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Philippe Blackmarquis

Philippe Blackmarquis

 

 
jeudi, 30 janvier 2014 18:15

The Power of The Black Celebration

On les attendait au tournant. Trente-trois années de carrière, treize albums, dont le petit dernier, "Delta Machine", une œuvre qui a enchanté les uns et déçu les autres. En outre, quatre ans plus tôt, la dernière tournée de ces pionniers de la synth-pop avait été bien en deçà des espérances, surtout à cause des prestations en demi-teinte de Dave Gahan, qui se battait à l'époque contre un cancer.

En ce soir du mois de janvier, le Sportpaleis est archi-comble. Comme de nombreux amis, nous avons été bloqués pendant deux heures sur l'autoroute Bruxelles-Anvers à cause de travaux (inutiles?). Heureusement, nous débarquons juste au moment où retentit "Welcome To My World", la chanson d'introduction du concert. Sur la scène, derrière les musiciens, on découvre un énorme écran vidéo, composé de plusieurs triangles, qui évoquent le logo de Delta Machine. Les musiciens sont disposés suivant un même rituel : Martin Gore est à gauche et Dave Gahan, au centre ; derrière eux Christian Eigner siège derrière la batterie, et sur deux petits podiums placés en retrait sont installés Peter Gordeno à gauche et 'Fletch', aka Andrew Fletcher, le troisième membre original de la formation, à droite, tous deux aux claviers.

Ce n'est pas un hasard si les deux premiers morceaux du set, "Welcome…" et "Angel", sont issus de "Delta Machine" : les Anglais sont très fiers de leur dernière production et il faut reconnaître que leur mélange de blues, de rock et d'électro fonctionne parfaitement en ‘live’ également. Plus tard, "You Should Be Higher", un des titres de "Delta Machine" composés par Dave Gahan, recueillera aussi un joli succès. Mais, sans surprise, ce sont les classiques qui emportent le plus l'adhésion du public. D'abord "Walking In My Shoes", caractérisé par le final très puissant de Christian Eigner, "Precious", agrémenté de jolis chiots en vidéo ou encore "Black Celebration", très dark et hypnotique, surtout quand le public reprend en choeur le refrain.

Les deux leaders principaux, Martin Gore et Dave Gahan ont l'air très en forme et heureux d'être là. Gore est, comme toujours, habillé très 'glam', ne négligeant pas la touche androgyne, tandis que Gahan a revêtu sa traditionnelle veste sans manches. Ce dernier déborde d'énergie et démontre clairement qu'il est à nouveau au top de sa forme. C'est qu'il a abandonné depuis longtemps les substances illicites au profit d'activités plus saines comme le jogging ou le fitness! Le résultat est beau à voir : il virevolte comme une ballerine de gauche à droite de la scène, engageant le public à chanter sur les refrains. Un des meilleurs showmen de histoire du rock, ce cher Dave!

Après le très efficace "Policy of Truth", on a déjà droit à la première pause du concert. Gore et Gordeno restent seuls sur l’estrade pour interpréter des versions acoustiques de "Slow", un blues pur et dur, très chaud, qui révèle à ceux qui ne le savaient pas encore que Martin Gore possède une voix exceptionnelle, et "But Not Tonight", un nouvel extrait de l'album "Black Celebration". Bien qu’en général très discret, voire timide, Martin Gore s'avance sur la rampe de la scène au milieu du public et incite ce dernier à reprendre les ‘ouh ouh’ qui clôturent la compo. La foule ne se fait pas prier et continue même à chanter quand la musique s'arrête, pendant plusieurs minutes, jusqu'à ce que Dave Gahan revienne pour la suite du set et constate, émerveillé, ce qui est en train de se passer : un moment magique.

En guise de transition, le combo, revenu au complet, nous offre un autre blues figurant sur "Delta Machine", le très beau "Heaven", rehaussé par une vidéo hallucinante d'Anton Corbijn. La 'machine DM' se met alors en marche. Tout d'abord au travers de "Behind The Wheel", suivi de la version Jacques Lu Cont remix du très Reznorien "The Pain I Used To Know", sur laquelle Gordeno quitte ses claviers pour venir taquiner la basse au devant du podium. On continue plein pot par "A Question of Time", au cours duquel Gahan est carrément déchaîné, et on atteint enfin le paroxysme tant attendu: les première notes de guitare de "Enjoy The Silence" retentissent déclenchant un vacarme assourdissant. Plus de 20 000 fans chantent à tue-tête le refrain à la place de Gahan. Le final est assuré par un "Personal Jesus" d'anthologie. Un début très lent, en 'teaser' parfait, puis c'est la déferlante. Un moment de pur orgasme sonore.

La formation se retire pour quelques minutes et ce sont à nouveau Gore et Gordeno qui reviennent pour attaquer une version acoustique de "Shake The Disease". Sublime ! La mélodie est ensorcelante et pendant le passage "Understand Me...", Gore clape dans les mains, un geste repris comme un seul homme par un public subjugué. Le rappel se poursuit ensuite par la version Goldfrapp remix de "Halo", qui bénéficie miraculeusement d'un son très clair, suivi par "I Just Can't Get Enough", le titre que Depeche Mode a joué le plus sur scène en 32 ans, et toujours un des favoris des fans. "I Feel You" est assez décevant, noyé dans une bouillie sonore mais le moment le plus fort sera, sans surprise, le final : "Never Let Me Down Again". C'est une tradition devenue célèbre des concerts de Depeche Mode : à un moment précis de la chanson, Gahan vient au devant de la scène et lève les bras en l'air. 20 000 fans tendent également les leurs, et lorsque le riff final démarre toute la salle se met à les balancer de gauche à droite. La foule ressemble alors à un champ de blé qui ondule par la force des vents. Un événement qui, chaque fois, vous communique la chair de poule...

En conclusion, un excellent concert. Depeche Mode est de retour et dégage à nouveau autant sur scène. C'est en grande partie grâce à Dave Gahan, qui est de la race des grands showmen à la Mick Jagger, Bono, etc. Il possède un charisme étonnant et cette faculté unique de s'adresser à tout le monde, du premier rang aux gradins les plus éloignés. La setlist était parfaite même si l'on regrettera l'absence de bijoux tels que "Strangelove", "People Are People" ou "Everything Counts".  Seuls bémols, la 'salle' et le son, très confus, comme d'habitude au Sportpaleis. Il serait grand temps qu’il soit rénové et adapté à la technologie moderne! Mais l'approche du son de Depeche Mode est aussi critiquable : en ‘live’, il est trop brut et le choix de Christian Eigner aux drums est contestable. Son jeu est trop lourd et l'ensemble manque cruellement de finesse, de clarté et de variation dans les dynamiques. Enfin, ne boudons pas notre plaisir: les concerts de Depeche Mode sont des moments uniques, de véritables 'célébrations' de la musique et de la vie... Gahan est passé très près de la mort ; aujourd'hui, lui et son groupe sont plus vivants que jamais!

