Pour les fans de musique 'wave', c’est toujours un événement de retourner à Waregem. Cette ville flamande a, en effet, constitué un haut lieu de la période 'darkwave', entre 1990 et 2010. Le revival de la new-wave des années '80, qui fait recette aujourd'hui, n'était pas encore d’actualité et c'était une communauté très underground et exclusive qui se déplaçait de partout en Europe vers le Steeple, le Gaverke ou l'Expo pour communier dans le mysticisme et l'ambiance quasi-occulte des soirées gothiques. C'est donc avec un brin de nostalgie que nous foulons à nouveau le sol de l'Expo, théâtre des célèbres 'Gothic Festivals', à cette époque.

En ce weekend du 15 août, la salle accueille le W-Festival et c'est donc tout un symbole. Pour cette 4^ème édition, exit Amougies et welcome Waregem. On regrettera le côté bucolique de la plaine très 'woodstockienne' du Mont de l'Enclus mais, suivant les organisateurs, le nouveau site est mieux situé, juste à côté de l'autoroute et surtout, la ville regorge d'entreprises prêtes à délier les cordons de la bourse pour soutenir financièrement l'événement.

Aujourd'hui, c'est le 3^ème jour du festival et le line up est largement à la hauteur du 'plus grand festival new-wave d'Europe' car plusieurs groupes-phares de ce genre musical se partagent le haut de l'affiche, dont Killing Joke, The Human League et Nitzer Ebb.

Mais avant d'en arriver là, un programme chargé nous attend. Il commence dès 12h30 par Sono. Ce groupe hambourgeois a la lourde tâche de réveiller les festivaliers. Créé en 2001 par Lennart A. Salomon (chant, guitare), Sono propose une musique synth-pop très mélodique, abordée dans l’esprit de De/vision et Diorama. Il n'y a guère qu'une centaine de fans devant le podium, mais l'ambiance est bonne, notamment pendant « Supersonic », un titre très accrocheur. Flanqué de deux musiciens préposés aux machines, Lannart Salomon occupe bien le devant de la scène et n'hésite pas à fustiger les festivaliers qui jouent à Tetris au fond de la salle. Pendant « Flames get higher », Sono flirte avec la musique mainstream des hit-parades et en fin de set, « Keep Control » fait parfaitement mouche, grâce à son refrain mémorable. Une jolie mise en bouche pour commencer la journée...

Sur l'autre partie de la scène, place ensuite à Schmutz, un band issu des eighties, familier des festivals régionaux. Et pour cause, il est originaire de Neeroeteren, dans le Limbourg. Drivé par le remuant chanteur Guy Peeters, il est responsable d’une power-pop mélodique qui aurait parfaitement sa place aux côtés de A Flock of Seagulls. « Life is a merry go round » provoque de la réaction dans le public, déjà nettement plus présent. Le son est puissant, plus 'rock' que sur les disques et on est ravis de voir un groupe au grand complet, qui joue à 100% en live. Bien entendu, « Love games », son hit décroché en 1984, rencontre le plus bel accueil, grâce à son intro imparable au clavier (c'est le son d'un Fender Rhodes !) et son refrain mémorable.

A peine le temps de boire une bière et Portion Control embraie. Formé en 1979, le légendaire groupe anglais se singularise par le recours au 'sampling', une technique dont il est un des pionniers, et par un son EBM assez lent, caractérisé par des touches industrielles. Inspiré par Cabaret Voltaire et Front 242, son style a eu, à son tour, une influence incontestable sur la vague 'indus' de la deuxième partie des années '80, principalement sur Frontline Assembly, Skinny Puppy, Orbital, Suicide Commando et Nine Inch Nails. Sur les planches, le show est minimaliste à souhait : uniquement Dean Piavani au chant et John Whybrew derrière les machines, tous les deux vêtus de noir, et des vidéos à l'arrière-plan. Mais la machinerie du duo est efficace à souhait : « Icon », « Last of the breed » et « Hardman » affichent un aspect lourd et hypnotique qui fascine le public. « Dead Star » entretient la pression et, en point d'orgue, comme d'habitude, « Amnesia » sert de bouquet final dans un style très proche de la new beat.

Sigue Sigue Sputnik prend le relais. Ce groupe britannique a été créé en 1982 par l'ancien bassiste de Generation X, Tony James. SSS a classé trois titres dans le top 40 au Royaume-Uni, dont le célèbre "Love Missile F1-11". De la formation originelle, il ne reste plus que Martin Degville ; et quand il monte sur les planches, suivi de son team revivaliste, Sigue Sigue Sputnik Electronic, on a carrément l’impression d’être au carnaval. Coiffé d’un chapeau à plumes colorées, Martin est habillé comme un extraterrestre cyber-transsexuel. Les premières chansons, « Rocket Miss USA », « Alien Christ », « Hey Jane Mansfield Superstar » et « Teenage thunder » plantent bien le décor : un disco-punk 100% glam, à faire pâlir de jalousie Suicide et Gary Glitter. Peu importe que le show soit kitsch à souhait, l'idée est de s'amuser : et petit à petit, le public commence à réagir. Après le plus paisible « Atari Baby » et « 21st Century Boy », on a enfin droit au titre le plus attendu : « Love Missile F1-11 ». Sorti en février 1986 et produit par Giorgio Moroder, il est devenu un succès majeur dans plusieurs pays d'Europe. Une grande partie de l'auditoire chante le refrain ‘Shoot it up ...’, traduisant cette compo en un des premiers points forts de la journée !

