And Also The Trees a sorti son 14ème elpee, « The bone carver », en septembre dernier, une œuvre atmosphérique, parfois cinématographique, qui revêt un nouveau tournant dans l’évolution de la musique du groupe d’Inkberrow. Qui a enregistré l’arrivée de deux nouveaux musiciens, le bassiste Grant Gordon et le multi-instrumentiste (clarinette, claviers, guitare) Colin Ozanne.
Un concert d’AATT constitue toujours un moment privilégié, surtout quand il y a de nouvelles compos, et l’événement qui va se produire ce soir sera, de nouveau, à marquer d’une pierre blanche…
C’est Mallano Soyoc qui assure le supporting act. Le trio implique le guitariste Olivier Mellano (NDR : il défend un autre projet, MellaNoisEscape, mais a aussi accompagné Dominique A, Brendan Perry de Dead Can Dance, Jambinaï, parmi les plus connus, sur les planches), un compositeur qui multiplie les expérimentations. Vêtue d’une combinaison sexy de couleur noire, Mona Soyoc est mieux connue pour avoir sévi chez Kas Product. Enfin le troisième larron se nomme Uriel Barthélémi. Casque sur la tête, il se consacre aux drums. Excellente show woman, Mona a une forte présence sur les planches et possède une voix à la fois claire et puissante qui sert une musique sauvage, mystérieuse, mêlant transe gothique, dark wave et trip hop. Sur disque et vidéo, l’électro semble s’imposer, mais en ‘live’, l’expression sonore est manifestement plus percutante, car essentiellement organique. Malheureusement, pour le peu que votre serviteur ait pu voir et écouter de ce set, difficile d’émettre une analyse objective. Mais, le groupe est à revoir, c’est une certitude…
Place ensuite à And Also The Trees. Des sonorités de violon s’invitent en intro ; puis les musiciens grimpent sur le podium sous les applaudissements de la foule, un auditoire réunissant une majorité de quadras, quinquas et sexagénaires (le club est sold out depuis pas mal de temps, déjà). Puis ils entament « In a bed in Yugoslavia », Colin apportant cette touche slave, à la clarinette. Simon Huw Jones débarque ensuite, vêtu de son long manteau très classe. Et puis, il commence à déclamer sa poésie dramatique autant que romantique… Mais on n’entend rien. De notre place on observe l’ingé-son tourner des boutons, mais sans obtenir le moindre résultat perceptible. Les problèmes techniques ne vont quand même pas recommencer comme la veille, lors du concert de Preoccupations ? Ce serait désespérant ! Le quintet achève le morceau, puis disparaît en coulisses. Il faut dire que le band est particulièrement exigeant dans la qualité du son ! Un roadie grimpe alors sur l’estrade et change d’abord le microphone avant d’avoir la bonne idée de remplacer son fil. Eurêka, la voix passe correctement…
Quelques minutes plus tard (NDR : Ludo, notre photographe, craignait que la formation ne revienne plus), le groupe remonte sur scène et se lance dans « Beyond action and reaction ». Cette fois-ci, le son est limpide voire cristallin. Le vocal de Simon aussi ; et on a l’étrange sensation de plonger dans le film Docteur Jivago. Il ôte son pardessus avant que le combo n’embraie par « Your guess », au cours duquel Paul Hill se lève régulièrement de son siège, tel un torero qui va mettre le taureau à mort, en frappant sur ses cymbales et ses toms. Une attitude qu’il va reproduire très souvent au fil du set. Et son drumming virevoltant révèle une amplitude remarquable. Notamment sur « Dialogue » au début duquel Colin reproduit des sonorités de glockenspiel sur son clavier. Tango, « The book burners » véhicule des accents tziganes. Pendant le rituel « Virus meadow », compo remontant à 1986, Simon déploie ses mains comme des ailes d’un oiseau, peut-être un aigle… Tout au long de « Bridges », on dirait que les musiciens tournoient autour du chanteur, comme des abeilles autour d’un pot de miel. Et on se rend bien compte que non seulement la basse de Grant compte 5 cordes, mais que le manche est long. Des lasers blancs, roses et mauves tournoient au-dessus des musiciens pendant « The seven skies », leur conférant un profil fantomatique. Simon enlève son gilet sans manches et se retrouve en bras de chemise, avant le filmique « Across the divide ». L’efficacité et le talent de Justin à la guitare (une Hofner de couleur rouge rutilant) n’est pas que légendaire. Il y brille cependant en toute sobriété et efficacité. Et se révèle éblouissant sur « Brother fear », un titre imprimé sur un tempo new wave. Son phrasé qui lui permet de reproduire les sonorités d’une multitude de mandolines a influencé de nombreux gratteurs. Et il nous le rappelle sur la berceuse « Boden ». Quelque part entre flamenco et klezmer (cette clarinette !), « Missing » élève encore le niveau du concert d’un cran. Simon ralentit volontairement ses gestes, puis s’accroupit au milieu du podium, laissant alors les musicos s’exprimer pleinement. Le set s’achève par « Rive droite ». La section rythmique s’est convertie au jazz, alors que Justin nous réserve une nouvelle envolée dont il a le secret.
La formation aura le bon goût d’accorder deux rappels. Elle entame le premier par « Bone carver ». Justin a changé de gratte et joue maintenant sur une douze cordes (une demi-caisse Gibson ES335/12). Colin insuffle à nouveau ce parfum enchanteur venu de l’Est de sa clarinette, alors que Simon a réenfilé son long manteau. Qu’il retire ensuite avant que le combo n’attaque les immortels « Shaledown », « The suffering of the stream » et « A room lives in Lucy », ces deux derniers, sur le tempo de valses allègres.
Et enfin, lors du second encore, Justin (qui a repris sa guitare rouge) et le batteur attaquent le fameux « Slow pulse boy ». Le riff hypnotique dispensé par le cadet des frangins Jones transcende une compo dont l’intensité monte en crescendo lorsque les autres musicos viennent se joindre au morceau, au bout de quelques minutes. Epatant !
Il était passé 23 heures, et pourtant, on avait l’impression que le temps s’était écoulé trop vite. Malgré le temps, les feuilles des arbres ne sont pas encore prêtes à tomber…
Photos Ludovic Vandenweghe ici
Setlist
1)In a bed in Yugoslavia
2)Beyond Action and reaction
3)Your guess
4)… Maps in her wrists and arms
5)Dialogue
6)The book burners
7)Virus Meadow
8)Bridges
9)The seven skies
10)Across the divide
11)Brother fear
12)Boden
13)Missing
14)Rive Droite
Rappel 1
1)Bone carver
2)Shaletown
3)The suffering of the stream
4)A room lives in Lucy
Rappel 2
Slow pulse boy
(Organisation : Aéronef, Lille)
Stephan Eicher est surtout connu pour sa musique. Il l’est moins pour avoir composé des B.O. destinées au le cinéma et aux séries, et encore moins pour ses rôles dans les films ‘Anuk - Der Weg des Kriegers’ de Luke Gasser, sorti en 2006, et surtout ‘Mary Queen of Scots’, en 2013. Côté musical, sa palette est particulièrement large. Il avait fondé le groupe électro Grauzone, début des eighties, en compagnie de son frère Martin (NDR : souvenez-vous du hit « Eisbär », paru en 1981). Il chante aussi bien dans la langue de Shakespeare que celle de Molière, mais est aussi est capable de se frotter au rock ou à la techno-pop. Quoique depuis quelques années, il est devenu un pilier de la chanson française. Ses shows sont particulièrement créatifs. Ainsi, il lui arrive de se servir d’automates ou d’une fanfare (Traktorkestar). Son imagination fantasque, sa spontanéité pétillante et sa sensibilité à fleur de peau sont autant d’armes de séduction massive pour cet artiste bernois qui parvient, malgré plusieurs décennies de carrière, à rester imprévisible. Stephan Eicher a sorti son 17ème long playing, « Ode », en octobre dernier. Pour l’écriture des textes, il a une nouvelle fois fait appel à la plume de Philippe Djian et Martin Suter, qui traitent de la disparition, de la menace qui rôde, des doutes, et bien sûr de l’amour. Des chansons poétiques empreintes d’une grande humanité. C’est cet opus qu’il est venu défendre, en la salle Henry Leboeuf, à Bozar, ce 22 février 2023.
