Feel est né en septembre 2012. Il est le fruit de la rencontre entre trois musiciens issus de la région d’Ath : Kevin Cools (chant/guitare), Martin Moreau (batterie/percussions) et François Hantson (basse).
Le trio a remporté le concours ‘L’envol des Cités’ en 2014. Et si sur scène, il envoie du lourd, les musicos affichent une excellente technique. La formation est actuellement coachée par Mario Guccio, le chanteur de Machiavel. Pas étonnant que cet Ep ait été produit par un autre ex-membre de ce combo, Roland De Greef.
« Getting'Old City » est sculpté dans un rock nerveux et métallique, tout en lorgnant de l'autre côté de l'Atlantique. « Kill Em All » également, mais oscille entre moments paisibles et poussées de fièvre énergiques. Malgré son excitation éphémère, « Bubble » baigne dans un climat plus paisible, presque empreint de douceur. Une plage infiltrée par un filet de percussions. Excellent ! Feel adopte un tempo funky/reggae tout au long de « Vavedoo De Top ». Une petite invitation au dancefloor, tout en feeling. Et enfin, « Will I Be Experienced ? » est sculpté dans un rock old school sans concession, même si la voix de Kevin est haut perchée mais mélodieuse… Faut croire que leurs influences majeures oscillent de Led Zeppelin à Jimi Hendrix en passant par Jeff Buckley.
Originaire d’Arlon, Carrolls réunit 5 étudiants néo-louvanistes qui ont décidé de se lancer dans l’aventure pop/rock. Le quintet vient de graver un premier Ep 6 titres, un disque produit dans le ‘Chênée Palace Studio’ cher à JC Cremers (notoire pour son travail opéré auprès de Starflam). La formation belge propose une musique mélodieuse à la sensibilité british (« Waltz for Those Who Know It Ain’t No Waltz »), un style qui rappelle surtout les Arctic Monkeys, surtout à cause de la voix d’Amaury Louis (NDR : « She’s My Little Sugar Rainbow Honey Piggie Pie »… merci pour les titres à rallonge). En milieu de parcours, le combo en profite pour balancer « Pygmalion », une petite bombe aussi efficace que complexe, avant de concéder une ballade plus que convenue, intitulée « Infinity Lesson #4 ». Malgré ce faux pas, Carrolls incarne une belle promesse au sein du paysage brit-pop-rock wallon (?!?!?)…
Mary's Little Lamb est un poème écrit au XIXème siècle écrit par l’Américaine Sarah Josepha Hale, un essai qui raconte l'aventure d'une fillette, Mary Sawyer, qui avait, pour animal de compagnie, un agneau, qu’elle emmenait à l'école. Un épisode qui a inspiré Buddy Guy pour écrire un blues, au cours des sixties, repris bien plus tard, et avec succès, par Stevie Ray Vaughan. C'est enfin le patronyme choisi par un groupe roots issu du Nord du pays, qui pratique une forme d’alt country. Bart Hendrickx en est le leader, mais surtout le chanteur/multi-instrumentiste. Il est épaulé par cinq musicos : le bassiste Bert Cuypers, le batteur/percussionniste Mike Van Daele ainsi qu’une section de cuivres impliquant Bart Geens au cornet et bugle, Michael De Weerdt, également au cornet mais aussi aux percus, ainsi que Sander Augustynen au trombone et tuba. Leur opus a été autoproduit, afin d’en soigner tout particulièrement les parties vocales. Bart chante à la manière du légendaire Johnny Cash, alors que quatre membres du backing group assurent les chœurs.