S'ensuit une petite pause que nous mettons à profit pour tailler une bavette avec Olivier Tarabo. Le leader de Rosa Crvx nous confesse qu’il envisage la sortie d’un nouvel elpee, et qu'il pourrait être signé par Trisol. On est impatient de découvrir ce nouvel opus…

On n'attendait rien de particulier de la formation suivante dans la liste, Tyske Ludder, et pourtant on a eu une belle surprise ! Ce groupe allemand d'EBM, de ‘harsh EBM’, devrait-on plutôt dire, a sévi au sein de la vague darkwave au cours des nineties. On se souvient d'ailleurs l’avoir découvert, à l'époque, au Steeple de Waregem, si notre mémoire est bonne. Pour la petite histoire, ‘Tyske Ludder’ se traduit par ‘pute allemande’ en danois et en norvégien. Cette expression était utilisée pour désigner une femme autochtone qui avait eu des relations amoureuses avec un soldat allemand pendant la Seconde Guerre mondiale. On appréciera l'allusion, discrète, à Joy Division…

Sur le podium du W-Fest, on peut le dire, la formation teutonne à littéralement mis le feu. Emmenée par son charismatique chanteur Claus Albers, elle implique –signe particulier– deux batteurs, et l’un d’entre eux, Jay Taylor, joue le rôle de second ‘front-man’ car, bien souvent, c'est lui, qui vient au-devant de la scène pour 'chauffer' le public. Un public dont un contingent de fans ne se gêne pas pour manifester son enthousiasme. Le titre « Canossa », introduit par un irrésistible riff aux claviers, est d'une puissance étonnante. Complètement speedés (on ne sait pas à quoi), les musiciens ont l'excellente idée de reprendre « Oh La La ! » de TC Matic ; ce qui a l'heur de déclencher un beau délire dans l'Expo. ‘We Are against Fascism !’ éructe le chanteur avant que son comparse drummer n'aille faire un tour dans la fosse en emportant un de ses toms pour stimuler l'ambiance. Mission accomplie pour le combo ; et c'est carrément la folie quand retentissent les premières notes de « Panzer », le titre le plus notoire du band. Le chanteur l'interprète affublé d'un masque de Poutine sur la tête et un drapeau russe à la main. Cependant, l'apothéose est atteinte lorsque le groupe invite le public à scander « Panzer » a capella, avec juste une grosse caisse comme accompagnement. Un grand moment et, au final, un concert en forme de coup de poing !

Passer après une telle tornade, ce n'est pas un cadeau. C'est ce qu'a dû penser Darrin Huss, le leader de Psyche. Ce groupe canadien de dark synth-pop, maintenant établi en Allemagne, a entamé son parcours dans les eighties et propose une musique que l'on peut décrire comme du Soft Cell en version darkwave. Tout au long de « The Quickening » et « Uncivilized », la comparaison vocale avec Marc Almond est frappante et ce l'est d'autant plus que le gabarit de Darin Huss est comparable à celui du chanteur anglais. Sur l’estrade, le show de Psyche est sans fioritures. Aux côtés de Huss, un très discret Stefan Rabura est préposé aux machines et aux claviers et vu qu'il n'y a pas de vidéos, le point focal est concentré sur le chanteur. La setlist alterne entre titres très anciens et compos plus récentes, comme « Youth of tomorrow », sorti en 2017. Tout au long d’« Angel lies sleeping » et « Misery », Huss cherche à démontrer toute l'étendue de son registre vocal et on a peur pour sa santé lorsqu'il s'époumone au point d'en perdre son souffle. Après « Eternal », le moment est venu de ‘revenir au début des temps’ pour un touchant « Brain Collapse ». Fidèle à la tradition, Psyche termine le set par « Good bye horses », une reprise du titre signé Q. Lazzarus rendu célèbre par le film ‘Le Silence des Agneaux’, et enfin, par son 2^ème. plus grand hit : « Unveiling The Secret ».

Escape with Romeo, le groupe suivant à l'affiche, constitue un changement complet de style vu qu'il pratique un rock 'dark' assez classique, quelque part entre R.E.M., Clan of Xymox et The Beauty of Gemina. Ex-Pink Turns Blue, Thomas Elbern est le leader de cette formation issue de Cologne, en Allemagne. Sur scène, il ressemble un peu à Joe Jackson, le costard et le chapeau compris. Les chansons, comme par exemple, « Helicopters in the falling rain » ou « Glitter on the snow » se distinguent par leurs arrangements soignés et, fait assez rare dans ce festival, aux solos de guitare. C'est surtout « Somebody » qui provoque le plus de réaction au sein d’un auditoire dans l'ensemble peu excité par la prestation. Le set se termine comme il a commencé, en douceur, par « It's loneliness » et le joli « Tears of Kali ».

Au lieu de monter en puissance, la programmation continue dans le mou. Et ce n’est pas la prestation de Rational Youth qui va changer la donne. Ce groupe canadien a été formé en 1980, à Montréal, par Tracy Howe, l'ancien batteur du combo punk The Normals (à ne pas confondre avec The Normal). Le line up actuel implique Howe et son épouse Gaenor. On pourrait peut-être décrire son expression sonore comme de la minimal synth véhiculant des paroles animées par une conscience politique. En ‘live’, le show est malheureusement assez décevant. Le couple accuse son âge et les compositions, que ce soit « Close To Nature », « This Side of the Border » ou « Money and Blood », sont interprétées sans relief particulier.

« Dancing on the Berlin Wall » révèle un délicieux parfum 'kraftwerkien' mais ne suffit pas à faire décoller l'ambiance. Un tant soit peu déçus, nous décidons de battre en retraite pour déguster une Kwaremont dans le fond de la salle.

C'est également de loin que nous assistons au concert suivant, celui de Mesh. Fondé en 1991, ce combo anglais propose une futurepop classique, proche d’Apoptygma Berzerk. Sur les planches, le chanteur, Mark Hockings, est toujours coiffé de son inséparable bonnet noir et son look de séducteur doit certainement toujours déclencher autant de réactions au sein du public féminin. Mais les chansons, particulièrement monocordes, ne parviennent pas à susciter notre intérêt. C'est donc sans regrets que nous décidons de faire une pause et d'aller prendre l'air, à l’extérieur… (P.B.)

