J’avoue qu’en introduisant la plaque du combo keupon parisien The Black Stout, dans ma machine à décibels, je m’attendais à vivre une toute autre aventure sonore. Tout d’abord, à cause du patronyme inspiré par la bière noire et sirupeuse que l’on sert tiède et plate dans la plupart des pubs d’Irlande et d’Angleterre. Et puis de cette allusion aux Dropkick Murphys. Une mise en bouche susceptible de nous entraîner dans l’univers celtique. Et bien, j’ai tout faux. Les Black Stout pratiquent du ‘Street Punk’. Déçu votre serviteur ? Même pas, puisque dans leur genre ils sont plutôt bons.
Métalleux primaire, je confesse une ignorance crasse de la musique préférée de mes frères à crête et surtout de ses diverses subtilités (NDR : j’ai pourtant l’impression de m’être un peu amélioré depuis que j’écris chez Musiczine). Une visite éducative sur la toile s’impose donc ! D’après une célèbre encyclopédie ‘libre’ en ligne, le ‘street punk’ serait un dérivé du punk rock, né au début des eighties. Les ‘street punks’, issus des classes-laborieuses britanniques, se seraient rebellés contre les prétentions artistiques des groupes de la première vague punk et seraient liés au mouvement Oi! ; l’idéologie raciste en moins. Le ‘street punk rocker’ type serait coiffé d’un mohawk multicolore et d’une veste de cuir cloutée bardée de slogans politiques ou de noms de groupes. Bref, un punk quoi.
Côté look, ce n’est déjà pas gagné pour nos ‘street punks rockers’ parisiens. Le quatuor est dépourvu d’excentricités capillaires (NDR : hormis la longue chevelure blonde de Vaness, la vocaliste). Et, à en juger la photo reproduite sur le feuillet promotionnel joint au Cd, leur look vestimentaire est plutôt BCBG. Cependant suivant l’adage urbain, ‘l’habit ne fait pas le keupon’ ; et côté musique le quatuor tape dans le mille, en distillant un punk rock rageur et mélodique aux refrains fédérateurs. « Voices Of Generation » est un Ep réunissant cinq glaviots gluants et une excellente reprise (cachée) du « Roots Radical » de Rancid.
Si les plages mélodiques comme « Celebrate » ou « Workers Mad Games » sont plutôt sympas, mon côté ‘brute épaisse’ leur préfère sans conteste les hymnes ‘in your face’ ; à l’instar de « Voices Of Generation » ou « Prince Charming's An Asshole (1, 2, 3, Fuck) », sur lesquels la voix de ‘bad girl’ de Vaness opère, sans conteste, son petit effet !
Les Black Stout préparent un long playing pour bientôt. Et sont prêts à défendre leur street punk à fortes effluves de houblon, sur les planches. Avis aux promoteurs et aux brasseurs !
Cette chronique sera impitoyable. Ils l’ont bien cherché, après tout, les mecs de Wild Shades ! C’est vrai quoi ! On n’a pas idée de compliquer ainsi la vie d’un pauvre scribouilleur qui, après tout, ne demande qu’à donner, peinard, un petit coup de pouce à des groupes qui en valent la peine. Je vais donc profiter de la perche épineuse tendue par ce groupe français, à l’occasion de la sortie de son second Ep « The Omega River », pour pousser une petite gueulante au nom de tous mes collègues ! (NDLR : syndicaliste !)
Car voyez vous, être l’un des chroniqueurs de votre webzine préféré n’a rien de la partie de plaisir que vous imaginez. Et, je vais peut-être en choquer plus d’un mais, nous ne sommes même pas payés pour le faire ! (NDLR : et pas davantage le rédac’ chef !) Je vous jure ! Si j’avais 35 ans de moins et que j’étais chinois ou bolivien, on crierait au scandale. C’est de l’exploitation ! Et je ne vous parle même pas des conditions dans lesquelles nous travaillons (NDR : il vous suffirait, pour en avoir une idée, de relire vos classiques de Zola).
Alors vous pensez bien que, dans de telles conditions, je n’ai pas vraiment envie de me casser la tête. Est-ce trop demander que l’on m’envoie des disques de métal progressif qui ressemblent à du Dream Theater ? Ou bien des galettes hard rock qui copient AC/DC ? Ou encore des skeuds doom plombés qui font penser à du vieux Black Sabbath ? Et bien oui, apparemment ! Puisque des zigotos comme les frenchies de Wild Shades nous envoient à la rédaction des rondelles plus compliquées que des casse-tête chinois, impossibles à comparer à d’autres.
