Formidable guerrier psychique, canalisateur du mystique et partisan d'une quête spirituelle qui transcende ce royaume, Goat reste un groupe empreint de mystère. Depuis ses origines insondables dans le village suédois de Korpilombo, il a parcouru les scènes et…

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Sang Froid, c’est un trio nantais réunissant des membres de Regarde les Hommes Tomber et de The Veil. Il sortira un Ep éponyme, ce 7 octobre. Passionné par le rock gothique, la new et cold wave, la formation reconnaît pour influences majeures, Cocteau Twins,…

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Montevideo

Hot, Hotter, Hottest

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C'est dans le cadre très privé du bar de l'Atelier 240 que Montevideo présentait son premier album devant un public pour la majorité déjà conquis. Après un petit drink offert par la maison dans un hall d'entrée surpeuplé, direction le premier étage, où le groupe s'apprête à jouer un set court mais entraînant.

Là-haut, il fait au moins 40 degrés. Malgré la chaleur, le parterre, composé de personnalités (membres de Ghinzu, de Sold-out, etc.), semi personnalités et autres gagnants de concours, se serre afin d'apercevoir la minuscule scène au fond du bar. Après une petite introduction de Jean au clavier, les trois autres gaillards prennent place et voilà déjà que quelques groupies se mettent à hurler. Avec une énergie revigorante, Montevideo enchaîne les titres de leur disque éponyme pour un public assez enthousiaste mais que la chaleur croissante de la salle empêche de bouger. Les morceaux « Boys From Brazil », leur inévitable reprise du « London Calling » des Clash, « Groovy Station », « Sluggish Lovers » ou encore « Liberation For Women (Sexy Girl) » accompagné justement d'une jolie demoiselle aux chœurs, prouvent que le quatuor n'a pas volé sa réputation scénique. Entre les chansons, Jean s'adresse généralement au public en anglais. Ce que certains trouvent prétentieux n'en est pas moins pratique dans un pays comme le nôtre. Terminant le showcase sur un deuxième service de « Sluggish Lovers », Montevideo s'éclipse en remerciant toute leur équipe et son public, qui, même s'il n'aura pas vu grand-chose, semble, en général, repartir le sourire aux lèvres.

 

Tony Joe White

Born on the bayou...

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Le Handelbeurs est un bâtiment historique. Un monument classé dont la plus ancienne partie remonte à 1739. La décoration intérieure a été restaurée, puis aménagée à l'aide des techniques les plus modernes pour offrir aujourd'hui son caractère contemporain. Une entreprise qui a été achevée en septembre 2002. La salle principale (442 m2) peut contenir 390 places assises mais surtout 800 places debout. La sonorisation est parfaite. En outre, cette structure ultramoderne s'adapte suivant les circonstances au spectacle. On se doute bien que les infrastructures ne servent pas qu'aux concerts pop/rock, mais la centaine de spectacles qui y sont programmés par an constitue manifestement l'activité majeure de cette salle. Qui dispose, en outre, d'un bar particulièrement vaste. Afin de vous rendre compte de l'architecture des locaux, vous trouverez quelques clichés en rubrique 'photos du public'.

Tony Joe White est une légende vivante. Il a composé, entre autres, pour Elvis Presley, Tina Turner, Ray Charles, Joe Cocker, Etta James, Hank Williams Jr. et même Johnny Hallyday (NDR : est-ce une référence ?) Et tourné en compagnie d'une multitude de mythes du rock et du blues, dont JJ Cale et Clapton, qui lui ont filé un petit coup de main, lors de la confection de son dernier album, « Uncovered ». De passage en Belgique pour trois dates, le Louisianais a joué à guichets fermés. Y compris lors de son set accordé au Handelbeurs de Gand. Une popularité acquise sut le tard. Surtout lorsqu'on sait qu'il compte aujourd'hui 63 balais.

Tony monte sur les planches en solitaire. Chapeau bien enfoncé sur le crâne, lunettes fumées, il s'assied sur un siège disposé à l'avant de la scène, branche sa guitare (NDR : il gardera la même râpe tout au long du concert) et pose un harmonica sur un rack. Le spectacle peut commencer. Après quelques titres, le citoyen d'Oak Grove est rejoint par un drummer : Jeff Hale. Pas n'importe qui, puisqu'il a sévi au sein du Jenning's Band. Un batteur qui allie efficacité, souplesse et vivacité. C'est tout juste s'il ne joue pas son propre show ! Le son est à la fois puissant et cool. Le baryton profond, musqué de White donne la chair de poule. Le swamp blues de TJW est insidieux, poisseux, ténébreux, hostile, venimeux, régulièrement hanté par son harmonica. Cependant, le Crocodile est vigilant et dispense ses riffs tranchants ou funkysants par giclées, lorsqu'il ne torture pas son instrument (NDR : la pédale wah wah !) à la manière de Jimi Hendrix ; mais en prenant toujours le soin de les sculpter dans le blues. Et puis, il est le maître du bayou. Aucune proie ne peut donc lui échapper… Les titres défilent : « Undercover agent for the blues », « Roosevelt and Ira Lee » (NDR : franchement on comprend mieux pourquoi il a influencé le Creedence Clearwater Revival !), « Saturday nite in oak groove, Louisiana », les blues lents « Did somebody make a fool out of you » et « Rainy night in Georgia », « Stud spider » qu'il parcourt d'onomatopées, ainsi que les inévitables « Cold fingers » et son tube « Polk salad Annie » qu'il réserve en fin de spectacle.