Quand on parle de Lene Lovitch, on pense immédiatement à son single « Lucky number », un tube qui a tant fait danser la foule, lors de soirées dansantes de la fin des seventies et du début des eighties. Lili-Marlene Premilovich a bien encore publié l’un ou l’autre single, qui a rencontré un certain succès. Six albums aussi ! Mais progressivement, elle a plus ou moins disparu des radars, s’intéressant à d’autres formes artistiques, comme le théâtre ou la sculpture. Elle a même appris à jouer du saxophone et c’est également elle qui a écrit les paroles du plus grand hit de Cerrone, « Supernature ». Et puis, il ne faut pas oublier que son style vocal et visuel unique ainsi que ses compos expérimentales ont non seulement influencé une foultitude d’artistes, dont Nina Hagen, Dresden Dolls et même Lady Gaga, mais également la culture pop alternative. Elle s’était déjà produite dans le cadre de l’édition 2018 du W-Festival, mais un peu trop tôt dans la programmation pour votre serviteur…

Elle monte sur les planches, coiffée d’une énorme perruque de couleur rousse et vêtue d’une robe noire bordée de rubans à paillettes sur bas collants noirs. Dès qu’elle se met à chanter, son timbre vocal et ses intonations sont aisément reconnaissables. Sur les planches, elle est soutenue par un guitariste, une bassiste, également préposée aux backing vocaux, un claviériste et un drummer. Elle ôte cette moumoute à l’issue de ce premier morceau, pour laisser apparaître une chevelure de couleur jais. Si la musique emprunte un peu au punk, au post punk, à la pop, au folklore slave, les attitudes de Lene sont très théâtrales, dans l’esprit du cabaret. Ses mimiques sont particulièrement expressives, et reproduisent des sentiments de joie, sérénité, malice ou surprise. Circonstanciellement, elle souffle dans un saxophone, dans un style tour à tour musette ou free jazz. Outre « Bird song » et « Say when », elle n’en oublie pas pour autant son plus gros succès, « Lucky number » qui clôt une prestation finalement originale pour ne pas dire excentrique, parfois anarchique, mais tellement rafraîchissante…

Retour à l’electro dark wave en compagnie de Blutengel, une formation drivée par le Berlinois Chris Pohl et la chanteuse Ulrike Goldmann. Le premier possède un fameux charisme, un baryton profond. En petite tenue, la chanteuse possède une voix perçante. Sur les planches, le duo est soutenu par un guitariste, un drummer et un excellent claviériste, dont les interventions apportent une coloration symphonique à l’expression sonore, un peu comme chez Laibach. Et la foule est particulièrement enthousiaste face à un solide concert qui ne lésine pas sur les symboles traitant notamment de la mort, de l’amour, de la religion, de sexe et même de vampirisme, à travers des images projetées sur les écrans géants. Des allégories également illustrées par les lyrics mais également à travers les évolutions de la danseuse Viki Scarlet, qui apparaît même sur les planches tel un immense papillon blanc battant des ailes illuminées. Elle se déguise également en religieuse afin de s’agenouiller devant Ulrike, avant de l’enlacer et de l’embrasser langoureusement. Un set puissant, théâtral, auquel il a peut-être manqué quelques actrices, comme lors des concerts récemment accordés outre-Rhin, mais qui a déclenché une fameuse ovation en fin de parcours. Pas vraiment réceptif à ce type de musique, votre serviteur a quand même été bluffé…

Dernier spectacle pour votre serviteur, celui de Killing Joke, dont le début accuse 10 bonnes minutes de retard.

Il y a des lustres que votre serviteur n’avait plus assisté à un concert de ce combo insulaire. C’était le 17 juillet 2005, dans le cadre du festival de Dour. Et 14 ans plus tard, la musique du groupe originaire de Notting Hill n’a guère changé. Enfin si quand même. A cause du concours du claviériste, Roi Robertson (Mechanical Cabaret) dont les interventions sont plus subtiles, moins post industrielles. Coiffé d’un chapeau, il reste cependant très discret en arrière-plan. Sur les planches on retrouve toujours le guitariste Kevin ‘Geordie’ Walker, le drummer Paul Ferguson, le bassiste Martin ‘Youth’ Glover et bien sûr, Jaz Coleman, le personnage central. Cheveux noirs jusqu’aux épaules, traits déchiquetés, il monte sur scène vêtu d'une salopette bleue. Charismatique voire shamanique, chanteur à la voix cassée, rauque, inquiétante, lyrique, capable d’emprunter les inflexions à Franz Treichler (The Young Gods), il entretient une image sombre, menaçante, en grimaçant, en convulsant au rythme de la musique ou en transperçant les âmes des festivaliers d’un simple regard. Finalement, il aurait pu jouer le rôle du joker dans le film ‘Batman’. Le set est très puissant (NDR : ces infra-basses qui vous incitent à battre en retraite !) Cool, impassible, affublé d’un pantalon de training à rayures jaunes, Geordie Walker est impeccable sur sa gratte. La section rythmique broie le son au rouleau compresseur. Faut dire que la basse de Youth est un groove à elle seule ! Tribale et hypnotique, la musique de Killing Joke est noire, dérangeante, primitive et intense : elle est viscérale. Et Jaz fait son show. Il tremble de tout son être, fustige le public, l'exhorte à entrer en communion avec lui. Il vous fait croire chaque mot qu’il prononce. Mais nous délivre également un message de paix, dénonçant les conflits armés qui divisent le monde, mais en même temps craint qu'une nouvelle guerre du golfe éclate. Pas de baisse d’intensité tout au long d’un show qui a manifestement ravi les nombreux aficionados… (B.D.)

Setlist : “Tomorrow’s world “ “Wardance", “Eighties”, “Seeing red”, “European super state”, “Total invasion”, “Loose cannon”, “Exorcism”, “Pssyche”, “The wait”, “Pandemonium”.

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(Organisation : W-Festival)

Sono + Schmutz + Portion Control + Sigue Sigue Sputnik + Tyske Ludder + Psyche + Escape with Romeo + Rational Youth + Mesh + Lene Lovitch + Blutengel + Killing Joke

Lors d’un festival, il est toujours très chouette de (re)vivre une sensation de voyage à travers le temps. L’impression de parcourir quelques années en Delorean. Et cette journée du 16 août 2019 s’inscrit pleinement dans cette tradition chère à Doc Emmet Brown et Marty Mc Fly…

Dès que l’on croise les premiers festivaliers, on est comme transporté au cœur des années 80, lorsque la longueur des crêtes et la couleur de cheveux rivalisaient avec les tenues cloutées et les piercings au visage. Seul, peut-être, le nombre de tatouages en croissance exponentielle confirme que nous sommes bel et bien au XXIème siècle.

Le temps de faire valider sa place et de nouer contact avec les préposés au stand presse (très sympathiques et accueillants, par ailleurs), il faut se résoudre à abandonner Inertia et son métal progressif, en attendant donc Toyah, qui a le privilège d’ouvrir la journée de votre serviteur.