Le plus facile pour votre serviteur aurait probablement été de descendre le truc. ‘Ce disque est nul’. Voilà. Vite fait mal fait ! Et bien non ! Même cette réaction n’est pas possible puisque nos empêcheurs de glander en rond poussent l’audace jusqu’à être carrément bons. Vous imaginez l’angoisse ? Que faire alors pour décrire cette plaque incandescente ? Inventer une nouvelle appellation ? OK ! Alors voilà ! Les Wild Shades jouent du ‘métal-funk-alternatif-progressif-rock’. Pas convainquant hein ? Pourtant, comment expliquer autrement ce mélange bigarré et déstabilisant d’influences musicales contradictoires ? A peine croyez-vous percevoir un bon vieux riff métal que vous vous retrouvez perdus en plein milieu d’un groove funky à faire pâlir d’envie les Red Hot Chili Peppers ! Un petit coup de rock alternatif moderne à la Muse/Radiohead emballé dans un lyrisme classieux à la Queen et boosté d’une pointe de rage thrash métallique. Pas le temps de reprendre son souffle ou de rassembler ses idées. Mais, ce que je déteste le plus, c’est que j’aime vraiment ce disque !
Enfin, ce qui me console, c’est que je ne serai pas le seul à subir le fléau. Figurez vous qu’avec leur méchanceté naturelle, les Wild Shades ont poussé le vice jusqu’à offrir cinq exemplaires de « The Omega River » aux lecteurs de Musiczine ! (Tous les détails sont dans notre section ‘concours ’). Même vous, vous n’y échapperez pas !
Sur ce, je vous laisse. Notre rédac chef nous invite à siroter quelques Margaritas au bord de sa piscine chauffée ! (Exploités que nous sommes, je vous dis !)
Avant de fonder The Narcotic Daffodils , les musiciens de cette formation bruxelloise avaient déjà pas mal bourlingué. Irène Csordas et Hakim Rahmouni chez Awaken- Hakim, Simon, Flupke et Merlin au sein de Leo & the Lunar Tiki's. Sans oublier leurs projets parallèles. L’Acid Blue de Hakim ainsi que le Kriminal Hammond Inferno de Flupke et Simon. Ces deux derniers sont d’ailleurs des (presque) vétérans. Et pour cause, Flupke a sévi chez Nervous Shakes et Moonshades, alors que Simon Rigot a vécu l’aventure Bernthøler, de 1981 à 1985.
Vu le patronyme, vous vous doutez bien que le style de ces Jonquilles Narcotiques baigne essentiellement dans le psychédélisme. Un psychédélisme atmosphérique (accords de guitare gémissants, fuzzy, chargés de feedback, claviers rognés, fluides, poussiéreux et même un zeste de sitar) tantôt à la limite du prog (Pink Floyd, Argent), du garage (Fleshtones), du r&b (Animals), du métal (Deep Purple, Hawkwind, Iron Butterfly) voire même du jazz (le Trinity de Brian Auger, Traffic), le tout parfois parcouru d’accès de musique symphonique (Bach, pour être plus précis). Une expression sonore sur laquelle vient se poser, telle un papillon, la voix candide d’Irène (NDR : pensez à Sonja Kristina, la vocaliste de Curved Air). Eponyme leur premier elpee est découpé en 12 compos, dont un titre caché. Sous-titrée « The crazy dwarf », la fin de parcours, se décline même sous une forme conceptuelle. Le groupe vient de signer sur une maison de disques japonaise et négocie, pour l’instant, un contrat auprès d’un label indie belge.
Attention ! Nous nous peut-être en présence d’une intervention divine. Comment expliquer autrement qu’un groupe qui démarre sa carrière en empruntant la voie facile de la Pop/Rock, change tout à coup sa guitare d’épaule pour se lancer sur le chemin tortueux qui mène au paradis des hard rockers ? La bible nous l’a appris, les manifestations divines peuvent prendre des formes diverses et variées : un buisson ardent, une lumière éblouissante, un fougueux amant ailé ou un mec qui marche sur l’eau. Dans le cas des Big Moustache Bandits, l’apparition céleste était probablement vêtue d’un uniforme d’écolier, culottes courtes et cartable sur le dos, casquette cornue vissée sur la tête et Gibson bien calée entre les mains.