Il est 20h30, lorsque les musicos s’installent autour d’une grande table en bois supportant 2 chandeliers à 3 branches montés de bougies et sur laquelle sont alignés des verres à vin. Elles sont allumées, au début du concert, juste avant l’arrivée des artistes. Nous allons peut-être assister à un repas entre amis. Derrière la table, se plante le multi-instrumentiste et producteur hollandais Reyn Ouwenhand. Devant, à gauche, le fidèle Simon Gerber, qui se charge de la basse, de la guitare et des percus. A droite, la jeune harpiste Noémie Von Felder. Ils sont tous assis. Stephan se poste devant et au centre sur un siège ou debout, selon les morceaux, devant ses claviers. En arrière-plan, on distingue 3 meubles en bois à double-portes. Et à l’extrême droite, une haute lingère de type bretonne par lesquels les artistes sont rentrés sur scène.
Stephan Eicher débarque le dernier, sous les lumières puissantes des projecteurs. Le dîner musical entre amis peut commencer.
Le set s’ouvre par « Sans contact », un extrait du dernier long playing, « Ode ». Reyn y brille aux ivoires. En live, les sonorités des violons sont remplacées par celles de la harpe.
Le climat général du spectacle est propice à la bonne humeur. Très interactif entre chaque chanson, Eicher raconte régulièrement des petites anecdotes ou des blagues. Il salue le public et déclare : ‘Bienvenue chez moi’. Ajoutant : ’Quelle belle salle, on est bien’. Il embraie par « A nos cœurs solitaires ». Son toucher délicat aux claviers est en parfaite osmose avec les cordes de la harpiste.
Il explique avoir eu trois trous dans le bras et deux en plus car il a fait deux fois la covid. Au cours de cette période, il explique avoir sondé la toile sous toutes ses coutures. Il évoque son projet « Radeau des inutiles », né pendant le confinement, tout heureux de présenter ses chansons devant un parterre de 15 personnes. Il précise même avoir préparé les repas et s’être chargé de la vaisselle pour soigner ses spectateurs. Le radeau a été démonté depuis et Stephan, en soulevant sa guitare et en mettant son nez sur celle-ci, affirme qu’elle a été fabriquée dans le bois du radeau. Ce qui déclenche l’hilarité dans l’auditoire. Il invite 15 personnes à se lever et révèle qu’il s’agissait des spectateurs du déconfinement. Il en rigole en ajoutant que personne d’autre ne doit se lever. Son humour est décapant. Entre les chansons, l’Helvète marque de longues pauses, taquine le Jurassien Simon Gerber au-sujet des dialectes suisses, des accents corses et basques, évoque ses nouvelles passions : le mentalisme et la magie. Le show est plein de petites trouvailles, construit autour de petits interludes amusants comme lorsque Simon Gerber cherche à s’accorder au diapason de verres de vin vides et à moitié plein. Ou quand Eicher nous demande de sortir nos portables pour enclencher le minuteur qui sonnera au beau milieu du titre que le groupe joue. Cet échange direct dégage immédiatement un climat de sympathie et lui permet de tisser un contact chaleureux avec les spectateurs. Pour changer, il nous propose une chanson plus classique, « Pas d'ami (comme toi) », et l’ambiance monte d’un cran.
Avant d’entamer « Lieblingsläbe », il confie qu’à Berne, il causait bernois et qu’il existait une colonie de 7 Jurassiens à laquelle appartenait son bassiste. Il en remet une couche : ‘C’est comme en Belgique !’. Puis, il interprète cette belle chanson d’amour. Il embraie par le tube « Combien de temps ». Il fait la moue et demande à sa harpiste de jouer un peu. Il commence à rayonner. Il regarde les coffres placés en arrière-plan et signale qu’ils sont suisses et forts. Les portes s’ouvrent et révèlent des automates (tuyaux d’orgue, percus et glockenspiel), comme sortis des films expressionnistes allemands d’un siècle plus tôt, qui entament la compo. Magique !
Au piano, aux claviers et aux programmations, Reyn concocte des sonorités électro diaboliquement séduisantes. Derrière sa harpe, Noémie Von Felten apporte quelque chose d’unique, développe de douces sonorités et crée une atmosphère relaxante et féérique.
Plus d’une fois, le chanteur nous prend par surprise en osant de magnifiques versions de ces classiques trentenaires que sont « Pas d’ami (comme toi) », « Des hauts, des bas », « Combien de temps » ou cette sublime adaptation en piano/voix de « Tu ne me dois rien ». Des titres qui nous rendent nostalgiques.
Avant d’aborder « Eisbär », il nous parle de son frère (en compagnie duquel il a fondé Grauzone). La formation va publier son second opus, 40 ans après le premier. Il n’en oublie pas ce « Déjeuner en Paix », devenu anthologique…
Stephan Eicher et sa troupe vont quand même accorder un rappel de deux morceaux, pratique dont il n’est pas du tout friand. Tout d’abord, « Eclaircie », un dixième extrait d’« Ode » et puis encore « Djian's Waltz » …
Setlist : « Sans Contact », « A Nos Coeurs Solitaires », « Pas d'Ami (Comme Toi) », « Le Plus Léger Au Monde », « Tous Les Bars », « Prisonnière », « Orage », « Voyage », « Des Hauts, Des Bas », « Lieblingsläbe », « Combien De Temps », « Rêverie », « 1000 Vies », « Je Te Mentirais Disant », « Doux Dos », « Autour De Ton Cou », « Eisbär » (Grauzone song), « Déjeuner En Paix », « Ce Qui Me Peine », « Tu Ne Me Dois Rien ».
Rappel : « Eclaircie », « Djian's Waltz ».
(Organisation : Live Nation)
C’est en 2015 que ce groupe canadien (NDR : il est issu de Calgary, en Alberta) s’est décidé de changer son patronyme en Preoccupations. Jusqu’alors, il s’appelait Viet Cong, et ce choix créait de plus en plus de polémiques, à cause des massacres perpétrés par cette organisation révolutionnaire communiste, lors de la guerre du Viet Nam. A tel point, que certains organisateurs avaient annulé ou refusé certains concerts en raison du nom plus que controversé.
Responsable d’un excellent elpee (« Arrangements »), paru en septembre dernier, la formation était donc programmée à l’Aéronef de Lille, ce mercredi 22 février. Il doit y avoir plus ou moins 200 personnes, dans la salle.