Setlist

Intro (Excerpt from 'Welcome to My World')
Welcome to My World
Angel
Walking in My Shoes
Precious
Black Celebration
Should Be Higher
Policy of Truth
Slow (Acoustic; Sung by Martin)
But Not Tonight (Acoustic; Sung by Martin)
Heaven
Behind the Wheel
A Pain That I'm Used To ('Jacques Lu Cont's Remix' version)
A Question of Time
Enjoy the Silence
Personal Jesus

Encore:

Shake the Disease (Acoustic; Sung by Martin)
Halo ('Goldfrapp Remix' version)
Just Can't Get Enough
I Feel You
Never Let Me Down Again

(Organisation : Live Nation)

 

jeudi, 30 janvier 2014 16:42

Modern Life Is A Journey By Car

Moon Prototype est le projet d'un musicien français, Olivier Jung, qui, depuis ses débuts, estime que sa musique doit être accessible à tous, librement. D'ailleurs toute la discographie publiée en Creative Commons est là pour en témoigner. Le nouvel opus de Jung, « Modern Life Is A Journey By Car », sorti le 25 novembre dernier sur le label belge White Leaves Music, est une oeuvre en tous points intéressante.

Les 15 compositions éclectiques évoquent tantôt le métal/prog de Porcupine Tree et Anathema, tantôt l'électro/rock façon Nine Inch Nails voire l'univers plus trip-pop de Tricky ou d'IAMX. Pour la circonstance, Jung s'est adjoint les services de Grégoire Fray (Thot/White Leaves Music), Nicolas Chapel (Demians), David Husser (Y-Front, LTNO, Mumbai Queen) et Aurélie Jung (Yakch'e).

Etonné par l'omniprésence d'extraits (‘samples’) de films dans les arrangements, j'ai demandé à Jung d'expliquer quelle était son approche de la composition : ‘L'album a été composé autour de samples’, m'a-t-il répondu par e-mail. ‘En fait, tout a commencé par quelques nappes de synthétiseur et les samples bruts, qui ont défini les thèmes des chansons et la couleur de l'album. J'aime le cinéma, je suis même un cinéphile assidu et j'ai choisi ces samples car ils dégagent quelque chose de très puissant. Mon rêve serait d'ailleurs de travailler sur une bande originale de film.’

D'emblée, la première plage, "Introspection", met en place une ambiance étrange, cinématographique, à l’aide de samples des films "Contact" et "Mission to Mars". "Coal In My Eye" installe les ingrédients de base de Moon Prototype : un mariage entre les riffs prog-metal de guitare dispensés par David Husser, les drums échantillonnés et le chant, sensible voire suave de Jung. On y rencontre des accents empruntés à Porcupine Tree et Anathema et la voix me fait penser à celle du chanteur de Gazpacho, l'excellent combo norvégien de prog-rock.

Un extrait de Pulp Fiction ouvre "My Name Is The Lord", qui poursuit dans la même veine d'un prog-metal lent et hypnotique. Plus industriel, "Keep Everyone Afraid" recèle des touches trip-hop, évoquant le Nine Inch Nails de la première période mais là où Reznor éructait son mal de vivre, Jung chante tout en retenue, en alternance avec des samples de Bowling for Columbine.

Au moment où on commence à se lasser de la formule, "Expression Of Bliss" vient introduire un magnifique contrepoint. Construite autour d'un très simple riff de basse, un peu à la Pink Floyd, la compo s'envole littéralement grâce à des guitares gorgées de flanger et de wah-wah qui renforcent l'impression floydienne, période « The Wall ». "Celebration" est encore plus beau : reposant sur deux accords minimalistes au synthé, il propose à nouveau de superbes parties de guitares et des vocaux.

Plus loin, un extrait d'interview de Charles Manson nous glace le sang tandis que Grégoire Fray (Thot) déploie des lignes de gratte saturées très ‘Musiennes’. Cette courte plage ("This Dream Is My World") se fond très vite dans "The Sinner", une compo caractérisée par une rythmique très déstructurée et de superbes harmonies vocales. Ensuite, l'annonce de la mort de Kurt Cobain sur CNN introduit "It's Better To Burn Out Than To Fade Away", une mélodie bluesy (on pense à Amy Winehouse) chantée par Aurélie Jung (Yakch'e) sur des paroles puisées au sein d'une interview de Cobain. C'est en quelque sorte la plage ‘atypique’ de l'elpee, un peu à la façon d'un "Great Gig In The Sky".

Le single "The Challenge" constitue le point culminant de l'oeuvre. Une petite pépite. Un piano discret, une phrase de guitare blues à la Gary Moore et des voix qui planent sur une nappe de synthé évanescent ; puis soudain, le rythme se multiplie par deux et le morceau s’engage dans un magnifique délire trip-hop illuminé par la superbe voix de Jung chantant "I am an outsider". Le single se termine doucement par le piano et des voix d'Indiens d'Amérique sortis tout droit du film Blueberry. Fabuleux !

Vous croyez que c'est fini ? Mais non, place ensuite au fameux discours du personnage de Charlie Chaplin dans "The Dictator", qui se développe sur un instrumental dense et riche, "The Last Straight Line". La plage titulaire "Modern Life Is A Journey By Car" repose sur un très beau poème de Jim Morrison, extrait de son recueil "The Lords - Notes On Vision" (1969). Jung alterne ici entre déclamation et chant, comme dans une lecture automatique, sans césures, du texte original, ce qui communique un effet ‘rap’ étonnant.

L'album se referme sur "Staying In Motion", à nouveau dans la veine électro-rock du début, où l'on remarque l'excellent travail de Grégoire Fray à la guitare, et enfin, "Dead Man", un instrumental inspiré par le film éponyme de Jim Jarmush.

Finalement, cet opus recèle une richesse d'inspiration incroyable, qui le place sur une des plus hautes marches des oeuvres conceptuelles, à côté des Pink Floyd et autre Porcupine Tree. Chapeau! A découvrir d'urgence!