"Pariah" ouvre la plaque. Une plage originale, très élaborée, country, voire americana, caractérisée par le recours aux cuivres dispensés à la manière de Calexico et d'un instrument singulier que se réserve Hendrickx lors du refrain, le marxophone, soit une sorte de cithare. Cornet et bugle introduisent le très rythmé "Sugar coat", une piste dynamisée par les percussions et au cours de laquelle le lead singer est secondé par les backing vocaux. Indolente, "I can't go wrong" est une valse roots légère, qui figure dans la B.O. de la série TV De Ridder. "The outlaw" trempe dans la country, mais dans l’esprit des westerns spaghetti d'Ennio Morricone, une plage alimentée par la guitare réverbérée de Bart, le violon de Nina Van Campen et les percussions de Mike Van Daele. Excellent ! Instrumental, "Mirage" baigne au sein d’un même climat. On y emprunte les chemins poussiéreux parcourus par les cow-boys, justiciers et hors-la-loi autrefois, traverse les villes fantômes de l'Ouest, dans une atmosphère peuplée d’accords de guitare surf et de cuivres. Un univers aventureux également reflété à travers le plus allègre "Cursed City", que balaie la lap steel de Rudi Van Everbroeck (invité pour la circonstance), la guitare réverbérée de Bart et les trompettes. Et "Lift the curse" prolonge ce périple filmique. Lap steel et xylophone enrichissent "Little worries", une ballade que Bart chante naturellement de son timbre grave. De bonne facture, "Fire in the core" constitue une première incursion dans le blues. Plage lente et majestueuse, "A long way from home" adopte une rythmique plus rock. Amplifiée et toute en reverb, la gratte séduit par son audace. Une seule reprise : celle du "Lost highway" de Leon Payne. Composé en 1949, ce titre avait été popularisé par Hank Williams, l’année suivante. Nous sommes alors très proche du country originel. De bonne facture, cet elpee s’achève par une ballade lente et royale, que Bart et Miss Jorunn Bauweraerts chantent en duo, alors que la basse acoustique de Bert Cuypers communique une certaine gravité à l’ensemble...
Karavan est issu du collectif 'Les Anges', un ensemble qui avait lancé, il y a une dizaine d'années, l'intrigant projet The Black Slavics. « Arnoquins » constitue son tout premier album. Il privilégie des covers d’Arno. A la sauce Karavan, c’est-à-dire interprétées exclusivement a capella (NDR : donc, sans le moindre instrument musical). Karavan avait apporté sa collaboration à Arno pour fêter son anniversaire, dans le cadre du projet ‘One’, qui s’est notamment déroulé aux Nuits Botanique. Puis il avait assuré le supporting act du concert de Sinéad O'Connor, à l'Ancienne Belgique. C’est là que j’avais découvert la formation.
Le line up réunit Nicole Bongo-Letuppe, Marie-Ange Tchaï Teuwen, Fredy Massamba, Myriam Gilson, Djubebe Kalume, Epolo Mabita, Mister Mo et Soul T. Nicole et Marie-Ange sont les deux voix de tête. Si chacun y va de son intervention, c'est l'ensemble qui fait la différence. « You Gotta Move » de Mississippi Fred McDowell est un titre qui figure au répertoire d'Arno. Chacun y va de son intervention, mais c’est l’ensemble qui fait la différence. Plutôt soul, la version aurait pu être interprétée par un chœur gospel. L’adaptation de « We Want More » est sublime. C'est un des titres-phares du « Future Vintage » de notre albinos blanc national. La « Karavan » s’ébroue lentement, comme en concert, et nous entraîne dans son univers si particulier. Un univers qui transite de Bruxelles à Kinshasa, en passant par Niamé.
« Je Veux Nager ». Jusqu’à Ostende. Peut-être même au-delà ! Les embruns de la mer du Nord sont balayés par les human beat box. On imagine la gestuelle des artistes qui vous invite à embarquer dans leur chalutier. « Elle Adore le Noir » se célèbre le soir…
« Bruxelles » est la deuxième compo originale du collectif. Elle aborde le thème de la multiculturalité dans la capitale européenne tout en adressant un clin d’œil à Matongé. La voix de Marie-Ange y est claire et haut perchée.
Vous aimez chanter en prenant votre bain ? « Bathroom Singer » est un titre idéal pour vos ablutions. Mais en même temps, il vous donne l’envie de vous envoler vers Kingston. Et pourtant, insidieusement, l'âme d’Arno continue de planer. « Les Yeux De Ma Mère » est littéralement transcendé par les voix de Karavan. Les voix mâles, renforcées par celle d’Arno prennent l’ascendant sur « Jive To The Beat ». Et l’opus de s’achever par « Chic Et Pas Cher ». Sans doute pour parler du packaging de l’elpee, dont la superbe illustration de la pochette a été réalisée par une talentueuse photographe, Lara Herbinia.
Karine Germaix est originaire de Nantes. Elle chante et joue de l'accordéon. Pas un instrument facile à maîtriser. Mais dans des mains expérimentées, le résultat peut s’avérer fascinant.