Née à Birmingham en mai 1958 (mais bon sang, quelle pêche !!!), Toyah Ann Wilcox est une sacrée ‘bombe’ d’énergie. Essentiellement connue comme la femme de Robert Fripp (depuis 1986) elle est parvenue à mener, en parallèle, une carrière d’actrice au cinéma et à la télévision (NDR : elle a même décroché un rôle dans ‘Quadrophenia’), mais a également publié 15 albums, dont « In the court of the Crimson King Queen », en 2008 (NDR : album d’ailleurs réédité en version ‘de luxe’, cette année), titre inspiré d’« In the court of the Crimson King », joyau de son mari, gravé en 1969.

S’il faut regretter quelque peu la qualité du son (on entendait très mal les backing vocals), Toyah a réussi à réveiller et tenir en haleine, pendant 45 minutes, un public encore un peu pauvre en unités.

Après « Rebel run » et « Ieya », c’est sa reprise d’« Echo beach » de Martha and the Muffins qui sonne le réveil des quelques âmes ensommeillées collées aux barrières en bord de scène. Si en plus, elle chante « Sensational » en hommage à ses fans ‘You’re sensationnal, YOUUUU’ et qu’elle est carrément déchaînée durant l’interprétation d’« I want to be free » et « Brave new world », les événements ne peuvent que bien se passer…

Très chouette moment passé en compagnie de cette artiste qui n’a rien à envier à Tina Turner en termes de ‘prestance’. En outre, elle possède une sacrée voix…

Changement de style complet en compagnie de Mlada Fronta. On passe d’une new wave bien rock à de l’électro-synthwave. Formé à l’initiative du Cannais Rémy Pelleschi (NDR : au demeurant bien seul sur les planches), au début des années 90, le projet du Français peut se targuer d’une discographie conséquente. Et pour cause, il recense la bagatelle de 15 elpees, depuis 1992. La prestation de ce vendredi se focalise sur le dernier en date, « No trespassing », ainsi que « Outrun » et « Polygon »…

Il n’y a rien à dire. C’est pro, propre et bien foutu au niveau des mélodies ainsi que du son. Rémy, noyé au milieu de ses synthés et ensevelis sous les samplers, nous sert un gig sympathique. Mais pourquoi n’échange-t-il pas un peu avec le public ? Il n’est d’ailleurs pas le seul à avoir oublié de communiquer en ce vendredi de la mi-août…

Ce reproche ne peut, par contre, en aucun cas être adressé au groupe belge resté mythique : Allez Allez !

Souvenez-vous du début des années 80, lorsque Kris Debusscher, Nico Fransolet, Serge Van Laeken et Sarah Osbourne mettaient le feu aux pistes de danse au son de leur titre éponyme « Allez Allez »…

Malheureusement, lorsque Sarah la Britannique, fila à l’anglaise, il ne restait plus beaucoup de souffle au groupe, pourtant auteur de 2 albums à succès : « African Queen » en 81 et « Promises » en 83. Le ressort semblait brisé.

Lorsqu’il publie un « best of » en 2013, on imagine que la renaissance est envisagée. Mais il faudra encore quelques années avant qu’elle ne soit véritablement effective.

Et c’est pour notre bonheur ! Car Serge, allias Marka, les frères De Busscher, et Nico Fransolet ont toujours autant de dynamisme que 35 ans plus tôt. Et ils ont eu la très bonne idée d’aller chercher la Namuroise Marie Delsaux comme chanteuse. Forte d’une carrière solo, même si celle-ci s’est révélée assez courte, mais de qualité, et toute jeune maman, Marie apporte clairement un plus au band comme en témoigne son clin d’œil adressé à Donna Summer à travers « I feel love », intégré en plein refrain de « You make me feel so young ». Elle remue Marie, et elle communique son dynamisme au groupe entier, soutenue par un Marka complètement déchaîné !

Les très funky « Marathon dance », « African Queen », « Flesh and blood » et bien entendu « Allez Allez », traversé par quelques riffs hip hop et un ‘pont’ réservé au « Good Times » de Nile Rodgers font grimper la température de quelques degrés au sein d’une fosse qui commence à s’étoffer. Ça swingue sur et en dehors de la piste…

C’est ensuite au tour de Breath of Life de débarquer sur l’estrade. On attendait beaucoup de cette formation belge, fondée en 1985 à l’initiative de Giovanni Bortolin (ex Jo Lemaire + Flouze) et d’Isabelle De Keyzer. Non seulement les musiciens excellent, y compris Didier Czepzyk à la basse et Philippe Mauroy à la guitare, mais son rock gothique est agréable à l’écoute…

Les Gembloutois accordent un set de toute bonne facture au sein duquel on épinglera notamment « HIde », « Until the day », « Living in a dream », « Naomina » ou encore « Black out »…

Hélas, 3 fois hélas, au bout d’une demi-heure, la voix haut perchée d’Isabelle devient criarde, et finit par lasser…

Nous approchons de 18 heures, et le ventre commence à sonner creux. Il est temps de se restaurer un peu, car les plats les plus consistants arrivent…

Et le premier à se présenter n’est autre que celui de Blaine L Reininger, l’un des membres fondateurs de Tuxedomoon !

Il n’a pas eu une vie facile notre brave Blaine… Entre ses multiples migrations qui l’ont amené à vivre une longue période à Bruxelles, (à plusieurs reprises, il confesse son amour pour la Belgique) et sa femme décédée dans ses bras…

Mais, il possède cette force interne qui lui confère un humour stupéfiant et une capacité à se replonger constamment dans la musique, comme le prouvent ses 18 long playings solos...

S’il faut regretter amèrement l’absence d’un véritable batteur, remplacé par une boîte à rythmes, situation qui va communiquer aux guitares, des sonorités sursaturées, et au violon, bien trop fortes, sa performance est excellente. Le premier artiste de la journée à manifester de l’interactivité auprès de son auditoire et à introduire tous les morceaux par une petite histoire, une anecdote croustillante (« Dry food for my cat ») ou émotionnelle en hommage à sa défunte épouse (« Blue sleep », un extrait de son dernier opus) …

De sa prestation on retiendra quelques moments forts comme « Foreigner », « Night air », « Mistery and confusion », mais surtout les titres-phares de Tuxedomoon, et tout particulièrement « Jinx » et « No tears » durant lequel l’assemblée de quelques centaines de fans conquis reprennent le refrain en chœur.