Les Bandits à Grandes Moustaches sévissent depuis 2007 au cœur de Cité Ardente (NDR. : rien à voir avec le buisson). Une première démo, orientée pop-rock, est enregistrée en compagnie de la chanteuse Alkaline Claire. Ce premier méfait permet aux Bandits d’exposer sur scène une pilosité faciale naissante. Au fil de l’expérience des planches, vient la maturité. Le fin duvet pop qui orne la lèvre supérieure des Liégeois se mue peu à peu en une grosse moustache hard rock’n’roll.
Ces bacchantes viriles ne conviennent pas à de pulpeuses lèvres féminines et le combo se débarrasse d’Alkaline (dans un container de recyclage approprié, il faut l’espérer) pour continuer dans une configuration 100% mâle. En 2010, le quintet est complètement métamorphosé. « Really Big », le nouvel Ep neuf titres, révèle un hard rock’n’roll sauvage, fleurant bon la testostérone et la poudre à canon. On y découvre un groupe dont la véritable identité vient d’éclore. BMB puise son inspiration dans le hard rock des seventies (et du début des eighties). La section rythmique carrée et les riffs de six-cordes évoquent les élucubrations groovy-rock’n’rollesques d’un AC/DC en début de carrière. La voix de Tony The Devil fait un peu penser à celle d’un Brian Johnson qui aurait avalé du Justin Hawkins (The Darkness) en guise de quatre-heures.
« Really Big » est un Ep découpé en neuf plages pour une grosse demi-heure de musique. La production est d’une qualité plus que raisonnable pour une démo. Hautement recommandable pour tous ceux et celles aiment taper du pied en se prenant une décharge de rock’n’roll haut voltage.
Le but des Big Moustache Bandits est de défendre sa musique sur scène. Avis aux promoteurs !
Notre pauvre pays est dans l’impasse et nos politiciens ne savent plus quoi inventer pour justifier leur salaire. On nous balance des plans B et des scissions à tours de bras. On évoque le rattachement possible d’une communauté ou l’autre à la France, aux Pays-Bas, au Luxembourg ou même à l’Allemagne. Et, si l’on en est à échafauder des hypothèses aussi invraisemblables, ne pourrait-on pas aussi envisager de fusionner une partie de notre patrie défaillante avec le Portugal ? Et pourquoi pas après tout ? Si cette formule fonctionne chez Box, elle pourrait très bien réussir pour nous aussi.
Box est un quatuor indie-rock basé à Scherpenheuvel (Montaigu) dans le Brabant Flamand. Cette formation multiculturelle est conduit par le chanteur/guitariste portugais Bruno Rocha (NDR : déjà responsable d’un album intitulé « Self-Shot Soul », en 2009) et par trois de nos compatriotes : Bruno Goedhuys à la batterie, Gilles Verougstraete à la basse et Pascal Smets à la guitare.
Le premier Ep, mis en boîte aux Konkstudio de Londres, est désormais disponible en écoute intégrale sur la page MySpace du groupe http://www.myspace.com/boxbandmusic ainsi que sur son site officiel : http://www.boxband.net/ .
On y découvre cinq plages bourrées d’énergie, sculptées dans un indie-rock contemporain, souvent mid-tempo, au groove évident et qui ne cache pas ses influences blues (« Merciful Blade ») voire même rock sudiste (« Bullied By The Bears »). Box est parvenu à élaborer un son actuel, sans pour autant rejeter ses racines. Et c’est un coup de génie. Un concept dont pourraient s’inspirer ceux qui nous gouvernent…
Rosemary est un trio originaire de Chambéry en Savoie. J’aurais aimé écrire que j’ai apprécié les Eps « The Angel’s Share » (2009) et « Tracks For A Lifetime » (2007), mais malheureusement, ce n’est pas le cas.
La raison en est simple : Rosemary exhume quelque chose qui était mort et enterré et qui, à mon humble avis, aurait très bien pu le rester : le grunge. Je suis rancunier. Je n’ai jamais pardonné à ces arrogantes formations bruitistes de Seattle d’avoir manqué de respect au métal en déclarant qu’il était mort. Depuis cette époque, s’il y a quelque chose que je supporte encore moins que Nirvana, c’est un clone de Nirvana. Et, Rosemary a beau se définir comme punk et grunge avec une pointe de métal, tout ce que l’on entend, en écoutant sa musique, c’est Nirvana et Nirvana avec une pointe de Nirvana.