Première mauvaise nouvelle, Drahla, qui devait assurer le supporting act, a déclaré forfait. Certains membres du groupe ont chopé la COVID. Décidément, il faudra du temps pour se débarrasser totalement de cette pandémie. On débarque donc, un quart d’heure avant le début du set de Preoccupations…
Qui s’ouvre par « Fix Bayonets ! », le premier morceau du quatrième et dernier opus. Surprise, Matt Flegel ne se consacre plus à la basse, mais exclusivement au chant ! C’est son frère qui le supplée, le line up se produisant dès lors sous la forme d’un quintet. Mike Wallace se charge toujours des drums et Scott Munro (NDR : il pourrait jouer le rôle principal dans un biopic consacré à Jésus Christ) ainsi que Daniel Christiansen (NDR : de petite taille et la chevelure bouclée), des guitares, mais également des claviers. Le tempo est martial, mais on a l’impression que le batteur frappe sur des casseroles. Le son n’est pas bon. Problème de balances, de mixing ou manque de cohésion du combo ? Etonnant, car suivant les échos recueillis, lors de sa prestation au club de l’AB, à Bruxelles, le concert était, paraît-il, impeccable…
Le band aligne les 7 morceaux de son long playing « Arrangements », sans autres interruptions que des intermèdes instrumentaux, conférant à l’œuvre une impression de concept album. Mais la ligne de basse a beau être cotonneuse sur « Ricochet » et les guitares se mettre à gémir tout au long de « Death of melody », les arrangements (NDR : un comble !) sont trop approximatifs. Encore qu’au fil du temps, les différents instruments commencent à mieux se coordonner. Ainsi, les deux sixcordistes parviennent à faire carillonner leurs cordes au sein d’un climat brumeux. Mais la voix de Matt est particulièrement écorchée, alors que sur disque, grave, austère, mais bien timbrée, elle rappelle parfois celle de Ian Anderson (Jethro Tull).
La formation prend alors une courte pause, et Flegel en profite pour présenter ses musicos.
Le contagieux « Continental Shelf » prend le relais et on perçoit bien les sonorités de grattes bringuebalantes et surtout vertigineuses, réminiscentes des Smiths. Plus enlevé « Silhouettes » est boosté par le drumming frénétique de Wallace. Qui enlève ensuite le haut, terminant le set torse-nu. Les riffs de guitares giclent littéralement tout au long de « Bunker buster », la fin de parcours s’enfonçant au cœur d’une forme de délire sonore. Un constat s’impose, les compos sont particulièrement complexes. Retour à la mélodie pour « Disarray », même si la fin du morceau devient hypnotique.
Un sens mélodique qu’on retrouve au début de « Memory », une composition de plus de 10’. Et si votre serviteur n’a pas regardé sa montre, le morceau a certainement débordé ce timing. Il change d’abord de tempo et de mélodie avant de s’enfoncer dans l’expérimentation éthérée, puis de déraper dans l’apocalypse…
Le set de Preoccupations s’achève par un titre du répertoire de Viet Cong, « March of progress », une autre composition atmosphérique alimentée par les deux claviers d’abord, imprimé sur un rythme tribal, avant que le drummer ne se mette à accélérer l’allure et puis d’embrayer sur un tempo plus tribal, sur une musique complexe rappelant parfois The Dodos. Le morceau à peine terminé, les musiciens se retirent, alors que les baffles crachent « The model » de Kraftwerk…
Photos (Ludovic Vandenweghe) ici
Setlist
Fix Bayonets !
Ricochet
Death of Melody
Slowly
Advisor
Recalibrate
Tearing Up the Grass
Continental Shelf
Silhouettes
Bunker Buster
Disarray
Memory
March of Progress
(Organisation : Aéronef Lille)
Si vous suivez Musiczine, vous savez que votre serviteur a un faible pour Flora Fishbach. Cette artiste basée dans les Ardennes françaises pratique une pop un peu dark inspirée par les sons et les atmosphères des années 80 et traversée par des références comme Rita Mitsouko, Niagara, Patti Smith, Daniel Balavoine ou Mylène Farmer. Fishbach navigue au sein d’un mouvement musical 'rétro-futuriste' impliquant également La Femme, Clara Luciani, Juliette Armanet et Requin Chagrin. Parallèlement à sa carrière de chanteuse, Flora est également comédienne. Elle était ainsi sublime dans le rôle d'Anaïs tout au long de la série culte ‘Vernon Subutex’.
À la suite du succès du ‘blind test’ paru en juin dernier, où nous lui en avions proposé un à la guitare acoustique, nous avons décidé de remettre le couvert, à nouveau en collaboration avec l'émission de radio WAVES. Pour la circonstance, Flora devra reconnaître des morceaux joués dans leur version originale ; et le style musical sera focalisé sur la new-wave dans le sens large du terme.
La rencontre s’est déroulée au Théâtre National, à Bruxelles, en octobre dernier, avant le concert que Fishbach a accordé à la même affiche que Mansfield TYA dans le cadre du Festival des Libertés. Flora était en pleine forme car c'était le début de sa tournée d'automne, en compagnie de son nouveau groupe live...
Musiczine : Flora, merci pour cette entrevue !
Fishbach : Avec plaisir. Tu vas encore me poser des colles, comme la dernière fois (rires) ?
Cette fois, ce sera plus facile vu qu'on va passer les morceaux dans leur version originale, et pas dans une mouture interprétée à la guitare...
Tu connais mon appréhension pour les ‘blind tests’. Quand on reconnaît les morceaux, c'est chouette, mais quand on sèche, c'est une torture...
Allons-y...
Morceau n°1 :
“Los Niños Del Parque”, par Liaisons Dangereuses !
Bravo !
Ah ! Au moins, en voilà une facile ! C’est un de mes premiers coups de cœur dans ce style musical, avec D.A.F. J'ai découvert cette chanson très tôt et elle a été une révélation. Il y a plusieurs langues parlées, on croirait entendre des bruits de chiens qui couinent, c'est très étonnant. Je l'ai un peu trop écoutée donc je n'aime plus la passer telle quelle en dj-set ou alors il faut que je la mixe avec autre chose en faisant des boucles. Il faut que je la 'défonce' un peu parce que, en version complète, je m'en suis un peu lassée. Cependant, quand j'ajoute du 'delay' ou que je la rends un peu 'bruitiste', ça le fait encore...
Morceau n° 2 :
Toto Coelo ? Nina Hagen ?
Tu vas reconnaître...
Mais oui : “Singing In The Shower” ! Les Rita Mitsouko !
Et...
Et les Sparks ! Yes ! Au début, ça ressemblait à “Weird”, de Toto Coelo. Les Sparks, c'est génial. Ils ont un énorme succès en France. Et en Belgique aussi ! Dans les pays francophones, en général. Ils ont réalisé une superbe musique pour le film “Annette”.
Morceau n° 3 :
Ah, je connais ça mais je ne trouve pas... Je crois que j'ai attrapé Alzeihmer... (rires)
D'ailleurs, tu connais le prénom d'Alzeihmer ?
Non...
C'est comme ça que ça commence !
Ha Ha Ha... (rires) !
C'est un morceau de John... ?
John Maus ! Mais oui !
“Hey Moon”
C'est sur un album qui est noir et bleu, avec une lune...
Avec un phare. (NDR : titre de l'album : “We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves”)
C'est ça !
Il y a un morceau plus nerveux sur cet album, qui est fabuleux, c'est “Quantum Leap”.