Pour écouter et télécharger gratuitement l'album, c’est ici

 

jeudi, 30 janvier 2014 16:09

Cosmic Trip/Comic Strip

La voilà, la nouvelle potion maléfique des 'psychédéwitches' bruxelloises Toxic Witch aka Sandra Hagenaar (Fifty Foot Combo, Kris Dane…) et Sonic Witch aka Laurence Castelain (Flesh and Fell, The Chicks…). Oh, c'est un picture disc: sympa! Publié par Lynch Law Records, ce nouvel opus recèle des philtres dont les demoiselles ont le secret, entre cabaret électro et postpunk doublé d'un 'French touch'. Pour vous donner une idée, c'est un subtil parfum à la fragrance Vive La Fête, enrichi d'une lampée Miss Kittin' et de quelques gouttes de Simi Nah, Noblesse Oblige ou encore Geneviève Pasquier... Envoûtant!

La première plage, "Alkaline", est comme le cri de ralliement du duo, l'affirmation de leur identité. 'A' comme 'Ace of Spades'!! "Dark Energy" est un brûlot pour boîte de nuit un peu 'dark'. L'énergie est là, ce qui est logique pour Alk-a-line (arf). Ce dancefloor killer un peu psyché a d'ailleurs déjà figuré dans la playlist d'une des soirées ‘DARKOTHEQUE’...

"Ich weiss", chanté dans la langue de Goethe, démontre que nos deux sauvageonnes sont polyglottes... en plusieurs langues (le pléonasme est voulu)! Après une intro hantée par l'ombre de Marlène Dietrich, un coup de baguette magique et un rythme super rapide, genre 160 bpm, déboule pour sacrifier les accents berlinois des claviers sur l’autel du mariage. Dans "Everything is not what it seems", une compo electro-clash sur les faux semblants, les cosmic chicks sont clairement 'on speed'!

Une intro de theremine qui parvient à imiter le cri d'une sorcière: joli! "This Is Not A Fairy Tale" brille aussi, entre autres, pour son ambiance très ‘Halloweenesque’ et pour les paroles, écrites par Jean-Luc De Meyer, célèbre chanteur de Front 242 mais aussi, et c'est moins connu, féru de langue française. Au milieu du morceau, on identifie une incantation dans la langue de Molière (d'ailleurs écrite sur la plaque), qui est un palindrome syllabique.

La face B du vinyle s'ouvre par "C’est les Rats scélérats", une chanson consacrée aux maudits rongeurs, caractérisée par des accents de piano bastringue. Relevons au passage la remarquable production de l'Ostendais Pierre Goudesone (production artistique; aussi dans Flesh and Fell, Goudi…) et de Jean-Pascal Vandestien (production Lynch Law). Dans "Train-Train", les paroles sont de Jacques Perry-Salkow, un écrivain français spécialisé dans les oeuvres 'oulipiennes', ces écrits qui suivent une contrainte précise. Ici, c'est un tautogramme : tous les mots commencent par ‘t’. Les voix de Laurence et de Sandra chuchotent ces belles allitérations un peu à la façon de la 'Vilaine Farmière', très (al)câlines...

"Good Boyz" se distingue par son refrain très accrocheur, aux relents de comédie musicale américaine. L'histoire posthume d'une chienne qui a tué la compagne de son maître constitue la trame de la plage "Le Dobermann"... Enfin, "Le Coeur à l'Ecrou" est un nouvel exercice de style opéré par Jacques Perry-Salkow, une symphonie d'anagrammes, chantée de maîtresse manière!

Petite coquetterie : tous les minutages des plages de l'album sont des palindromes, c'est-à-dire qu'ils peuvent se lire de droite à gauche également (2:52, 3:33, 3:03, etc.)... On l'a compris : les girls ont beaucoup d'esprit et, en plus, elles ont du sexe à pile! Good job, Alk-a-line!

Photo cover: Natacha Giraldo

 

mercredi, 08 janvier 2014 15:45

Nouveau single d'ORGANIC !

Rappelons-nous : en 2012, ce groupe belge créé par Raphaël Haubourdin aux voix, claviers et programmations (également dans Graceland) et Joris Oster à la basse et aux programmations (aussi dans Silver Riot), avait causé la sensation en livrant un premier opus époustouflant de maîtrise : « Under A Carbon Constellation ». En véritable OMNI, objet musical non-identifié, ORGANIC y créait une musique innovante, combinant post-rock, électro, progressif, psyché, stoner, new-wave et postpunk. Excusez du peu!

Aujourd'hui, ils nous proposent un cadeau de bonne année en nous offrant un nouveau single, « Positions », qui est un véritable brûlot !

L'intro est très pulsante, façon Nine Inch Nails, portée par une énorme bass drum et de puissants staccatos de basses saturées. Notons au passage que les parties de batterie sont programmées avec l'aide de l'excellent batteur Olivier Justin. Ensuite, les nuages s'écartent et on se retrouve dans un espace plus aérien, où vient se lover la voix de baritone d'Haubourdin. Andrew Eldritch (Sisters of Mercy) n'est pas loin et c'est on ne peut plus 'dark'. Puis vient le refrain, jouissif, hypnotique, placé quelque part entre Queens Of The Stone Age et le « Blue Monday » de New Order. La voix d'Haubourdin s'y déploie avec force et assurance : impressionant !

Pas de doute, ORGANIC est bien la nouvelle sensation post-rock venant de Belgique et on attend avec impatience le nouvel elpee qu'ils nous promettent pour 2014.

Ecoutez le nouveau single ici : https://soundcloud.com/organic-music-1/positions-new-single

On peut aussi relire leur interview, déjà parue dans les colonnes de ce webzine : http://www.musiczine.net/fr/interviews/organic/comme-un-yeti-dans-l-eau/

... ou écouter leur premier album en streaming : https://soundcloud.com/organic-music-1/sets/album-cd

 

Etablis à Montréal, Marie Davidson et Pierre Guérineau forment un couple qui est responsable, depuis 2010, d’une musique électronique très novatrice, sublimée par une prose déclamée ou chantée. Essaie Pas, leur duo, et Marie Davidson, le projet solo de Marie, ont accordé deux prestations magiques dans le cadre de la ‘release party’ consacrée au nouvel elpee d'Essaie Pas, ‘Nuit De Noce’. Nous étions présents lors de celle qui s’est déroulée le 21 novembre dernier au London Calling de Bruxelles. Nous en avons profité pour discuter en compagnie des deux musiciens. Le lien vers la vidéo de l'interview figure au bas de la page.