Au niveau de l’évolution dans la composition, Rosemary semble d’ailleurs suivre la voie tracée par Kurt Cobain et son groupe. L’Ep paru en 2007, « Tracks For A Lifetime », est cru, sale et méchant, comme l’était « Bleach ». Quant à « The Angel’s Share », sorti deux ans plus tard, il est –comme « Smells Like Teen Spirit»– plus poli, et propre sur lui. Il ne manque plus au groupe chambérien qu’une compilation de singles, un album studio, un live ‘unplugged’ et une balle dans la tête pour que nous puissions (enfin) passer à autre chose.
Le grunge est mort avec Kurt Cobain. Laissons le reposer en paix.
Vendredi soir. Sur mon bureau, le bac de Cds à chroniquer est de nouveau plein. Je devrais, au minimum, en pondre trois ce weekend, histoire d’apaiser le rédac chef. Allez !
Commençons par un truc léger. Tyson Boogie et son Ep « First Round » par exemple. Sur ce coup-là, je devrais m’en tirer sans trop d’efforts. Cinq titres. Dix sept minutes de musique à écouter en tout et pour tout. Ce qui me laisse plus de quarante minutes pour écrire un truc vite fait. Facile en plus, un groupe originaire de Lille. J’avance quelques allusions à l’accent français (j’y reviendrai) et une blague à la con sur les Cht’is (NDR : on leur doit bien ça depuis le temps qu’ils nous gonflent avec leurs histoires belges). L’affaire est dans le sac et je peux passer à autre chose. Seulement voilà, mon calcul ne tient pas compte d’un facteur important : Tyson Boogie tue ! Et me voilà scotché à « First Round » tout le weekend, le doigt endolori à force d’appuyer sur la touche ‘play’ de mon lecteur toutes les dix-sept minutes.
Le Cd à peine enfourné dans le tiroir, et je tape déjà du pied. Pire, je ne le tape pas, je le prends. Et je ‘headbange’ comme un gamin sur « Never Confused », le brûlot qui ouvre la galette d’un riff aussi épais que mon bide (NDR : ben oui, j’ai 43 ans, je suis Belge, j’aime les frites et la bière, ça laisse forcément des traces). Tyson Boogie c’est Motörhead, AC/DC, Twisted Sister et Metallica dans la même casserole de moules. La guitare déchire, la basse dépote et la batterie arrache. Bon sang, mais qui sont ces mecs ? Un coup d’œil à la bio s’impose. Et là, je me marre. Parce que Kal (basse & chant), Chris (guitare) et Antoine (batterie) sont des rigolos. Leur biographie est hilarante ; ce qui est plutôt rare. Oh, je ne vous demande pas de me croire sur parole. Je vous en recopie juste le début, histoire que vous puissiez en profiter :
‘Au départ, Tyson Boogie devait être un groupe de reprise façon ‘Tribute To’
Cependant, pas facile de reprendre:
- du AC/DC (ben ouais on est 3),
- du Grand Funk (pas assez patriotes),
- du Twisted Sister ou du Kiss (le batteur supporte pas le fard à paupières),
- Black Sabbath (on est catho..., nan j'déconne!),
- du Trust (on dit Mérine ou Mesrine?),
- du Van Halen (pas assez souples),
- du Blue Öyster Cult (on préfère les moules).
Alors on a décidé de devenir fournisseurs officiels de riffs qui ressemblent mais qui ne sont pas….’
En lisant les chroniques de webzines français déjà recensées sur la (très amusante) page MySpace du combo, je suis assez surpris de constater que cette dernière phrase a été interprétée comme un aveu de plagiat (NDR : c’est simple, ils en parlent tous). Est-ce qu’assumer pleinement ses influences signifie plagier ? Vous viendrait-il à l’idée d’accuser Nashville Pussy ou American Dogs de plagier AC/DC ou Motörhead ? Moi pas. Néanmoins, les avis sont unanimes et j’ai un peu l’impression de ‘plagier’ mes collègues en affirmant que le hard rock de Tyson Boogie est aussi efficace que le direct du boxeur dont il s’est inspiré pour se choisir un patronyme. Du rock couillu et rentre-dedans, admirablement interprété par un trio ‘boute-en-train’, bien plus doué que ce qu’il ne laisse paraître (ah ces soli, comme à la grande époque).
Une dernière remarque cependant. Rien de personnel, puisqu’on pourrait l’appliquer à la plupart des formations hexagonales. Il faudra quand même un jour que quelqu’un explique à nos voisins que le ‘The’ anglais ne se prononce pas ‘Ze’. Réécoutez les classiques. Gillan ne chante pas « Smoke On Ze Water », Hetfield ne hurle pas « Hit Ze Lights » et Biff ne dit pas « Ze Eagle Has Landed ».