Mais oui, il chante avec un effet ‘slap-back’, dans un style très germanophone...
Et John Maus, c'est un génie un peu fou. Je l'ai interviewé. Il est professeur de philosophie à l'université.
Morceau n° 4 :
Là, je sèche...
Pour t'aider, c'était la musique du générique de ‘Lunettes Noires pour Nuits Blanches’, l'émission d'Ardisson.
Je ne vois pas.
“Nightclubbing” d'Iggy Pop.
Là, tu vois, je vais être franche, je ne connais pas ce morceau.
Un morceau-phare de 1977. C'était la première fois qu'on utilisait la boîte à rythmes dans une chanson rock de ce type.
Il se la jouait un peu Bowie là, non ?
Ben oui ! C'est produit par David Bowie…
Comme quoi, il a une patte reconnaissable entre mille, le David ! C'est un morceau que je mettrais bien dans mes playlists.
Oui, c'est un morceau emblématique, qu'il faut connaître...
Pardon de ne pas connaître, pardon (rires) !
Pas de souci. Je suis là pour aider (rires) !
Morceau n° 5 :
Tiens, voilà une compo que je connais !
C'est de toi : “Tu Vas Vibrer”.
C'était le morceau d'introduction de mon premier Ep. J'arrivais de nulle part, du fin fond des Ardennes et je proposais ça.
Dingue...
Auparavant, je le jouais en début de concert. J'ai bien envie de le réintégrer dans ma setlist, maintenant que j'ai un musicien qui joue de la flûte.
Morceau n° 6 :
Evidemment ! David Lynch ! Angelo Badalamenti ! La musique de ‘Twin Peaks’. C'est “Laura Palmer's Theme” ! J'ai découvert ‘Twin Peaks’ sur le tard, sur les conseils d'un de mes musiciens. Et j'ai trouvé ça grandiose.
Morceau n° 7 :
“Cambodia” de Kim Wilde ! On l'avait déjà eu dans le premier ‘blind test’ et j'avais dit tout d'abord : “Blondie ?” (Rires). Mais quel thème musical sublime ! Qui dit mieux ? Cette mélodie... Et les petites percussions avec 'phaser'... Qui dit mieux ??
Morceau n° 8 :
“Eyes Without A Face”, de Billy Idol !
Oui ! Billy Idol, qui cartonne encore de nos jours !
Carrément ! Et ce qui est fou, c'est qu'il est vieux, mais il a toujours le même look et la même tronche, mais maintenant, il a des rides...
Et il 'fait' des salles énormes en Angleterre...
C'est son morceau le plus connu, un peu calme, alors que sa discographie est plus rock...
Plus ‘hard-pop’...
Oui, c'est ça, c'est de la ‘hard-pop’. Et peu hard-rock mais ‘variétoche’...
Et un petit côté punk dans le look. Il était dans un groupe punk, à ses débuts : Generation X.
Morceau n° 9 :
“More Than This”, de Roxy Music ! C'est de la musique de bagnole, ça ! Tu as quelques copains ou une amoureuse avec toi et tu écoutes ça, c'est le pied !
Morceau n° 10 :
Hey Hey Hey Hey ! Simple Minds ! “Don't You” !
Qui ressemble à ton morceau “La Foudre”...
Oui ! Entre autres, à cause des ‘Hey’ en introduction.
Ce n'est pas le meilleur morceau de Simple Minds...
Non, mais c'est le plus accessible. Et c'est un grand souvenir pour moi car il était dans la bande-son du jeu vidéo ‘Dave Mirra BMX’. J'ai passé des heures à faire du vélo sur mon canapé en écoutant cette musique.
Ce qui est fou, c'est que c'est le titre qui les a propulsés à la première place des charts aux Etats-Unis et ce n'est pas une de leurs compos ! C'est composé par Keith Forsey, le producteur de la musique du film “Breakfast Club”.
C'est pas grave. C'est ce qui leur a permis de faire une carrière, d'avoir une aura et de faire ce qu'ils voulaient par après.
Morceau n° 11 :
Evidemment ! “Dancehall Days”...
Par Wang Chung.
Je l'ai trop écoutée, cette chanson. Encore une musique de bagnole. ‘Take your baby by the hand...’
Morceau n° 12 :
Fishbach chante la mélodie...
Ah merde : j'adore cette chanson ; je l'ai dans mes playlists. Dis, tu as accès à mes playlists privées toi, ou quoi (rires) ? “Love My Way” ! C'est le titre. Mais de qui ?
Psychedelic Furs.
Oui ! J'aurais trouvé ‘Furs’ mais pas ‘Psychedelic Furs’ (rires)
Morceau n° 13 :
Alors, c'est bizarre parce que j'ai ce morceau sur mes playlists, mais dans une autre version.
“The Anvil”, par Visage. Oui, il y a plusieurs versions.
A l'époque, ils sortaient systématiquement des versions ‘maxi’, qui avaient un côté plus dansant. Les ‘kick-drums’ avaient un effet de ‘gated reverb’...
Oui, comme dans “In The Air Tonight”, de Phil Collins...
Oui : une ‘reverb’ qui est très profonde et qui s'arrête tout d'un coup.
Un effet inventé par Phil Collins et Peter Gabriel.
Oui, tu connais l'histoire ? C'est arrivé par accident, en studio, à cause d'un micro qui se coupait automatiquement.
Oui : c'était le micro qui sert à communiquer avec les musiciens dans le studio.
Le micro ‘talk-back’. C'est génial !
Morceau n° 14 :
Wow ! C'est superbe, ça ! Des sons de synthés comme ceux-là, j'ai passé mon été à en jouer, sans créer de morceau ou de chanson, juste pour les ambiances.
C'est un 'supergroupe', composé de membres issu de différentes formations des années 80.
Je ne vois pas...
Il réunit des membres de Dead Can Dance, Cocteau Twins... C'est This Mortal Coil, et les titres enchaînés “Sixteen Days / Gathering Dust”.
Mais oui ! Je connais ! C'est génialissime ! Ça me saoule de ne pas avoir trouvé !
This Mortal Coil, et encore plus Cocteau Twins, font partie des précurseurs de la shoegaze.
Génial ! On parle le même langage.
Et il y a un autre morceau d'eux qui est sublime, “Song To The Siren”, la reprise d’une compo de Tim Buckley, chantée par Elizabeth Frazer, de Cocteau Twins.
C'est le genre de musique que je ne connais pas encore très bien, mais que je vais adorer découvrir plus tard. Les artistes que j'aime, je ne vais pas creuser trop vite pour tout connaître. Je me laisse le temps de découvrir à mon rythme pour ressentir, à chaque fois, cet émerveillement d'adolescent, que j'essaie de cultiver. Quand on vieillit, il n'y a rien de pire que de perdre son émerveillement. Et la musique nous permet cela : découvrir et faire ‘Wow, j'ai à nouveau 14 ans !’ (Rires)
Ça va : tu as encore de la matière à découvrir (rires) !
C'est ça qui est merveilleux, quand c'est infini ! Comme quand on compose à l'ordinateur. Il y a tellement de sonorités disponibles. Les possibilités sont vertigineuses. Ça fait peur, parfois.
Morceau n° 15 :
Bon, là, on est en Belgique donc, j'ai été un peu chauvin...
C'est Telex !
Bravo ! Je suis impressionné !
