui ondule au gré des chansons, serait faire offense à une formation qui cherche depuis ses débuts à produire une musique du monde dominée par un courant exotique. Un courant dont on se sent inexorablement attiré.
Le show tire doucement vers la fin. Mais avant de baisser le rideau, le combo s’essaie à la cover d’un titre de la dance des 90’s, « It’s gonna be alright » de Deep Zone, un de leurs plus gros succès. Une franche réussite ! Vraiment surprenant ! Il y a quelques années, c’était « Golden Brown » des Stranglers que le band s’était réapproprié.
Retour sur la petite scène pour le set de Thomas Frank Hopper. Né à Bruges, son parcours musical a débuté en Afrique, où le chanteur-compositeur a passé une grande partie de sa vie. De retour en Belgique à 17 ans, il rejoint Cheeky Jack, une formation pop-rock groovy au sein de laquelle il milite durant quelques années, histoire de se faire les dents.
Il décide ensuite de créer son projet solo. Il enregistre un premier Ep baptisé « No man's land », en 2015. Et l’année suivante, un premier elpee intitulé « Searching Lights », qu’il considère davantage comme un essai qu’un véritable album.
L’artiste est épaulé par trois compères. Un batteur installé en retrait, un claviériste et un bassiste, qui de temps à autre troque son instrument contre une six cordes.
Le set débute par un « Back to the wild », qui suinte le blues/rock, une chanson issue d’un dernier opus plébiscité par les critiques. Le gars pince les codes de sa gratte avec une facilité déconcertante. Pas de doute, Hopper compte bien prêcher le blues aux plus récalcitrants.
Très vite, « Paradize city » prend le relais, une chanson plus rock plus pêchue, avec un petit côté vintage obtenu grâce à l’utilisation d’une tête d’ampli ‘Orange’.
Frank alterne également avec une steel guitar qu’il joue assis. L'instrumentiste utilise alors un bottleneck qui lui permet de faire varier la hauteur des notes produites, alors que « Bloodstone » fait apparaître des sons plus contemporains avec en filigrane ses guitares poisseuses ainsi que le gimmick entêtant du clavier. Quoiqu’il en soit, un mélange très réussi de blues et de rock. Bref, ça décoiffe !
Le leader possède un timbre de voix puissant, notamment lorsqu’il monte dans les aigus. Généreux également, ses interactions avec le public sont nombreuses. Et il le lui rend bien par des signes fédérateurs.
Alors que le concert bat son plein, le gars se saisit d’un étrange instrument. A s’y méprendre, on dirait une planche de skateboard. Mais, en réalité, il s’agit d’une Weissenborn (une marque hawaïenne de guitares en bois de koa, un bois originaire d’Hawaï), qui s’apparente à une lapsteel. L’artiste connaît bien cet instrument pour avoir séjourné au Pays de Galles. Les sonorités qui en découlent sont très particulières. Un animal mystérieux qu’il maîtrise parfaitement.
Frank empoigne ensuite une sèche alors que ses musiciens se retirent. Il entame un « Tomb of the giant » génial où la voix du crooner est particulièrement mise en exergue. Un régal !
Alors que le concert prend des allures de départ, « Till the day I die » souligne l’authenticité d’un musicien aux mille facettes, bercé autant par des rythmes africains que par des mélodies anglo-saxonnes dans lesquelles il puise toute son inspiration.
Thomas Frank Hopper a livré ici une prestation qui sonne décidément très roots !
Morpho va-t-il pouvoir rivaliser ? Un inconnu aux yeux et aux oreilles de votre serviteur.
A l’état-civil, Mathias De Vleeschouwer, est un produit de la téléréalité. Un de plus ! Un de trop ? A vérifier !
Après sa participation à la saison 9 de ‘The Voice Belgique’, Mathias a été repéré par Alex Germys, producteur notoire, avec qui il a mis en forme son premier Ep.
Pas étonnant que des jeunes demoiselles se soient soudainement immiscées dans le public. Faut dire que le gars possède aussi un physique qui ne passe pas inaperçu.
Il est accompagné d’un batteur, d’un claviériste, d’un guitariste et d’une bassiste. Ex-Coline et Toitoine, cette dernière milite également au sein de Colt.
Influencée par Coldplay, London Grammar, Inhaler ou encore Charles, sa musique oscille entre pop sucrée, rock un tantinet rebelle et électro endiablé, à l’instar de « Higher », un premier single sorti il y a un an déjà ou encore d’« Over again ». On peut remettre en cause la crédibilité des jeunes issus d’émissions télé, mais force est de constater que l’univers sonore de cet artiste est bien personnel.
Peu puissante, sa voix est plutôt atmosphérique.
Parfaitement maîtrisée, sa version du « Coming Home » de The Haunted Youth (NDR : un groupe belge drivé par Joachim Liebens) est une vraie tuerie !
Pour terminer, Morpho livre une compo en français, brillamment interprétée et qui risque de devenir son nouveau cheval de bataille.
Si le set de cet artiste émergent manque encore de maturité et de relief, il faut reconnaître que son charisme et sa performance vocale lui ouvrent les portes d’une future belle carrière. A suivre donc !
Après une pause bien méritée, votre serviteur s’installe à nouveau devant la main stage. Des vieux de la vieille s’apprêtent à y grimper : Les Négresses Vertes (NDR : le patronyme aurait été choisi à la suite de l'invective d'un vigile dans un bar, qui se serait exclamé ‘Sortez les négresses vertes !’, en voyant leurs cheveux teints). Au sein du collectif formé en 1987, figuraient des musicos issus de la scène punk rock.
Alors que François ‘Cizzko’ Tousch se pointe doucement accordéon en bandoulière pour entamer « La valse », il est vite rejoint par ses comparses Stéfane Mellino (guitare, chant), Jean-Marie ‘Paulo’ Paulus (basse, chant, guitare, ukulele), Isabelle ‘Iza’ Mellino (percussion, chœurs), Michel ‘Ochowiak’ Estrade (trompette), Gwen Badoux (trombone) et Matthieu Rabaté (batterie). Une sacrée bande !
Si la musique est toujours aussi pétillante, les visages des membres du groupe sont burinés par le temps qui passe. A vrai dire, ont dirait des papys qui font de la résistance !
Après avoir accueilli les ados prépubères de Morpho, l’auditoire est maintenant essentiellement constitué de quinquas.
Plus de trente ans après le succès de leur premier opus « Mlah », Les Négresses Vertes opèrent un retour remarqué ! « Voilà l’été » ravit les aficionados, heureux de (re)faire connaissance avec une tranche de vie, qui, semble-t-il, les a bien marqués. Une compo tout en couleur qui sent bon le soleil et l’herbe fraîche (NDR : pas celle que l’on fume ; d’ailleurs, elle ne l’est pas vraiment…)
Grâce à des titres comme « L’homme des marais » ou encore « La danse des Négresses », la musique de cette formation légendaire allie joyeusement la guinguette et le folklore méditerranéen.
Le concert se mue en fête paillardes tout au long de l’incontournable « Zobi la mouche », qui symbolise une putain d’histoire de la chanson française de la fin des années 80 et du début des années 90. Une compo qui, en fin de parcours, dérive dans l’impro. Alors, la foule ne peut s’empêcher de reprendre le refrain en chœur, comme s’il venait de nulle part.
Ces vieux briscards est parvenue à agréger l'impertinence du rock, les rythmes latins (dont le raï), l’aspect le plus gouailleur, truculent et festif de la chanson française (cabaret, java, etc.) et même la fanfare (trombone, trompette), tout en véhiculant des textes graves avec un humour féroce.
Le décalé « Famille nombreuse » aux accents italiens et le percutant « Les yeux de ton père » mettent littéralement une ambiance de feu tout en se remémorant la décadence des années folles.
Sur un rythme endiablé tout en célébrant la rencontre entre la guitare et l’accordéon, « Sous le soleil de Bodega » s’enfonce alors dans la pénombre de notre matière grise et il est probable que, quelques jours plus tard encore, il continue de résonner dans la tête de milliers de festivaliers qui ont vécu ce concert.
Ces trublions de la chanson francophone ont conservé leur énergie originelle et durant une heure, tout en s’amusant à dispenser un répertoire qui tient toujours la route, ont entraîné un public à faire la fête…
Il n’y manquait, sans doute, que le grain de folie d'Helno, chanteur emblématique du groupe, décédé en 1993 d'une overdose...
Enfin, le prochain et dernier grand artiste à se produire est Monsieur Stephan Eicher. La place est noire de monde. Votre serviteur est bien placé, à front du crash, et préfère y rester, quitte à faire le pied de grue durant une heure.
A 22h30 précises, Eicher débarque. Il prend place sur un siège que le staff a posé sur l’estrade quelques minutes auparavant.
Il ne pète pas un mot, se saisit de sa gratte et entame quelques accords, mais s’arrête presque instantanément agacé par le bruit (‘boum boum’) d’une activité voisine qui pollue son interprétation.
Il interroge l’assemblée. Est-ce quelqu’un qui roule en BMW, fenêtre ouverte, à écouter Plastic Bertrand ? Quoiqu’il en soit, il lui est impossible de poursuivre dans de telles conditions ! Il quitte le podium, mais y revient quelques instants plus tard. Et bien décidé de prendre le contre-pied de la situation, empoigne sa gratte électrique et attaque « Pas d’ami comme toi », un morceau issu d’« Engelberg », paru en 1991. L’interprétation est percutante. Le ton est donné ! Tout cela n’était donc qu’une mise en scène !
Et comme, le public présent est fin connaisseur, autant rester dans ce qui fonctionne le mieux en embrayant par « Combien de temps », dont les accents nostalgiques nous ramènent à la fin des eighties. La mémoire d’Eicher flanche. Il en oublie les paroles. Qu’importe, pour pallier ce trouble mnésique, le public lui vient en aide et chantonne en chœur ce hit impérissable. Jouant le jeu jusqu’au bout, les musiciens exécutent leur partition, alors à pas de loup.
L’homme se souvient être venu dans le passé et s’inquiète du sort du cheval de bronze qui trônait non loin. A-t-il été mangé durant la période hivernale, demande-t-il, sous les rires des aficionados ? Il n’y a pas à dire, c’est un vrai showman !
De toute beauté, « Le plus léger au monde » est propice au rêve. Un titre qu’il interprète d’une voix grave, chaude et éraillée. Reconnaissable entre mille, elle lui permet de se mettre à nu en revenant aux fondamentaux, célébrant, en quelque sorte, la chanson renaissance, après avoir essuyé l'un ou l'autre échec commercial.
Superbe ballade, la « Prisonnière » constitue un des points d’orgue de sa prestation. Tout comme « Riviere » (NDR : sans accent !), morceau au cours duquel il invite les milliers de spectateurs à taper un index afin de reproduire le bruit d’une goutte d’eau qui vient s’échouer sur le sol. Et franchement, le résultat est convaincant.
Alors que le show bat son plein, une bagarre éclate. Eicher, en gentleman avisé, intervient et demande de cesser immédiatement ce vacarme, invective les fouteurs de trouble tout en tentant de trouver une pseudo raison à ce bordel : la musique rend-elle fou ou la consommation d’alcool a-t-elle dépassé des limites raisonnables ? Histoire de se calmer, Eicher, leur conseille d’aller bouffer des frites à la baraque du coin. Un connaisseur cet artiste !
Et comme la musique adoucit les mœurs, le Suisse joue successivement quelques notes de la gamme afin de savoir qu’elle est celle qui apaise le plus. Ce sera finalement le ‘mi mineur’ qui obtiendra le plus de succès, à tel point que les musiciens se sont soudainement couchés à l’écoute de cette note inspirante.
Stephan évoque ensuite le séparatisme à la Belge et se questionne sur l’existence des conflits politiques du plat pays. En réalité, il s’agit d’un subterfuge, de manière à introniser le tube « Eisbär », un titre puissant de Grauzone, groupe suisse éphémère fondé à Berne au début des années 1980 par Martin Eicher, Marco Repetto et G.T. (Christian Trüssel) et qu’a rejoint circonstanciellement Stephan, pour les sessions et lors des concerts (NDR : un seul elpee à son actif, un éponyme et suivant les rumeurs, un second serait en préparation… Wait and see !)
En évoquant ce morceau, il s’épanche en tout cas longuement sur sa conception et ses paroles. Une époque où Philippe Djian, romancier, nouvelliste, parolier et scénariste français, mais également parolier du chanteur dès 1989, était encore très jeune.
On sent que le set tire doucement vers la fin. Le chanteur a chaud. Si manifestement, il apprécie la bière –à le voir déglutir comme un goret, il déteste cependant les rappels ainsi que la nage synchronisée. Ne cherchez pas de lien de cause à effet, il n’y en a simplement pas. Simple diversion ? Peut-être…
Alors que les très jolis « Si tu veux que je chante » et « Tu ne me dois rien » viennent apaiser les esprits, il nous réserve un vrai/faux rappel. Il s’agit de « Déjeuner en paix », une chanson qui décrit le quotidien et les scènes de la vie conjugale d'un couple sur fond d'actualités internationales. Un énorme succès datant de 1991 qui signe le début d’une revanche de la musique acoustique sur la musique électronique.
