RORI n’est pas une inconnue dans l’univers musical, puisqu’elle était l’un des binômes de Beffroi, groupe qui a rencontré un succès populaire et critique. Mais l’aventure a pris fin à la mort de Valentin Vincent, fin 2017, des suites d’une longue maladie.

Après une inévitable reconstruction, la jeune femme s’est remise à rêver à une carrière musicale.

En choisissant de se produire en solo, elle emprunte désormais des versants pop, rock ou même funky tout en s’essayant à la langue de Voltaire afin de creuser un peu plus le sillon des émotions.

« Docteur » et ses larges passages n’est qu’un échantillon d’une palette de compos percutantes grâce auxquelles RORI s’exulte à libérer un mal-être.

Touchante et la sensibilité à fleur de peau, RORI a accordé, à Musiczine, une interview le jour de la sortie d’un Ep qui risque de faire couler beaucoup d’encre.

Analyse !

Camille, tu as milité au sein de Beffroi, une formation qui a connu pas mal de succès. Une aventure qui s’est achevée au décès de Valentin Vincent, à la suite d’une longue maladie. Comment s’est déroulée la période de transition entre Beffroi et RORI ?

Bizarrement, ça s’est bien passé. Tout s’est déroulé à mon rythme. De manière très naturelle. J’ai pris le temps de voir ce que j’avais envie de faire et de raconter. Durant cette période, j’ai également connu quelques expériences, mais toutes n’ont pas réussi.

Ce nouveau projet constitue finalement une forme de résilience…

Oui, on peut dire ça ! Mais pas que ! C’est l’envie de poursuivre un but, de trouver ce que j’avais envie de faire et comprendre ce qui me parlait le plus. Mais surtout de le trouver. Je dirais que c’est ça qui m’a conduit dans cette direction.

Ta musique est teintée de différentes couleurs. On y croise de la pop, du rock et même du funk. Est-ce que proposer quelque chose à la fois d’éclectique et multiple, ne risque-t-il pas de te disperser dans des genres parfois opposés ?

Non, je ne crois pas ! J’estime qu’il est plus enrichissant, y compris en ce qui me concerne, de varier les couleurs dans les chansons. J’écoute tellement de musiques et de styles différents que la manière d’avoir conçu cet Ep me correspond totalement. Finalement, le produit rendu possède une certaine homogénéité.

Un Ep quatre titres sort ce jour. Dans quel état d’esprit te sens-tu ?

Ça va plutôt bien ! J’avoue que j’étais un peu stressée, mais très contente d’avoir pu enfin sortir un Ep, en lieu et place d’un seul titre, comme l’année dernière. Le sentiment qui domine aujourd’hui est d’être parvenue à réaliser quelque chose de nettement plus concret.

Jusqu’ici tu chantais en anglais. Tu optes maintenant pour français. Cette nouvelle option te permet-elle de mieux te raconter et d’aller davantage dans les émotions ?

Tout à fait ! C’est d’ailleurs la raison pour laquelle j’avais le choix, jusqu’à présent, de ne pas chanter en français. L’anglais est un refuge qui permet de s’y cacher en quelque sorte. La langue française est plus riche. Elle permet d’être plus précise lorsqu’il s’agit de faire passer certaines émotions. Je suis contente d’avoir eu le courage de chanter dans ma langue maternelle.

On observe d’ailleurs aujourd’hui un retour de la langue de Molière chez pas mal de groupes ou artistes (Grand Blanc, Flavien Berger, Paradis, Feu! Chatterton, Perez…) A ton avis, quelle est la raison de cette décomplexion ?

Il y encore quelques années, un certain style d’écriture dominait. Il s’agissait d’un genre qui ne parlait pas nécessairement au plus grand nombre. J’écoutais de la chanson française très classique, mais je ne comprenais pas nécessairement le message que l’artiste souhaitait communiquer. Ce qui est intéressant aujourd’hui, c’est qu’on a éclaté cette façon de voir les choses. On se libère davantage sur ce que l’on a envie d’exprimer et la manière dont on a envie de l’exprimer.

« Docteur » a comptabilisé plus de 3 000 000 de streams. Une compo en français, peu de gens le savent, mais à la base, elle a été composée en anglais...

C’est exact, cette chanson était, au départ, écrite en anglais. Nous avions une session au Pays-Bas. Les Néerlandais ne parlant pas le français. Donc nous l’avons proposée en anglais. Je l’ai traduite. Tout comme « Ma place ». Je travaille encore de cette manière. Perso, il est plus facile pour moi de composer des mélodies en me servant de cette langue. Il s’agit juste d’une question d’habitude. En fin de compte, cette méthode de travail fonctionne et j’en suis très contente.

Tes chansons abordent des sujets personnels. « Docteur » met en exergue ce sentiment de se sentir différente. Alors qu’hier, cette différence te rongeait, aujourd’hui tu sembles la cultiver et en faire ta plus grande qualité.

Je ne crois pas cultiver cette différence. Nous sommes différents. Je n’ai ni l’envie, ni le sentiment de porter cet étendard. J’exprime, dans cette chanson, le fait d’être complètement perdue face à un entourage qui, lui, avait fixé des objectifs précis. Je ne me sentais pas du tout en phase avec cette situation. C’est ce côté différent que je souligne.