A l’instar de Breath of Life, on espérait également monts et merveilles de la prestation du duo anglo-suisse Lebanon Hanover et malheureusement, il faudra encore attendre… Car si Larissa Inglass est mignonne, excellente musicienne et très bonne chanteuse, et si William Maybeline possède les mêmes dons musicaux, tout en affichant un côté caricatural sympathique (NDR : son accoutrement et son jeu de scène semblent sortis tout droit d’un concert de Cure de l’époque « Charlotte sometimes »), et si la cold wave très Joy Division pratiquée par le duo est plus qu’agréable à écouter, le contact entre les artistes et la foule est proche du néant. Aucun titre n’est annoncé, et les ‘thank you’ sont aussi nombreux que les cheveux sur le crâne de Tony Levin…

Très difficile d’ajouter d’autre commentaires ou de décrire ce que L.H. a interprété, hormis le magnifique « Petals » ainsi que la mort simulée par Larissa lors du dernier morceau du set, alors que William donnait l’impression d’en retirer une certaine satisfaction morbide, en sautant tel un cabri sur l’avant de de l’estrade…

Enfin, il est l’heure du show prévu par le ‘Petit’ Nik Kershaw ! Ce serait un mensonge d’avouer qu’il n’était pas l’artiste que votre serviteur attendait le plus. Bien que fan, quand on n’a jamais eu l’occasion ou saisi l’opportunité d’aller applaudir en ‘live’ le natif de Bristol, malgré ses 3 bonnes années passées en haut des ‘charts’, on ne peut plus rater l’aubaine….

En dépit d’une balance proche du tragique durant les 2 premiers morceaux (on n’entendait que les basses…), le public présent en nombre est acquis à sa cause d’emblée, et ne lui en tient pas rigueur. Surtout que dès le 3ème titre, la qualité du son s’arrange et en nous balançant « The Riddle » à ce moment-là, il est sûr de son coup… de maître.

Nik nous offre une prestation de haut vol. En plus d’avoir conservé une qualité de voix intacte, il est excellent guitariste, et nous le prouve à travers plusieurs soli aussi qualitatifs que bien sentis. Il n’est d’ailleurs pas le seul musicien de qualité sur scène. Son groupe est vraiment très bon. Notamment Bob Knight à la batterie qui est réellement impressionnant... Kershaw n’en oublie pas pour autant ses plus grands succès : « Dancing Girls », « Don Quixote », « Wouldn’t it be good » et « I won’t let the sun go down on me », morceau qui termine le set, invitant l’ensemble de la foule à reprendre le refrain une bonne dizaine de fois pour finir en apothéose. Et on s’en voudrait de ne pas mettre l’accent, ô surprise pour ceux qui ne le connaissent pas bien, (il reprend d’ailleurs souvent également « The Lamia » de Genesis), sur sa magnifique reprise de « Ashes to ashes » de David Bowie !

Il aurait presté deux fois plus longtemps que personne ne s’en serait lassé…

Mais c’était au tour d’un petit monument belge de prendre place sur le podium juste à côté : Siglo XX !

Originaire de Genk, le line up réunit Erik Dries au chant, Antonio Palermo à la guitare, Dirk Chauvaux à la basse, Klaas Hoogerwaard à la batterie, et Chris Nells aux synthés. Et à ce jour, il a sorti la bagatelle de 19 albums studio.

Son style ‘cold darkwave’ très Bauhaus a mis le feu dans un auditoire de plus en plus nombreux. Ça ‘pogotait’ jusqu’au milieu de la fosse ! Il faut dire que les interprétations de « The naked and the death », « The art of war », « Summers die », ce qui était vraiment d’actualité vu la pluie qui s’invitait à la soirée, et « Dreams of pleasure » sont extraordinaires. Erik Dries est un vrai showman et rien que grâce à sa voix juste et puissante, il en impose sur les planches…

La formation est d’ailleurs la première à remercier l’assemblée lors du rappel, mettant d’ailleurs en danger des horaires scrupuleusement respectés jusqu’alors.

De quoi avoir même peur pour Howard Jones, programmé juste après …

Mais Howard, c’est Monsieur La Classe !

Il débarque, synthé en bandoulière, vêtu de son désormais traditionnel costume beige, slalomant entre les nombreux synthés blancs.

Chez lui, tout est douceur et majesté, gentillesse et professionnalisme. Tout est beau, aussi !

De « What is love » son titre majeur, à « Hide and seek » sa perle, en passant par « Equality », « New song », « Things can only get better » et « Like to get to know you well », les tonalités pures et majestueuses des synthés s’égrènent avec grâce, mélodie et joie.

A aucun moment, l’ambiance mise par Nik Kershaw et Siglo XX n’est retombée, même si le pogo a cédé le relais à des mouvements plus gracieux au sein d’un public amoureux.

Adorable ! A tel point qu’on s’est même habitué à sa coupe de cheveux un peu ‘perruche’, pas vraiment adaptée à sa chevelure de plus en plus clairsemée…

Chapeau Mister Jones !

Il est près de minuit, et il est décidé de terminer la soirée à l’issue de son set. Il restait pourtant encore Tony Hadley (Spandau Ballet). Mais en débarquant au stand réservé à la presse, il nous a été signifié de suite et clairement que Mister Hadley n’acceptait aucune prise de photo, alors qu’hormis « True » et « Gold », Spandau n’a jamais vraiment défrayé les chroniques ; aussi face à sa revendication aux ‘Droits à l’image’, ce sera la plus belle manière d’opposer son droit de véto. No pain, no glory !

Voir aussi notre section photos là

Toyah + Mlada Fronta + Allez Allez + Breath of Life + Blaine L Reininger + Lebanon Hanover + Nik Kershaw + Siglo XX + Howard Jones + Tony Hadley

Nouveau changement de site pour le W-Festival, qui après avoir été inauguré à Wortegem-Petegem, puis déménagé à Amougies, retourne près de ses sources, c’est-à-dire à Waregem. Dans la grande salle Expo, pour être plus précis. En passant l’entrée, on est un peu surpris par la configuration des lieux. A contrario de celui du Mont-de-l’Enclus, ils sont très concentrés. Faut dire aussi que l’an dernier, il fallait marcher plusieurs kilomètres avant d’arriver sur la plaine. Mais n’empêche, cette grande étendue exhalait un petit air de Woodstock. Et puis les émanations de friterie ou autre fast-food se dispersaient dans la nature. Mais ici, on a l’impression de pénétrer dans une sorte de petite kermesse flamande bordée de tas d’échoppes alimentaires, avec tables, bancs et parasols et où il ne manque finalement que les manèges. A l’arrière de la salle Expo, un podium baptisé Olivier Daout a été dressé pour accueillir quelques concerts. Judicieux, une tribune assise et couverte a même été aménagée. Enfin, la salle Expo est quand même impressionnante, puisqu’elle compte un peu plus de 3 700 m2. Et puis, de nombreux parkings entourent l’édifice. Donc plus besoin d’avaler plusieurs bornes avant d’atteindre le site.