Mais les surprises ne sont pas terminées. Alors que le batteur vient de fêter son anniversaire, il y a trois jours, il est invité à exécuter un gage. Muni de balais (accessoire de percussion composé d’un faisceau de brins, le plus souvent métalliques et utilisé de façon similaire à une baguette pour frapper les instruments de percussion), le drummer est chargé de produire un solo de deux heures sur « Hemmige ». Et devinez quoi, il accepte le défi tout en caressant avec insistance la peau de sa caisse claire durant de longue minutes, le souffle haletant. Un chouette moment de complicité et d’improvisation.
Il est 23h30, ce concert magistral vient de s’achever. Dans une forme olympique, Stephan Eicher s’est montré généreux, communicatif et altruiste. Et il n’a rien perdu de son éclat.
La plupart des festivaliers regagnent leur pénates. Les plus résistants et ceux qui sont encore en vacances s’attardent encore aux bars entourant le site.
Il faut admettre qu’Août en Eclats n’a plus rien à envier aux festivals de grande envergure. L’équipe pluridisciplinaire du Centre culturel, pourtant réduite à sa simple expression, démontre qu’aujourd’hui, quand on a des idées, de la persévérance et de la bonne volonté, il est possible d’y arriver.
Merci à eux pour cette journée magnifique et ses nombreuses activités.
(Organisation : Août en Eclats)
Lazy Day - projet de la compositrice londonienne Tilly Scantlebury (they/them) – publiera son nouvel elpee, “Open the Door", ce 8 novembre sur Brace Yourself Records (Panic Shack, JOHN, Nuha Ruby Ra). Le label lance aussi aujourd’hui les précommandes d'une édition écologique de l'album (Greensleeve). En attendant, il nous propose son nouveau single, “Concrete", qui figurera sur cet opus. Il s’agit du quatrième qui en est extrait, une sorte d'épopée fortuite ; une accumulation de bribes de voix, de guitares qui serpentent et bégaient alors qu’un rythme insistant guide le tout. Et puis, il y a la voix touchante de Scantlebury qui rappelle aussi bien Florence Shaw de Dry Cleaning que Sue Tompkins de Life Without Buildings.
Aujourd'hui, le label annonce également la parution d'une édition écologique Greensleeve de l'album. Nouveau pilier des sorties de Brace Yourself Records, l'édition Greensleeve est une tentative de reconnaître la statistique alarmante souvent citée en conjonction avec des ventes de vinyles en constante augmentation, selon laquelle jusqu'à 48% des disques vinyles ne sont jamais joués. Un grand nombre de fans semblent ne vouloir que l'emballage, pas le support.
L'édition Greensleeve s’adresse donc aux amateurs de musique qui achètent des formats physiques principalement pour montrer leur soutien aux artistes et pour posséder un objet physique, mais qui ne veulent pas contribuer au poids écologique de la production de vinyles ou qui ont un budget plus serré.
Dans le cas d'“Open the Door", l’édition est constituée de la pochette format LP, des paroles et d'un code de téléchargement. A la place du vinyle, une serviette à thé Lazy Day qui représente une série de portes dessinées par des fans, des amis et des membres de sa famille. Elle symbolise l'album “Open the Door" en invitant les auditeurs à réfléchir aux possibilités qui s'offrent à eux derrière leur propre porte.
L'édition Greensleeve est limitée à 50 exemplaires et est disponible en précommande ici et le clip consacré à “Concrete" est disponible là
Incroyable ! Il fait chaud ! Trop selon certains !
Si la veille, le festival a atteint sa capacité maximale de 10 000 personnes, aujourd’hui, on peut facilement déambuler sans devoir jouer des coudes.
Cette dernière journée fait la part belle à des artistes de qualité, mais dont l’orientation est davantage rock.
Lorsque votre serviteur se plante devant l’estrade du chapiteau, le début de concert de Doria D est imminent.
Elle est accompagnée d'un drummer, d'une jolie dame brune au clavier, et d’un bassiste un peu grassouillet.
Sa carrière musicale ressemble à un conte de fées. Alors qu’elle vient juste de souffler ses 16 printemps, la jeune fille, armée de sa gratte électrique, écume les bars. Elle signe dans la foulée chez le label G-major ; et puis, en 2021, grave un premier Ep réussi, baptisa « Dépendance ». Depuis, son succès est en progression constante.
Elle est venue présenter son dernier format intitulé « Je cherche encore… » Mais que le festivalier lambda se rassure, elle livrera des titres plus anciens pour le bonheur de la fan base, à l’instar de « Hors tempo », une chanson qui met en exergue une voix rauque et envoûtante, cousine lointaine d’une certaine RORI, surtout lorsqu’on perçoit ce léger voile dans la tessiture.
Entre amour-passion et amour-raison, elle assène à qui veut l’entendre des « Coups et bisous », afin d’évacuer la « Colère » qui sommeille en elle, préférant cette solution à la frustration dont elle a manifestement gardé des traces. Doria D est une artiste torturée, qui, grâce l’écriture de chansons aigres-douces, capture l’instant pour en faire surgir une matière subtile.
La dame communique énormément avec son public, comme lors de ce surprenant « Nanana » où elle invite les milliers d’aficionados à reprendre le gimmick ‘Nananana nananana’ ou encore ‘Nan nan nan’. Un exercice inscrit dans une complexité relative.
Mais c'est à travers sa reprise de l’emblématique « Jeune et con » de Damien Saez qu'elle se hisse comme véritable porte-drapeau de toute une génération. Sa gratte électrique en bandoulière, elle frappe les cordes avec une sensibilité à fleur de peau. Passant de femme à enfant, la demoiselle prend un plaisir fou, comme un gosse à la Saint-Nicolas. Un morceau qui lui ressemble !
Inspirée par Billie Eilish, Lana Del Rey, mais aussi des rappeurs francophones comme Nekfeu et Lomepal, Miss Dupont propose des sonorités french pop modernes qui s’inscrivent dans l'air du temps, le tout dans un style et une décontraction apparente. Grâce à un sens mélodique et des textes percutants, l’artiste marque les esprits.
Alors que la demoiselle s’épanche sur sa « Dépendance », un texte qui traite d’une relation toxique, elle invite le temps d’une chanson Aprile, dissimulé jusqu’alors en backstage, pour attaquer un « Volcan » diabolique et aux accents électro-pop, inspiré du vécu des deux larrons. Un morceau quasi-autobiographique lui aussi.
Ecorchée vive, Doria D est une artiste qui, à l’aide de textes simples et des sonorités contemporaines sacrément dansantes, est parvenue à conquérir une bonne frange de l’auditoire. Que du bonheur !
Il est de temps de prendre un peu d’air en compagnie des légendaires (NDR : décidément !) Matmatah.
Sobres et élégants, les musiciens, tous habillés de noir, grimpent sur les planches en vainqueurs. Le line up implique Tristan Nihouarn (chant, guitares, harmonica, oud, claviers, flûtes), Éric Digaire (basse, chant, guitare, piano), Benoît ‘Scholl’ Fournier (batterie, percussions), Julien Carton (claviers, chant) et Léopold « Léo » Riou (guitare électrique, chant). Cinq gars au caractère bien trempé, bien décidés à en découdre ! On dirait les Men in black. Manque plus que les lunettes !
Ça y est, « Nous y sommes », un titre issu de « Plates Coutures », disque gravé en 2017, ouvre les hostilités. Une seule compo et ces drôles de types semblent déjà faire l’unanimité auprès du public qui s’est rué en masse contre les barrières, alors que le soleil tape comme un sourd. Les guitares s’envolent, le batteur martèle les peaux et cette basse d’une puissance inouïe défonce littéralement les tympans. Putain, enfin un groupe qui en a dans le froc !
Pas le temps de se reposer que déjà « Le rhume des foins » (une chanson de saison !) embraie. Le public les acclame chaleureusement et le front stage est envahi par une bande de fous furieux. Ça sautille, ça virevolte et ça beugle comme des veaux.
Originaire de Brest, en Bretagne, cette formation hexagonale de folk/rock s’est constituée dès 1995. Elle implique Nihouarn (Stan) et Floc'h (Sammy), très vite rejoints par le bassiste Éric Digaire et le batteur Fañch. Enfin, son patronyme se réfère au village troglodytique tunisien du même nom, mais orthographié Matmata.
Jusqu’en 2008, date de sa séparation, le combo breton a rencontré un succès certain. Il s’est reformé en 2018. Néanmoins, Emmanuel Baroux, guitariste originel, a cédé le relais à Léopold Riou (un tout jeune qui a le feu au cul), à la suite de querelles internes. Et c’est un euphémisme !
Le band est venu défendre son dernier né, « Miscellanées bissextiles ». Un opus qui date quand même puisqu’il est paru l’année dernière. Mais qui vient de réapparaître sous une forme ‘Deluxe’. Le luxe quoi !
Tout au long de « La fille au chat noir », le groupe se sert de codes bien celtiques. Riou assure le spectacle à lui tout seul, en vrai showman. Il est complètement barge, court sans cesse d’un bout à l’autre de la scène. Son visage emprunte étrangement des grimaces simulant l’orgasme sexuel. Son front ruisselle, la sueur perle, mais quoi qu’il advienne, il prend sur lui et assène de ses cinq doigts de la main droite des coups violents sur les cordes de sa gratte, son terrain de jeu préféré.
Les morceaux s’enchaînent. Hormis Léo, les autres membres du groupe assurent peu d’interaction avec le public. A vrai dire, ce dernier s’en fout royalement. Il est uniquement là pour s’amuser et très franchement l’objectif est atteint !
Après une salve de titres ‘punchys’, « Emma » s’immisce, dans une version piano/guitare/voix, emportant le public vers des cieux oniriques. Puis, un joli hommage à la ville de Brest est rendu à travers « Brest-Même » qui permet au guitariste foldingue de prendre la pose sur les marches promptement installées entre la crash et l’estrade.
Alors que les morceaux s’enchaînent à vive allure, les Bretons livrent un « Lambé An Dro » magistral, rappelant les paysages magnifiques et variés de la Bretagne, allant des côtes rocheuses aux plages de sable fin.
Matmatah a livré un concert d’une qualité exceptionnelle. Un grand moment, presque d’anthologie !
Alors que les aficionados sont en pleine effervescence, ébahis par le spectacle grandiose auquel ils viennent d’assister, les lascars reviennent, enfourchent leur instrument, comme le cycliste sur sa bécane et vlan, « Sushi bar », tranche de rock celtique, est jetée en pâture. Malgré la fatigue, le public bondit (enfin, une bonne dizaine de rangées face au podium) et chante, même.
Après « L’apologie », un morceau caractérisé par ses solos de batterie tonitruants, « Les moutons » font face au loup. Une dernière compo qui ponctue une prestation remarquable.
Matmatah vient d’accorder l’un des concerts les plus percutants de ce festival. Preuve de leur ouverture d’esprit, alors que dans une très grosse majorité des cas, les photographes ne peuvent accéder au crash que durant les trois premières photos, ici, c’est à partir de la quatrième que les professionnels peuvent immortaliser les moments les plus intenses.
Léopold, profite des acclamations, pour agiter une dernière fois sa guitare couleur alu en guise de trophée ; une récompense qu’il aura bien méritée.
Sous la tente, le concert de Deluxe va bientôt débuter. Il s’agit d’un groupe français originaire d'Aix-en-Provence, dans les Bouches-du-Rhône. Libérant pas mal de groove, sa musique véhicule des accents hip-hop, soul, funk et jazz.
Sur les planches, une énorme toile rouge s’impose. Il y est dessiné une énorme moustache. Bizarre, le clavier arbore, lui aussi, ce signe distinctif. Et vous savez quoi ? Lorsque les musiciens montert sur le podium, eux aussi arborent fièrement la moustache. Seule la chanteuse n’en possède pas ! Quoiqu’on devine un petit duvet sous…
Dès les premiers titres, l’expression sonore baigne dans un climat kitsch. Trop is te veel ! Au bout de quelques minutes, votre serviteur préfère s’éclipser afin de se dénicher une place idéale pour assister au concert de Kyo.
Pas mal de fans ont enfilé des t-shirts à l’effigie du band.
C’est pendant leur scolarité dans un collège des Yvelines, en Ile-de-France, que Nicolas Chassagne, Benoît Poher et les frères Fabien et Florian Dubos se rencontrent et décident de fonder Kyo, une appellation qui s’inspire des mangas japonais et de jeux vidéo.