Le public en redemande, mais Tony Joe White se fera longuement attendre avant de revenir jouer trois morceaux dont l'excellent « Keeper of the fire », « (You're gonna) look good in blues » et « Steamy windows » sur un tempo tribal digne de Neil Young. Peu de titres issus de son dernier opus, et pas de trace du célébrissime « Groupie girl ». Une heure trente plus tard, le saurien se lève, salue la foule et disparaît dans son bayou...

 

Dominique A

Ce qui sépare

Il y a bien longtemps, dans les années 90, un type au teint livide chantait sa déprime sur fond de folk acariâtre : il s'appelait Polar, et portait un bonnet noir qui lui donnait des airs de cambrioleur à la petite semaine. Pas drôle, le mec, mais forcément touchant : ses deux premiers albums, « 1 » et « Bipolar », recelaient quelques perles à s'écouter toutes lumières éteintes, le doigt sur les tempes et la bouche crispée dans un rictus rageur. Depuis lors, beaucoup d'eau a coulé sous les ponts de Genève, et l'on se demandait si Polar ne s'était pas noyé, lui aussi, tel un Buckley helvète. Dix ans plus tard, Polar refait pourtant surface et sort un quatrième album, « Jour Blanc », écrit en compagnie de Miossec. Qui pour le coup n'a pas l'air de s'être foulé le coude, tant les paroles s'avèrent naïves et dénuées de toute métaphore. Quand Polar monte sur scène, seul, sans bonnet, il nous balance donc ses nouvelles chansons, en français dans le texte, sans penser un instant à ses fans de la première heure. Et du Polar en français, c'est comme de la choucroute sans clou de girofle : ça passe mal. Chez lui, les 'roses sont des épines', à moins qu'il ne s'agisse d'un problème de liaison, mais en tout cas on ne peut s'empêcher de sourire. Etre ou avoir, peu importe, puisque les textes de ses autres chansons sont tout aussi à l'avenant : ni rimes, ni vigueur syllabique, Eric Linder devrait lire Flaubert. Heureusement que le mec est sympa : il nous raconte la genèse de quasi chacun de ses titres avant de les chanter, d'où la redondance, et l'ennui. Sympa, le mec : dommage qu'il se soit mis à la chanson française, et que d'un coup on croirait presque entendre Pascal Obispo chanter dans la montagne, au milieu des vaches violettes (cette voix, irritante à force de yodle démonstratifs). 'C'était mieux avant' ? Evidemment.

Peter Von Poehl, lui, peut se targuer d'avoir gravé un des meilleurs disques pop de l'année : l'excellent « Going to where the tea trees are », dont il interprétera 5 titres seul, à la guitare. On peut regretter l'absence de toute enluminure (synthés, cuivres, batterie, basse,…), mais présentées telles quelles, en toute simplicité, ses jolies mélodies gardent pourtant leur pouvoir d'attraction… Et quand le Suédois demande à l'assemblée de hululer en chœur sur « The Lottery », personne ne se fait prier et l'humeur monte doucement, jusqu'à envahir le parterre comme du sirop de liège. Même assis, le public réagit : il est conquis. Peter Von Poehl chante alors « The Story of the Impossible », la chanson-Mobistar, mais heureusement aucune sonnerie de GSM ne vient gâcher ce grand moment de poésie lo-fi. Avant de clôturer par « Going to where the tea trees are », Peter Von Poehl hasarde de sa voix cajoleuse quelques mots en français (il connaît bien la langue), plaisante à propos de Tricatel ; bref met tout le monde dans sa poche. Vivement la tête d'affiche en 'full live band' !

Mais les trentenaires dans la salle étaient surtout présents pour le concert de Dominique A, dont le dernier album avait déjà été présenté lors des dernières Nuits Botanique. 'Vous n'aviez pas envie d'aller voir Motörhead ?', ironise d'entrée de jeu notre homme en noir avant de balancer « Revoir les choses ». Pas d'« Overkill » en cover, mais la plupart des titres de « L'Horizon » joués pied au plancher, dans une ambiance glaciale qui en laissera plus d'un perplexe. C'est un Dominique A sec et rageur qui se présente à nous, le corps rigide et le regard frondeur : on n'est pas là pour rigoler, à moins d'aimer l'humour très pince-sans-rire du Français exilé à Bruxelles. « La Relève » et « Rouvrir » ne détendent pas l'atmosphère : il faut attendre « Le Camion », semblant de tube radiophonique, pour oser remuer les orteils en position assise. « La Mémoire Neuve » ranime de vieux souvenirs, mais la question semble être ailleurs : Dominique A aurait-il mal digéré son souper ? A part deux rappels où se succèdent enfin vieux tubes moins féroces (« Antonia » et « Le Courage des Oiseaux »), on ne peut s'empêcher de rester circonspect : il a fait froid pendant deux heures, et notre veste était consignée au vestiaire.

La setlist : Revoir les Choses, La Relève, Rouvrir, Le Camion, Bowling, Antaimoro, La Mémoire Neuve, La Pleureuse, Music-hall, Pour la Peau, Où Sont les Lions, Exit, L'Echo, Retour au Quartier Lointain, Le Commerce de l'Eau, L'Horizon, Tout Sera Comme Avant, Adieu Alma, Antonia, Rue des Marais, Le Courage des Oiseaux.

 

Aston Villa

I wanna play Rock music...