La journée de votre serviteur démarre par Tristesse Contemporaine, un trio cosmopolite, établi à Paris, qui réunit le Suédois Leo Hellden, le Britannique Michael Gifts et la Japonaise Namuri Omori. Le premier se consacre à la guitare, le second au chant et la troisième aux claviers ainsi qu’aux vocaux. Responsable d’une forme d’électro-pop-indus-krautrock, très influencée par les 80’s, un peu dans l’esprit de Stereolab, le groupe va nous délivrer un set de bonne facture. Minimaliste, atmosphérique, caractérisé par ses sonorités faussement glacées, il est néanmoins desservi par la voix un peu trop limite de Mike, qui semble avoir abandonné son masque…  

Solar Fake embraie. Le leader et multi-instrumentiste Sven Friedrich possède un baryton profond, très susceptible de rappeler Andrew Eldritch (Sisters of Mercy) et les mélodies sont bien torchées, dans un style dansant à mi-chemin entre cold wave des eighties et electro-pop contemporaine. Mais rapidement, on perd rapidement le fil d’un set qui va finalement se révéler anecdotique ; une prestation contrariée par une panne de light show ainsi que des éléments visuels, malgré une cover plutôt réussie du « Papillion » des Editors…

Mauvaise nouvelle, les Primitives ont pris du retard. Et pour cause, ils ont été bloqués à la frontière. Il se produiront donc plus tard, sur la scène baptisée Olivier Daout. Malheureusement ce sera au même moment qu’Echo & The Bunnymen. Donc difficile de se couper en deux. Et c’est The Blow Monkeys qui va récupérer ce créneau horaire.

Entretemps, on est allé jeter une oreille à The obsCURE (NDR : à ne pas confondre avec un groupe bengali de pop/rock), un cover band issu du Nord du pays qui se consacre au répertoire de Cure. Of course ! Ils sont six sur les planches et il y a un monde fou sur la place. Le chanteur, Dirk Vrijs, a le même look que Robert Smith, en moins grassouillet, chante plutôt juste et la musique proposée est respectueuse de l’originale. En outre, certaines reprises sont enrichies de vidéos des mêmes compos du mythique groupe britannique. Mais, ce qui cloche, c’est qu’entre les morceaux, ce vocaliste, qui ne joue pas de guitare, laissant ce soin à deux autres musicos, s’adresse en néerlandais à ses amis, ses connaissances et tutti quanti et leur adresse même de grands signes, pour les remercier de leur présence, rendant cette forme de réincarnation, un peu saugrenue…

Fondé à Coventry, en Angleterre, The Blow Monkeys remplace donc les Primitives. Son line up est quasi-inchangé depuis le début des eighties, puisqu’il réunit le chanteur/guitariste Robert Howard alias Dr Robert, le saxophoniste Neville Henry, le bassiste/claviériste Mick Anker et le drummer Crispin Taylor qui remplace Tony Kiley. Ce quatuor a décroché quelques hits à ses débuts, dont « Digging Your Scene », « It Doesn’t Have To Be This Way », qu’ils ont interprétés, et « Animal magic », des chansons qui demeurent certainement les plus représentatives de son répertoire. Aujourd’hui son cocktail entre pop, jazz, soul, blues et funk n’attire plus qu’une poignée de nostalgiques de leur belle époque ainsi que quelques curieux. Ce sont tous d’excellent musiciens, mais au bout de quelques morceaux, le set suscite un profond ennui…

Cassandra Complex continue de tourner ; et pourtant, il n’a plus rien enregistré depuis l’an 2000, même s’il a réédité le premier elpee, « Grenade », cette année, en le remasterisant. Costard/cravate de couleur rouge, Rodney Orpheus possède toujours ce baryton caverneux si caractéristique. Pas de drummer, mais une boîte à rythmes, et quand même un guitariste, dont les interventions rappellent parfois celle de The Edge (U2) et un bassiste qui participent à une musique mêlant EBM, indus, goth rock, dark wave et synthpop. Un set bien équilibré pour une musique qui commence cependant tout doucement à être datée…

Merciful Nuns embraie, un trio allemand qui pratique une forme de gothic rock sombre et mystique. D’ailleurs, tout au long du set défilent, sur les écrans, des images et des sigles qui reflètent la passion des musicos pour l’hindouisme et la cosmographie. Habillés de noir, ils sont tous chaussés de lunettes fumées. La bassiste a enfilé un imperméable (NDR : pourtant, il ne va pleuvoir qu’à l’extérieur), le guitariste est coiffé d’un bandeau de pirate et le chanteur d’une casquette de marin. Ces deux derniers portent la barbe. Pas de batterie, mais une boîte à rythmes pour une musique ténébreuse (évidemment) qui rappelle le plus souvent Sisters of Mercy (NDR : encore !), même si le chanteur, Artaud Seth, emprunte parfois des inflexions à Mark Burgess (Chameleons). Un peu trop linéaire pour vraiment convaincre…

Décidément, les organisateurs sont parvenus à exhumer des groupes dont on entendait plus parler depuis belle lurette. Certains avaient même récolté un franc succès sur le plan international, début des eighties, décrochant par ailleurs quelques hits, avant de rentrer dans le rang ou de disparaître de la circulation. D’autres étaient également parvenus à renaître de leurs cendres. C’est le cas de Time Bandits, un combo batave dont il ne reste plus comme membre fondateur que le seul Alides Hidding. Un fameux compositeur, puisque plusieurs de ses chansons ont été reprises par de nombreux interprètes, dont Jennifer Rush et The Nylons. Chapeau vissé sur le crâne, Alides, qui se consacre à la guitare et au chant, est particulièrement interactif. Il est soutenu par un claviériste, un bassiste, un drummer et deux choristes, dont les voix sont vraiment superbes. Oscillant du r&b au blues, en passant par la pop eurovisionnaire et le disco, la musique de Time Bandits n’était pas vraiment de nature à emballer votre serviteur. Et pourtant, elle s’avère agréable à écouter. La formation s’autorise une cover plutôt réussie du « Purple rain » de feu Prince. Au cours du show, Alides feint d’envoyer une balle de golf et déclare l’avoir envoyé sur la lune. Pourquoi pas ? Bref, la performance des choristes et l’enthousiasme du leader m’ont empêché d’aller plus rapidement casser la croûte ; et pourtant, il est temps, car le meilleur arrive enfin…