Le quatuor sort un premier LP en 1999, « Pour toi ». Le succès n’est pas au rendez-vous. C’est grâce au second, paru en 2003 et intitulé « Le Chemin » –dont le titre éponyme, partagé en duo en compagnie de la chanteuse néerlandaise Sita– qu’il finira par s’imposer. Afin de fêter dignement ses 20 années d’existence musicale, le combo a décidé de rééditer ce disque en y ajoutant des bonus. On y retrouve, certes leurs succès, mais aussi des duos iconoclastes.
Changement de line up quand même, puisque Jocelyn Moze, est désormais préposé aux fûts, ce qui apporte une nouvelle dimension aux compostions.
Alors que des images projetées les montrent lorsqu’ils étaient jeunes, les musicos font leur apparition. Premier constat, ils accusent le poids des années : quelques rides, des cheveux ‘poivre et sel’ et des boucs aux poils hirsutes. Même les dreadlocks de Florian Dubos ont disparu pour faire place à une coiffure davantage dans l’air du temps. Certains parleront d’un cap qu’ils viennent de passer, d’autres de maturité.
C’est donc par le titre de la tournée que le généreux chevalier Poher entame son tour de chant. Une chanson autrefois interprétée en compagnie de Sita et plus récemment par Stéphane, mononyme d'une auteure-compositrice-interprète suisse. Un titre qui mènera le combo… dans la bonne direction !
Bien entendu, la fan base reprend en chœur ce refrain d’une composition devenue mythique et qui a su traverser les âges et les époques.
« Je cours », morceau racontant le destin d'un adolescent, rejeté de tous, qui cherche le bonheur malgré lui dans un univers ténébreux, exerce un retentissement profond. Musicalement, mais aussi parce que le sujet est malheureusement toujours d’actualité.
Alors que la tournade Kyo s’abat sur Ere, à l’instar de « Tout envoyer en l’air », « Chaque secondes » et « Je saigne encore », « Sarah », dans un registre aussi sombre, sur fond de violence familiale, de maltraitance et d'alcoolisme, vient apaiser les esprits, mais confortent les certitudes : Kyo est taillé pour le live. Une compo sur laquelle Benoît pose son grain de voix délicat et éthéré, armé d’une sèche. C’est alors que des milliers de smartphones s’illuminent à des dizaines de mètres à la ronde.
La dynamique se poursuit lorsque Dubos se charge, épisodiquement des vocaux, sous le regard attendrissant de Benoît qui, lui, préfère rester en retrait et épauler sn ami à la guitare acoustique.
Le spectacle est tellement foufou que le chanteur ôte sa veste pour laisser apparaître un marcel flambant neuf ; le vêtement idéal pour faire craquer les filles.
Si la recette de Kyo repose avant tout sur des textes introspectifs et des accords passe-partout, elle n’en demeure pas moins efficace. Une bande son moderne comme sur ce spectaculaire « Contact », titre d’ouverture de « 300 lésions »
Tandis que les sixcordes s'électrisent, le groupe jette un regard oblique et incisif sur la société ainsi que l'industrie musicale à travers des « Poupées russes » : ‘Dans la musique il y a des farces et les graines du futur / Et si souvent des coups d'État, parfois des investitures’.
Il est temps à présent de tourner la page, sans la déchirer. Et si l’on s’octroyait une « Dernière danse », sublime ballade acnéique soutenue en son temps par Sia et plus récemment par Cœur de pirate.
Que l’on aime ou pas ses relents post-adolescents et sa pop facile, Kyo fait preuve de fausse perversité en proposant un show d’une qualité rare. En se positionnant durant une heure trente en mode ‘best-of’, il montre ainsi à ses détracteurs les plus virulents qu’il dispose encore suffisamment d’énergie, de maîtrise et de pugnacité pour tenir encore au minimum 20 années de plus.
La recette Kyo est d'exploiter au mieux un terrain de jeu qu’il connaît parfaitement, un espace à la signature reconnaissable, un renouveau dans la direction artistique ainsi que de la précision dans le travail d’écriture et de réalisation.
Il est environ 23 heures lorsque le set s’achève. Kid Noize bénéficie d’une large renommée sur le sol belge. C’est chez lui. Trois albums, trois bandes dessinées et une dizaine de singles dans le Top50 belge, ce n’est pas rien quand même !
Votre serviteur va troquer son accoutrement de festivalier au profit d’un costard cravate, la vie reprenant ses droits inlassablement.
Il est impatient de retrouver une édition marquée par des aménagements revus à la hausse, une scène en plein air doublée au niveau de son espace et un chapiteau qui a gagné 600m2, mais tout en maintenant cet ADN qui est proposé aux Les Gens d’Ere, un festival qui se démarque par sa singularité, son éclectisme et sa richesse de programmation.
Il semble que le festival ait battu le record d’affluence de l’année dernière (25 000), soit une fréquentation cumulée sur trois jours de 30 000 personnes. Décidément, les chevilles ouvrières du ‘Les Gens d’Ere’ ne manquent pas… d’air !
A l’an prochain !
(Organisation : Les Gens d’Ere)
Dimanche 2 mars 2025 – David Kushner – Ancienne Belgique, Bruxelles
Vendredi 24 mars 2025 – Oscar & Thez Wolf – Sportpaleis, Anvers
Vendredi 23 mai 2025 – Glints – Ancienne Belgique, Bruxelles
dim. 29/09 |
Guido Belcanto: 'Tedere Baldadigheden' – première
lun. 28 oct. |
Crash Course Muziekbusiness
ven. 27/12 |
20 jaar Kapitein Winokio: Berenshows Avond #1
ven. 27/12 |
20 jaar Kapitein Winokio: Berenshows Middag #1
sam. 28/12 |
20 jaar Kapitein Winokio: Berenshows Avond #2
sam. 28/12 |
20 jaar Kapitein Winokio: Berenshows Middag #2
lun. 20 janv. |
PAGANFEST 2025
dim. 02 mars |
David Kushner - Extra concert
ven. 23/05 | EN VENTE DÈS 30/08
Glints
MERCREDI 13 NOVEMBRE
Camille Yembe (BE) programmée par Fifty Lab
Ciao Kennedy (BE) programmé par Fifty Lab
Crème Solaire (CH) programmés par le Festival de La Cité (CH)
Grife (FR) programmées par Hop Pop Hop (FR)
HiTech (US) programmés par Fifty Lab
Jada (DE) programmé par MS Dockville (DE)
Jawnino (UK) programmé par Fifty Lab
JOUBe (FR) programmé par Fifty Lab
MAY (UK) programmée par Fifty Lab
rip ME (SE) programmée par Norberg Festival
Stella Rose (US) programmée par Fifty Lab
Skiifall (CA) programmé par Fifty Lab
The Christian Club (BE) programmé par Cactus Muziekcentrum (BE)
VAAGUE (BE) programmé par Fifty Lab
Whoman (BE) programmé par Leffingeleuren (BE)
JEUDI 14 NOVEMBRE
Butch Kassidy (UK) programmé par Les Congés Annulés (LU)
Deep Tan (UK) programmées par Fifty Lab
Fervents (BE) programmés par Fifty Lab
Han Gaiden (NO) programmées par Øyafestivalen (NO)
Hypnosis Therapy (KR) programmé par DMZ Peace Train (KR)
Inès Cherifi (FR) programmée par Girls Don't Cry (FR)
Lézard (BE) programmé par Fifty Lab
mui zyu (UK) programmé par Fifty Lab
Oonagh Haines (FR) programmé par Micro Festival (BE)
Rocket (US) programmé par Fifty Lab
VENDREDI 15 NOVEMBRE
Canned Pineapple (UK) programmés par Left Of The Dial
Carbonne (FR) programmé par We Love Green
Dina Ayada (BE) programmée par Fifty Lab
Ganavya (US-IN) programmée par Fifty Lab
Hayes & Y (BG-FI) programmé par Sofia Live Fest (BG)
Margô (PT) programmée par A Porta Festival (PT)
Library Card (NL) programmé⸱es par Into The Great Wide Open (NL)
Natasha Pirard (BE) programmée par Fifty Lab
twst (UK) programmé⸱es par Fifty Lab
YOA (FR-CH) programmée par Fifty Lab
Plus de noms suivront bientôt !
AKAR COLLECTIF
VE.04.10
Palace
20h (60′)
Dès 14 ans
De 6 à 15€
Musique du monde
Le projet est né lors du festival Afropolitan 2021… Et ce qui devait être un événement ponctuel est devenu quelque chose de plus grand. AKAR c’est l’Europe, AKAR c’est l’Afrique, AKAR c’est la génération X et Y.
AKAR est composé de 4 artistes, français, belges, blancs, noirs… Un homme et trois femmes.
Shama Bongo jongle, transporte avec sa voix et sa parfaite maîtrise. Sarah Carlier voyage entre sa voix, sa guitare et son ordinateur. Rokia Bamba joue avec les sons du quotidien, le bruit ambiant de la ville ou de la nature. Ben Richard défie par sa façon de jouer avec les sens, ce que nous entendons, ce que nous voyons.
Ils utilisent des dialectes différents, mais parlent la même langue : la musique.
À une époque où le dialogue entre les cultures et les différences devient de moins en moins évident, naturel, le message qu’ils veulent faire passer est qu’au-delà de toutes les choses qui les rendent différents, il y a toujours quelque chose qui les rapproche, qui leur permet de se comprendre.
Le nom AKAR englobe toute cette humanité et a donc plusieurs significations, dans plusieurs langues et même sur plusieurs continents… Il signifie RACINE en soudanais, malais et indonésien, VOLONTÉ en hongrois, FLUX en turc, et DÉRANGER, AGITER et RENDRE TABOU en hébreu.
LA PLUS BELLE CHANSON DU MONDE
VE.14.02
Palace
20h (75′)
Dès 12 ans
De 6 à 15€
Concert-spectacle
Pour vous, quelle est la plus belle chanson du monde ? Quel souvenir vous rappelle-t-elle ? Marie Lecomte a collecté celles de plusieurs personnes et raconte leurs tranches de vie… Et pour finir en beauté : soirée karaoké au bar !
« J’ai toujours adoré les histoires que les chansons racontent et j’ai toujours adoré les histoires des gens. Ce concert-spectacle réunit les deux. »
Une chanson vous trotte dans la tête et des souvenirs, des sentiments, des odeurs, des images débarquent sans crier gare. Une rengaine, un couplet ou deux, inusables, ont le pouvoir de vous accompagner des années durant, de vous donner la pêche ou de vous remuer les tripes…
Pour Marie Lecomte, les chansons et les musiques sont intimement liées à des moments de vie. Voilà pourquoi elle s’est lancée dans ce projet : raconter l’histoire de la chanson préférée de quelqu’un, l’interpréter sur scène avec deux musiciens.
« Il y a les chansons à soi, mais aussi les chansons d’un groupe d’amis, sans oublier les chansons “de couple” : ceux qui se lèvent quand un certain morceau démarre et s’écrient : c’est notre chanson ! La chanson est une manière de parler de soi et nous permet de recueillir des paroles intimes sans brusquer les confidences. »
LES FRANGINES
VE.11.04
Palace
20h (90’)
Dès 12 ans
De 20 à 35€
Chanson française
Après une tournée de plus de 100 dates et un premier album « disque de platine », Les Frangines sont de retour sur la scène belge avec leur nouvel album. Porteuses d’une jeunesse pleine d’espoir, elles amènent une fraîcheur et des ondes positives qui font du bien !
Les Frangines, c’est l’histoire d’une rencontre entre deux jeunes filles : Anne et Jacinthe. Nées de parents différents mais bercées par les mêmes mélodies, ces sœurs de cœur assument une filiation avec des artistes de la nouvelle scène pop-folk comme Boulevard des Airs, Vianney, Passenger, Lumineers, Cocoon…
Les Frangines sont aujourd’hui de retour avec un nouveau single Notes.
Ce titre, co-écrit avec Sylvain Duthu (Boulevard des Airs), décrit ces tâches quotidiennes qui nous assomment et invite à reprendre sa vie en main en prenant du temps pour soi.
« Le côté convivial de leur musique, qui véhicule un message humain, porteur d’espoir, empathique et rassembleur à l'image de leur dernier single, Ensemble. » RTBF
« Un tsunami de positivisme ! » Le Soir MAG
PRINTEMPS MUSICAL DE SILLY
JUST VOX
SA.07.06
Palace
20h (75′)
Dès 10 ans
De 6 à 15€
Chant a cappella
Fans de voix pures, ce concert a cappella est pour vous ! Pas d’instrument, juste quatre voix et un beatboxer aux univers distincts qui se rassemblent pour n’en former plus qu’un.
Leur spécialité est surtout de réinventer, par des arrangements originaux, des chansons de tous genres et vous offrir ainsi un répertoire inédit. Avec leur énergie, ces chanteurs vous font voyager à travers les époques et les styles et vous embarquent dans un tourbillon de musique et d’harmonies, avec une touche d’humour. Redécouvrez les grands standards pop comme vous ne les avez jamais entendus !