A première écoute, « Ondes Etourdies » ne m’a pas trop botté. Il a fallu que je lise le livret pour remettre le métier sur l’ouvrage. Et le second essai m’a alors paru déroutant, aventureux et beau à la fois. La musique de Karin est le fruit de la rencontre entre passé et présent. Et ses textes émargent à la bonne chanson française. Ce long playing ressemble à un petit laboratoire à idées. Et au plus je l’écoute, au plus je l’apprécie.
Finalement, la surprise est un peu comparable à celle qu’avait provoqué Ez3kiel, après la sortie de son elpee, « The Naphtaline Orchestra ». Lors de son set accordé à l’Aéronef de Lille, il y a 2 mois, la formation m’avait éblouie par ses expérimentations sonores réalisées dans le cadre de la sortie de l’LP « Lux ». Du grand art ! Je vous explique maintenant la comparaison. En concert (NDR : je l’avais découverte dans le cadre du Propulse), Karine se produit suivant deux formules différentes. Soit en solo, limité à l’accordéon, la voix et les percussions. Soit lors d’une performance plastique en compagnie de Mickomix (NDR : qui signe la pochette du disque ; et elle est particulièrement soignée). Mickomix dessine des ‘movies-pictures’ qui sont projetées sur écran, pendant le set, fusionnant ainsi graphisme et musique.
L'album est sorti en édition limitée. Les 200 exemplaires sont sérigraphiés et numérotés en digipack. Donc, c’est un collector !
« Exotisme » s’ébroue dans les sonorités profondes et mystérieuses. Elles pourraient nous conduire dans la forêt de Brocéliande, pour y rencontrer des elfes. « Oscillations » est plus difficile à digérer. Mais après plusieurs lectures, vous vous laisserez entraîner dans les abysses des grands fonds marins.
« La Fièvre » repose sur la combinaison voix/accordéon. Sur cette plage, pourtant plus accessible, l’artiste a un message à faire passer. Pour « Escarboucle », une voix atmosphérique se profile sur des sonorités austères, dispensées par le piano à bretelles, avant que l’expression sonore nous transporte dans une ambiance médiévale.
Accordéon magique et voix envoûtante colorent « Calamity Jane ». Caractérisée par ses percus incorporés par paliers, « Chanson Nue » constitue la meilleure compo de l’œuvre. Une véritable perle. Sur « Rouille », l'artiste explore des chemins sonores plus escarpés. C’est audacieux, mais jamais casse-gueule. Quoique légèrement plus rock, « Le Fantôme Du Corridor » est un morceau plus accessible, mais aussi bien ficelé.
Ce n’est qu’une suggestion, mais si l’artiste décidait d’ajouter des cuivres dans sa musique, elle pourrait grimper un nouvel échelon et pourquoi pas nous plonger dans un univers sonore aussi magique que celui de Beirut. Chapeau l'Artiste !
Baptiste Pizon est un auteur, compositeur et interprète. Il nous vient du Sud de la France.
C'est en 2011 qu'il se lance dans une carrière solo et publie son premier opus. Il est éponyme.
Il embraie par "La Passerelle" en 2013, puis "Caprices et Manigances" en 2014.
Ce troisième opus est folk. Folk/rock même, et plutôt décalé dans le genre.
Il y a une part de folie tant dans l'écriture que la composition.
Le résultat est assez théâtral et les compos sont susceptibles de partir, sans prévenir, dans tous les sens.
L'artiste possède une large palette d’aptitudes ; et il semble qu’il ait voulu les focaliser toutes, dans un même opus.
La structure des morceaux s'en ressent et les histoires, tantôt contées tantôt chantées, manquent de clarté, dans l'ensemble.
C'est un peu dommage que toute cette énergie n'ait pas été canalisée ou trop peu. Une remarque qui concerne les chansons à l'accent rock.
La musicalité et la poésie y perdent au change.
Après deux écoutes, j'ai le sentiment d'être rentré dans un labyrinthe, et que seule cette chronique pourra me permettre d’en sortir.
Parmi les 14 titres du long playing, j'en retiendrais 5. Les plus calmes. « La ronde », « Bleu », « Les yeux », « Jardin » et « La berceuse du pigeon banc », respectivement les pistes 6, 9, 12, 13, et 14.