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Lors de l'enregistrement de son dernier album (« De jour comme de nuit »), on a pu constater qu'Aston Villa avait une nouvelle fois changé de line up : nouveau drummer et nouveau guitariste. Un disque beaucoup plus électrique, métallique même parfois. Et la présence de ces deux nouveaux membres n'y est pas étrangère. Dans ces conditions, il fallait donc s'attendre à des prestations 'live' musclées. Et pour vérifier, rien de tel que d'assister à un de leurs concerts. En l'occurrence celui accordé ce mardi 1er mars au Splendid de Lille, une salle que le groupe semble beaucoup apprécier, puisqu'il s'y produit cycliquement.

Et dès les premiers accords, on se rend déjà compte de la puissance du son développée. Pas pour rien que le tracklist de cette soirée va privilégier les compos du dernier opus. Peu ou pas de jeu de lumières, cependant, à cet instant. Un light show qui va cependant et progressivement inonder la scène de ses faisceaux, pour en devenir même au fil du temps, impressionnant. « Tête de lune », « A vendre » et « Croiser le fer » permettent rapidement de discerner le talent d'Emmanuel Baroux à la six cordes. Un instrument qu'il torture avec une habileté déconcertante. En bénéficiant du soutien d'une section rythmique à la fois solide et bigrement efficace. Frederic Franchitti n'a pas pour autant perdu sa verve lyrique. Heureusement d'ailleurs, car c'est toujours sa poésie contemporaine qui fait tout le charme d'Aston Villa. Superbe compo, « Ma blonde » ose ainsi la comparaison entre sa décision d'arrêter de fumer et une rupture amoureuse. En nous balançant même en final un 'Et vous ?' lourd de sous-entendus. Pour « Wash my soul », Fred se met à pianoter d'une main (NDR : il n'a qu'un bras, et n'hésite pas à ironiser sur son handicap), pour élever le timbre de sa voix à la manière d'un Tim Buckley (NDR : ou Jeff. C'est la même chose, ils sont tous les deux dans l'autre monde) ; et lors de « Soldier », autre ballade, il se met à siffloter à la manière de Bryan Ferry. Mais 'don't ask me why'… « Longtemps déjà » marque un retour à une forme plus rock, plus sauvage. Une phase prolongée par l'hymne "Rock music", "Voiture française", "Invincible" et le très Young Gods "Coming out". Fred retourne derrière son clavier pour interpréter le pétillant « Champagne », un morceau qui aurait pu relever du répertoire de Charlélie Couture voire de Tom Novembre. Le bassiste est passé à la sèche pour « Un million de lézards » ; mais si sa prestation n'est guère convaincante, elle permet au public de souffler avant le final. Au cours duquel lequel il reprend l'inévitable refrain de « Regarde moi ». Les spectateurs sont chauffés à blanc. Le quatuor aussi. C'est le moment choisi par Fred pour insérer « De jour comme de nuit ». Il y simule un orgasme. Et que celui qui n'a pas compris donne sa langue au chat. Une compo adaptée pour jouer les prolongations. Fred s'est barré. Et chaque musicien y va de son solo. Pas trop ma tasse de thé. Ce qui n'empêche pas le public de s'enflammer et de réclamer un rappel.

Fred et Manu, ce dernier à la guitare sèche, opèrent leur retour et interprètent « Un homme bien ». Le duo est ensuite rejoint par la section rythmique pour « Raisonne ». Et on monte inévitablement le son. Frédéric aboie, bondit, monte sur un baffle : « Le chien ». Le public pogote. Visionnaire, Aston Villa achève le spectacle par « J'en rêve ». De qui ? De Noir Désir ? Les spectateurs en rêvent encore. Et Aston Villa de saluer son public, bras dessus bras dessous sous un tonnerre d'applaudissements…

 

The Veils

Transporté dans un autre monde...

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L'Orangerie du Bota était bien garnie pour accueillir le concert des Veils, une formation responsable d'un superbe second album (« Nux Vomica ») paru mi-septembre. Le groupe s'était déjà produit lors du festival Pukkelpop, accordant d'ailleurs un set de bonne facture, mais manifestement pas encore tout à fait au point, le second guitariste semblant un peu trop effacé pour permettre au set de décoller. Il était donc intéressant de voir si certains réglages avaient été opérés…

En première partie, Ruacutane a manifesté d'excellentes dispositions. Signé par l'écurie Carte Postale Records, le quintette pratique une sorte de trip hop particulièrement élégante et délicate, à mi chemin entre Notwist et Portishead. Les drums sont plus caressés que frappés. La contrebasse est jouée à la manière d'une basse (les archets restent le plus souvent dans leur carquois, comme des flèches…), le claviériste/bidouilleur accentue l'aspect atmosphérique des compos, le guitariste (également chanteur) n'hésite pas à opérer de judicieuses incursions dans le psychédélisme et puis Sandra, la chanteuse, possède une superbe voix, parfois soutenue par celle de Jérémie. La formation manque cependant encore de présence sur scène et puis certaines de leurs chansons manquent tout simplement de textes (NDR : répéter le même mot ou la même phrase inlassablement trahit un manque d'inspiration). En travaillant ces point dits 'faibles', le groupe pourrait devenir, d'ici quelques mois, une valeur sûre de la scène pop/rock belge…