La voix offre de nombreuses alternatives de sons. Les quatre chanteurs explorent le potentiel de leur timbre et ne sont pas seulement des voix, mais aussi des guitares, des basses, des trompettes, des claviers. Leurs cordes vocales deviennent ainsi un véritable orchestre et offrent un moment musical totalement à part. Leur beatboxer complète cet orchestre vocal. Le beatboxing est une forme de percussion vocale impliquant principalement l’art de produire des battements de batterie, du rythme, des sons musicaux et des bruitages sonores en utilisant la bouche, les lèvres, la langue et la voix.
Originaire d’Exeter au Royaume-Uni, Elise Cook avait entamé l’aventure Soot Sprite, en 2018, sous la forme d’un projet solo.
Après avoir sorti un premier Ep 4 titres, « Comfort In Concrete », elle décide de passer à la formule ‘groupe’. De quoi développer une énergie sensible au shoegaze et à la dreampop…
Puissante et centrale, la section rythmique sert de gouvernail au cœur des tourbillons électriques de la musique et des remous provoqués par la voix passionnée d’Elise.
« I went swimming / Home Among Your Bones » constitue son dernier single/7 inches (un nouvel Ep est prévu pour ce 6 septembre).
Morceau chatoyant, « Home Among Your Bones » nous replonge dans les 80’s, nonobstant ses accents glam. Au sujet de cette chanson, Elise se confie :
‘C’est une chanson sur le fait de se sentir heureux et en sécurité dans une relation. Je voulais capturer la joie de ressentir l’amour avec quelqu’un sans me sentir en insécurité et triste, ce qui est quelque chose de très nouveau pour moi. Je l’ai écrit peu de temps après avoir emménagé avec mon partenaire, c’était et c’est toujours une période tellement heureuse, et c’était bizarre de mettre cela en mots pour être écouté par le monde. En fin de compte, c’est ce que je ressens, et c’est comme ça que j’ai toujours écrit. C’est bien d’être grincheux parfois !’
« I Went Swimming » nage dans la musique indie des 90’s. A cause de son charme rock hymnique, juvénile.
Cook décrit cette compo comme suit :
‘Une chanson sur le fait de reconnaître un drapeau rouge dans votre relation et de se fermer émotionnellement à cette personne et de couper les choses. Certaines personnes décrivent cela comme étant ‘maladroit’, mais cela semble être un terme trivial. Parfois, nous devons apprendre de nos erreurs et nous protéger et c’est exactement de cela qu’il s’agit.’
Les deux titres sont en écoute sur Bandcamp, réseau social que vous retrouverez aisément en cliquant sur le nom en rouge dans le cadre ‘Informations complémentaires’, ci-dessous.
Podcast # 47 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)
All Under Heaven est un groupe alternatif/shoegaze qui s'est formé à Freehold, dans le New Jersey, en 2017. A sa tête, l'auteur-compositeur Nick DeFabritus. D’ailleurs, à l’origine, il s’agissait de son projet solo. Et auparavant, il militait au sein d’une formation baptisée Shackle.
Après avoir gravé quelques demos, singles et Eps, mais aussi accompli de nombreuses tournées, le band a décidé de sortir son premier elpee, « What lies ahead of me », un disque qui réunit anciennes et nouvelles compos.
Si à ses débuts, All Under Heaven gravitait dans la sphère purement shoegaze, sa musique a assimilé d’autres influences, puisées notamment dans l’indie rock. Et puis elle a intégré davantage d’électronique, et notamment des synthés et des pads. Une évolution à laquelle n’est pas étranger Wyatt Oberholzer, un collaborateur de longue date.
Côté thématique, sur ce long playing, le quatuor explore les thèmes de l'amour, de la perte et de l'amitié.
Extrait de » What lies ahead of me », « Receiving Certain Answers » est en écoute ici
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Glass Egg c’est le projet de la chanteuse/guitariste Emilia Glaser et du bassiste Julian Stefanzick.
Ils ont tous deux grandi dans la banlieue de Seattle, fréquentant les salles de spectacles et les festivals de musique de la ville pendant leurs années de lycée, se croisant, sans le savoir...
Ce n’est qu’en 2017 qu’il se sont rencontrés. A l’université. Ils sont alors devenus des amis proches et ont commencé à collaborer.
Emilia explique :
‘Je suis vraiment fière de ce que nous avons pu faire ensemble avec Glass Egg et de la façon dont le projet a grandi grâce à l'adaptation du son, tout en restant fidèle à mes débuts en solo. Julian m'aide vraiment à me dépasser musicalement, tout en respectant ma vision musicale…’
Si la musique de Glass Egg flotte quelque part entre dream pop et shoegaze, les mélodies rêveuses et les paroles sincères d’« In Case I Forget You » résonnent à travers les émotions de l'amour, de la nostalgie et de la mémoire. Qu'il s'agisse d'un amour perdu ou d'un moment chéri, cette compo capture la beauté douce-amère du souvenir
Issu de cet Ep, « Back to me » est en écoute ici
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Bibi Club est un duo québécois réunissant Adèle Trottier-Rivard (NDR : ex-membre du tout premier groupe scout exclusivement féminin au Canada, the Guides) et Nicolas Basque.
A l’écoute de sa musique on pense immédiatement à Stereolab. Encore qu’en creusant un peu, on y rencontre des références empruntées à Moondog et Suicide. Mais, alors que le groupe de Laetitia Sadier se sert de son expression sonore pour véhiculer ses considérations anticapitalistes, Bibi Club s’inspire de la vie quotidienne.
« Feu de garde « constitue son second elpee », un disque dont la musique minimaliste et intimiste possède un feeling insulaire. Les bruits et les voix souvent en français, parfois en anglais, s'entremêlent sans se heurter, se superposent même, renforçant l’impression qu’il s’agit d’une conversation privée entre partenaires de vie, tout en s'immisçant dans l'univers des rêves et des jeux de l'enfance.
Et le tout bénéficie d’arrangements soignés, produits notamment par de minuscules boîtes à rythmes et des interventions de flûte. Pourtant, Bibi Club se sert autant de la guitare électrique (parfois en picking ou aux tonalités oscillatoires) qu’acoustique, mais adopte aussi, selon les plages, un rythme de bossa nova, de cha-cha-cha, de valse ou carrément implacable, lorsqu’il n’ose pas l’une ou l’autre ballade confessionnelle. Et puis, les sonorités peuvent se révéler surprenantes et en même temps accrocheuses.
Un bien bel album !
Emission Inaudible podcast 38 et 41
Inaudible est également disponible sur Deezer et Spotify
https://open.spotify.com/show/2f3XFKYz2vuBgR4oVgeSF1
https://www.deezer.com/fr/show/1001021432
« Most perfect solitude » constitue le sixième elpee de The Third Sound, un groupe berlinois drivé par le musicien et compositeur islandais Hakon Adalsteinsson. Le titre de l'album est une phrase extraite du ‘Frankenstein’ de Mary Shelley découverte par Hakon dans le journal intime de Werner Herzog intitulé ‘Of Walking In Ice’.
Cocktail savoureux de psychédélisme, shoegaze, post-punk et rock gothique, la musique fluctue entre lumière et ténèbres, puisant essentiellement ses références chez Jesus & Mary Chain et Spiritualized.
Voix sombres en suspension trempées dans la réverbération ou désabusées, orgue rogné, vintage, guitare fuzz et lancinante, mais encore drumming hypnotique et syncopé alimentent, en général, l’expression sonore.
Cependant, le groupe a le bon goût de sortir des sentiers battus. A l’instar d’« Another Time, Another Place », dont le guitares jangle-pop chatoyantes réveillent une saveur tellement appréciée chez les artistes signés sur le label Flying Nun, au cours des 80’s. Puis de « Don’t Look Back » qui nous propulse quelques « Decades » dans le passé.
Mais surtout tout au long de l’excellent « Wasteland », une piste qui décrit une vision cauchemardesque d’une ville en ruines.
Enfin, l’opus s’achève par « Departure »., une mélopée dont le titre est particulièrement judicieux.
Emission Inaudible podcast 24
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Il y a 8 ans, la formation répondait au patronyme Bodega Bay. Et c’est à cette époque que le groupe new-yorkais a composé 33 titres dont certains figurent sur ce « Our Brand Could Be Yr Life ». Mais ces morceaux avaient été enregistrés sous une forme lo-fi. Ce sont donc de nouvelles versions complétées par de nouveaux titres qui garnissent donc sur cet opus, un peu comme si un réalisateur de cinéma avait recommencé un vieux film et lui avait ajouté et enlevé quelques scènes.
Sur cette nouvelle mouture, il n’y a donc plus que 15 plages. Et les anciennes compos ont bénéficié d’arrangements fortement remaniés. Par exemple, « Tarkovski » inclut un solo de Ryan sous forme de jam. Et « Set The Controls For The Heart of the Drum » (NDR : serait-ce un clin d’œil adressé au « Set the control for the heart of the sun » du Pink Floyd » ?) est plus long et plus percutant. En outre, y figure un sketch absurde en milieu de parcours. On épinglera également « G.N.D. Deity », une piste qui reflète la fascination de Belfiglio, le chanteur/guitariste, pour la relation entre le sexe et la technologie. Et cette composition dansante dans l’esprit des B52’s est vraiment irrésistible (le clip est disponible ici).
Bref, sur ce long playing, Bodega nous livre un post punk abrasif et tranchant, imprimé sur des rythmes saccadés ; cependant mélodiques, ses compositions véhiculent des accents indie, dance, shoegaze, rock slacker et psychédéliques.
Emission Inaudible podcast 17
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« From dark and beyond » constitue le second Ep du groupe tournaisien, Black Paper Plane.
Il s’ouvre par « Ben », une compo parue en single qui rend hommage au meilleur ami du chanteur, décédé tragiquement lors d’une opération cardiaque. Tempêtueuse, très électrique, elle déferle, se déchaîne et libère une puissance de feu.
Tout en feeling, « Maelstrom » est interprété, à la sèche, en picking.
L’Ep recèle trois titres chantés. Tout d’abord « Black Box ». Caractérisé par sa jolie mélodie, il monte en crescendo, dans l’esprit de Metallica. Un spectre qui hante également « Across the univese » (NDR : rien à voir avec la chanson des Beatles !), une piste qui s’ouvre sous la forme d’une ballade tramée sur une gratte acoustique alors que bavarde, la ligne de basse se profile en contrepoint ; puis, à mi-parcours, le morceau monte en intensité et se complexifie. Les guitares s’électrisent et le drumming fluctue ente violence et amplitude. Avant que le soufflé ne retombe. Et enfin, « Not too late », une plage plus pop/rock. D’abord atmosphérique, elle change de cap au moment où les sixcordes construisent une trame élaborée.
« Cosmo » s’ébroue au cœur d’un univers sonore intimiste entretenu par une guitare électrique jouée en picking (Durutti Column ?), puis nous replonge dans un post rock aux fluctuations climatiques et s’achève par un petit solo cosmique (NDR : pas étonnant, vu le titre) …
« Home II » se distingue par des arpèges de sonorités à la mandoline (And Also The Trees ?) qui succèdent à des arrangements de cordes alors que la ligne basse s’insinue en réitérant ses contrepoints. Et lorsque le drumming prend de l’amplitude, le soliste en profite pour opérer un envol final…
Emission Inaudible podcast 31
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La première édition du Pelagic Fest s'est déroulée ces 24 et 25 août à Maastricht. Réunissant une grande partie des groupes du label, elle s’est déroulée au Muziekgieterij.
Une première manifestation couronnée de succès
La salle, très accessible, située à 10 minutes à pied du centre-ville et à l'acoustique impeccable, semble avoir été construite pour ce type d’événement. Le festival respire la bonne humeur et une cohésion s'installe instantanément au sein du public, constitué pour la plupart de fervents amateurs de post-rock et post-metal. Plus qu'un événement musical, il devient le point de rassemblement d'une véritable communauté.
On y retrouve un grand espace à l'entrée accueillant tout le ‘merch’ du label et des différents groupes, mais aussi et surtout deux scènes réunies par un grand hall où sont, en outre, diffusés les concerts en cours. Ceux qui n'ont pu se rendre sur place ou qui souhaitent simplement revivre l’événement seront ravis d'en retrouver le livestream sur YouTube (Day 1 ici et Day 2 là)
La première journée s’ouvre par la prestation de Thot sur la main stage. Elle est rapidement suivie par celles de Lost in Kiev, Oh Hiroshima, Hippotraktor, Glassing et LLNN. Le point d'orgue de cette journée sera définitivement atteint lors du premier set de The Ocean, venu défendre « Pelagial », son opus paru en 2013, dans son intégralité.