La santé mentale reste un sujet dont l’industrie musicale s’empare de plus en plus, à l’instar de Mustii qui rend hommage à son oncle atteint de schizophrénie, sur son dernier album, de Stromae pour « Enfer » ou encore de Selah Sue sur « Pills ».

A vrai dire, je n’ai pas cette impression. Ces thématiques existent depuis la nuit des temps. Les chansons que j’ai écoutées ont toujours été très personnelles. A titre d’exemple, je citerais Amy Winehouse ou encore les Beatles. Je crois que la seule différence est qu’aujourd’hui, l’espace pour partager son ressenti est plus important. On s’identifie peut-être plus facilement et on se sent concerné plus rapidement.

Justement, en abordant les problèmes de santé mentale, n’y a-t-il pas un risque d’en faire un absolu ?

Non, je ne crois pas. Je partage juste ma vie et les événements que j’ai traversés. Finalement tout le monde expérimente la même chose, mais à des degrés divers.

A l’avenir, pourrais-tu imaginer raconter des histoires fictionnelles ?

Oui, tout-à-fait. La volonté est d’expérimenter un peu plus l’écriture et voir ce que je peux sortir d’autre. Je m’y exerce en ce moment en m’inspirant notamment de films, de livres ou encore de rencontres.

Le choix de RORI comme nom de scène, ne permet-il pas aussi de dissocier l’artiste de Camille, la jeune femme que tu es ?

Effectivement, ce choix m’aide beaucoup et renforce ma confiance lors des concerts ou des interviews. Lorsque je suis RORI, j’arbore alors une casquette professionnelle, même si je n’aime pas trop ce terme. Je fais ce que j’ai à faire pour pouvoir accomplir mon travail correctement. Pour moi, un nom de scène assure une forme de protection, un peu comme ceux qui portent un costume dans l’exercice de leur métier.

Véritable autodidacte, tu bénéficies aussi des conseils avisés et de l’expérience d’Hadrien Lavogez.

Je travaille tout le temps avec lui. Il m’apprend énormément. Nous nous sommes rencontrés lors d’un concert. Nous avons pas mal discuté. J’aimais beaucoup sa manière de travailler. Il s’agit d’un vrai musicien, il connaît donc parfaitement son sujet. C’est ce que je cherchais à développer. Je lui ai envoyé un message, il a répondu positivement. On a commencé par une session, puis une autre en studio et la magie a opéré. On a continué à bosser ensemble, à tenter des expériences, à les rater et à recommencer.

Tu as tourné cet été dernier. De nouvelles dates sont bookées pour les prochains festivals. Mais en octobre, tu as eu l’occasion de ‘teaser’ tes nouvelles compos à l’AB, un endroit mythique en Belgique, ce qui n’est pas rien…

C’était une expérience très impressionnante. L’Ancienne Belgique a vu défiler tellement d’artistes que j’aime ou que j’ai découverts. C’est une salle qui offre une très bonne acoustique aussi. Pouvoir jouer dans de telles conditions procure évidemment beaucoup de plaisir. Il existe aussi ce sentiment que se produire devant un public donne plus de sens parce qu’avec les réseaux et plateformes de streaming, on ne voit que des chiffres, ce qui ne permet pas de percevoir la manière dont la musique touche les uns et les autres. C’est un sentiment assez étrange. J’ai présenté des morceaux qui n’étaient pas encore sortis. J’étais stressée, mais dès que je suis montée sur scène, tout s’est dissipé rapidement car le public a été réceptif.

Justement, tu as choisi la formule ‘groupe’. Hadrien t’accompagne sur les planches, mais aussi Pierrick Destrebecq qui a notamment milité chez Recorders, Abel Caine ou encore en compagnie de Mat Bastard. Une formule nécessaire pour donner une coloration plus rock aux compos ?

C’était une volonté de ma part. En concert, j’aime être soutenue par de vrais musiciens. J’ai rencontré Pierrick par l’intermédiaire d’Hadrien. Ils se connaissaient depuis des années. Ils ont tous les deux fréquenté l’école ‘Jazzstudio’ à Anvers. C’est un très bon batteur. Lorsque tu montes un groupe, il faut généralement du temps avant que la connexion s’établisse entre les membres. Ici, elles se sont mises en place beaucoup plus naturellement. Il ne me restait qu’à prendre le train en marche, ce qui ne m’a posé aucune difficulté.

Être accompagnée de musiciens est un luxe. Mon rêve a toujours été de pouvoir me passer des outils informatiques et de toutes ces machines lorsque je me produis en live. Aujourd’hui, nous sommes trois, mais la formule pourrait encore évoluer afin de pouvoir retrouver davantage cet esprit à l’ancienne.

Tu as terminé tes études en graphisme. Comment te projettes-tu professionnellement ? Est-ce que la musique constitue une réelle ambition ou s’agit-il juste d’une opportunité ?

J’ai toujours rêvé de faire de la musique. J’ai suivi des études en attendant de pouvoir faire autre chose. La musique est une priorité et il n’y qu’elle qui compte en ce moment…