Passion Telex ! Ils ont un morceau que j'aime plus que tout, c'est “Rendez-vous dans l'Espace”, sur un disque un peu bizarre, “Looney Tunes”. C'est de la bombe ! Telex, sous-estimé, oublié... pourquoi ?
A cause de l'Eurovision ? Ils se sont retrouvés dans un placard...
C'est dommage parce que leur musique est géniale. Quand tu regardes le film, ‘The Sound of Belgium’...
Ah, tu connais ce film ?
Oui ! Et j'ai toutes les compilations ! Je ne sais pas qui a fait ça, mais je les félicite ! C'est un bijou !
Tu te rends compte que les gens venaient de tous les pays limitrophes pour danser en Belgique sur la new-beat ! Du samedi au dimanche soir !
J'aurais tellement aimé connaître cette époque. Je suis née à la fin de la new-beat et je crois que Telex étaient les premiers à initier tout ça.
Ils étaient influencés par Kraftwerk, évidemment.
Oui, mais ils avaient un côté 'gogol', un côté belge.
Un côté surréaliste à la belge.
Exactement.
Là, c'était le titre “Moskow Diskow”.
Morceau n° 16 :
Ça c'est un groupe anglais mais il y a une autre référence à la Belgique, cette fois dans le titre...
Je ne l'ai pas.
C'est “For Belgian Friends”, de The Durutti Column.
Mais oui, je connais ce groupe ! Spotify me suggère souvent des titres de The Durutti Column. L'algorithme dit : ‘Flora, ça va te plaire’, mais je ne les écoute pas, parce que je ne suis pas dans le 'mood'. Il faudra que je creuse... Ça sonne vraiment comme les groupes de la vague 'neo-psyché romantique' des années 2010 : Beach House, Cigarettes after Sex...
Là, on est en 1981. C'est juste un musicien, Vini Reilly, qui joue avec ses guitares et ses effets.
Morceau n° 17 :
Attends... C'est influencé par les rythmes africains. Ah oui, je connais mais j'ai oublié le nom.
C'est Bow Wow Wow : “I Want Candy”.
Ah oui ! D'ailleurs, la semaine passée, j'étais en studio avec Kirin J. Callinan (NDR : le chanteur australien) et une percussionniste new-yorkaise, Chase Noelle, qui joue dans un groupe de filles un peu 'trasheuses' qui s'appelle Cumgirl8 et cette musique me fait penser à elle.
Bow Wow Wow étaient un peu les pionnières des groupes de filles débridées, sans complexes, avec les Slits, Nina Hagen, Patti Smith, etc.
Oui, c'étaient les mamans... Ce titre me fait penser à Chase. C'est beau, la musique, quand ça te fait penser à des gens que tu aimes... Des artistes qui t'inspirent et qui, en plus, deviennent tes copains / copines...
Morceau n° 18 :
Ah, c'était aussi dans la bande-son du jeu ‘Dave Mirra BMX’ !
On est dans la veine 'gothic rock'... Et le chanteur ressemblait à Jim Morrison... The Cult et “She Sells Sanctuary”.
Mais oui, The Cult ! Evidemment ! Qu'est-ce que c'est bien ça !
Morceau n° 19 :
On va aller un peu en France...
Marie et les Garçons !
Oui ! Et leur titre “Attitudes”.
... qui a inspiré La Femme...
C'est proche de Taxi Girl. Et tant qu'on y est...
Morceau n° 20 :
Ben voilà : Taxi Girl, “Cherchez Le Garçon”.
Morceau n° 21 :
C'est La Femme ?
Oui ! Le titre : “Si Un Jour”.
Morceau n° 22 :
C'est Mylène ?
Yeah ! “Beyond My Control”.
C'est fou comme on reconnaît la patte de Laurent Boutonnat. Mais je ne connais pas tout de Mylène. En dj-set, je passe la version club de “Libertine”. Elle tabasse ! Et elle est très intelligente, Mylène, car elle ne joue plus “Libertine” en concert. Madonna devrait en prendre de la graine et arrêter de chanter “Like A Virgin” !
Morceau n° 23 :
Je me demande si tu connais ça...
C'est Requin Chagrin !
Oui!! “Sémaphore”.
C'est un groupe que j'aime énormément. Elle (NDR : Marion Brunetto) a commencé dans des petites salles et puis elle a fait des stades avec Indochine. Et elle me touche beaucoup, elle est très secrète. Une fois, elle m'a refilé un mediator Frank Zappa !
Morceau n° 24 :
Marie Davidson! Plus précisément son groupe Essaie Pas: “Dépassée par le Fantasme”!
Incroyable !
Marie, je l'ai rencontrée par hasard à Montréal. J'attendais la chanteuse Julia Daigle, qui devait assurer ma première partie. Elle était sur le label Entreprise, comme moi, et voilà qu'elle se ramène avec une de ses meilleures amies. Je l'ai tout de suite reconnue : Marie Davidson ! Je la suis, elle et Essaie Pas, le duo qu'elle partage avec son homme. Soulwax, vos amis belges, ont remixé son morceau “Work It” et elle a, elle-même, été ‘dépassée’, non pas par le fantasme mais par le succès du track. Un carton total !
Je les connaissais bien au début de leur carrière. Je les ai interviewés plusieurs fois.
Morceau n° 25 :
On dirait une chanson de Fishbach. Et pourtant c'est un titre obscur du début des années 80.
Mais je connais ! Je l'ai en playlist ! Tu as vraiment accès à mes playlists privées, toi (rires) !
Ça y est ! Je suis découvert ! C'est “Always Grown”, par The System.
Oui, c'est ça !
Morceau n° 26 :
Celui-ci, tu connais, c'est The Beach House et “Black Car”.
Voilà ! C'est la fin du blind test ! Tu as gagné !
Franchement, mon résultat est meilleur que la première fois. J'ai fait un bon 8/10 sur ce coup-là !
Et ça, tu connais ?
Bonus track :
Wow : c'est beau. Mais je ne vois pas.
La plus belle voix féminine au monde.
Rien que ça ? Tu oses !
Dead Can Dance : “The Host of Seraphim”.
Ah oui ! C'est vraiment ma 'came', ça ! Il faut que je creuse, Dead Can Dance !
Tu as un univers à découvrir... Et pas rien que musical... C'est carrément une ouverture spirituelle.
Oui, totalement. Je dois malheureusement partir. J'ai été ravie de te voir, comme toujours. A bientôt !
Merci, Flora. A bientôt.
Merci à Louise et Laetitia de Five-Oh, au Théâtre National, à l'émission de radio WAVES, aux Disques Entreprise et à Sony Music.
Pour écouter le podcast de l'émission radio de WAVES consacrée à ce blind test, c'est ici.
Pour lire les articles consacrés à Fishbach dans musiczine, il suffit de cliquer sur son nom dans le cadre informations complémentaires, ci-dessous.
Le Centre Culturel René Magritte à Lessines accueille un festival de blues, ce vendredi 17 février. Il s’agit de la deuxième édition, la première remontant au samedi 10 décembre 2022. Une soirée consacrée aux blueswomen. Au programme : Mylene L. Chamblain, Little BIG 6Ster, Ghalia Volt & Band et en tête d’affiche Beverly Jo Scott, également soutenue par son backing group.