La seconde journée est rapidement marquée par les prestations chargées d'émotion de Spurv et de EF. Mention spéciale pour les concerts de Briqueville et Year of No Light. The Ocean revient pour un second set en lieu de place de celui de Psychonaut, contraint de renoncer. Ihsahn a malheureusement aussi déclaré forfait, mais il a été remplacé au pied levé par Cobra The Impaler, dont le concert a clôturé en beauté le festival.
Bonne nouvelle, Ihsahn et Psychonaut ont été reprogrammés l'année prochaine, aux côtés de A Burial At Sea et Bear.
Rendez-vous les 23 et 24 août prochains pour la seconde édition du festival. Les tickets sont déjà en vente ici
Photos Romain Ballez là
(Organisation : Pelagic Fest)
Les conditions météorologiques des deux jours précédents ne sont plus qu’un mauvais souvenir ! Le temps est bien plus clément ! Le soleil est au rendez-vous et les températures tournent autour des 22 degrés, ce qui est tout à fait acceptable en cette saison.
Il y a du monde sur le site ! Faut dire que l’affiche a de quoi susciter l’intérêt !
A commencer par Talisco qui se présente sur le podium PV. Il est accompagné d’un préposé à la batterie et d’un autre qui alterne claviers et basse.
Son nom de scène aux consonnances latines se réfère à ses origines espagnoles. Jérôme Amandi découvre la musique et la guitare à l'âge des premières révoltes. Le conservatoire le saoule, il compose ses chansons dans sa chambre et monte un groupe de rock, en cherchant à marcher sur les traces de Slash, Rod Stewart et Stevie Wonder. Mais la vie l'embarque vers d'autres horizons. Il met sa carrière musicale entre parenthèses, et bosse dans l’univers du marketing. Cependant, en 2010, il décide d’en revenir à la musique et se lance dans l’aventure. Une voie qu’il ne quittera plus…
Il y a 10 ans, Talisco créait la surprise en gravant des singles comme « Your Wish » et « The Keys », des hymnes électro rock enrichi de productions orchestrales, de chœurs, de refrains fédérateurs et découpés dans des riffs de Telecaster.
L’artiste n’a pas, à proprement parler, de nouveautés à proposer, si ce n’est un elpee paru l’année dernière déjà. Il s’étonne même de figurer en exclusivité. La seule, la vraie, c’est l’auditoire et l’amour qu’il lui donne ! Il le clame haut et fort : les Belges constituent le meilleur public !
Si le chanteur interprétait ses compos dans la langue de Shakespeare, avant 2023, il a opté pour celle de Voltaire sur son quatrième elpee, « Cinematic ».
Considérer Talisco comme une machine à tubes serait réducteur. Il est plus que ça. Sa musique, en multipliant les décors, est une invitation aux fantasmes. Une perspective volontairement lumineuse et subtile. Sans oublier son caractère complexe, l’artiste tirant parti des superpositions tant des sons que de la voix.
Instinctive, la musique de Talisco est franche, directe et immédiate. Son univers ressemble à une fresque électro pop. Ses textes parlent de prises d'élan pour un saut dans le vide, de plongées intérieures pour fuir la surface, de vivre l'instant présent dans l'urgence, à l’instar du vivifiant « C’est ici ».
Influencées par Ennio Morricone, ses chansons baignent tour à tour dans le rock, la pop ou encore l’électro. Une chose est sûre, il s’impose en artisan bricoleur, humble face au résultat de sa création.
Talisco prend une dimension toute particulière en live. Généreux, il permet à son public de prendre du plaisir.
Il faut cependant attendre des titres incontournables comme « The Keys », 2ème single extrait de l'album « Run », pour que le public s’enflamme. Une compo restée dans la mémoire collective puisqu’elle a été choisie pour illustrer, en son temps, la nouvelle campagne 4G de Bouygues Telecom.
Et pendant « Your wish », la foule exulte évidemment. Les sonorités atmosphériques de la gratte de Jérôme vampirisent l’esprit. Une sensation d’onirisme s’empare de votre cerveau. Putain, que ça fait du bien !
Alors que l’ambiance est à son paroxysme, « Sun » (NDR : le générique de la série ‘Un si grand soleil’ sur France2) rayonne sur la foule. On s’imagine alors contempler un coucher de soleil au Pays basque où l’artiste a récemment posé ses valises ou celui brûlant de la Californie, là où le groupe a accompli une longue tournée en 2018.
Bref, Talisco et son team ont brillamment assuré un show empreint d’humilité et d’amour.
Retour à la main stage pour y voir et écouter Jain. Si au début de sa carrière, elle se produisait seule sur les planches en se servant d’un tas de boucles, aujourd’hui elle a complètement changé de cap, puisqu’une équipe complète l’accompagne désormais.
La demoiselle travaille particulièrement son image, que ce soit à travers son apparence ou la mise en scène. Le décor est constitué d’un plateau métallique qui accueille synthés et percus en tout genre. Elle est habillée d’un petit short et d’un top multi coloré, rappelant que nous sommes encore en été (si, si, c’est vrai…)
Son arrivée dans l’univers musical s’apparente à un raz-de-marée. Auteure, compositrice et interprète, elle rencontre le succès dès la sortie de son premier long playing, « Zanaka » ; et des titres tels que « Come » et « Makeba » (qui signifie enfant en malgache) tournent en boucle sur les ondes radiophoniques. Le suivant rencontrera un succès plus important encore. Paru 2018, il se vend à 1,2 million d'exemplaires dans le monde et atteint plus de 2 milliards de streams.
Après cette envolée qu’elle ne maîtrise pas, elle annule sa dernière tournée pour se ressourcer. Et au bout de quatre longues années, elle refait surface, plus positive que jamais et nous propose un nouvel essai baptisé « The Fool ». Certains n’ont pas hésité à établir un parallèle avec la carrière de Stromae qui lui aussi s’est vite laissé submerger par la réussite et les tournées fatigantes.
Jeanne Galice, à l’état civil, n’a pas, elle non plus, d’actualité à défendre, son dernier long playing datant de l’année dernière. Il paraît que c’est dans les vieilles marmites que l’on fait les meilleures soupes. Mais à la condition qu’elle ne colle pas au cul !
Cinq longues années auront donc été nécessaires à la jeune femme pour remonter la pente après avoir publié l’elpee, « Souldier ».
L’artiste a, semble-t-il, décidé de faire table rase des affres du passé et propose des compos plus matures et sans doute aussi moins accessibles pour le mélomane lambda. Mais qu’à cela ne tienne, elle a décidé de brasser large aujourd’hui, le public des Solidarités réunissant toutes les pyramides d’âges et socio-culturelles.
Son set début par « Heads Up », à la rondeur absolue, très vite rejoint par les « Flash (Pointe Noire) » ou encore le radiophonique « Alright » et son refrain entêtant.
« The fool » et ses accents un brin électro ravit les plus sceptiques. Jain apparaît dès lors comme une Déesse parmi les Dieux et se taille un capital ‘sympathie’ auprès de la foule.
Caractérisé par ses lignes de basse primaires, « Come » met une ambiance de feu ! Un titre d’une simplicité musicale élémentaire, puisqu’il n’est composé que de trois accords, mais qui fait mouche. Le public y succombe. C’est léger, mais ça sent le soleil et le sable chaud. What else ?
Afin de remercier le public, l’artiste descend de l’estrade et sollicite les fans scotchés aux crashs pour s’essayer aux joies du looping en enregistrant leurs voix pour les intégrer finalement à sa performance. Si certains ont des dispositions au chant, force est de constater que ce n’est pas le cas de tout le monde. Mais, l’idée est sympa et mérite d’exister.
Après cette mise en bouc(h)(l)e, l’autre moitié du set est consacrée à des morceaux plus punchy, à l’instar de « Save The World » ou de « Star », tous deux issus de « Souldier ». Des titres qui montrent toute l’étude du talent de la Toulousaine et lui permettent littéralement de se défouler et d’entraîner le public dans une danse collective.
La prestation prend doucement fin. Evidemment, l’inévitable « Makeba » n’est pas oublié, un morceau qui a repris vie grâce à la plateforme Tik Tok. Dès les premiers ‘Ooh-ee’, les cris fusent et les bras s’agitent vers le ciel. Une communion s’annonce. Si les fans sont évidemment ravis, l’artiste n’est pas en reste non plus. Les bras balancent de gauche à droite et de droite à gauche imitant parfaitement le va-et-vient des essuie-glaces.
C’est à l’issue de la ballade « Maria » que Miss Jain prend congé de ses invités. Une chanson dans laquelle on se laisse surprendre par des vocalises d’une douceur exotique aux relents rocailleux. Un exercice de style qui lui va comme un gant !
Humaine et altruiste, Jain est parvenue à se réinventer après des années de doute et d’errance. Merci à elle !
Lisette Lombé et Cloé du Trèfle lui emboitent le pas au sein du féérique Magic Mirrors. L’endroit est couru puisque la salle est comble. Deux jeunes femmes apparaissent dans une pénombre maîtrisée.
Cloé est planquée derrière les ivoires, tandis que Lisette est à peine dissimulée derrière son micro. Elle est aussi à l’aise avec les textes puissants et incisifs que Lucky Luke avec son colt.
Artiste plurielle, passe-frontières, Lisette Lombé s’anime à travers des pratiques poétiques, scéniques, plastiques, militantes et pédagogiques. Ses espaces d’écriture et de luttes s’appuient sur sa propre chair métissée, son parcours de femme, de mère, d’enseignante. En dérivent des collages, des performances, des livres et des ateliers, passeurs de rage et d’éros.
Co-fondatrice du Collectif L-SLAM, elle a été faite, en 2017, Citoyenne d'Honneur de la Ville de Liège, pour sa démarche d'artiviste et d’ambassadrice du slam aux quatre coins de la Francophonie.
En 2020, elle a reçu un Golden Afro Artistic Awards pour son roman ‘Vénus Poética’ (éd. L'Arbre à Paroles) et le Prix Grenades/RTBF pour son recueil ‘Brûler brûler brûler’ (éd. L’Iconoclaste). Elle sera la prochaine Poétesse nationale de Belgique en 2024 et 2025.
Elle s’impose naturellement mais respectueusement.
Cloé du Trèfle est auteur-compositeur-interprète belge. Multi-instrumentiste, elle utilise piano, bruitages, voix, guitare électrique, claviers analogiques, samples pour des compositions qui oscillent entre électro-pop et motifs symphoniques en échappant à toute classification.
Dès lors, il n’est pas étonnant que le partage de leurs deux univers intrigue. Elles sont venues défendre ‘Brûler Danser’, un spectacle tiré d’un album-concept qui navigue quelque part entre slam et spoken word (littéralement ‘mot parlé’), façon particulière d'oraliser un texte, qu'il soit poétique ou autre. Il entraîne souvent une synergie (ou expérimentation) avec d'autres formes d'art comme la musique, le théâtre ou la danse. Cependant, le spoken word se concentre essentiellement sur les mots eux-mêmes, la dynamique et le ton de la voix, les gestes et les expressions.
Doucement, les notes de synthés résonnent. L’ambiance est religieuse. Le public, bouche bée, observe tranquillement le duo qui s’acquitte de sa prestation de manière militaire.
A travers « Puisqu’il faut bien », on comprend que la narration tourne autour d’un personnage fictif qui s’appelle Remontada. L’héroïne va s’immiscer au cœur de 9 scénettes durant près d’une heure.
C’est osé, mais magistralement conçu ! Lisette s’exprime brutalement, notamment pendant « Les injustices » qui dénoncent, comme son nom l’indique, tous les travers sociétaux qu’un Homme (avec un grand H) peut rencontrer, de la naissance à la mort.
Remontada chemine ensuite doucement vers le moment où, n’y tenant plus, son corps est pris de soubresauts comme « Pour aller danser », une chanson invitant les spectateurs à venir se trémousser au gré des notes machiavéliques de Cloé et de la voix onirique de Lisette. Une tranche de vie qui surfe entre rêve et réalité. Une compo étrange vers laquelle on se sent irrésistiblement attiré et dont le gimmick devient addictif.
Très objectivement, ce set est conçu par et pour des femmes ! Les propos de Lombé sont parfois à la limite de la provocation, notamment lorsqu’elle affirme une posture féministe à l’instar de « Les miettes du sexe » où elle expose le personnage central en désir et l’homme en objet.
Le show s’achève par « La reconquête », Remontada ayant pris conscience de « La puissance du ventre ».
Quelque part entre préceptes philosophiques et musiques australes, ‘Brûler Danser’ est une invitation à redécouvrir le jour après les tumultes de la nuit.
Une bien belle découverte.
Le peuple s’est dressé en franc-tireur pour Puggy qui se produit sur la main stage. Faut dire que parallèlement à la musique, le leader s’est illustré comme membre du jury dans une célèbre émission de télécrochet devenant ainsi, auprès de nombreux téléspectateurs, la nouvelle icône de la télé-réalité.