Essaie Pas est un patronyme qui intrigue. "En fait, c'est la traduction de 'Don't Try', l'épitaphe gravé sur la tombe de Charles Bukowski", précise Marie. "Sa perception est négative ; mais en fait, elle signifie 'Just do it! Have no fear!'." Un message d'encouragement adressé à tous les artistes! Pour définir la musique d'Essaie Pas et de Marie Davidson, il faut s'imaginer la bande-son électronique d'un film imaginaire des années '70, inspirée par les soundtracks de John Carpenter (surtout la plage légendaire "Assault On Precinct 13"). Au-dessus des séquences et des boîtes à rythmes, éclosent des couleurs ambient, kraut, psyche, minimal, italo-disco et même du blues. Pour couronner le tout, il y a la voix de Marie, à la fois sensuelle et ingénue, qui clame ou chante des textes poétiques écrits dans la langue de Molière ou de Shakespeare. Un discours sobre, humble, violent et tellement sensible à la fois. Malgré le côté froid des synthétiseurs, on sent dans chacun des titres une pulsation humaine, presque physique.

A Montréal, Marie a été très tôt baignée dans la musique. Elle a d’abord suivi des cours de violon classique, qu'elle a abandonné à 16 ans pour se consacrer à l'exploration intuitive de la musique électronique. "Je me considère comme une autodidacte. Je ne maîtrise pas la théorie donc, je tâtonne beaucoup, en pratiquant le 'trial and error’, par essais et erreurs." Pierre ajoute : "Ce qui est bien avec cette méthode, c'est qu'on tombe parfois sur des surprises, des sons ou des séquences qu'on n'imaginait pas au départ." Pierre, quant à lui, est d'origine bretonne mais vit à Montréal depuis 8 ans.

Le duo vient de publier le premier opus d'Essaie Pas, ‘Nuit de Noce’. Il bénéficie d'une double édition, l'une via le label français Malditos et l'autre, l’écurie franco-belge Teenage Menopause, à laquelle nous devons les albums brûlots de Scorpion Violente (voir leur interview ici), Jessica 93 et Catholic Spray. ‘Nuit de Noce’ compile des titres parus auparavant sur cassettes, plus une nouvelle compo: ‘Devotion’. "Pour la première fois, c'est Pierre qui assure les parties vocales sur ce titre", souligne Marie. "Et l'ambiance est ici plus sale, plus 'noisy'. La tension est permanente, un peu comme dans la musique d'Ike Yard, le groupe new-yorkais de no-wave." Mais votre serviteur est frappé par la ressemblance qui existe entre ce titre et le "Bite of God" du duo français Die Form ; une similitude tout à fait fortuite vu que ni Marie ni Pierre ne connaissait Die Form avant que je ne leur en parle. Correspondances...

Précisément, parlons des influences : en écoutant Essaie Pas, on ne peut s'empêcher de penser à Suicide. "Oui, on adore Suicide, surtout le côté hypnotique et minimal, mais je ne dirais pas qu’il s’agit d’une influence majeure", rectifie Marie. "A la maison, j'écoute plutôt de l'ambient ou du kraut, comme Klaus Schulze ou alors de la musique classique. Par exemple, Scelsi, Nono, Ligeti, Ravel, Debussy, Messiaen et Terry Reiley. Les B.O. de films également ; John Carpenter bien sûr, mais aussi italiens du genre ‘Giallo’ comme ceux de Dario Argento, par exemple." Et Pierre d’ajouter : "J'aime aussi le blues et l'italo-disco de Georgio Moroder".

L'actualité du projet solo de Marie Davidson, c'est le single ‘Je ne t'aime pas’, publié récemment sur Bandcamp et transcendé par une superbe vidéo diffusée sur YouTube. C'est, à mon avis, le titre qui possède le plus de potentiel. Il libère en effet une atmosphère fiévreuse, dominée par la voix fragile et touchante de Marie, mais affiche aussi un côté 'french pop', 'nouvelle vague' très attachant. Un morceau très prometteur qui figurera sur le premier LP vinyle de Marie Davidson, ‘Perte d'Identité’, à paraître en février prochain chez Weyrd Son Records. Ce jeune label belge dirigé par Michael Thiel, le fils du légendaire Micky Mike (Snowy Red), confirme ainsi qu'il a très bon goût!

"L'album est prêt", précise Marie. "Nous travaillons déjà sur le prochain! Il continuera dans la même direction musicale mais proposera des titres plus longs et baignera au sein d’une ambiance encore plus cinématique. Comme des ‘fake soundtracks’ d'un film imaginaire..."

Regardez la vidéo de l'interview

Découvrez le clip de "Je ne t'aime pas" ici

Album "Nuit de Noce": http://teenagemenopause.bandcamp.com/album/nuit-de-noce

Weyrd Son Records: http://weyrdsonrecords.com

Facebook Weyrd Son Records : https://facebook.com/WeyrdSonRecords

(Photo 'live' par Xavier Marquis)

dimanche, 01 décembre 2013 17:28

Sonic City 2013 : dimanche 1er décembre

Après une première journée marquée, entre autres, par les excellentes prestations de The Black Angels et de OM, le festival nous propose, de nouveau, une programmation très éclectique sélectionnée par les 'curateurs' : BEAK>.

Après Camera, dont nous avons malheureusement raté le set, Thought Forms se produit face à  un public clairsemé. Le line up réunit le drummer Guy Metcalfe, la jolie Charlie Romijn et Deej Dhariwai, tous deux au chant et à la guitare. Le trio vient de publier son deuxième album. Intitulé « Ghost Mountain », il est paru sur le label Invada Records de Geoff Barrow. Comme quoi, le monde est petit... La musique oscille entre drone, shoegaze et post-métal. Moments calmes et éruptions sonores quasi grunge alternent, mais dans l’ensemble, le résultat est un peu trop neutre pour capter notre attention.

A contrario de la formation suivante. Et sans aucun problème. Encore un trio. Formé à Brooklyn, dans l’état de New York en 2012, il réside aujourd’hui à Osaka. Baptisé ZZZ's, il pratique une forme de no-wave expérimentale teintée de post-punk nippon. D’apparence, les trois jolies Japonaises semblent frêles et inoffensives ; mais quand elles commencent à jouer, on prend une claque dans la gueule. Ligne de basse ronflante et hypnotique, batterie déconstruite, guitares cinglantes et vocaux passant du cri primal aux murmures : c'est une expérience unique, un peu comme si Liars, Bauhaus et Einstürzende Neubauten avaient décidé de faire un boeuf. Une excellente découverte! Pour voir la vidéo live, c’est ici.