Vous connaissez l’histoire du Belge qui se fait engueuler par son rédac chef, parce qu’il a trois chroniques en retard ? Non. De toute façon elle n’est pas drôle. Faut que j’y aille. J’ai des trucs beaucoup moins drôles à écouter.
The Surgeries est un quatuor originaire de la région de Blois (Loir-et-Cher) qui allie le pop rock des années 90 à la new wave des années quatre-vingt. Donc, en principe, pas vraiment la tasse de thé de l’auteur de ces lignes. Sauf que, pour ces jeunes gens (NDR : je n’ai pas vraiment d’infos sur leur âge, mais, à vue de nez, la moyenne ne doit pas dépasser les vingt printemps), ROCK doit s’écrire en lettres majuscules.
En 2006, alors qu’ils sont encore au lycée, Sabine Quinet (basse et chant) et Pierre Simon (guitare et chant) se découvrent une passion commune pour le rock. Ils s’associent à Romain Lecomte (claviers) et Samuel Haudiquet (batterie) pour compléter le line-up des Surgeries. Suivent les étapes presque classiques vécues par tout nouveau groupe qui se respecte : reprises de titres connus (des Cure à Blink 182), compositions personnelles, participations couronnées de succès à des concours locaux, enregistrement d’un Ep et surtout de la scène, beaucoup de scène (120 dates, selon le web).
Enregistré partiellement chez nous au studio ICP de Bruxelles, « Dreamsellers », le nouveau MCD autoproduit est un véritable petit bijou qui laisse entrevoir un avenir plus que radieux aux Surgeries. Six bombes pop, ROCK et alternatives alliant les ambiances new nave des eighties (NDR : quelqu’un a probablement converti les 33 tours de Depeche Mode, de Siouxsie & The Banshees et des Cure trouvés dans la discothèque de papa sur son iPod) au son bien plus actuel de Radiohead, Coldplay ou Placebo. Et le résultat est bluffant.
Le chant, partagé en alternance par Sabine et Pierre est très réussi. Les voix se marient à merveille. Les refrains sont immédiats. Une seule écoute suffit pour les mémoriser et les aimer. Le duo de vocalistes est d’ailleurs tout aussi efficace dans le maniement (très rock) de ses instruments à cordes (NDR : écoutez la basse plombée de Sabine sur « Evil Souls Cabaret » et les guitares ‘presque’ heavy de Pierre sur « Somebody is calling me love »). Les six titres de l’Ep, manifestement taillés pour faire remuer et chanter à tue-tête, donnent une furieuse envie de voir The Surgeries opérer sur scène.
Dial P For Panic est un groupe bien de chez nous, puisque ses membres sont originaires des villes de Genk et Leuven (NDR : si, je vous assure, c’est encore en Belgique).
En 2006, trois membres du défunt combo hardcore One Man March –Bart (chant), Kristof Geutjens (guitare) et Dennis Smolders (batterie)– s’associent à Geert Janssens (guitare) et Martijn Meyers (basse) pour créer un groupe célébrant leur passion commune pour le heavy rock. S’ensuit le cycle habituel du parcours de tout groupe rock qui se respecte : répétitions, concerts, enregistrement d’une démo, changement de line-up (exit Bart, welcome Erick de Deyn), avant d’en arriver à la sortie d’un Ep sept titres éponyme absolument indispensable.
Du passé hardcore de nos amis Flamands, il ne reste plus vraiment grand-chose. Par contre, l’influence avouée du heavy rock millésimé seventies est, quant à elle, carrément palpable. Avouée l’influence ? Oui, mais aussi ingurgitée et adaptée au goût du jour. Ainsi, chez Dial P For Panic, les guitares heavy du Sabbath Noir et du Grand Funk Railroad sont savamment mélangées aux sons plus actuels du stoner rock ‘arizonien’ d’un Queens Of The Stone Age ou d’un Kyuss, voire même au garage rock de The Hives ou The Datsuns. Ce petit déluge de décibels vogue savoureusement au gré d’une section rythmique jouissive.
Bonne nouvelle : ce monument musical de notre nation branlante est disponible pour la somme ridicule de 7 € (frais de port non compris) à l’adresse e-mail suivante : Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. . A ce prix là, il est carrément anticonstitutionnel de s’en priver !