La voix douce de Ludmilla Garreau illumine trois d'entre elles. Je vous laisse découvrir la perle.
Un album en duo, dans la lignée, serait un cadeau artistique pour mélomanes initiés.
Quid des 9 autres plages ?
Épurées et simplifiées, elles pourraient devenir des singles dévastateurs.
Drip Dry Man, c’est le projet d’un Gallois (NDR : il est issu d'Aberystwyth) plutôt énigmatique. Pas de biographie bien précise. En général, il se produit en solitaire. Il y apparaît grimé, jouant sur l'une des ses guitares en caisse de boîte à cigare, se servant de percussions à pied. Sa voix est étrange et grave. Elle nous replonge dans le passé. Les sessions d’enregistrement de cet album se sont déroulées entre le studio Max Trax au Pays de Galles et le Peter's Place de Gand, en Belgique.
Dès l'ouverture, il met la gomme. Tout au long d’"I ain't got nothin to prove", il déclame ses lyrics sur une trame blues/rock, d’une voix caverneuse et chaotique, soutenue par des chœurs paradoxalement délicats ; une plage très susceptible de rappeler le très emblématique Howlin' Wolf. "Candy" adopte un même profil, une piste entraînante qui baigne au sein d’un climat de transe. La ligne de basse de Luc Waegeman (ex-Starfighter, Kinky Star) et les percussions hypnotiques de Peter De Bosschere (ex-Give Buzz, Kinky Star, White Velvet) servent de charpente au développement des guitares du Drip Dry Man et de Tomas Gons sur "Fuck + Forget". Elles s’ébrouent dans un climat écrasant digne du Black Sabbath originel avant de glisser vers un fuzz généreux, réminiscent des Stooges originels. DDM ne se repose guère sur ses lauriers, et poursuit l’offensive sur "I'm the only one you want". Il épaule sa Cigar Box qui produit un déluge de sonorités acides propices à l'aventure psychédélique. La voix devient sépulcrale sur "Up in my business", comme si elle émanait de Captain Beefheart, qui se serait manifesté outre-tombe. Le trio prend ici son pied, et les tonalités métalliques dispensées ne feraient pas tâche d’huile dans l’univers de Jon Spencer. Etonnant, une trompette vient enrichir l’expression sonore de "Lucille". Le climat devient morose, voire sinistre, sur "Ain't nobody home", une plage interprétée en formule trio, grâce au concours de De Bosschere et Waegeman, qui adopte un mode de dérision prôné par un certain Tom Waits. "Do you still love me?" est sans doute la seule piste un rien plus allègre. Bart Maris déballe sa panoplie de cuivres, trompette, trombone et tuba, pour délivrer ce cri d’amour. Et "Roll on" est la plage la plus dépouillée. Les claquements sont percussifs. La basse est minimaliste. Et la voix, meurtrière. "Just 16" clôt l’elpee. Un blues/rock acide, psychédélique, déconcertant, taillé en pièce par les trois grattes. Et la voix est à nouveau hantée par celle du Captain Beefheart, dans un climat digne du Magic Band. Une œuvre pas facile d’accès, mais particulièrement originale…
Alors qu’un florilège de jeux de mots pourrait évoquer ce projet avançant à demi-masqué, ce qui retient l’attention, et c’est bien là le principal, c’est la beauté qui en émane.
Oui, car c’est bien de beauté dont il est question ici.
Une beauté diaphane, mais palpable dès les premières mesures, qui se dévoile avec pudeur et discrétion, suscitant le désir au long de ses trois titres.
Et quand le désir naît lentement, il n’en est que décuplé.
Trois titres, c’est court, mais amplement suffisant pour adhérer à ce nouveau projet initié par un producteur italo-français exilé dans un studio londonien.
De quoi s’agit-il?
De compositions trempées dans un bain acide de Pop Psychédélique aux émanations Kraut et aux effluves enivrantes qui évoquent tour à tour un kaléidoscope d’images cinématographiques (Sofia Coppola ou Jésus Franco au hasard).
Musicalement, on évoque forcément quelques fiers représentants de ces diverses scènes, mais le traitement et l’approche distinguent Le Masque de toute comparaison hâtive et irrémédiablement réductrice.
Un petit Air de “Virgin Suicide” planant tout au long, dessinant les volutes de rêves évaporés.