Les lumières s'éteignent et les hauts parleurs diffusent la célèbre chanson de Piaff, « Non, rien de rien ». Certains spectateurs se mettent même à la chanter, comme si c'était un karaoké. Puis le groupe monte sur les planches. Finn Andrews, chapeau mormon bien visé sur le crâne, en tête. Et dès le début du set, le groupe commence très fort par les plages les plus intenses, les plus puissantes, les plus blues de leur second opus : « Nux Vomica », le titre maître tout d'abord, puis « Jesus for the jugular », « The guiding light » et « Pan ». Les déflagrations convulsives d'électricité déchirent l'univers sonore. Quand Finn choisit le micro astatique, on entre dans une sorte d'univers vaudou. Sa voix est toujours aussi instable, mais tellement profonde. Les spectres de feus Jeff et Tim Buckley ainsi que de Tom Waits me traversent une nouvelle l'esprit. Bonne nouvelle, le second gratteur est au diapason, et déverse allègrement ses riffs torturés. Sophia Burn, la bassiste joue presque constamment en laissant retomber ses longs cheveux devant le visage, ne laissant apparaître que très épisodiquement son joli minois. A gauche, celui de poupon de Liam Gérard, le claviériste, trahit son jeune âge. Ce qui ne l'empêche pas de démontrer tout son talent. Derrière, le drummer (NDR : son look est tellement efféminé qu'on le prendrait facilement pour une femme !) manifeste une souplesse assez étonnante dans son jeu. Parfois, il passe discrètement au xylophone. Lorsqu'il ne joue pas à la fois des deux instruments. Finn vit sa musique intensément. Lorsqu'il interprète ses chansons il se vide les tripes ; mais son regard semble ailleurs, comme transporté dans un autre monde. Parfois, on a même l'impression qu'il est au bord des larmes. Après 20 bonnes minutes de fièvre et de rage, le groupe décide de passer à son répertoire plus calme, plus tendre, plus pop. A l'instar de "Lavinia », « Under the folding branches », « Calliope! », « The leavers dance » et le single « Advice for young mothers to be ». Et puis d'en revenir à la frénésie du début du concert notamment lors de l'interprétation du très 'smithien' « The wild son » et de "Not yet".

Pour le rappel, le guitariste et la bassiste reviennent le cigare au bec. Comme des hussards ! The Veils interprètent alors « One night on earth » imprimé sur ce fameux tempo new wave et « More heat than light ». L'accueil du public est frénétique. Ce qui nous vaudra un second rappel au cours duquel Andrew viendra chanter en s'accompagnant uniquement de sa guitare l'intimiste et poignant « House were we all live ». Nouvelle ovation ! Mais les lumières se rallument et Finn remercie chaleureusement le public avant de se retirer. Reste dans notre mémoire une heure et quart d'un concert tout simplement magique…

 

 

Tool

Le Jour de la Marmotte

Il y a un bail qu'on attendait Tool venir refaire un petit tour en salle pour un véritable concert. Il nous avait certes gratifié de quelques shows vite faits bien faits (Werchter 2001, Ozfest en 2002 à Anvers et Werchter 2006) mais rien d'aussi consistant. C'est donc à guichets fermés que la bande à Maynard a mis le feu à Forest National, deux jours après sa prestation au Brabanthal.

Fort d'un nouvel album signé chez Warner, Mastodon ouvre les hostilités. Une gigantesque affiche représentant la pochette de « Blood Mountain » tapisse l'arrière de la scène. Le trio fait hurler ses instruments à travers des baffles qui ne restituent malheureusement qu'un son presque pourri. Entre chaque titre, une bande d'ados s'impatiente à coups de doigts d'honneur et de mots doux. Trop rebelles. Rien que pour cette raison, on aurait bien aimé que le set de Mastodon se prolonge indéfiniment.

Maynard James Keenan est un maniaque, on le sait, mais à ce point… Avant l'arrivée de sa bande, les roadies qui ont eu la délicate tâche de vérifier si tout était en ordre question logistique, portent des espèces de protège chaussures pour ne pas salir le sol. Après un dernier coup de balai (si, si), les lumières s'éteignent sur le décor aseptisé. Le groupe, mené par un Keenan caché sous un masque à gaz, débarque sur scène et « Stinkfist » s'échappe des baffles. Les inévitables vidéos commencent également à défiler sur des écrans disposés à l'arrière-plan. Tool fait alors la part belle à son dernier album « 10,000 Days » en balançant « Vicarious », « The Pot » ou encore « Jambi ». Grande surprise, le son est nickel. A l'écoute du set de Mastodon, on aurait pu craindre le pire, surtout dans une salle comme Forest National. Côté vieilleries, « Aenima », « Schism », « Lateralus » ou encore « Swamp Song » contentent les fans exigeants. Visuellement impeccable, le concert s'achève par un 'laser show' impressionnant, entamé quelques secondes après la menace proférée par Keenan déterminé à tordre le cou au casse c******* qui s'amusait à l'aveugler à l'aide d'un laser de poche. C'est sur la promesse de revenir nous voir cet été que le quatuor s'en est allé, après nous en avoir mis plein les yeux. Que du bonheur, comme ils disent.

Pour finir, mention spéciale à la meute de sécurité de Forest National. On connaissait l'interdiction de fumer et celle de prendre des photos. Apparemment, il est désormais tout aussi interdit de sauter ou de pogoter. Quelques fans l'auront d'ailleurs appris à leurs dépens.

R.S.

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Pour son retour automnal, Tool offrait au public belge une double prestation espacée de deux jours. Le concert du Brabanthal de Louvain ayant été ajouté suite au raz de marée qui s'était abattu sur la billetterie de Forest National. Réputé pour son perfectionnisme, Tool a offert un set d'une rare qualité.