Fondée en 2005 à Bruxelles, la formation propose une forme de pop/rock aux mélodies contagieuses.
Un calicot surplombe l’estrade, sur lequel est indiqué en grandes lettres ‘Puggy’. Irons s’avance d’un pas décidé. Il est accompagné du bassiste Romain Descampe et du batteur charismatique Egil ‘Ziggy’ Franzén.
La basse de Ziggy a déjà bien bourlingué ; elle porte sur elle les traces du temps et surtout de son utilisation.
« Never Give Up » ouvre les hostilités. Un titre de son nouvel Ep. De quoi mettre l’eau à la bouche. Alors que Matt cisèle les riffs, Romain frappe ses cordes avec acharnement, tandis que le troisième larron, manifeste une intensité rare pour marteler fûts et cymbales.
Furieuse, l’expression sonore gronde alors que l’auditoire jubile. Un climat grandiloquent envahit « To Wind The World », atmosphère amplifiée par les ivoires largement syncopées.
Irons troque sa gratte électrique pour une semi-acoustique. C’est alors que « Lonely Town » prend son envol. Une compo aigre-douce qui permet au chanteur de monter allègrement dans les aigus, tandis que le batteur s’amuse à imprimer un tempo à contre-temps.
Matthew tente de convaincre l’auditoire que le nouvel opus est cool. Et il insiste. Pour le démontrer, le trio nous livre « Lost Child », une bien belle ballade aux accents nostalgiques. Et puisque Yseult manquait à l’appel, les deux musicos accompagnent le vocaliste dans un slow à l’unisson. Un moment suspendu, hors du temps.
Afin de garder le cap et l’attention des festivaliers « Last Day On Earth » permet aux percus de décoller, alors que les cordes de la basse sont mises à rude épreuve. Un morceau percutant, aux riffs singuliers et au solo tonitruant parfaitement maîtrisé par Irons lors du bridge.
Matt reprend ensuite son rôle de préposé à la gratte semi-acoustique et entame, une seconde ballade dans une configuration atmosphérique. On se sent alors bercé par ce « How I Needed You » très construit, vite rejoint par « Change The Colors », un morceau qui libère des sonorités pop/rock dansantes dignes de l’identité primaire du band. L’essai est convaincant dans son ensemble.
Le set est proche de sa conclusion. « When You Know » constitue la pierre angulaire d’un show de très bonne facture, pugnace et solide comme un bloc de béton. Un titre qui permet de belles progressions au clavier, un solo de batterie étourdissant et une belle complicité entre un public réceptif et un groupe fédérateur.
Puggy a, de nouveau, été convainquant. Il a dispensé un set frisant la perfection qui risque de résonner encore longtemps dans la tête des aficionados, la période des festivals passée !
Grandgorge se produit à la Magic Mirrors. L’endroit est plein à craquer et, comme la veille, impossible de s’y faufiler. Dommage !
Votre serviteur en profite donc pour faire le pied de grue devant la main stage. Shaka Ponk va s’y produire. Mais des festivaliers l’avertissent ! Pas trop près, car les concerts sont souvent le théâtre de pogos turbulents. En véritable guerrier, il défie ces paroles et se plante à une encablure de la scène.
Shaka Ponk est un groupe français d’alt électro/rock qui puise son inspiration au sein de différents courants musicaux tels que le rock alternatif, le grunge, le heavy metal, l'électro, le hard rock, le punk rock, le hip-hop et le funk. Les morceaux son chantés, en général, en anglais ou en français et occasionnellement en espagnol.
Le line up implique sept membres : Goz, un singe en images de synthèse, Frah (François Charon) et Sam (Sofia Samaha Achoun) au chant, Mandris (Mandris Da Cruz) à la basse, CC (Cyril Roger) à la guitare, Ion (Yohann Meunier) à la batterie, Steve (Steve Desgarceaux) aux claviers et aux samples. Bien que le groupe ait signé son premier contrat à Berlin (Allemagne), c'est à son retour en France que sa notoriété se développe.
A l'origine, il s’agissait d’un collectif d’amis qui organisait des soirées où chacun devait apporter un petit projet vidéo ou musical. Après la rencontre d’un hacker qui donne à Frah, alors webdesigner, et CC, guitariste, une mascotte, le singe virtuel Goz, le band est fondé officiellement en août 2002. Thias (Matthias Pothier), bassiste, Bobee O.D. (Jean Philippe Dumont), batteur, Mesn-X (Gael Mesny), guitariste, et Steve (Steve Desgarceaux), claviériste et préposé aux samples, les rejoignent ensuite. Sam n'intègre réellement le combo, qu'à partir de 2010.
Lors de sa création, à Paris, les musicos ont pour premier objectif la création d’un groupe zen, bouddhiste, mais à l’esprit punk et de ne pas se cantonner à un style de musique précis. Cet aspect ressort dans le patronyme. Shaka (Shākyamuni), c’est le nom du premier bouddha, choisi par référence au terme anglais shaker qui signifier le mélange entre styles ; et Ponk, c’est l’appellation d'une tribu amérindienne qui reflète le côté punk du band…
Des milliers d’aficionados se sont massés devant le podium. Normal, la formation se sépare et le concert de ce soir sera l’un des derniers. La tournée n’a d’ailleurs pas été baptisée ‘The Final F#*cked Up Tour’ pour rien !
L’estrade est bigrement bien achalandée. On y a dispersé des piles de vieux livres, des cageots en bois ainsi que des fauteuils poussiéreux. Un visuel soigné donc ! Rien de très étonnant, Frah et Sam, les deux leaders, exercent la profession de designers.
Un grand écran sert également de toile de fond. Et puis, une chorale gospel constituée de filles vêtues de longues robes blanches est installée sur une estrade, donnant l’impression qu’elles flottent dans les airs. Sincèrement, c’est très impressionnant !
Shaka Ponk mélange les genres depuis près de vingt ans au cœur d’une ‘fusion’ qui met en exergue de grosses guitares saturées et des sonorités futuristes, à l’instar de « Twisted Mind » et « Wanna Get Free ».
Des projections d’images défilent. On y voit des géants apparaître et disparaître comme par enchantement. C’est tellement bien fichu qu’on a parfois du mal à faire la distinction entre le virtuel et le réel. Sans oublier, les messages en faveur de Paul Watson, un militant écologiste qui, depuis des décennies, lutte contre la chasse aux baleines et a néanmoins été emprisonné pour avoir défendu cette cause noble et juste.
Et ces choristes ne se contentent pas seulement d’émerger du paysage puisqu’elles intègrent également des éléments de performance scénique et de danse.
Shaka Ponk fait honneur à son statut de groupe de scène. C’est riche en riffs électriques tranchants ! Que l’on aime ou pas son univers musical, le spectacle est unique en son genre.
Entre colère sociale et propos frondeurs, on épinglera ces images où l’on distingue un Macron qui, sous les traits d’un marionnettiste, précipite des gens dans le vide. Horrible !
Dans ce décor, Shaka Ponk applique une fois encore de vieilles recettes. Le band est là avant tout pour faire le show et très objectivement, c’est parfaitement réussi.
Il embraie alors par l'incontournable « Picky ». C’est le moment choisi pour inviter un garçon ainsi qu’une jeune fille sur les planches. Cette dernière semble effarouchée et se demande bien ce qu’on lui veut. Le gars, fier comme un pan, s’amuse à prendre des selfies, avant de se jeter dans la foule qui, bras tendus, l’emporte comme la vague…
« Circle Pit » constitue le moment épique du concert. Frah s’avance vers le podium central afin d'y lancer un circle pit géant. Votre serviteur se laisse entraîner dans ce cercle dangereux, au cours duquel de nombreux téméraires perdent l’équilibre et se font piétiner. Frah avait pourtant prévenu les femmes enceintes et les jeunes enfants de na pas s’y mêler. Mais pas les trouillards !
Alors que la tension est à son comble, une reprise downtempo du « Smells Like Teen Spirit » de Nirvana vient calmer l’ambiance. D’autant plus que la fin du set approche. Une chose est sûre, le public semble ravi du spectacle auquel il vient d’assister.
De mémoire, votre serviteur a rarement vécu un concert d’une telle intensité ! Seul bémol, les trop nombreux messages idéologiques et politiques. Ce militantisme et ce combat contre les inégalités sociales sont certainement justifiées, mais le festivalier ne vient-il pas à ce type d’événement pour se délasser et oublier les contraintes du quotidien ?
Il est temps de contempler une dernière fois le site des Solidarités. La majeure partie de la foule vide les lieux. Quelques-uns ont décidé d’attendre encore un peu que la circulation se fluidifie. Pas votre serviteur qui a encore une longue route à effectuer.
Une dixième édition marquée par des prestations d’une grande qualité, d’une part, et une gestion des risques parfaitement maitrisée, d’autre part. A l’avenir, il restera encore le problème des flux de spectateurs qui arrivent à l’entrée du site à régler. Mais c’est un souci que rencontre la plupart des festivals.
(Organisation : Solidarités)
Hippo Campus sortira son quatrième album « Flood », ce 20 septembre 2024.
« Flood » constitue à la fois un disque et une renaissance. En effet, il a fallu cinq années au combo du Minnesota pour enregistrer 13 titres en seulement 10 jours à la frontière du Texas. Bien que les sessions révélatrices aient eu lieu à Sonic Ranch l'année dernière, le processus a commencé il y a une éternité. Le soir même où Hippo Campus célébrait son précédent opus, « LP3 », le groupe apprenait le décès inattendu d'un être cher. Le coup de fouet de l'âge adulte a été amplifié par les conséquences de la mort, de l'abattement, de l'addiction et de l'anxiété. Ensuite, ils se sont promis de créer quelque chose de profond et de changer de vie. Ils sont devenus sobres ensemble, ont suivi une thérapie de groupe, ont écrit plus de 100 chansons, ont pris du recul et se sont soudain rendu compte qu'ils n'aimaient pas vraiment ce qu'ils faisaient.
Pour une formation qui a dépassé le milliard de streams, rempli des salles historiques à guichets fermés comme Red Rocks, joué à la télévision et sur des scènes de festival dans le monde entier, les musicos savaient que ce qu'ils faisaient cette fois-ci n'était tout simplement pas assez bon. Ils ont cessé d'essayer de produire un soi-disant chef-d'œuvre et se sont engagés à produire ce qu'ils préféraient tous : pas de remise en question ni de retour en arrière, mais une prise d’élan vers l'avant. C’est ainsi que moins de deux semaines plus tard, le chanteur Jake Luppen, le guitariste Nathan Stocker, le batteur Whistler Allen et le bassiste Zach Sutton ont sorti « Flood ».
À la veille de la parution de son dernier single, le band explique : ‘« Paranoid » est la collection d'éclats de soleil collés contre vos paupières après s’être endormi à l'extérieur. C'est un regard dur dans le miroir impitoyable et la réalisation dégrisante que toutes les questions n'ont pas de réponses’.
Comme « Paranoid », « Flood » navigue à l'intersection de la vulnérabilité et de l'urgence. L’elpee filtre des sentiments globaux à travers le type d'arrangements fascinants et d'accroches massives qui ne peuvent être réalisés que par un groupe d'amis qui parlent le même langage musical et émotionnel depuis qu'ils sont enfants.
Tout au long de « Flood », Hippo Campus livre des thèses bien ficelées sur l'autocritique et le pardon, la responsabilisation et le fait de ne pas répondre aux attentes, les relations ratées et la façon d'aller de l'avant.
Nouveau single « Paranoid » à découvrir sous forme de clip là
et « Forget it » est en écoute ici
et « Forget it » est en écoute ici
https://www.youtube.com/watch?v=qo2OUEOXjmQ
JE 07.11.2024 Les Négresses Vertes
Cirque Royal, Bruxelles
Les billets sont en vente à partir de mardi 27 août à 11 heures
Dix années maintenant que les Solidarités sont programmées à Namur, le dernier week-end d’août. Et un tel anniversaire se fête dignement ! Comment ? A coup de grosses têtes d’affiche évidemment !
Alors que la Citadelle accueillait jusqu’alors le festival, il a déménagé vers le site d’Ecolys qui s’est refait un lifting à quelques millions d’euros.
Le festival des Solidarités est singulier car il est fédérateur d’un bien vivre ensemble, de justice sociale et de lutte contre les inégalités.
Durant trois jours, il offre une programmation musicale particulièrement qualitative. Mais pas que puisqu’une kyrielle d’activités sont organisées autour des thématiques précitées, telles que conférences, spectacles pour enfants, activités ludiques, découverte de la culture hip-hop, programmation off des associations, etc. L’offre est telle qu’elle en donne le tournis !
Si en 2023, de nombreuses critiques avaient été formulées, notamment en ce qui concerne la mobilité, il faut reconnaître que, cette année, les organisateurs ont remédié au problème. Ainsi, notamment, de nombreuses navettes effectuent des trajets de et vers la gare ferroviaire et l’aérodrome. De même, l’espace sur le site a été agrandi permettant une meilleure fluidité de déplacement.