Pour suivre, Vex Ruffin nous réserve son hip-hop lo-fi aux accents punk. Il ne parviendra pas à empêcher votre serviteur de rejoindre la zone 'chill out' pour y boire un excellent café Latte...

Avant d’aller assister à une performance très attendue, celle de Dirty Beaches. Il s’agit d’un projet imaginé par Alex Zhang Hungtai, un Taiwanais établi à Montréal. Mâtiné de krautrock, son post-rockabilly-lo-fi-psyché est excellent. Il navigue quelque part entre Suicide, Can et Iggy Pop. Malheureusement, en ‘live’, cette mixture ne passe pas. Le son est trop brouillon, noyé sous des tonnes de feedback et l'artiste chante en tournant le dos au public ; ce qui finit par devenir très agaçant. Seul "I Dream In Neon" parvient à sortir du lot. Il est d’ailleurs excellent. Dommage!

Connan Mockasin n’avait, à mon humble avis, pas sa place dans ce festival. Enfin, celles et ceux qui aiment la pop néo-psychédélique acidulée de cet artiste néo-zélandais ont estimé que le concert était excellent, non conventionnel et chargé d'émotion. Paraît que c'est la fille d'un des curateurs qui a réclamé la présence de cet artiste néo-zélandais. No comment...

Heureusement, l'affiche a prévu une suite bien plus intéressante. En l’occurrence Savages. Basé à Londres, ce quatuor féminin constitue véritablement une des révélations internationales de l'année 2013. Drivée par la Française Jehnny Beth (Camille Berthomier), la formation est responsable d’un premier opus. Baptisé "Silence Yourself", il marie à la perfection le post-punk d’un Siouxsie And The Banshees au rock shoegaze à la Sonic Youth, le tout enrichi par un sens poétique digne de Patti Smith. Sur l’estrade, il n'y a rien à dire : tout est parfait. La guitariste Gemma Thompson (la reine du sustain), la bassiste Ayse Hassan et la drummeuse Fay Milton accompagnent impeccablement Jehn. Après avoir concédé un inédit en ouverture ("I Need Something New"), les morceaux s'enchaînent et montent en intensité. "She Will" et "No Face" y contribuent largement. Jusqu'à ce que Jehn décide d’interroger l’auditoire. Elle leur demande : ‘You think it was fast?’, avant de céder le relais à "Hit Me", un rouleau compresseur qui déboule à 200 beats par minute. La reprise de Suicide, "Dream Baby Dream", constitue cependant le seul point faible d'un set qui s’achève en beauté par une version de "Fuckers" de plus de 10 minutes. Grandiose!

Cette journée est décidément placée sous le thème ‘Girls Power’. Et pour cause, à travers son projet Pharmakon, la New-yorkaise Margaret Chardiet pratique une forme de power death noise' diabolique. Sur le podium, la jeune et jolie blonde va faire trembler les murs du Kreun. A l’aide d’une plaque de fer et en se servant de pédales loop, elle crée des séquences bruitistes industrielles très violentes, sur lesquelles elle vient poser des cris et des éructations apocalyptiques. Au cours de son show, elle va même descendre dans la fosse, comme un véritable possédée. On cherche un exorciste!! Son set n'a en fait duré que 15 minutes, mais les spectateurs, médusés, ne sont pas prêts de l'oublier!

Enfin, en toute logique, ce sont les curateurs du festival, en l’occurrence BEAK>, qui sont chargés de clore les festivités. Ils se produisent devant une foule compacte et religieusement attentive. Le trio implique le drummer Geoff Barrow, le bassiste Billy Fuller et le claviériste/guitariste Matt Williams. L’an dernier le combo était déjà présent pour cette affiche. Et il avait dispensé une prestation très relax, pleine d'humour. ‘C'est la première fois que nous sommes têtes d'affiche d'un festival’, ironise Barrow. La musique baigne dans un krautrock réminiscent de Neu!, même si l’ensemble concède des accents dub lo-fi. Le set manque un peu d'énergie, jusqu'au moment où le band attaque "Wulfstan II", un excellent morceau qui soulève des cris d'enthousiasme au sein d'un public conquis. La formation accorde un rappel sans même quitter la scène et c'est tout en douceur, par "Battery Point", que s’achève un festival en tous points irréprochable. Vivement l'année prochaine!

Pour la section photos c’est ici

(Organisation : De Kreun, Courtrai)

 

samedi, 30 novembre 2013 02:00

Sonic City 2013 : samedi 30 novembre

Le Festival Sonic City est un festival annuel organisé par De Kreun à Courtrai. Le concept est le suivant : un programmateur (‘curator’ en anglais) est désigné pour établir le line-up du festival, un peu comme pour le célèbre festival All Tomorrow's Parties, en Angleterre. Grâce à ce principe, chaque édition de Sonic City est évidemment différente. C'est inéluctablement un nouveau regard, un point de vue original, porté sur la scène contemporaine, impliquant des choix surprenants et débouchant sur une grande diversité musicale. Après Suuns en 2012, le programme de cette sixième édition a été confiée à BEAK>, le groupe de Geoff Barrow, un des fondateurs de Portishead.

Le festival affiche sold-out mais heureusement, ce n'est pas la cohue. Manifestement, les organisateurs ont veillé à ne pas dépasser les limites de capacité de la salle. Le confort est donc idéal : on peut circuler sans problème, le son et les lumières sont parfaits et l'espace 'chill out' aménagé à l'extérieur permet de fumer une cigarette, de manger un hamburger veggie ou de boire un café Latte en se pressant autour des 'chaufferettes'.

La programmation de BEAK> fait la part belle aux musiques alternatives qui ont le vent en poupe pour l'instant : krautrock, ambient, shoegaze, noise, le tout baignant au sein d’une atmosphère générale assez 'dark' du meilleur acabit.

En débarquant vers 17h, il était difficile d’assister aux concerts de Tourette, MXLX et Father Murphy. Sur les planches, Forest Swords, le projet du musicien et producteur anglais Matthew Barnes, propose une musique electro-dub-psyché aux accents drone. Se réservant les claviers et la guitare, Barnes est soutenu par un bassiste. Les lumières sont minimales, tout comme les vidéos, un florilège de lueurs évanescentes et de corps filmés en noir et blanc. Intéressant mais sans grand intérêt pour votre serviteur.