On ne peut malheureusement pas en dire autant de Mastodon qui ouvrait les hostilités. On attendait pourtant beaucoup de la prestation de ce nouveau poids lourd du métal dont le dernier album « Blood Mountain » constitue une authentique tuerie. C'est devant un énorme et magnifique backdrop à l'effigie de leur dernier bébé que les musiciens de Mastodon ont pilonné les tympans d'un public médusé face à cette bouillie sonore. Les titres sont à peine reconnaissables. Chaque coup de grosse-caisse est une douloureuse onde de choc. Les excellents riffs de guitares se perdent et résonnent dans les gradins de Forest National. Un désastre ! A tel point que certains n'hésitent pas à parler de sabotage ! Nous nous abstiendrons de commenter ces soupçons, même s'il faut reconnaître que Maynard Keenan s'enlise parfois légèrement dans un rôle de rock star imbuvable, non sans une solide dose de second degré.

Sur scène, se prépare un extraordinaire spectacle visuel. Le groupe débarque sur la gigantesque scène. Le public est bouillant. Le son limpide et quasi majestueux contraste avec la prestation des pauvres Mastodon. Derrière les quatre écrans sis au fond de la scène, Keenan apparaît en ombre chinoise flanqué d'un micro-masque à gaz rivé sur son visage, torse nu, lunettes noires, crête en bataille. Des images de synthèse et des vidéos hypnotiques sont projetées durant le set d'une heure trente essentiellement consacré à « 10.000 Days », dernière livraison des Américains avant-gardistes. Tool en extraira cinq titres, dont les irrésistibles « Jambi », « Lost Keys » et « Vicarious ». Invisible derrière sa batterie - elle s'apparente davantage à un engin spatial qu'à un instrument de musique - Dan Carey s'en donne à cœur joie sur le hit heavy « Stinkfist », histoire de faire monter la température et d'affoler les fans des premiers rangs. 'Si vous voulez que je garde ma voix, éteignez ces putains de cigarettes' lance l'Iroquois anti-fumeurs. Peu de place est laissée aux pépites de l'album « Undertow » de 1993, mais « Lateralus », durant lequel le vocaliste se tortille tel un lézard, est retranscrit à la perfection. La scène s'illumine de rayons laser pour un « Aenima » de bravoure, et le public s'étonne de voir l'éclairage de la salle mythique se rallumer à l'issue d'un set impitoyable, mais peut-être un peu court pour un combo ayant atteint un tel statut après avoir écumé le monde depuis bientôt quinze ans. Mais personne ne regrettera d'avoir été présent ce soir là car la prochaine fois que Tool posera son méga show sur un podium belge, ce ne sera sûrement plus sur celui de Forest National, mais bien sur les planches d'un Flanders Expo ou d'un Sportpaleis, au détriment de la qualité de sa prestation et surtout du son.

S.D.

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C'est une histoire à dormir debout, qui se répète dans les moindres détails : Tool et Mastodon de passage en Belgique, pour deux concerts identiques, à une chanson près (« Swamp Song »). Sur le DVD du 'making of' de Blood Mountain, Brent et Bill citent à plusieurs reprises « Groundhog Day », l'excellent film de Harold Ramis. Enregistrer un disque sur le compte d'une major, ce serait donc comme aller à la mine. Et quand on ouvre pour le groupe de metal le plus populaire de ces dernières années, forcément on évite de prendre trop de risques. On est ici pour séduire le quidam rock'n'roll, vendre des disques et des t-shirts à 30 euros.

Mastodon ? Après la Lintfabriek, le Soho, l'ABBOX et la Maison des Jeunes de Tubize (!), les quatre chevaliers de l'Apocalypse Relapse passent la cinquième et comptent bien devenir 'the next big thing', les nouveaux dieux du metal moderne. Pas de bol : leur ingé son s'est assoupi en plein boulot, et malgré quelques tubes balancés à vitesse v-v' (« Capillarian Crest », « The Wolf Is Loose », « Blood And Thunder ») personne ne semble abasourdi par cette débauche de riffs juteux et de refrains dantesques (le final, étourdissant, à la croisée de King Crimson et de Pantera). Tant pis : on les reverra un jour en tête d'affiche, en espérant qu'ils joueront leur cover des Melvins (« The Bit ») et davantage de titres de « Remission » et de « Leviathan ».

Quand Tool monte sur scène et balance l'hénaurme « Stinkfist », on perçoit directement une sacrée différence, niveau son et ambiance. Le public hurle, lève le poing, balance la tête. Affublé d'une sorte de masque à gaz auquel pend son micro, Maynard James Keenan hurle d'une voix parfois étourdie, voire essoufflée. Mais c'est bien là le seul bémol de ce live implacable, durant lequel s'enchaînent « The Pot », « Forty Six & 2 », « Jambi », « Schism » et « Rosetta Stoned ». Dany Carey se lance ensuite dans un solo de batterie époustouflant, avant le classique « Sober », seul track d'« Undertow » interprété ce soir (à FN il sera remplacé par « Swamp Song »). Nos quatre lascars décident alors de prendre une petite pause et s'asseyent sur le devant de la scène, avant la dernière ligne droite, « Lateralus » et « Vicarious ». Vous avez dit balèze ? Attendez le rappel : un « Aenema » puissant, qui met tout le monde KO. Tool salue, promet de revenir en Belgique durant les festivals d'été : on piétine déjà d'impatience, d'autant qu'il s'agirait, selon des rumeurs persistantes, de l'ultime tournée du groupe. Espérons qu'il ne s'agisse que d'un effet de manche !

G.E.

 

Killing Joke

Un décor digne des pères de l'indus...