Belgo-française, Mylène L. Chamblain est la première à brancher ses instruments. Agée de 41 printemps, elle pratique une musique qui navigue à la croisée des chemins du delta blues et de l’americana. Un peu comme si les cowboys chevauchaient des alligators.
Mylène se consacre à la guitare et au chant. Elle est épaulée par l’harmoniciste Geneviève Dartevelle, qui souffle face à un micro américain. Mais également par le drummer Marc Descamps, le guitariste Ludwig Pinchart et le bassiste Stephan Mossiat.
Le set s’ouvre par « Blues Is Gone ». La voix de Mylène est atmosphérique. Les interventions de Geneviève à l’harmo diatonique sont fréquentes, parfois empreintes de mystère, mais excellentes. « Last Long Road » traverse les grandes plaines du Far West. Mylène brille à la slide sur l’énergique « Something Instead », un extrait du dernier Ep. Davantage acoustique, « Wise and Fool » baigne au sein d’un climat propice à la quiétude. A cet instant, la voix de Mylène touche au sublime ! « So long Blues » revient vers le delta blues, après avoir opéré un petit détour par les Appalaches. Un set bref, mais intense et surtout de bonne facture…
Mylène L. Chamblain assurera le supporting act de Big Country le 15 mars, au Zik-Zak à Ittre.
Setlist : « Blues Is Gone », « Last Long Road », « Something Instead », « Wise and Fool », « So Long Blues », « Belly Song «, « IT Drives Me Mad ».
Place ensuite au combo angevin Little Big 6Ster. Bonnet vissé sur le crâne, Virginie Pinon en est la frontwoman et la chanteuse. Le line up implique également le chanteur/banjoïste/harmoniciste Nicolas Bach (NDR : barbu, coiffé d’un stetson, il a une bonne bouille), le drummer (NDR : très technique, il faut le souligner) Vincent Lechevallier, le bassiste Gilles Théolier et le préposé aux percus et au didgeridoo, Cyril Bach.
Lorsque Little Big 6Ster ne s’abandonne pas à une musique roots aux nuances colorées, il s’attaque à un métal/blues plutôt burné. Son premier elpee, « Cobra » (2017), trahissait des accents à la fois folk et trash. Paru en 2021, son second, « LB6 », est paru en 2021. Il se révèle plus âpre sous sa forme instrumentale.
Issu de « LB6 », « King » entame la prestation. La voix de Virginie emprunte des accents à Janis Joplin, et c’est surprenant. Plus électrique, « Killer Rif » livre un combat entre les pecus et les cordes huileuses de la gratte. Virulent et tribal, « Me Blind » libère une fameuse énergie rock. Nico se réserve le micro sur le blues « Someday Baby », une compo amorcée par une intervention entraînante à l’harmo. « Dirty » est à la fois dynamisé par les percus et abrasé par la cigar box traitée à la slide. Le didgeridoo dynamite littéralement « Spirit Flies ». Le spectre de Xavier Rudd plane, même si la fin de parcours s’enfonce dans le psyché. Le concert s’achève par « Heavy Soul », probablement une nouvelle compo. A suivre de très près !
Setlist : « King », « Killer Rif », « Me Blind », « Someday Baby », « DIRTY », « Spirit Flies », « Bron Yaur Stomp », « I’m A Woman », « Heavy Soul »
En février 2022, elle s’était produite au l’Espace Toots du Centre Culturel d’Evere, en solo. Expatriée à Nashville, elle est de retour en Belgique, mais accompagnée d’un backing group. En l’occurrence le drummer Bryan Shaw (NDR : il est issu de La Nouvelle Orléans), le claviériste Phil Breen et le bassiste Dean Zucchero (NDR : ces deux derniers sont originaires de Nashville). Ghalia Volt évolue toujours sans setlist.
Le concert s‘ouvre par le « Shake your money more » d’Elmore James, un blues qu’elle traite à la slide. Vêtue de cuir (pantalon noir et veste noire), elle rayonne et se montre toujours très interactive auprès du public.
Elle embraie par une longue et classieuse adaptation du « Wade In The Water » des Fiks Jubilee Singers, une compo qui remonte à 1901. Sa version figure sur son elpee, « Mississippi Blend ». Elle résume là, son riche héritage du blues. « Squeeze » est imprimé sur un boogie/rock. « It Ain't Bad » (NDR : un titre extrait du long playing « One Woman Band ») et « Drag Me Down » sont absolument superbes, mais ce dernier se révèle plus psyché. Elle nous réserve le « You Gotta Move », de Mississippi Fred McDowell, un vieux delta blues. Ghalia a soif. Elle empoigne une bouteille de gin qui traîne à ses pieds et se rince le gosier au goulot. Elle avoue apprécier l’Orval, la fête, le monde de la nuit et signale être insomniaque. Et puis, un peu de gnole détend et adoucit les cordes vocales. Elle attaque deux compos à la slide : « Shake Your Money Maker » et « Shake Baby Shake ». Au cours du concert, elle s’est frottée au rhythm’n’blues, au rock’n’roll, au boogie, au (delta) blues et aux roots. Et en fin de show, elle se fond dans la foule…
Il revient à Beverly Jo Scott de clore le festival. Tout au long de son set, la native de Deer Park (NDR : c’est en Alabama) va nous entraîner au cœur d’un périple sonore chargé de sensibilité et d’émotion, parcourant ses propres compositions, quelques grands classiques et de belles découvertes. Alternant gratte semi-acoustique ou électrique, elle est épaulée, ce soir, par un guitariste, un claviériste, un drummer, un bassiste et deux choristes.
Le set débute par le très cool et sexy « One Shot Shy », une compo chargée de groove et de spleen qui figure sur l’elpee « Mudcakes ». « Light That Torch » oscille entre rock et funk. « She's Your Woman » est une superbe ballade blues, aux harmonies vocales épurées. Depuis longtemps, B.J. voue une véritable passion pour les harmonies vocales. Et pourtant, rocailleuse, parfois envoûtante, sa voix est capable d’emprunter des inflexions à Janis Joplin. Elle empoigne sa sèche pour la première fois et attaque « Mobile Bay », un morceau country de toute beauté. « Whisky Blues » est un autre blues lent. Après l’énergique « Tolling », elle achève le spectacle par deux remarquables covers de grands classiques de l’histoire du rock, « The House Of The Rising Sun » des Animals et le « With A Little Help From My Friends » des Fab Four. Le festival est terminé. Les divas du blues ont gagné leur pari.
(Organisation : Centre Culturel René Magritte)
En concert à Bruxelles le 22 février, Stephan Eicher a annoncé que Grauzone, le groupe légendaire emmené par son frère, Martin Eicher, et dont il a fait partie au début de sa carrière, va sortir un deuxième album, 42 ans après le premier. Grauzone est considéré comme un groupe 'culte' par toute une catégorie de fans de new-wave. Leur hit, “Eisbaer”, est encore dans toutes les mémoires.
Comme il l'avait confié dans l'interview accordée à Musiczine en 2022, Stephan Eicher donne une valeur toute particulière au groupe de son frère. “Grauzone a une véritable valeur historique. J'ai un respect énorme pour mon frère. C'est un artiste hors pair ! Dans “Eisbaer”, je me limitais juste aux 'pilip-pip pilip-pip'…”
A plusieurs reprises, au cours des décennies écoulées, Martin Eicher a composé et enregistré des chansons pour ce fameux 2e album de Grauzone. “Martin venait me jouer des nouveaux morceaux. Il me les faisait écouter et j'en pleurais... parce que c'était d'une beauté inouïe... Je lui proposais de sortir un disque mais il détruisait tout pour recommencer à zéro.”