En embuscade, “That’s All Over” clôture ce premier Ep en guise d’invitation à un retour qu’on espère des plus rapide.
À découvrir sans modération sur Bandcamp et c'est ici
Antibody n’est pas un groupe de néophytes. Il réunit des musiciens qui ont évolué au sein de diverses formations rock. Malheureusement, un jour, les quatre Belges ont décidé de prendre un virage à 180° pour emprunter la voie de l’électro. Ils ont sorti leurs claviers, leurs pédales d’effets et se sont mis à composer.
« In@sect » est la conséquence de cette décision. Le résultat est tout simplement abominable et insupportable. Après à peine deux morceaux, la voix surchargée d’effets de Patrick Muermans, les guitares, le rythme, tout vous tape sur les nerfs. Arriver au terme des treize morceaux est un véritable calvaire que je ne souhaiterais pas faire vivre à mon pire ennemi.
Un conseil aux musiciens d’Antibody : fermez cette parenthèse électronique, avec un peu de chance, l’écart de conduite passera inaperçu et retournez à vos premiers amours, le rock.
Muhadib réunit des musiciens ambitieux. La preuve ? La formation française est parvenue à engager un producteur notoire. En l’occurrence Ryan Hewitt (Red Hot Chili Peppers, Dire Straits, Angus And Julia Stone, …) Elle a publié son deuxième Ep en novembre 2014 et envisage de sortir prochainement un long playing. A travers « To The End… », les Héraultais nous proposent un aperçu plutôt intéressant de leur style pop/rock.
Trois des quatre titres sont assez longs et dépassent les quatre minutes. Seule la plage d’ouverture constitue l’exception qui confirme la règle. « Short Lived » diffère du reste de la plaque, pas forcément pour de bonnes raisons d’ailleurs ; car le titre pèche d’une construction trop décousue et sa brièveté est opportune.
Heureusement, la suite est de bien meilleure facture. Ainsi, le rock progressif de Muhadib atteint le sommet de son art sur « Duality », un tube en puissance. Contagieux, grâce notamment aux onomatopées bien placées, ce morceau s’apprécie au fil des écoutes.
Et l’Ep de s’achever par un instrumental intitulé « … From The Start ». De quoi confirmer le potentiel du band hexagonal en termes de composition, mais également de capacité à développer des nouvelles idées. Car ce morceau intègre des sonorités plus électro pas encore entendues jusqu’alors…
En gravant « To The End », Muhadib vient de démontrer qu’il était prêt à passer à la vitesse supérieure, et donc d’enregistrer un premier long playing…
Dans un registre à la palette large et riche en couleurs, ces cinq titres s’avèrent d’excellente facture.
Facture et non fracture, car dans l’ensemble, Beaume ne bouscule pas les conventions.
Il n’est donc pas question ici d’un remède miracle, mais bien comme son nom l’indique d’un onguent à apposer sur les petites blessures de la vie.
Si l’originalité n’est pas de mise, la qualité des titres et la production très équilibrée rattrape admirablement le coup.
Force est de constater que quelques noms évidents s’imposent à l’esprit lors de la première écoute, mais bien loin de verser dans la révérence plate et inutile, le groupe a choisi d’aborder l’expression sonore dans une veine personnelle ; ce qui confère à cet Ep une tenue de route irréprochable.
On baigne tantôt dans une atmosphère ouatée et nébuleuse proche des Pale Saints, tantôt dans une Pop nostalgique en équilibre fragile sur un fil tendu entre Radiohead et… The Unbelievable Truth (pour ceux d’entre vous qui se rappellent que Thom Yorke a un frère qui a tenté de se lancer dans l’aventure musicale…)
La musique de Baume est simplement belle et agréable à écouter, comme un coucher de soleil après un orage.
Mais perso, je préfère les orages.
L’occasion est trop belle pour s’en priver.
Quand une bande de lascars décident de jammer et d’envoyer le bois, la consommation de houblon augmente tout comme la sécrétion de la sueur. Leur patronyme ? A Supernaut. Et il est excellent !
Couillu au possible, l’Ep de ce band bruxellois nous dessine un cercle électrifiant, blindé à la vitamine diluée dans un galon de bourbon.
On pourrait même traduire « Arcore » par ‘dikke klûût’, tant il en faut des grosses pour libérer sur si peu (trop peu) de morceaux, une pareille dose d’énergie.