Ce quatuor français nous vient de Paris. Fondé en 2006, il lui a quand même fallu quatre années avant de publier son premier Ep. Un disque qu’il a concocté suivant la méthode DIY. Et pourtant, il faut avouer que la mise en forme est impeccable. Découpé en 4 plages, « Ocean Rapture » s’étale sur une durée de plus ou moins 20 minutes.
« The Prisoner » ouvre l’Ep. Hantés, les premiers accords semblent nous conduire dans l’univers du post rock. Mais au bout de quelques secondes, changement de décor. Si le climat demeure énigmatique, le tempo commence à s’emballer. Moment choisi par la chouette voix de Christophe Moinard, pour venir se poser sur la mélodie. Curieux, son timbre me fait terriblement penser à celui d’Eddie Vedder. Et en particulier tour au long de « Gray ». Une plage qui lorgne d’ailleurs vers le grunge des 90’s. Celui de Pearl Jam, très exactement. Plus stoner, « Baron Rouge » entretient ce feeling dynamique. Néanmoins, malgré ces arrangements parfaits et ces bonnes intentions rock’n’rollesques, on reste sur sa faim. Et pour cause, il manque un petit quelque chose. Ce qu’on appelle la folie, le goût du risque. L’originalité quoi. La production hyperléchée accentuant cette sensation. Tribecca semble prisonnier de son perfectionnisme. Sur cet Ep, tout au moins. En espérant que pour leur premier album, le combo parvienne à s’en libérer…
« L’esthétique des Blocs » constitue le premier album de ce groupe français. Issu de Besançon (NDR : pour votre info, ce sont des Bisontins), très exactement. Bab, Tibô, Co, Cooz et Traï décrivent la vie de Mr Chapuis, personnage imaginé par un écrivain local, Jacky Schwartzmann. A travers Mr Chapuis, représentant Mr tout le Monde (‘Mr Chapuis, c’est moi, c’est vous, c’est eux’), Steno.p dresse le bilan de la société contemporaine tout en la stigmatisant. Traitant autant des problèmes écologiques (« Ecologue »), de l’emploi dans l’hexagone (« Patientez ») que des questions carcérales…
Essentiellement métal, énergique, la musique de Steno.p est cependant très susceptible d’être contaminée par le dub (« Monsieur Chapuis », réminiscent du combo français La Phaze) ou le hip hop (les scratches qui parcourent « Le grand sédatif »). Voire par tout ce qui leur tombe dans l’oreille. Dans l’esprit de Lofofora voire de Mass Hysteria. Sans jamais parvenir à se forger une véritable identité. Dans ces conditions, il faut admettre que leurs influences ont du plomb dans l’aile. En 37 minutes, les 7 morceaux de cet elpee étalent toutes leurs limites. Les compos ne sont pas de mauvaise facture, mais elles ne transcendent jamais le genre…
Multi-instrumentiste originaire de France, Mickaël C. Alasèv délivre une première œuvre d’assez bonne facture. « Has A Taste Of Blood Mixed With Dust » ne laissera pas indifférent les fans de formations telles qu’AaRON ou encore d’un Ghinzu circa « Electronic Jacuzzi ». A la seule différence, ici, qu’Alasèv met les éléments électroniques en sourdine et façonne des mélodies naturelles à l’atmosphère à la fois sombre et (positivement) narcotique. « Has A Taste Of Blood Mixed With Dust » est de ces disques dont l’intérêt se développe de manière exponentielle, à chaque écoute. A tenir à l’œil (NDLR : et à l’oreille !)
Les Parisiens de You Call It A Name pratiquent un Pop-Rock poinçonné par un côté punk assez bien maîtrisé. Les quatre titres de cet Ep (dispo en streaming sur leur MySpace) tendent vers un amalgame entre l’esprit rentre-dedans de Gang Of Four et l’articulation d’un Interpol. Cependant, « Stand Up (& Drive It To Your Darker Side) » est le seul titre qui se distingue vraiment du reste de l’Ep. Un disque dans l’esprit de ce titre pourrait attiser bien des curiosités. Wait & See.
F.hiro est un trio originaire de Rennes. Il publie un premier Ep éponyme composé de quatre morceaux pop gorgés de soleil. Le premier labeur des Français est à situer quelque part entre Casiokids, The Notwist ou même Jónsi (pour la voix). « F.hiro » est un Ep printanier qui, par moments, tape dans le mille (« Private Road »), mais pèche également par excès de candeur (« You People Are Desperate »). Une introduction sympathique mais trop expéditive.
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