Cette fois, apparemment, c'est la bonne! Pour Stephan, ce nouvel album de Grauzone est très important. “La reconnaissance a toujours été tournée vers moi en raison de mon succès postérieur mais c'est injuste vu que Grauzone, c'est surtout Martin. J'étais juste musicien, accompagnateur, un peu co-producteur mais la voix et l'âme de ce groupe, c'est mon frère...”
On attend avec impatience ce nouvel album, qui devrait marquer un regain d'intérêt pour ce groupe légendaire, qui a marqué plusieurs générations de fans de musique 'wave'.
Pour regarder le moment où Stephan Eicher joue “Eisbaer” et fait l'annonce pendant son concert: voir ici.
Pour écouter l'interview de Stephan Eicher, diffusé dans l'émission WAVES en 2022, c'est ici.
Pour lire l'article avec l'interview, c'est là.
Pour écouter le dernier EP de Stephan Eicher : “Autour de Ton Cou”, c'est ici.
Pour commander les albums et la 'box' de Grauzone, c’est là.
Laura Cox est un enfant de YouTube. En 2008, elle commence à y partager des soli de guitare. A cette époque, les artistes féminines ne sont pas légion à utiliser ce site web d'hébergement de vidéos et média social.
Pourtant, dans l’histoire du rock, des dames talentueuses qui se consacrent à six cordes, il n’en manque pas. Dans le désordre : Annie clark (St Vincent), Kelly Deal, Poison Ivy, Jennifer Batten, Ana Popovic, Samantha Fish, Susan Tedeschi, Sue Foley, Bonnie Raitt, Sister Rosetta Tharpe (NDR : qui a eu son heure de gloire dans les années 30 et 40) et la liste est loin d’être exhaustive…
Franco-britannique, Laura Cox mériterait certainement de s’ajouter à cette longue liste. Sur « Head Above Water » elle se consacre, bien sûr, à la guitare, dont une steel, mais aussi au banjo et au chant. Son backing group réunit le drummer Antonin Guerin, le second sixcordiste Mathieu Albiac et le bassiste François C. Delacoudre,
Le disque s’ouvre par le titre maître. Les sonorités de cordes sont à la fois, cristallines et vivifiantes, alors que la voix de Laura évoque, tout à tour, Beth Hart, B.J. Scott, Tina Turner ou encore Typh Barrow.
L’esprit embrumé, elle nous invite à emprunter la Route 66, en Harley Davidson, depuis Chicago à Santa-Monica en passant par Tucumcari, au Nouveau Mexique. A l’instar de « So Long », un blues électrique d’une grande pureté au cours duquel elle double au banjo, communiquant un petit goût americana à la compo. Un banjo, qui revient régulièrement à la surface, tout au long du long playing.
Après un début atmosphérique, « One Big Mess » s’emballe et nous réserve des envolées à la Steve Vai.
« Set Me Free » devrait plaire aux fans d’AC/DC, malgré la voix féminine, parfaitement en phase et harmonie avec les sonorités crasseuses et huileuses des deux six cordes.
Plus paisible et empreint de délicatesse, « Old Soul » exhale un parfum americana. Les discrètes interventions au banjo et celles de la lap steel, nous entraînent jusque Nashville.
Toujours lancé sur la Route 66, « Wiser » opère un petit détour, en empruntant la Route 61, vers le bayou.
« Before We Get Burned » et « Seaside » nous transportent dans les grandes plaines des States, où paissent les bisons et que sillonnent les cowboys...
Mathieu Albiac et Laura Cox sont particulièrement complémentaires aux grattes. Et l’efficace « Swing It Out » en est la plus belle démonstration. Impressionnant !
L’elpee s’achève par la ballade « Glassy Day », une plage au cours de laquelle guitare en slide et banjo entrent, à nouveau en osmose.
Né le 31 octobre 1939 à Kanau et décédé le 7 mars 2006 à Bamako, Ali Farka Touré était un musicien et chanteur malien. Album posthume, « Voyageur » constitue la première sortie de matériel inédit consacré à cet artiste, depuis « Ali & Toumani », paru en 2006. Depuis son village natal, si au bord du fleuve Niger jusqu’à Los Angeles, feu Ali Farka Touré a planté les graines de la world music sur tous les continents. Le son d'Ali Farka Touré a fusionné des styles musicaux traditionnels maliens très appréciés avec des éléments distincts du blues ; ce qui a abouti à la création d'un nouveau genre, connu sous le nom de blues du désert.
Cet opus propose une collection de joyaux capturés à divers moments, pendant une quinzaine d’années, sur la route et en studio, entre les sessions d’autres elpees. Sa compatriote superstar malienne Oumou Sangaré apporte son concours pour trois titres : « Bandoloboourou », « Cherie » et « Sadjona ».
Produit par Nick Gold de ‘World Circuit’ en compagnie du fils d'Ali, Vieux Farka Touré, ce long playing révèle 9 titres originaux.
La voix inimitable d'Ali et son jeu de guitare envoûtant ont tout pour séduire n’importe quel amateur de musique world.
Son premier single, « Safari », se distingue par ses riffs de guitare hypnotiques, véritable signature de l'artiste, des rythmes de calebasse, le tout agrémenté du vrombissement fantomatique d’une flûte peule.
Trois joyaux sont à épingler : les versions acoustiques et électriques de « Sambadio » ainsi que le remarquable « Kombo Galia ». Des grooves épurés et envoûtants dans le style Sonrhaï aux chœurs hymniques des pêcheurs, en passant par les rythmes palpitants des chasseurs, à l’instar de « Malahani », chargé de guitares et de luths comblés de réverbération, « Voyageur » est une œuvre indispensable pour tout fan de world music.
Hater est un quatuor suédois. Issu de Malmö, très exactement. Sa dream pop teintée de shoegaze pourrait devenir une porte d’entrée aux cœurs de milliers de mélomanes romantiques. Après un hiatus de 4 longues années (NDR : l’elpee « Siesta » remonte quand même à 2018 !), la formation est donc de retour. Et elle semble en pleine forme (si on peut dire…)
Ses compos combinent à merveille un esprit pop et des sonorités shoegaze chère à My Bloody Valentine. Les sonorités de guitare sont devenues plus amples, sans pour autant renoncer aux climats éthérés que traverse la voix cristalline de Caroline Landahl. Sincère mais également talentueux, c’est une certitude !
Modern Studies ne bénéficie pas, sur le Vieux Continent, d’une grande notoriété. Fondée en 2015, la formation glaswégienne jouit pourtant d’un excellent crédit, outre-Manche, grâce à ses trois premiers elpees qui ont recueilli des critiques favorables lui permettant ainsi de fouler les planches des grands festivals britanniques.