Écrit par

Situé à moins de 200 mètres des berges de l'Escaut, le Petrol club est un ancien bâtiment du service de la voierie de la ville d'Anvers, reconverti en boîte techno underground. En plein quartier industriel, les lieux évoquent les décors les plus glauques des road movies américains. Tôles rouillées, bâtiments désaffectés, murs tagués, véhicules abandonnés, il est difficile de trouver plus inhospitalier que les abords du Petrol club. C'est pourtant dans cet endroit paumé que Jaz Coleman et compères ont décidé de roder la tournée promo du nouvel album décapant « Hosannas from the Basements of Hell ». Une date surprise, ajoutée en dernière minute, avant d'entamer la tournée européenne qui sillonnera la France, l'Allemagne, l'Italie, et qui repassera par la Belgique, le 26 avril à Louvain. D'une capacité de 1000 personnes, le Petrol club n'a rien d'une salle de concert traditionnelle. Des divans en cuir blanc sont disposés pêle-mêle à quelques mètres du bar éclairé par des luminaires sphériques rouges et bleus. Des films pornos « kitsch » des années 70 sont projetés sur un écran géant, tandis qu'un dj, confortablement installé sur un podium mixe des vinyles de Black Sabbath, Siouxsie and the Banshees, Bel Canto, Led Zep pour faire patienter une partie du public qui a fait le déplacement pour Red Zebra, institution new wave flamande dans les années 80.

Il est 22h30 lorsque le combo désigné pour assurer le supporting act des Jokes débarque sur la scène dissimulée par une tenture noire. Nettement plus rock qu'à ses débuts, Red Zebra revisite une bonne dizaine de classiques. « I Can't live in a living Room » fait un carton, et les refrains de « Man comes from ape » et « Innocent people » sont repris en chœur par un public chaud comme de la braise. Deux rappels seront nécessaires pour calmer les ardeurs des nostalgiques de new wave punkysante.

Minuit et quart. Les lumières faiblissent, la sono joue la superbe bande sonore du film « Barry Lyndon » avant d'enchaîner sur le classique « The faith Healer » du Sensationnal Alex Harvey Band, intro officielle de la tournée 2006 de Killing Joke. Le visage barbouillé de noir, et les yeux complètement éclatés, Jaz Coleman fait son entrée sur « Communion », un classique issu de l'album très heavy « Pandemonium ». Coiffé d'un béret, Geordie triture sa guitare tel un enragé sur le final bruitiste du particulièrement tribal « War Dance » qui provoque un pogo général sur le dance floor du Petrol club. Si la rage et la folie sont toujours bien présentes, on déplore la qualité sonore, plutôt brouillonne. Dommage, car les rares titres interprétés du nouvel album perdent en intensité, et le public réagit timidement aux compos hyper speedées d'« Hosannas from the Basement of Hell ».

Retour aux classiques avec un « Requiem » plus mou qu'à l'accoutumée, un « Asteroïd » épileptique, avant le discours coutumier de Jaz en faveur de l'Amérique du Sud, contre le dollar et fatalement contre le président des Etats-Unis. Très attendu, le tube punk « The Wait », popularisé par Metallica, transforme le Petrol Club en véritable fourmilière. Pascal, notre photographe de la soirée, s'évertue à mitrailler un Jaz excité et grimaçant, au péril de la vie de son appareil flambant neuf ! Le concert se referme sur le titre d'ouverture du fabuleux « Pandemonium ». Il est minuit et demi, et l'assistance en délire n'aura droit à aucun rappel ! Soulignons néanmoins le prix très démocratique des billets (12€) et l'aspect événementiel de ce concert qui, même s'il laisse un goût de trop peu dans la bouche, restera gravé dans les mémoires des privilégiés qui ont eu la chance d'y assister. On en parlera encore dans dix ans !

 

 

Piers Faccini

Fascinant Faccini...

C'est dimanche, lendemain de la veille, le genre de soirée qu'on préférerait passer chez soi...A moins qu'une belle affiche de concerts ne nous en dissuade. Ca tombe bien : l'Argentine Juana Molina et l'Italo-anglais Piers Faccini se partagent, en cette fin de semaine pluvieuse, la petite scène de la rotonde. C'est Nicolas Sirkis qui nous accueille dans la salle, en hennissant tel un cerbère Pure FM. Il est là, en direct des enceintes, et son laïus post-ado nous tanne les oreilles. Pire : le cd est griffé, et on résiste vaillamment à la chute de tension en écoutant ces trente secondes en boucle d'Indochine, comme si c'était une mauvaise blague ou une visite médicale. Peut-être était-ce aussi une (basse) manœuvre du francophile Faccini (il habite l'Hexagone) pour nous donner vraiment envie de le voir arriver, et fissa.

Quand il déboule c'est donc le soulagement, d'autant que le beau brun débute son concert par une cover a capella du grandiose « Grinnin' In Your Face » de Son House, le 'bluesman préféré de Jack White'. Classe. Frissons. Piers Faccini est pote avec Ben Harper (sur album et en tournée), mais heureusement il ne nous affecte pas d'agaçantes bondieuseries. Rejoint ensuite par un batteur et une contrebassiste réservés, Faccini se balade de minuit (« Midnight Rolling ») à midi (« Come My Demons ») sur le cadran du blues, et tout ça en un peu plus d'une heure. Folk, tarentelle, country, rock : le chanteur jongle avec les styles, en plein bayou sonore qui nous rappelle Wenders. Assis sur les gradins et dans la fosse, le public fait preuve d'une attention dévote : un concert de musique qu'on écoute vraiment, ce n'est pas tous les soirs. Il faut dire que Piers Faccini chante de très belles chansons, dont les racines se trouvent en plein Mississippi, voire en Afrique. Et il les chante d'une voix profonde et sensuelle ; une voix qui hérisse le poil mais dans le bon sens du terme. On pense aux fantômes des Buckley (Jeff et Tim) et de Spain, au gospel qu'on aimerait entendre dans nos rêves (« Each Wave That Breaks », « Talk To Her »). C'est distingué en plus d'être abordable, sans pour autant verser dans le consensuel : il n'en fallait pas plus pour terminer le week-end en beauté. 