Changement d'ambiance en compagnie de Haxan Cloak, un patronyme sous lequel se cache en fait un musicien d'avant-garde basé à Londres, Bobby Krlic. Seul devant la table où sont placés ses claviers et ses contrôleurs, Krlic élabore une musique ambient/drone minimale, lugubre, voire apocalyptique. Malheureusement, le son est beaucoup trop puissant, surtout dans les aigus et les infra-basses ; ce qui rend l'expérience un peu difficile à supporter.

La formation suivante, OM, constituera la grosse révélation de la journée. Emmené par Al Cisneros, également impliqué dans Sleep, ce trio californien propose une musique expérimentale/drone/post-metal/doom complètement hypnotique. Cisneros, sorte de Jerry Garcia moderne, tire de lentes séquences répétitives et envoûtantes de sa basse Rickenbacker. L'effet qu'il utilise, l'Octaver, double chaque note à l'octave, conférant au son une ampleur et une présence uniques. Ses vocaux ressemblent à des prières psychédéliques, comme des mantras aux accents arabes ou indiens. Emil Amos se charge des drums. Quant à Robert Lowe, il se plante à droite. Un personnage vraiment étonnant. Affichant un look afro-américain à la Morgan Freeman, il développe tantôt des nappes de synthés modulaires, tantôt des lignes lancinantes à la guitare-synthé et surtout prodigue des mélodies vocales aiguës, à la limite du falsetto. Un superbe concert! Regardez-en un extrait vidéo ici 

Nouveau changement radical de style pour ADULT., le groupe américain de Detroit composé du couple Nicola Kuperus (chant) et Adam Lee Millerand (synthés). Notoires en Belgique (ils se produisaient encore à Bruxelles en mai dernier), ils pratiquent une musique électronique synth-pop aux accents postpunk. Les sons sont résolument vintage et la voix de Kuperus, trafiquée par les effets, évoque Siouxsie et Bestial Mouths. Certains apprécient. Perso, pas trop ma tasse de thé. Surtout cette voix nasillarde et dissonante qui finit par m'agacer. Notons quand même que le duo s’est donné à fond pour ce dernier concert de leur tournée et sont parvenus à établir un bon contact avec le public.

Mais une grande majorité des spectateurs s’est clairement déplacée pour la tête d'affiche. En l’occurrence The Black Angels. Pour rappel, elle nous vient d’Austin, au Texas. Réunissant Alex Maas (chant), Stephanie Balley (batterie), Christian Bland (guitare), Jennifer Raines (orgue) et Nathan Ryan (basse), la formation est devenue un des fers de lance de la musique rock néo-psychédélique. Leur patronyme est issu d’une compo du Velvet Underground (“The Black Angel's Death Song”). Rien à reprocher à leur show. Il a été impeccable. Un son parfait, des vidéos colorées à souhait, un band bien en place et un Alex Maas en pleine forme. Il manquait peut-être juste une petite touche de folie pour rendre la prestation mémorable. Regardez la vidéo live

Enfin, le Britannique James Holden a déroulé sa techno-electronica aux accents chamaniques et psychédéliques : un point d'orgue idéal pour une première journée de festival enrichissante à tous points de vue.

Et pour les photos c’est ici

 (Organisation : De Kreun, Courtrai)

 

Dans la mythologie lettone, Austra est le nom de la Déesse de la Lumière. Originaire de la rive orientale de la mer Baltique, Katie Stelmanis, la chanteuse qui dirige la formation canadienne, mélange à la perfection cette lumière nordique et l'obscurité, le côté sombre des émotions et des atmosphères. Après avoir récolté un véritable triomphe au Vk*, en juin 2012, et accordé une prestation intimiste à Gand, au cours du même mois, mais un an plus tard, Austra revient ce soir dans une salle, comble, celle de l'Orangerie du Botanique, pour défendre son nouvel opus, "Olympia".

La scène est plongée dans une lumière bleutée. Des parasols blancs sont disposés à différents endroits du podium : éclairés de l'intérieur, ils constitueront l'élément de light show le plus notable, à côté de l'image de montagnes reproduisant celle de la pochette d'"Olympia », projetée à l'arrière-plan.

Sur les accords de "What We Done?", les musiciens entament donc le set. Ils sont tous habillés de blanc, sauf Maya Postepski, vêtue d’une blouse dorée. A côté de Katie Stelmanis, on reconnaît le bassiste et membre permanent Dorian Wolf ainsi que le claviériste Ryan Wonsiak. Grande surprise, les jumelles Sari et Romy Lightman qui assurent, en général, le rôle de danseuses et chanteuses 'backing vocals', sont absentes. Stelmanis avait prévenu qu'elles ne participeraient pas à toute la tournée, vu leur implication au sein de leur projet indie-folk Tasseomancy. Malheureusement, cette défection va se faire cruellement sentir tout au long de la prestation. Leur look très particulier de gitanes en costumes folk alternatifs et surtout leur présence scénique constituait, en effet, un atout incontestable lors du spectacle octroyé au Vk*. Un nouveau musicien figure par contre au sein du line up : un tromboniste ; sans doute Ewan Kay, qui a participé aux sessions d’enregistrement d’"Olympia".

La setlist est consacrée, à parts égales, aux deux long playings du combo. "Painful Like" et "Forgive Me", deux singles issus d'"Olympia", apportent une jolie impulsion de départ et Stelmanis est resplendissante dans sa robe blanche en satin. Elle glisse spontanément du micro, placé à l'avant de la scène, à son clavier Nord Stage, en virevoltant comme une petite fille. Elle l'a souligné dans une interview, les concerts de ce nouveau périple incluent beaucoup plus de parties interprétées en live, la programmation en Ableton leur permettant de modifier avec une plus grande flexibilité les séquences et les interventions des différents musiciens.