Deux scènes de taille quasi-identiques se côtoient, ‘La place des Arts’ et la ‘Scène PV’. Cette dernière est installée à proximité d’une grande roue, elle aussi, sponsorisée par le même groupe. Une troisième, plus iconoclaste, est baptisée ‘Magic Mirrors’ et se situe plus en retrait. Et comme son nom l’indique, elle est empreinte de magie et de mystère.
Le festival est sold out. Autrement dit, il y aura du peuple !
Ce samedi, les prévisions météorologiques ne sont pas des plus optimistes ; une alerte jaune a été lancée par les autorités. Pourtant, on a peine à le croire, vers 15 heures, le ciel est d’un bleu azur éclatant, les températures affichent 30 degrés et un vent souffle, certes, en rafales, mais il fait un bien fou.
Après avoir emprunté l’une des nombreuses navettes du TEC et retiré son bracelet auprès du service spécifique, votre serviteur arrive enfin au pied de la main stage. NEJ se prépare à livrer son set.
D'origine marocaine, Najoua Laamiri est une auteure-compositrice-interprète de musique pop française.
Elle se fait connaître en 2016 par sa reprise du single « Aime moi demain » initialement interprété par The Shin Sekaï. Mais elle gagne en popularité à la suite de collaborations avec différents artistes de la chanson française. Parmi ses singles les plus connus figurent « I Miss U », « Paro », « Ma colombe » ou encore « Indomptable ».
Cette jeune trentenaire déconcerte sur les planches. A cause de ses compos. Inspirantes parfois, enivrantes souvent. Pas de doute, elle se sert de la musique comme un véritable exutoire.
Elle alterne sans complexe le français ou l’anglais. Pas étonnant dès lors que le public soit majoritairement composé de jeunes demoiselles influencées par les sonorités orientales et urbaines de l’artiste.
Très franchement, si la curiosité s’est vite imposée, elle s’est tout aussi vite dissipée, les chansons de l’artistes embrassant des contours faciles et gnangnan. Quelques accords de base et des thématiques mille fois revisitées, nuisent à sa crédibilité.
Autant de raisons pour filer tout droit voir et écouter Doria D. Une artiste qui n’est pas inconnue aux yeux de votre serviteur pour avoir assisté à son concert, il y a quelques semaines, dans le cadre du Les Gens d’Ere.
Elle est accompagnée d'un drummer, d'une jolie dame brune au clavier, et d’un bassiste un peu grassouillet.
Sa carrière musicale ressemble à un conte de fées. Alors qu’elle vient juste de souffler ses 16 printemps, la jeune fille, armée de sa gratte électrique, écume les bars. Elle signe dans la foulée chez le label G-major ; et puis, en 2021, grave un premier Ep réussi, intitulé « Dépendance ». Depuis, son succès est en progression constante.
Elle est venue présenter son dernier format intitulé « Je cherche encore… ». Mais que le public se rassure, son set livrera une panoplie de titres anciens et nouveaux, à l’instar de « Hors tempo », un titre bien groovy.
Entre amour-passion et amour-raison, elle distribue, à qui veut l’entendre, des « Coups et bisous », afin d’évacuer la « Colère » qui sommeille en elle, préférant cette solution à la frustration dont elle a manifestement gardé des séquelles. Elle souhaite désormais vivre plus sereinement. Grand bien lui fasse donc !
Manifestement, Doria D est l’une de ces artistes torturées qui, grâce l’écriture de chansons aigres-douces, capture l’instant pour en faire surgir une matière subtile. Mais c'est encore sa reprise de l’emblématique « Jeune et con » de Damien Saez qui la hisse comme véritable porte-drapeau de toute une génération. Sa gratte électrique en bandoulière, elle frappe les cordes avec une sensibilité à fleur de peau. Une chanson qui trouve sa raison d’exister dans sa bouche.
Inspirée par Billie Eilish, Lana Del Rey, mais aussi des rappeurs francophones tels que Nekfeu et Lomepal, Miss Dupont propage des sonorités french pop modernes qui s’inscrivent dans l'air du temps, le tout dans un style décontracté. Grâce à un sens mélodique et des textes percutants, elle marque les esprits.
La demoiselle s’épanche sur sa « Dépendance », un texte qui traite d’une relation toxique. En fait, elle s’émancipe et touche le public à l’aide de textes simples véhiculés par une expression sonore fraîche, dansante et contemporaine. Et si sa popularité monte en flèche, c’est largement mérité.
Retour à la main stage pour y découvrir Pierre De Maere, un artiste qui fait beaucoup parler de lui depuis quelques années. Et de surcroit, c’est un Belge, pardi !
Soutenu par un backing group, il est tout de noir vêtu, et sans préambule, il entame « Enfant de », une composition positive qui met tout le monde d’accord. Que l’on apprécie ou pas son côté dandy, il faut admettre que ce jeune gars d’à peine 23 piges, compose de belles chansons. Pertinentes, savamment orchestrées, elles véhiculent des textes ciselés et des mots qui font mouche à l’instar de « Menteur » ou encore de « Roméo », un morceau au cours duquel sa voix grimpe dans les aigus. Et il s’y sent d’ailleurs très à l’aise.
De Maere est un artiste à part, loin de tout stéréotype. Autodidacte, il compose ses premiers morceaux sur le logiciel ‘Garage Band’, dès l’âge de 9 ans, avant de s’intéresser à la photographie de mode. C’est lors de ses études à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers qu’il publie son premier morceau, sous statut indépendant, « Potins absurdes ». Le succès est immédiat.
Repéré par le label Cinq (Dominique A, Kalika, Jean-Louis Murat), il publie son premier Ep dans la foulée, « Un jour, je », en janvier 2022. Le disque est propulsé par les médias au-delà de ses espoirs. Pierre de Maere enchaîne alors les plateaux télévisés et les interviews dans la presse.
Après avoir décroché le prix de la Révélation belge de l'année aux NRJ Music Awards en 2022, il reçoit une ‘Victoire de la Musique’ en 2023, dans la catégorie ‘Révélation masculine’ de l'année.
Lorsqu’il ouvre la bouche, son phrasé à la bourge peut surprendre et en énerver plus d’un. Arrogant et pédant ? Est-ce un rôle qu’il aime se donner ? En tout cas, une chose est sûre, son attitude baigne dans la sophistication la plus totale.
L’auditoire ne semble pas prêter d’attention particulière à sa contenance. D’ailleurs, les applaudissements fusent. Pierrot attire la sympathie, notamment lorsqu’il s’épanche sur sa « Lolita », une chanson inspirée par… sa chatte (l’animal, pas une métaphore à connotation sexuelle) et qui ne manque ni d’audace ni de fantaisie…
Sa manière de rouler les ‘r’ à la Stromae, ses envolées vocales et son univers un brin rétro, mais stylé, secouent la scène francophone.
Il devient émouvant lorsqu’il évoque l’indifférence à laquelle il a dû faire face plus jeune, à l’instar de Lady Gaga dont il voue d’ailleurs une admiration sans faille. Il raconte ainsi qu’elle a dû se dévêtir pour attirer l’attention des clients, quand elle chantait dans les bars.
Le set touche doucement à sa fin. Evidemment, il nous réserve « Un jour je marierai un ange », une manière de remercier celles et ceux qui ont bravé la pluie et le vent lors du concert.
Enfin, le nostalgique « Mercredi » invite à retourner dans l’enfance fantaisiste et clôt un set de bonne facture placé sous le signe du kitsch et de la bonne humeur.
Pierre remercie le public et son équipe. Sans oublier son frère Xavier, son ingé-son, qui l’accompagne forcément partout.
Le vent forcit. Les organisateurs sécurisent les barrières entourant le site en enfonçant des pieux dans le sol. Et à une vingtaine de mètres devant le podium PV, plus personne n’a le droit de traîner, afin d’éviter de se prendre quelque chose dans la tronche. Principe de précaution oblige !
Les températures ont baissé de plus de 10 degrés en quelques minutes. Alors que les festivaliers se promenaient en t-shirts, les parkas font maintenant leur apparition. Le temps se gâte ! Votre serviteur fonce vers la Magic Mirrors, la seule scène couverte. Sa taille est réduite ; de quoi parfois susciter un sentiment de frustration.
Conçu à la manière des salles de bal des années folles, ce chapiteau de bois révèle tout son charme, à peine les portes franchies. On y découvre un abri chaleureux, un univers feutré, ambiance art nouveau. Dès son arrivée, le spectateur est enveloppé dans l’atmosphère chaude des velours carmin, des boiseries, vitraux et miroirs.
Au centre de cet espace circulaire, une piste de danse en parquet de bois a été posée et conforte le sentiment de convivialité propre à cette salle.
L’endroit se prête bien à l’univers doux et feutré de Zoé Joséphine, une auteure-compositrice-interprète de vingt-et-un printemps. Un patronyme choisi afin de rendre hommage à un arrière-grand-mère qu’elle a eu la chance de connaître.
La petite est une artiste au sens noble du terme. Elle apprend le solfège dès ses 5 ans, et quelques années plus tard, le piano. À un peu plus de 10 ans, elle écrit ses premiers textes. Et à13, elle prête sa voix à un projet de sensibilisation sur l’autisme lors de l’enregistrement de la première chanson de ‘Artiste Émoi’, un groupe composé à 90% d’enfants atteints de ce trouble du neurodéveloppement, avant de créer sa propre chaîne YouTube en 2016 qui lui permettra d’être repérée par l'équipe de ‘The Voice Kids France’. Elle y passe les auditions à l’aveugle interprétant une version personnelle du « Marchand de cailloux » de Renaud. Sa carrière est lancée.
Après avoir grimpé sur l’estrade, elle s’avance timidement les cheveux tirés en arrière ; ce qui sublime son visage angélique, mais en même temps, lui confère un air sérieux. Elle se plante alors derrière son synthé. Elle est soutenue par un batteur. Dès les premiers instants, une évidence s’impose : cette femme est belle. A voir, oui, mais aussi à entendre. Son timbre de voix caresse les conduits auditifs. Et provoque une sensation de douceur indicible. Elle incarne tantôt l’irréel, tantôt un prisme d’introspection.
Sans doute l’une des belles surprises de la journée. L’inattendu dans toute sa splendeur ! Comme quoi, il ne faut surtout pas hésiter à se laisser bercer par des artistes dont on ne connaît finalement pas grand-chose. C’est aussi ça la magie des festivals !
Grâce à des textes qui viennent du cœur et au sein d’une ambiance solennelle, les titres de Zoé Joséphine envoûtent, à l’instar de « A quoi tu penses », une bien jolie ballade aux couleurs australes.
Tantôt seule au piano/voix, tantôt épaulée par la rythmique du drummer, la demoiselle s’exécute avec une aisance digne des plus grandes. Ses chansons s’inspirent de ses ressentis, ses expériences et donnent aussi la parole à ceux que l’on ne regarde plus, notamment à travers « Paris ». Une chanson qui aurait pu s’intituler « Bruxelles », « Madrid » ou « Barcelone », toutes ces grandes métropoles où quiconque devient quelconque.
Lorsqu’elle entame « Quand le soleil entre », une compo aux sonorités pop exaltantes, l’artiste et l’auditoire entrent en communion, ce dernier scandant haut et fort le refrain entêtant qui retentit encore aujourd’hui dans les têtes. Oui, Zoé, « Regarde dehors », comme le ciel est beau, comme la vie est belle.
Sincères et émouvants, ses messages font du bien, touchent le cœur et l’esprit.
Amusante aussi lorsqu’elle se remémore, aidée d’un ami, de vieux mots du passé comme ce « Wheeling », sur des accords de piano dont la puissance rythmique syncopée est incroyable.
Fan d’Eddy Mitchell et de Laddy Gaga, c’est finalement de cette artiste qu’elle entamera une bien jolie reprise d’un de ses titres incontournables.
En interprétant seulement une poignée de chansons, elle est parvenue à explorer l’universalité des sens et des âmes. Un futur grand talent de la chanson française ! Nul doute que Zoé aura encore mille histoires à raconter dans le futur. Dans son futur.
Etienne Daho débarque comme un conquérant sur la main stage. Il est 20 heures 30 précises. Si le light show est alors tamisé, on distingue nettement les lettres ‘DAHO’ sur néons rouges qui semblent embraser la scène. Les musicos arrivent un à un sur le plateau. Le chanteur entonne, micro à la main, « l’Invitation ». Un morceau de circonstance. Le ton est donné.
Il enchaîne rapidement par « Le grand sommeil » et « Sortir ce soir », deux grands classiques issus de « La Note la Notte », album sorti en 1984.
Pourtant âgé de 68 ans, le Français tient la grande forme. Veste noire pailletée sur le paletot, Daho livre un set bien plus rock que ceux dispensés ces derniers temps.