(Setlist : « Grinnin' In Your Face », « Fire In My Head », « Circles Round You », « Midnight Rolling », « All The Love In The World », « Come My Demons », « Each Wave That Breaks », « Taste Of Tears », « Talk To Her », « Sharpening Bone », « If I », « Where Angels Fly », « Sons And Daughters », « Uncover My Eyes »)

Et ce n'est pas fini ! Deux artistes tête d'affiche, ça veut dire deux fois plus de plaisir. Si l'on cherche toujours dans les bacs des disquaires le dernier album de Juana Molina (« Son ») sorti il y a six mois, on ne pouvait décemment pas rater sa venue en concert. Un look de Sorcière Bien-aimée, une gouaille typiquement latino, et des chansons en espagnol qui rappellent à la fois Barbara Morgenstern et Astrud Gilberto : Juana Molina pourrait être notre mère, et pourtant elle manie mieux les loops et l'auto-sampling que Lionel Solveigh. De « Segundo » et « Tres Cosas » la chanteuse n'interprétera que quelques titres, dont « No Es Tan Cierto » et « Insensible », son seul morceau dans la langue de Molière. 'Parfois le français sonne trop français', avouera-t-elle d'ailleurs avant de se jeter à l'eau. Le public est conquis, même si la salle s'est vidée de moitié après le concert de Piers Faccini… Au menu donc, surtout des titres de « Son », qui frappent par leur envergure : les couches de guitare et de synthés se superposent jusqu'à former de jolies mélopées au parfum psyché-folk, sur lesquelles Molina pose sa voix si tendre. On reste bouche bée, et l'oreille tendue : si la maternité semble cette fois l'avoir inspirée, on lui souhaite encore beaucoup de gosses. Ca nous fera d'autres excellentes chansons, et des concerts d'une belle intimité... A quand un album de berceuses pour fans d'ambient folk et de tropicalisme ?

Peter Von Poehl

En toute simplicité...

Il y a bien longtemps, dans les années 90, un type au teint livide chantait sa déprime sur fond de folk acariâtre : il s'appelait Polar, et portait un bonnet noir qui lui donnait des airs de cambrioleur à la petite semaine. Pas drôle, le mec, mais forcément touchant : ses deux premiers albums, « 1 » et « Bipolar », recelaient quelques perles à s'écouter toutes lumières éteintes, le doigt sur les tempes et la bouche crispée dans un rictus rageur. Depuis lors, beaucoup d'eau a coulé sous les ponts de Genève, et l'on se demandait si Polar ne s'était pas noyé, lui aussi, tel un Buckley helvète. Dix ans plus tard, Polar refait pourtant surface et sort un quatrième album, « Jour Blanc », écrit en compagnie de Miossec. Qui pour le coup n'a pas l'air de s'être foulé le coude, tant les paroles s'avèrent naïves et dénuées de toute métaphore. Quand Polar monte sur scène, seul, sans bonnet, il nous balance donc ses nouvelles chansons, en français dans le texte, sans penser un instant à ses fans de la première heure. Et du Polar en français, c'est comme de la choucroute sans clou de girofle : ça passe mal. Chez lui, les 'roses sont des épines', à moins qu'il ne s'agisse d'un problème de liaison, mais en tout cas on ne peut s'empêcher de sourire. Etre ou avoir, peu importe, puisque les textes de ses autres chansons sont tout aussi à l'avenant : ni rimes, ni vigueur syllabique, Eric Linder devrait lire Flaubert. Heureusement que le mec est sympa : il nous raconte la genèse de quasi chacun de ses titres avant de les chanter, d'où la redondance, et l'ennui. Sympa, le mec : dommage qu'il se soit mis à la chanson française, et que d'un coup on croirait presque entendre Pascal Obispo chanter dans la montagne, au milieu des vaches violettes (cette voix, irritante à force de yodle démonstratifs). 'C'était mieux avant' ? Evidemment.

Peter Von Poehl, lui, peut se targuer d'avoir gravé un des meilleurs disques pop de l'année : l'excellent « Going to where the tea trees are », dont il interprétera 5 titres seul, à la guitare. On peut regretter l'absence de toute enluminure (synthés, cuivres, batterie, basse,…), mais présentées telles quelles, en toute simplicité, ses jolies mélodies gardent pourtant leur pouvoir d'attraction… Et quand le Suédois demande à l'assemblée de hululer en chœur sur « The Lottery », personne ne se fait prier et l'humeur monte doucement, jusqu'à envahir le parterre comme du sirop de liège. Même assis, le public réagit : il est conquis. Peter Von Poehl chante alors « The Story of the Impossible », la chanson-Mobistar, mais heureusement aucune sonnerie de GSM ne vient gâcher ce grand moment de poésie lo-fi. Avant de clôturer par « Going to where the tea trees are », Peter Von Poehl hasarde de sa voix cajoleuse quelques mots en français (il connaît bien la langue), plaisante à propos de Tricatel ; bref met tout le monde dans sa poche. Vivement la tête d'affiche en 'full live band' !