D'une façon générale, le son est bien équilibré et la batterie est assez discrète dans le mix, laissant une large place à la voix de Stalmanis. Celles des soeurs Lightman sont prises en charge par Maya Postepski, soutenue circonstanciellement par les backing tracks. Après "The Choke", un autre extrait du premier elpee déclenche les premières réactions d'enthousiasme au sein du public : "The Villain". Encouragée, Stelmanis vient s'agenouiller au-devant de l’estrade. Très concentrée sur son chant, elle accompagne chaque phrasé par des gestes des bras et des mains ; une technique qu'elle doit à sa formation. Rappelons que dans son jeune âge, elle a suivi des cours de piano classique et appartenait au Chœur d'Enfants de l'Opéra canadien. Malheureusement, au fur et à mesure que le concert évolue, on constate des problèmes de justesse, surtout sur "Lose It". Mais je me suis laissé dire qu'elle était malade, ce qui excuse tout à fait ces petites imperfections. De plus, elle a précisé en interview que sa voix est aujourd'hui légèrement plus grave qu'auparavant : elle devrait peut-être chanter "Lose It" un ou deux tons plus bas?

La belle ballade "Home", très bien accueillie par le public, ouvre le volet central, plus calme, de la prestation. Pour ceux qui ne la connaissent pas, la musique d'Austra est d'une intensité rare, croisement entre le lyrisme noir et mélancolique de Stelmanis et les rythmes tour à tour electro-dance, trance ou expérimentaux. Pour la voix, on pense à Kate Bush, Björk et Natasha Khan de Bat For Lashes, mais aussi aux chanteuses 'dark' comme Zola Jesus, elle aussi américaine originaire d'Europe de l'Est, Chelsea Wolfe ou Florence Welsh. Les arrangements évoquent tour à tour à New Order, Glasser, Anne Clark, Radiohead ou The Knife.

Les deux dernières compositions du set permettent au groupe de faire remonter la pression: "Lose It" déclenche des cris dans le public, surtout au moment où Stelmanis effectue la vocalise lyrique qui a rendu ce titre reconnaissable entre mille. Enfin retentissent les premiers sons électro de "The Beat And The Pulse" et par déduction, on imagine que la fin de parcours sera chaude... En effet, les fans sont en extase, les mains en l'air, pendant ce hit électro –en version longue– qui a cartonné sur les dance floors alternatifs du monde entier. Regardez la vidéo de ce moment unique ici 

Lors du rappel, Austra ne nous réservera pas "Annie (Oh Muse, You)" comme indiqué sur la setlist, mais bien l'excellent "Spellwork", suivi du lancinant "Hurt Me Now".

En quittant l'Orangerie, un sentiment mitigé nous envahit. Car la prestation a été, dans l'ensemble, moins puissante, moins irrésistible que celle accordée au Vk*, notamment à cause de l'absence des soeurs Lightman et surtout, de la nature, moins electro, de beaucoup de nouveaux morceaux. Austra n'en reste pas moins une formation exceptionnelle, offrant une musique d'une beauté désarmante, en tous points magique.

(Voir notre section photos ici)

La première partie était assurée par Crime, un duo berlinois composé de Mika Risiko (Sissters) et Sarah Adorable (Scream Club). Leur synth-pop expérimentale s’appuie sur leur Ep "Epiphany". Sur les planches, la carrure transgenre de Risiko impressionne. Sa voix, sorte de croisement entre Alison Moyet et Brian Molko, est étrange. Adorable est plus discrète. Tant aux claviers qu’au chant. Mais révèle, lorsqu’elle en a l’occasion, un joli timbre. Une prestation décalée, résolument originale, qui a autant intéressé les uns que franchement déçu les autres… (Et pour les photos, c'est )

Organisation: Botanique

 

vendredi, 01 novembre 2013 02:00

La petite soeur de Florence...

Florence Welsh (Florence + The Machine) compte désormais une petite sœur ! Lizzy Plapinger et Max Hershenow forment le duo MS MR (prononcez ‘Miss Mister’). Elle et la célèbre Florence possèdent une voix aussi puissante et profonde, qu’elles magnifient au sein d’un univers à la fois sombre et lumineux... La musique de MS MR affiche cet aspect typiquement 'dark' et solennel, mais lorgne aussi du côté du trip-hop voire même de la pop commerciale. Originaire de New-York, MS MR compte à son actif un Ep mais il est surtout responsable d’un premier elpee, "Secondhand Rapture", dont la sortie a fait grand bruit, en mai 2013.

Près d'un an après s’être produite dans le Witloof Bar, la formation revient au Botanique, mais pour la circonstance, dans la grande salle, et à guichets fermés s'il vous plaît. ‘Last year we played in the basement, and this year, we're playing in the main hall: it's an upgrade for us!’ précise Lizzy Plapinger en début de set. Cette date est la première de leur tournée européenne. Elle fait suite à une série de concerts accordés en Amérique du Nord.

Ce sont évidemment les chansons de "Secondhand Rapture" qui constituent la majorité de la setlist, une setlist enrichie de deux reprises, soit un morceau des Arctic Monkeys ("Do I Wanna Know") et une compo de LCD Soundsystem ("Dance Yrself Clean"). D'emblée, nous sommes impressionnés par la présence scénique et le rayonnement naturel de Lizzy Plapinger. Sa chevelure teintée de bleu indigo et sa blouse noire ornée de broderies dorées scintillent dans la lumière et son sourire est comme un rayon de soleil. Dès le début, elle séduit grâce à son extraordinaire voix mais aussi par le sentiment de complicité qu'elle crée avec son public.

"Bones" constitue la tout première chanson composée par le duo et elle ouvre donc logiquement le spectacle. ‘Dig Up the Bones but Leave the Soul Alone’ s’avère déjà un refrain culte, immédiatement mémorisable, et toute la compo baigne au sein d’une sublime ambiance très symphonique, quasi tribale. On pense bien entendu à Florence + The Machine mais aussi à Lana Del Rey et à HAIM.

Sur les planches, Lizzy (MS) est épaulée par son partenaire, Max (MR), qui se réserve les claviers et 'backing vocals' ainsi que Zach Nicita à la batterie. Je n'ai pas reconnu le bassiste. Une chose est sûre, il ne s’agissait pas de Curtis Nystrom. Quant au son, il est tout simplement impeccable et la voix est parfaitement mise en valeur dans le mix ; ce qui est très important pour un groupe comme MS MR.

Après "Bones", "No Trace" prolonge l'ambiance symphonique tandis que "Salty Sweet" se distingue par ses accents soul et bluesy. La belle Lizzy se déhanche sur les rythmes endiablés de Zach Nicita et le public réagit avec entrain! "BTSK" marque la première pause du concert et le duo interprète cette touchante ballade côte à côte. "Fantasy" et "Think of You" révèlent ensuite le côté ouvertement 'mainstream pop' du duo et par moments, on pense à Katy Perry ou même Taylor Swift. Après la reprise des Arctic Monkeys et le très engageant "Head Is Not My Home", les New-yorkais nous réservent le très émouvant "This Isn't Control". Les sonorités de glockenspiel et de cordes synthétiques forment un écrin magique pour la très belle et mystérieuse mélodie. "Dark Doo Wop" et "Ash Tree Lane" prolongent la magie et révèlent toute la richesse des arrangements de MS MR.