Alors que la pluie s’est à nouveau invitée pendant quelques minutes, l’artiste en profite pour contempler au loin « Le Phare » qui lui indique la direction à prendre. Un temps qui lui rappelle celui de la Bretagne profonde, comme il aime à le préciser. Et, il n’a pas tout à fait tort.
Pas avare en anecdotes, Daho n’oublie pas d’évoquer ceux qui ont compté pour lui comme Jane Birkin, Françoise Hardy ou encore Jacques Dutronc. Et bien sûr, Serge Gainsbourg et ses légendaires 102 (entendez par là des double 51), rue de Verneuil, où il n’en est jamais sorti, raconte-t-il, avant d’interpréter son « Comme un boomerang », qu’il a ressuscité en 2001 avec la regrettée Dani. L’ombre de Gainsbarre, l’alter ego de Gainsbourg, plane tout à coup en région namuroise.
C’est alors que l’artiste se livre à une déferlante de tubes, synthétisant ainsi au mieux quarante ans d’une carrière bien remplie, tels que « Mon manège à moi », « Saulade » et son refrain atmosphérique, « Duel au soleil » ou encore l’incomparable « Tombé pour le France » et ses roulements de tambour électronique. Bref, des hits magiques et intemporels.
La scénographie est remarquable, la scène est auréolée de couleurs le plus souvent à dominante rouge.
Tandis que le show bat son plein, le public a la surprise de découvrir la belle Vanessa Paradis lors d’un duo virtuel sur l’écran géant installé en arrière-plan, pour « Tirer la nuit sur les étoiles ».
Le concert tire doucement vers la fin. Et si nous partions un « Week-end à Rome » pour un « Épaule tattoo » ?
Enfin, « Ouverture » parachève un spectacle particulièrement dynamique.
Daho a sans doute livré l’une des meilleures prestations de sa carrière. Tout était parfait : le son, la scénographie, le choix des chansons, l’ambiance. Et l’amour qu’il porte au public. Qui le lui rend bien ! Un Daho dans une forme olympique (NDLR : c’est de circonstance) !
Grâce à des chansons intemporelles, rétrospectives de sa carrière, un show millimétré, une maîtrise vocale imparable et un charisme singulier, ce grand bourlingueur n’a pas besoin d’en faire des tonnes pour combler le public.
Direction maintenant la Magic Mirrors. Le grand Saule s’y produit (au sens propre comme au figuré). Alors que votre serviteur s’est empressé de rejoindre cet espace tel un marathonien, impossible d’y mettre le pied. La salle est bondée. Deux gardes veillent au grain. Quelques deux cents festivaliers attendent patiemment, à l’extérieur, en désespoir de cause. Il faut se rendre à l’évidence, la mission est impossible.
Résultat des courses, votre serviteur, habitué des foules et des festivals, bat en retraire. Il est peut-être temps de regagner ses pénates. La route est encore longue pour y parvenir. Et demain, on annonce du beau monde sur les planches...
(Organisation : Les Solidarités)
SOLD OUT
Le concert de FAT DOG, le 10.10.2024 au Museum est complet.
Le concert de EMMA PETERS, le 20.11.2024 à l’Orangerie est complet.
SUPPORTS
CLOTHING fera la première partie de CRACK CLOUD le 05.09.2024 au Museum.
CKOLLONTAJ fera la première partie d'AGRICULTURE le 05.09.2024 au Witloof Bar.
FOLK BITCH TRIO fera la première partie de CAT CLYDE le 16.09.2024 au Witloof Bar.
LISA LI-LUND fera la première partie de ASHA JEFFERIES le 24.09.2024 au Witloof Bar.
MARGARET HERMANT fera la première partie de DUSTIN O'HALLORAN le 17.10.2024 à l'Eglise Notre-Dame de Laeken.
SHITFRUIT fera la première partie de BONNY DOON le 11.11.2024 au Witloof Bar.
CHANGEMENTS DE NOMS !
Changement de nom de l'événement du 12 novembre à l'Orangerie : il s'appellera dorénavant : MARC RIBOT'S CERAMIC DOG.
Changement de nom du groupe ÂA qui devient ADAM LA NUIT : le concert a toujours lieu le 11.10.2024 à la Rotonde.
CHANGEMENT DE SALLE
Vu le succès, le concert de UNPROCESSED + AVRALIZE prévu le 29.10.2024 au Witloof Bar, passe à la Rotonde.
REPORT
"SEGA BODEGA will no longer be performing at Les Nuits Weekender and postpones his show to November 25th - Nuits Weekender tickets will not be valid for the new date."
ANNULATION
Le concert de MOLLY PAYTON + EPONA prévu le 13.09.2024 au Witloof Bar est annulé.
SAISON : NOUVEAUX CONCERTS : voir ici
Le 6ème elpee de SUUNS, "The Breaks", paraîtra ce 6 septembre 2024. Le trio canadien réunissant Ben Shemie, Joseph Yarmush et Liam O'Neill s'appuie plus que jamais sur ses instincts pop. Pourtant, pour la circonstance, la formation d’avant rock a exploité une palette sonore plus extrême qui s'étend bien au-delà de ses fondamentaux. Et avec le même abandon intrépide.
Sur "The Breaks", le groupe expérimente allègrement en se servant de boucles, de synthés, d’échantillons et d’instruments MIDI, comme un Tangerine Dream post-millénaire s'amusant avec des rythmes trip hop downtempo.
Le premier single "The Breaks" (c’est le titre maître) incarne la nouvelle aventure audacieuse de SUUNS dans le domaine de la dream pop, exécutant d’une part un plongeon dans les profondeurs de l'abstraction électronique et d’autre part dans ses instincts de groupe. Le réalisateur Alexander Ortiz explique le clip qui l'accompagne : ‘L'idée de la vidéo (à découvrir là) est essentiellement de correspondre à la lenteur et à l'humeur de la chanson. Elle évoque des mouvements sans destination précise et des mélanges analogiques d'images que l'on peut presque toucher’).
"The Breaks" est devenu en quelque sorte l'opposé de notre précédent opus. Rien n'a vraiment été joué ensemble, ajoute le multi-instrumentiste Yarmush.
Le destin et les circonstances ont fait qu'O'Neill a pris la place du producteur pour ce long playing, arrangeant, structurant et modifiant de nombreuses idées de Shemie et Yarmush à partir de sessions de répétition sporadiques dans Pro Tools, réimaginant les chansons encore et encore sur une période de deux ans.
‘Nous avons fait cet album à un moment où je n'avais pas grand-chose d'autre à faire dans ma vie que de la musique’, explique O'Neill.
Bref, "The Breaks" présente le très respecté SUUNS sous son jour le plus panoramique, le plus curieux et le plus exubérant.
jeu. 30/01 |
Ramkot
sam. 08/02 |
DIKKE
mer. 26/02 |
Animals As Leaders
sam. 01/03 | EN VENTE DÈS 23/08
David Kushner
sam. 29/03 |
Amenra
Mardi 26 novembre 2024 – Elderbrook – Trix, Anvers
Jeudi 27 mars 2025 – MEAU – De Roma, Anvers
Samedi 29 mars 2025 – Amenra – Ancienne Belgique, Bruxelles
Lundi 28 octobre 2024 – NAS – Cirque Royal, Bruxelles
Vendredi 22 novembre 2024 – Faithless – Lotto Arena, Anvers
Mardi 26 novembre 2024 – Elderbrook – Trix, Anvers
Samedi 1er mars 2025 – David Kushner – Ancienne Belgique, Bruxelles
Jeudi 27 mars 2025 – MEAU – De Roma, Anvers
Samedi 29 mars 2025 – Amenra – Ancienne Belgique, Bruxelles
jeu. 30/01 |
Ramkot
sam. 08/02 |
DIKKE
mer. 26/02 |
Animals As Leaders
sam. 01/03 | EN VENTE DÈS 23/08
David Kushner
sam. 29/03 |
Amenra
Humanist, c’est le projet du multi-instrumentiste, auteur compositeur et producteur londonien, Rob Marshall. Cet ex-guitariste d’Exit Calm est également le coauteur d’un album de feu Mark Lanegan.
En 2020, il avait gravé un premier opus –un éponyme– pour lequel il avait reçu le concours de nombreux chanteurs, dont Dave Gahan (Depeche Mode), Mark Gardener (Ride) et Mark Lanegan…
Originaire de Teesside, Rob a grandi dans le nord-est de l'Angleterre, une terre de hauts fourneaux, d'estuaires pétrochimiques et de cieux brûlants.
Ce cœur brisé de la révolution industrielle vient de sortir son second long playing, « On the Edge of a Lost and Lonely World », et de nouveau, lors des sessions, il a bénéficié de la collaboration maints vocalistes dont Isobel Campbel, Ed Harcourt, Tim Smith (Midlake), Peter Hayes (Black Rebel Motorcycle Club) et son ami fidèle, Dave Gahan…
Sur cet elpee, Rob explore des thèmes existentiels tels que la vie, la mort, l’espoir, la souffrance et la rédemption.
Brumeuses, les sonorités de guitare glissent et scintillent, créant des textures subtiles et délicates à l’aide de mélodies atmosphériques, turbulentes, vulnérables ou introspectives...
Podcast # 46 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)
Originaire de Cincinnati, dans l’Ohio, Sungaze est le projet des époux Ian Hilvert et Ivory Snow.
Hilvert a entamé ses études musicales à l'âge de 12 ans, lorsque des amis l'ont incité à apprendre à jouer de la guitare. Puis, il a milité au sein de plusieurs combos de la scène punk et métal de Cincinnati avant de se lancer dans ce nouveau projet.
Le parcours d’Ivory est plus romantique. Dès son plus jeune âge, elle rêvait de laisser sa marque sur le monde sous la forme de chansons. Cependant, elle n’a vraiment trouvé sa voie que lorsque Hilvert a offert à Ivory une guitare artisanale qu’il avait fabriquée, pour fêter son vingt-sixième anniversaire, et lui a appris quelques accords simples.
Les paysages sonores luxuriants sont alimentés par des sonorités de guitare tour à tour chatoyantes, planantes ou rugissantes et traversés de voix éthérées imprégnées de réverbération rayonnante, tout en donnant naissance à des mélodies élégantes, obsédantes et introspectives.
Le backing group du band implique Angela Colvin à la basse, Zach Starkie à la guitare rythmique, Justin Van Wagenen à la batterie et Charlie Hausfeld aux claviers, afin de dynamiser les compos complexes de Sungaze qui libèrent une énergie à la fois puissante et éthérée.
Après avoir gravé deux albums et quelques singles, Sungaze s’apprête à publier un nouvel opus ce 30 août 2024.
Son nouveau single, « Freer than I could be », est disponible sous forme de clip là
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Aurelia Aurita, c’est le nom scientifique de la méduse commune, également appelée méduse lunaire
Mais c’est aussi le patronyme choisi par une jeune formation issue de Camberra, en Australie, dont le cœur bat quelque part entre dream pop, shoegaze et rock alternatif.
Depuis septembre 2023, la formation a gravé plusieurs singles et trois Eps, dont « Spiraling », « The sound of a heart beating » et « 160mg C8H10N4O2 !! »
Les 3 Eps d’Aurita d’Aurelia Aurita sont en écoute sur le Bandcamp du groupe, que vous retrouverez aisément en cliquant sur son nom, dans le cadre ‘Informations complémentaires’.
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Moon Void (Trad : le vide lunaire) est originaire de Tapei City, à Taïwan.
« All is not lost » constitue son second Ep, il fait suite à « Overture », paru en août 2022.
Les musiciens s’expriment :
‘« All Is Not Lost » reflète le dialogue essentiel que nous entretenons avec nous-mêmes. Ce n'est qu'aux heures les plus sombres que nous réalisons que la véritable mélodie se trouve en nous-mêmes. Nous avons l'occasion de découvrir la nouveauté, le doute, le chaos et, espérons enfin faire la paix avec nous-mêmes…’
En pratique, la Lune peut quasiment toujours être considérée comme entourée par le vide. Donc, tout n’est pas perdu…
Extrait de cet Ep, le titre maître est en écoute là
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Nigel Grey Dubois est un photographe, graphiste et musicien anversois qui, outre ses collaborations avec d’autres artistes, drive deux projets : Starblind=Earthbound et Mindshore.
Sur son single « Morphine ghost », Mindshore plonge des éléments électroniques contemporains dans les eighties et les nineties, pour concevoir une compo electro/pop nostalgique qui traite de l'addiction tout en se révélant personnelle, puisqu’elle évoque les derniers instants de vie de son grand-père qu’il aimait beaucoup. Bref, un morceau qui libère des émotions intenses tout en élevant votre esprit et en vous incitant à danser.
Le single est enrichi d’un remix de Darkvolt qui apporte une touche industrielle au morceau original, un peu dans l’esprit de l‘EBM (NDR : pensez à Front 242).
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