Et pour cause, Echo & The Bunnymen grimpe sur les planches, un groupe emblématique, drivé par les incontournables Ian McCulloch et Will Sergeant. Le chanteur et le guitariste sont épaulés par un second gratteur, un bassiste, un claviériste et un drummer. Et en intro, on a droit à une sorte de bande sonore liturgique. Avant que le band n’attaque son set par « Rescue », un morceau tapissé de claviers rognés, alors que déjà la machine à fumée envahit l’espace scénique. Et puis difficile de ne pas tomber sous le charme de cette musique à la sensibilité émotionnelle hypnotique et profonde que souligne si bien la voix fragile et instable de McCulloch. Pendant « Villers Terrace », la compo inclut le « Roadhouse blues » des Doors ; des Doors et surtout feu Jim Morrison qui semblent parfois hanter ce set, même si pendant « Nothing lasts forever », le clin d’œil adressé à Lou Reed, à travers le « Walk on the wild side », déclenche au sein de l’auditoire des ‘doo dee doo’ chargés d’allégresse. Le son de gratte dispensé par Sergeant est tour à tour psyché, comme tout au long de « Over the wall », cristallin, à l’instar de « The killing moon », vibrato sur « Bring on the dancing water », au cours duquel le public frappe dans les mains, à connotation orientale sur « The cutter », et surf lors du titre final, « Lips like sugar », à l’issue duquel Ian balance son essuie-éponge dans la foule, avant de tirer sa révérence. Un seul morceau récent, « The somnambulist ». Du show, on épinglera encore le dansant « Never stop », au cours duquel Sergeant crée un contrepoint pour renforcer l’émotion libérée par la voix de Ian, et un hymnique « Seven seas » tout en délicatesse. Une constante, la foule reprend les refrains et même les couplets en chœur, sans pour autant que McCulloch ne cède le relais à l’auditoire. Bref, un chouette moment, intense et empreint de douce mélancolie qui fait du bien à l’âme… des nombreux nostalgiques de l’époque dorée d’Echo & The Bunnymen…

Depuis le départ de Hugh Cornwell, il faut avouer que votre serviteur ne s’est plus guère intéressé aux Stranglers. Faut dire que la quintessence de l’œuvre du band britannique se situe entre 1977 et 1990. Malgré de bonnes dispositions au chant, Paul Roberts ne s’est jamais vraiment imposé. Et d’abord recruté comme guitariste, à l’aube du millénaire, Baz Warne ne s’est reconverti au micro qu’à partir de 2006. Les deux vocalistes ne sont cependant jamais parvenus à faire totalement oublier Cornwell, raison pour laquelle les prestation ‘live’ ont alors souffert d’un goût de trop peu. En outre, Hugh était quand même un des deux compositeurs au sein de la formation, tant de la musique que des lyrics. Bref, avant d’assister au show de ces Stranglers, il y avait de quoi être dubitatif, surtout quand on a eu l’opportunité d’assister à un de leurs concerts, sous le line up originel.

Lorsque les rideaux s’ouvrent on découvre le logo du groupe de couleur jaune sur fond noir, en arrière-plan, et bien sûr le matos du combo, alors que les baffles crachent l’instrumental « Waltzinblack ». Le quatuor grimpe alors sur le podium d’un pas bien décidé. Jean-Jacques Burnel a la chevelure poivre et sel, Baz la boule à zéro, et Dave Greenfield, qui accuse quand même 70 balais, semble se cacher derrière sa panoplie de claviers. Le quatrième larron, Jim Mccauley, est un jeune batteur qui supplée Jet Black depuis 2013. Ce dernier ne participe d’ailleurs plus qu’aux sessions d’enregistrement. Et la formation semble bien décidée à en découdre avec la foule en ouvrant les hostilités par des titres percutants, pour la plupart issus des premiers elpees à l’instar de « Toiler on the sea », « I’ve been wild » et « Get a grip on yourself » qui ouvrent le concert. Car de « Peaches », le combo en a ce soir. En outre, Baz chante juste, dans un registre très proche de Cornwell. Et ça, c’est une bonne surprise ! L’attitude des gratteurs est menaçante, bien punk. La ligne de basse tracée par JJ vous rentre dedans. Warn est particulièrement incisif sur sa six cordes. Dave infiltre les compos de ses rituelles arabesques savoureusement baroques aux claviers. Il se sert d’un moog, pendant « Nice’n’sleazy ». Et le batteur dynamise l’ensemble de son drumming solide et précis. Un climat délibérément belliqueux qui va également déteindre sur les hits du groupe, comme « Skin deep », « Golden Brown » et « Always the sun », dont la foule reprend, bien évidemment, les refrains à l’unisson. La version du « Walk on by », signée Burt Bacaharach et Hal David, popularisée par Dione Warwick, est tout aussi agressive, alors que Greenfield nous réserve un petit solo vintage. Jean-Jacques Burnel se réserve le chant circonstanciellement, comme sur « Better change » ou « 5 minutes ». Et à l’issue d’« Unbroken », il nous balance quelques accords de basse sismiques avant d’embrayer par les fameux riffs qui allument « No more heroes », dont la foule, aux anges, reprend le refrain en chœur et qui clôt ce set épatant, couronné par une énorme ovation. Bras dessus, bras dessous, les musicos saluent l’auditoire, puis le sourire aux lèvres se retournent et présentent leurs séants. Humour bien punk… mais finalement une des plus belles surprises du festival…

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(Organisation W-Festival)

Ce vendredi 16 août, on est déjà à mi-parcours de l’édition 2019 du BSF. L’affiche de cette soirée propose un joyeux patchwork entre vieilles gloires des années 90, programmées sur la main stage, du rap, sur la scène du Mont des Arts et des futures stars à la Madeleine, en compagnie de Inüit et Whispering Sons. Focus d’abord de Lina sur les deux concerts principaux qui vont se dérouler sur la Place des Palais, ceux de Manic Street Preachers et Hooverphonic.