Puisant ses influences à la fois chez les Kinks, Funkadelic, The Dead Weather et Black Sabbath (vu le nom du combo, on s’en doutait un peu), la galette se déguste sans modération et sans même risquer un quelconque écœurement.
Possédées et contagieuses les quatre pistes s’écoutent à fond les manettes, au risque d’envoyer le vumètre dans le rouge.
Du rock, certes, mais sacrément bien branlé où l’on perçoit la volonté de se faire plaisir avant tout.
A Supernaut est un projet prometteur, qui gagne à être connu, à être reconnu et que des fans hystériques s’arrachent les sous-vêtements au cours d’une gigue destructrice…
A Supernaut donne envie d’être mauvais, puant et outrancier ; mais putain c’est tout ce que l’on attend.
L’Ep est téléchargeable sur leur bandcamp ; et c’est ici ou dans certaines crèmeries spécialisées
Twentyfourlives nous vient de La Louvière. Fondée en 2009, la formation réunit le bassiste Maxime Boudart, le drummer Lionel Vanheuverzwijn ainsi que deux gratteurs, Francesco Di Bennardo et Stéphane Meunier, également préposé au chant et aux claviers. Le combo définit son style comme du post rock mâtiné de math rock.
Perso, je le qualifierai plutôt de prog rock. Un prog rock qui ne manque pas d’allure, il faut le reconnaître. Twentyfourlives a participé à la finale du Concours Circuit, en 2012. Votre serviteur avait découvert le combo lors d’un concert accordé dans le cadre du Pac Rock de Pont-à-Celles. A cette époque, il militait sous le patronyme de For24Lives.
Ce premier album a été enregistré aux studios ARAM de La Louvière, sous la houlette de Mario Benvenuto. Les artistes ont couché sur l'album 8 pistes de bonne facture. « Mammoth » figurait déjà sur l’Ep 3 titres du même nom. Il était paru en 2011 et précédait un premier single, publié en 2009, alors baptisé « For24Lives »…
Essentiellement instrumentales, les compos sont aussi particulièrement mélodieuses. Le titre maître est une compos solide aux arrangements bien ficelés. Une voix atmosphérique s’immisce timidement sur « Scarecrow » et « Htommam ». En fermant les yeux, on a l’impression de participer à un trip, avant d’être ramené les pieds sur terre.
« Horses », « Twelve » et « Selahtion » nécessitent plusieurs écoutes avant d’être appréciés à leur juste valeur. Si vous aimez 65 DaysOfStatic ou Mogwai, vous ne pouvez passer à côté de cet elpee. « We Need! » est une de mes compos préférées. Un glockenspiel se permet de percer un mur de guitares, sans pourtant manifester la moindre agressivité…
Dr Voy est un rockeur et le restera.
Le quatuor prépare son quatrième album qui sortira en 2015.
Les trois précédents opus, "Time runs away", "Kill the angel" et "That's all fake" sont respectivement nés en 2006, 2009 et 2012.
Sans rien devoir à personne, le groupe s'est fait, peu à peu, un nom au sein de la scène rock du royaume.
Pour les avoir vus à trois reprises, il faut avouer que l'énergie dépensée et la qualité, tant sonore qu'artistique, ont toujours été au rendez-vous.
En attendant, pour nous mettre l’eau à la bouche, un Ep promotionnel, "Crazy", de trois titres est présenté aux fans comme aux professionnels.
Le premier, "Lovely ass" accroche instantanément. Il me fait battre la mesure et le coeur.
Le mojo working est en route !
"Crazy" et " You are just a dream", les deux suivants, sont explosifs et ont un caractère plus prononcé, genre : ‘A double Whisky on the rock, please !’
L'inspiration blues, savamment dosée pour chaque morceau, est épicée de distorsions baveuses, chaleureuses, de solos et riffs percutants.
Du gros son, mais respectueux des tympans.
En la matière, les deux frères Lizzi ont un certains savoir faire, me semble-t-il.
Un Ep promotionnel peut s'avérer être une arme à double tranchant.
Des trois titres proposés, "Lovely ass" est, sans vouloir être péjoratif, le plus ‘radiophonique’.
A quoi bon, sinon.
Quant aux deux autres, du pur jus !
La louve peut être fière de ses "fils".
Vivement la suite et longue route 66 aux enfants du rock !
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