Mais les trentenaires dans la salle étaient surtout présents pour le concert de Dominique A, dont le dernier album avait déjà été présenté lors des dernières Nuits Botanique. 'Vous n'aviez pas envie d'aller voir Motörhead ?', ironise d'entrée de jeu notre homme en noir avant de balancer « Revoir les choses ». Pas d'« Overkill » en cover, mais la plupart des titres de « L'Horizon » joués pied au plancher, dans une ambiance glaciale qui en laissera plus d'un perplexe. C'est un Dominique A sec et rageur qui se présente à nous, le corps rigide et le regard frondeur : on n'est pas là pour rigoler, à moins d'aimer l'humour très pince-sans-rire du Français exilé à Bruxelles. « La Relève » et « Rouvrir » ne détendent pas l'atmosphère : il faut attendre « Le Camion », semblant de tube radiophonique, pour oser remuer les orteils en position assise. « La Mémoire Neuve » ranime de vieux souvenirs, mais la question semble être ailleurs : Dominique A aurait-il mal digéré son souper ? A part deux rappels où se succèdent enfin vieux tubes moins féroces (« Antonia » et « Le Courage des Oiseaux »), on ne peut s'empêcher de rester circonspect : il a fait froid pendant deux heures, et notre veste était consignée au vestiaire.

Oasis

Une résurrection...

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Mauvaise nouvelle, les Stereophonics ont déclaré forfait à la dernière minute. Motif ? Des problèmes familiaux. Ils ont donc été remplacés par Yeti. Ce quintet britannique est fort inspiré par les sixties, et notamment par les Beatles. Mais également par des formations britpop issues des nineties comme les LA ou The Verve. Le line up implique l'ex bassiste des Libertines, mais on ne retrouve, chez Yeti, aucune trace du rock/punk chaotique du sulfureux combo londonien. D'ailleurs, leur répertoire est constitué de chansons pop-rock atmosphériques et empreintes d'innocence, autant de tubes potentiels qui ne demandent qu'à truster les charts…

Toujours drivés par les frères Gallagher, Oasis s'est refait une santé en concoctant un nouvel album l'an dernier, 'Don't believe the truth'. Un disque qui recèle quelques tubes remarquables comme "Layla", "The importance of being idle" ou "The meaning of soul" ; mais surtout une œuvre dont les compos pop/rock orageuses baignent au sein d'une atmosphère très sixties. Un retour en forme qui leur permet à nouveau de tutoyer leurs œuvres majeures ; c'est-à-dire 'Definitely maybe' ('94) et 'What's the story Morning Glory' ('95). Pas pour rien qu'en 'live', Oasis met l'accent sur ces trois albums. Sur les planches, Liam et Noël sont soutenus par 4 autres musiciens. Manifestant une grande homogénéité, le line up a laissé une fort bonne impression. En outre, ils ont mis fin à leur statut de 'Fxx Oasis' du début des années 2000. Suffit d'ailleurs de se rappeler leur prestation dénuée de toute inspiration dispensée à Werchter ! Ce qui n'empêche pas Liam d'être toujours aussi imbu de lui-même. Sa mentalité 'pissed off' ainsi que son attitude arrogante et hautaine ne font rien pour arranger les choses. Mais que dire alors de son dédain pour ses fans. Passé l'instrumental "Fuckin' in the bushes", le sextuor est passé aux choses sérieuses. Et au solide "Turn up the sun" a succédé rapidement l'inévitable "Layla", un titre que le public connaît par cœur, et qu'il reprend déjà en chœur. Le groupe n'a évidemment pas oublié de passer en revue ses albums à succès du milieu des nineties, épinglant au passage des compos comme "Bring it on down", "What's the story Morning Glory" ou "Cigarettes & Alcohol". Une interprétation, pour la circonstance, bien trempée dans le rock'n'roll. Energique tout en restant mélodique, ce flash-back a rencontré un vif succès. Lorsque Liam s'éloigne un moment de la scène, c'est pour laisser Noël se réserver deux morceaux en solitaire ; et en particulier "The importance of being idle", caractérisé par son vocal intense et son jeu de guitare raffiné. Plus atmosphériques, "Songbird" et "A bell will ring" se sont signalés par une construction davantage élaborée. Avant que l'ensemble ne décide de relâcher la bride. Passant même au galop lors de "Live forever" et surtout "Mucky fingers", un clin d'œil très appuyé – mais dans le rétroviseur ! - aux Stooges, nonobstant le recours à l'harmonica. Oasis rencontre The Stooges and The Black Crowes! Le point culminant sera atteint par "Wonderwall", "Champaign Supernova" et "Rock'n'roll star" ; trois hits planétaires qui ont clôturé ce set particulièrement convaincant, de presque une heure et demie.

En rappel, Oasis s'est d'abord attaqué à "Guess God thinks I'm Abel". A cet instant, l'ambiance était vraiment très chaleureuse. Puis Noël a repris le micro pour interpréter un "Don't look back in anger" chargé d'émotion ; instant privilégié au cours duquel le public a repris la chanson massivement en chœur. Et l'apothéose a été atteinte par le puissant et dense "The meaning of soul" ainsi que la cover du "My generation" du Who, un hymne classique qui a fait froncer les sourcils des jeunes filles… Franchement, vu son passage à vide vécu depuis quelques années, il faut reconnaître que le groupe de Manchester s'est montré à la hauteur sur les planches, ce soir. Et c'est une excellente surprise ! En outre, les frères Gallagher ont regagné notre respect. Ce qui n'est pas rien…

Organisation: France Leduc Productions

Traduction Nico Verhelle/ Adaptation Bernard Dagnies)