Pendant la cover de LCD Soundsystem, Max Hershenow quitte son poste derrière les claviers et vient esquisser un pas de danse auprès de sa compagne au-devant de la scène, pour le plus grand bonheur des fans. ‘We have kept the best for the end’, annonce ensuite Lizzy, avant d’attaquer "Hurricane" (pour voir l'interprétation 'live' de ce titre, c'est ici), sans doute la plus belle composition du duo. Un rythme très syncopé, des harmonies délicieusement 'dark' et une mélodie lumineuse : c'est un hit imparable, tout en retenue et intelligence. Le groupe, qui n'accorde jamais de rappel, se retire ensuite définitivement, au grand dam des fans.

Au final, on a assisté à un superbe concert, chargé d'émotion et illuminé par un sincère plaisir de jouer. Seul petit bémol : le côté visuel était un peu pauvre surtout quand on sait que le duo accorde une grande importance à ses clips et au design. Enfin, la prochaine fois que ces petits génies reviendront à Bruxelles, il y a fort à parier qu’ils se produiront dans une très grande salle et pour un super show !

Malheureusement, je suis arrivé trop tard pour la première partie : Outfit, un groupe de Liverpool qui pratique une pop psychédélique très inspirée des 80’s et en particulier de Pink Floyd.

(Organisation : Botanique)

 

Psychomed, une PME belge située à Lasne, vient de lancer un appareil qui pourrait révolutionner l'industrie de la musique: le PSIO. Il s'agit d'un stimulateur audiovisuel portable qui se présente sous la forme d'une paire de lunettes futuristes, équipée de petits écouteurs et bourrée d'électronique high-tech. Les lunettes diffusent des morceaux de musique à partir de fichiers MP3 en synchronisation avec des stimulations lumineuses. Conçue à l'origine pour des application paramédicales ou relatives au bien-être (relaxation, luminothérapie, gestion du stress, etc.), cette invention trouve un nouveau champ d'utilisation extrêmement prometteur dans le domaine de la musique. Grâce à PSIO, les fans de musique pourront écouter leurs morceaux favoris en s'immergeant dans une dimension visuelle stimulante.

Nous avons rencontré le concepteur de PSIO, Stéphane Dumonceau. Docteur en Psychologie du Sport, il s'est spécialisé dans l'étude du cerveau. "Au départ, je cherchais des techniques pouvant aider les athlètes de haut niveau à gérer leur stress et à se préparer aux compétitions. J'ai ainsi développé des appareils de stimulation audio-visuelle, qu'ils pouvaient emmener avec eux lors de leurs déplacements. " Suite à de nombreuses études, réalisées dans un cadre académique strict, Dumonceau a mis en lumière -c'est le cas de le dire- les bienfaits incontestables de la lumière et des couleurs sur de nombreuses fonctions essentielles du cerveau et de l'organisme. Le PSIO est donc le fruit de cinq années de recherche et de développement, l'ensemble représentant un investissement de quelque cinq millions d'euros.

Et la NASA s'intéresse à ce produit! "Les cosmonautes en orbite autour de la terre subissent d'importants dérèglements hormonaux. Les lunettes permettent de rééquilibrer beaucoup de choses. La lumière a, par exemple, une influence sur le taux de mélatonine, l'hormone du sommeil. Et si, en plus, les cosmonautes peuvent effectuer leurs séances de luminothérapie en écoutant en même temps leur musique préférée, c'est idéal!" Un des morceaux ‘colorisés’ que Dumonceau a présenté à la NASA est "Crosstown Traffic" de Jimi Hendrix et coïncidence: le responsable en question de la NASA est de Woodstock et adore Hendrix... Chez Psychomed, on retient son souffle et on attend avec impatience la décision de la NASA.

Pour ma part, j'ai eu la chance de pouvoir tester personnellement les lunettes PSIO. Elles sont livrées avec trois programmes préinstallés: un programme de musique avec couleurs, un programme "Performance" (beats et couleurs) et un programme "Relaxation", qui propose une séance combinant musique, lumière et voix. Le programme "Relaxation" est très intéressant car il peut être comparé à une séance de yoga ou d'hypnothérapie. En environ 30 minutes, deux voix douces vous guident vers un état de relaxation proche de l'hypnose ericksonienne, propice à l'éveil du subconscient et à l'équilibrage des énergies: très efficace!

Si le PSIO a déjà trouvé sa place dans les réseaux paramédicaux liés au bien-être, c'est désormais dans la sphère musicale que Dumonceau souhaite voir percer son produit. Les compagnies de disques sont à la recherche d'idées neuves pour revitaliser une industrie en perte de vitesse et manifestent dès lors un vif intérêt pour ce baladeur d'un nouveau genre... "PSIO permet une perception de la musique différente, avec une dimension sensorielle augmentée. C'est une occasion unique pour les artistes et les labels de proposer une valeur ajoutée à leur produit musical." Les cibles prioritaires sont bien sûr les fans de musiques new-age ou world et les jeunes férus de trance ou de musique psychédélique mais en fait, tous les amateurs de musique sont concernés. Un marché potentiel à l'échelle de la planète.

Combien ça coûte? La petite merveille technologique se vend au prix de base de 350 euros mais de nombreux distributeurs proposent des promotions tournant autour des 299 euros. Nul doute que les prix chuteront au fur et à mesure de l'adoption du produit. Grâce à la connexion USB, il est possible de charger dans l'appareil les fichiers qui sont disponibles sur psioplanet.com, la plateforme de téléchargement de PSIO. Dumonceau a déjà réussi à ‘placer’ son produit chez quelques superstars mondiales comme Justin Bieber ou Naomi Campbell mais ces derniers n'ont pas encore communiqué à son sujet... Qui sait, un simple tweet pourrait faire connaître le produit auprès de millions de fans! C'est tout le mal que nous souhaitons à cette dynamique PME belge!

Pour en savoir plus:

http://www.psio.com

Pour acheter PSIO:

www.zenlatitudes.com

www.mind2relax.com

 

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