19h00, les premières notes de « Motorcycle Emptiness » crissent sous le ciel morose de ce début de soirée. Le public, certes épars, semble déjà tout acquis à la cause de nos Gallois préférés et certains spectateurs motivés sautillent déjà de bonheur dans la fosse. Le groupe qui fête cette année les 20 ans de son mythique album, « This is my truth, tell me yours », gratifie l’audience d’une setlist reprenant ses plus grands succès tout en faisant la part belle à cet elpee. Les hits s’enchainent à une folle allure : depuis « You love us » aux relents punk, à la ballade contestataire « A design for Life Bradfield ». La voix de James Dean Bradfield est intacte, malgré le poids des années (NDR : le band est né en 1986 !) et le bassiste Nicky Wire a toujours ce look bien punk très caractéristique… Le show est court, intense et sans surprise. Comme chaque année, le combo s’autorise une reprise. Après avoir adapté une compo de Rihanna et une autre de Cure, Manic Street Preachers s’attaque au « Sweet Child Of Mine » de Guns N' Roses. Version un peu molle, il faut l’avouer. On aurait largement préféré hériter d’un titre de plus de son répertoire. Dans la foule, on remarque la présence d’un fort contingent de compatriotes du groupe. Et de leur drapeau qui s’agite et claque au vent de la nostalgie… Le concert s’achève par « If you tolerate this, your children will be next »…  Signe qu’il est impératif de se tourner vers le futur…

Le temps de se désaltérer et la foule commence à s’agglutiner face au front stage. Les premières gouttes de pluie commencent à tomber… Mais serait judicieux de déjà se placer idéalement pour assister au concert de Hooverphonic. En ce qui concerne cette formation, la question n’est plus de savoir quels seront les titres joués mais bien qui les interprètera. Après avoir vu se succéder toute une série de vocalistes, c’est aujourd’hui la très jeune Lukas Cruysberghs qui se consacre au micro. Elle a vécu un véritable conte de fées pour en arriver là. En 2017, elle se présente au télécrochet ‘The Voice van Vlaanderen’ en interprétant « Mad About You ». Dans le jury, Alex Callier, tête pensante du groupe la remarque et lui offre la victoire sur un plateau. Il lui propose alors la place tant convoitée de chanteuse. Plutôt sceptique, la voix de la donzelle sur album m’avait conquise. Fallait donc vérifier sur les planches ! Et bien, Lukas semble déjà se comporter comme une artiste chevronnée. Elle chante, danse, se change en un éclair, passant du noir au rouge, et s’approprie du haut de ses 18 printemps les succès du band, les réinvente et leur donne de nouveau cette dimension un peu trip hop de ses débuts.  Son interprétation est toute en émotion par rapport à la voix puissante de Geike. Elle ouvre le concert tel un chaperon rouge, plus tard réapparaît dans une combinaison noire cintrée et bottée, avant d’adopter la cape pailletée. Elle est phénoménale sur « Mad About You », communique un côté bien plus léger à « The night before » et revisite « Jackie Kane » avec un petit côté espiègle sûrement dû à sa jeunesse. Un bien beau concert et une bien belle soirée !

Pendant ce temps, Liesbeth est déléguée pour assister aux concerts qui se déroulent en la salle de la Madeleine. La distance entre les deux points de chute, ainsi que les horaires qui se chevauchent, nécessitent, en effet, d’opérer un choix. C’est aussi la soif de découverte et la curiosité qui la guide jusqu’à la Madeleine. Inüit s’y produit. Ce jeune groupe nantais fait la part belle aux percussions sur fond de claviers électroniques, rehaussant certains de ses morceaux de cuivres. Son dernier album, « Action », est paru l’an dernier, un premier elpee qui fait suite à « Always Kevin », un Ep publié en 2017. Le set de la formation est varié et nous réserve des rythmes et mélopées tribales ainsi que de la dance sur fond de mélancolie. La prestation s’ouvre par « Body lies ». Coup de cœur immédiat ! La chanteuse, Colinne Rio, éclabousse la salle de sa fraîcheur. Elle bondit d’un côté à l’autre du podium ou va prêter main forte à l’un des percussionnistes. Colinne incite également le public à participer au show. Et tout particulièrement tout au long de « Dodo mafusi » ou encore sur une chanson revendiquée comme engagée contre la politique de Trump (« We the people »). On regrettera juste l’éclairage trop tamisé, dans le style d’une discothèque underground berlinoise. Un light show qui complique le travail de notre photographe, mais nous empêche aussi d’admirer les nombreux musiciens en arrière-plan. Mais n’empêche, une énergie (positive) est libérée tout au long du spectacle, énergie très susceptible de rappeler les fins de concerts de Foals.

Changement d’ambiance ensuite en compagnie de Whispering Sons. Son premier opus « Image », paru en 2018 a été salué par la critique. Et malgré leur jeune âge, ces Limbourgeois ont aligné les dates à une cadence impressionnante, aussi bien lors des festivals qu’en salle. Aussi serait-on tenté de dire qu’il ne s’agit plus d’une découverte. Le groupe, aujourd’hui rôdé, nous réserve un set impeccable. Même si le show et le climat qu’il entretient sont davantage captivants au sein d’espaces plus petits. Résultat des courses : le spectacle me transporte beaucoup moins que lors de précédentes prestations accordées au Salon de Silly ou à l’Eden de Charleroi, par exemple. Faut dire aussi que l’auditoire réunit beaucoup moins d’aficionados du post-punk, et un peu plus de bobos bruxellois. A mon humble avis, pas sa meilleure prestation, même si elle est techniquement irréprochable. Fenne n’a pas été époustouflante. Maintenant, est-ce dû à l’effet de stupéfaction face à la découverte du prodige qui s’est estompé ou parce que le set et la gestuelle scénique sont à présent parfaitement au point ?

De l’avis unanime, l’éclat de ce site, la convivialité des lieux et sa facilité d’accès constituent les points les plus forts de ce festival. Au final 57 000 spectateurs seront comptabilisés sur les 5 journées, de quoi réjouir les organisateurs et les 545 bénévoles qui ont contribué à cette édition.

(Organisation : BSF)

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Inüit + Whispering + Manic Street Preachers + Hooverphonic.