A croire que les paysages bucoliques, verts et vallonnés influencent et inspirent les autochtones. Modern Studies s’inscrit dans la lignée d’une série de groupes folk écossais qui aiment entretenir le lyrisme et la culture de son pays. A l’écoute de ce quatrième album, on pense en premier lieu aux meilleurs représentants de ce terroir, Belle and Sebastian. Ce parallélisme est d’autant plus prégnant que Modern Studies est emmené par la voix d’Emily Scott proche de celle d’Isobel Campbell. Scott est elle-même soutenue par des chœurs qui rappellent également ceux de Crosby, Still, Nash & Young. On se délecte par ailleurs de la richesse instrumentale exposée sur l’ensemble des morceaux et, plus particulièrement, sur les langoureuses lignes de violon. Son folk est cependant parfois discrètement enrichi d’éléments psyché comme sur « Mothlight ». Au-delà d’un sens mélodique pointu, Modern Studies maîtrise la science du crescendo comme sur les superbes « Wild Ocean » et « Open Face ». La formation hausse parfois le ton, accélère le rythme et devient lyrique, à l’instar de « Won’t Be Long ».
Agé de 54 ans, Daan Stuyven, mieux connu sous son prénom, est un compositeur, chanteur, guitariste et acteur louvaniste. Son registre musical oscille du rock à l'électro, en passant par les ballades, qu’il interprète d’une voix de crooner, souvent en anglais, parfois en français. Son treizième elpee solo, « The Ride », est paru en novembre dernier. En parallèle à son parcours en solitaire, il compose des musiques de films, mais surtout drive Dead Man Ray, une formation fondée en 1997, au sein de laquelle militait, à ses débuts, Rudy Trouvé (dEUS).
Pas de première partie. Le concert commence à 20h30 précises et il est sold out depuis longtemps. Le fidèle backing group de Daan réunit toujours Isolde Lasoen (drums, percus), Jeroen Swinnen (claviers, synthés), Jean-François Assy (basse), Jo Hermans (trompette, bugle) et enfin, bonnet de couleur noire enfoncé sur le crâne, Geoffrey Burton (guitare). Vêtu d’un costume bleu ciel, d’une cravate noire et de baskets bleu foncé, Daan est chaussé de ses habituelles lunettes fumées sur le nez. Il s’accompagne à la guitare, tour à tour d’une semi acoustique d’un noir jais ou d’une électrique d’un bleu pétant.
Le set s’ouvre par « Western », un long instrumental filmique de près de 5 minutes, sorte de Sergio Leone 2.0. Jean-François a empoigné un banjo. L’idée n’est pas mauvaise et nous entraîne à réaliser un petit voyage dans les grandes plaines des States, à moins que ce ne soit dans les Ardennes, du côté de Manhay, endroit choisi pour illustrer le titre d’un de ses long playings (NDR : Daan l'a initialement composé en 10 variations différentes pour ‘Rookie’, le premier film de Lieven Van Baelen, un drame qui se déroule sur et en dehors d'un circuit, mettant en scène des motos de course débridées et des cow-boys mélancoliques qui les chevauchent). Particulièrement électro, « Women And Children » est dynamisé par les percus d’Hermans (NDR : qui a alors abandonné sa trompette) et d’Isolde, alors que soutenue par cette dernière aux chœurs, Daan chante d’une voix de crooner. L’artiste ôte sa veste juste avant d’attaquer « 16 Men », puis sa cravate avant « Exes », car il a chaud. Ensuite, il relève les manches de sa chemise en signalant qu’il s’arrêtait là. Ce qui déclenche l’hilarité dans la foule. Il semble prendre du plaisir à se produire au Zik-Zak et déclare être content de remonter sur les planches. Jeroen nappe « Icon » de ses claviers, un autre extrait de « Simple » ; puis Isolde en accélère le tempo alors que Daan pose sa voix de baryton. Entre espoir et désespoir, « The Valley » compare la vie à un voyage dans une vallée où tantôt vous êtes seul, mais parfois vous êtes entouré de tous ceux que vous aimez.
Il serait injuste de ne pas signaler le rôle de Jo Hermans, dont les interventions aux cuivres sont toujours judicieuses. Et puis, c’est un excellent ambianceur, incitant régulièrement le public à frapper dans les mains et à se remuer. Il joint d’ailleurs souvent, le geste à la parole.
Daan nous réserve trois morceaux interprétés dans un français impeccable. Tout d’abord « Parfaits mensonges », au cours duquel il se révèle impérial. Mais également « La Crise », celle de la quarantaine, et « La Vraie Décadence ». Des plages issues de l’opus « Le franc Belge », publié en 2013. Des chansons d’amour qu’il chante à la manière du rockeur français, Dick Rivers. Puissant, « Victory » libère des sonorités singulièrement vintages. Et celles de « Be Loved » le sont tout autant, mais probablement produites par un orgue Hammond, elles donnent l’impression d’émaner d’une église (norvégienne ?).
Le set s’achève par l’électro « Best Days ». Jeroen en profite pour mettre le souk aux claviers.
Et toute l’équipe va encore nous accorder un rappel de 4 titres. Un régal de 75’ au cours duquel Daan aura interprété les 10 pistes du dernier opus, en modulant sa voix du grave à l’aigu, sans aucune difficulté.
Daan se produira à l’Ancienne Belgique le 26 avril prochain.
Setlist : « Western », « Women And Children », « 16 Men », « Exes », « Icon », « The Valley », « The Dancer », « Kill », « Parfaits mensonges », « La Crise », « La Vraie Décadence », « Victory », « Be Loved », « High », « Best Days ».
Rappel : « Morning Sun », « The Player », « Swedish Designer Drugs », « Housewife »
(Organisation : Ether Agency)
Bien que fondé en 2012, Crows n’a publié son deuxième opus, « Beware believers » (NDR : pour lire ou relire la chronique, c’est ici
) qu’en août de l’an dernier. Un album qui faisait suite à « Silver tongues », paru en 2019. Le quatuor londonien s’inscrit dans la nouvelle mouvance du rock britannique, à l’instar de The Murder Capital, IDLES, Fontaines DC, Shame et TV Priest. En outre, il jouit d’une solide réputation ‘live’, en Grande-Bretagne. Il se produisait au club de l’Aéronef, ce samedi 11 févier. Plus ou moins 250 personnes pour accueillir le band ! La salle est donc bien remplie.
C’est la formation australienne Clamm qui assure le supporting act. Ce trio power punk avait accordé un set particulièrement brillant lors de son passage au festival Leffingeleuren, en 2022. En outre, sur disque, quoique sauvage, (deux albums à son actif, « Beseech me » en 2021 et « Care » en 2002), sa musique tient la route. Depuis, la formation a subi quelques modifications de line up. La bassiste, Maisie Everett, a cédé le relais à Stella Rennex, pour se concentrer pleinement sur son groupe, Belair Lip Bombs. Mais cette dernière ne participe pas à la tournée européenne. Elle est remplacée par un autre musicien. Enfin, le drummer, Miles Harding, n’a pas fait le déplacement, non plus. C’est Alan Jones, le bassiste de la première heure, qui siège derrière les fûts.
Tout un remue-ménage qui explique, sans aucun doute, le manque de cohésion de l’ensemble. Les titres sont courts et écrasants. Finalement, seul Jack Summers, le chanteur/guitariste tente de tracer le fil rouge d’une expression sonore monocorde, assourdissante et dont les mélodies devaient certainement se cacher sous un mur de bruit. 45’ de set, c’était même beaucoup trop long pour nos pauvres portugaises…
Pour les photos, c’est là
Place ensuite à Crows. Un quatuor réunissant le batteur Sam Lister, le guitariste (NDR : barbu et une veste en jeans sur le dos), Steve Gossard, le bassiste Jith Amarasinghe (NDR : il a un petit air à la Jamel Debbouze) et le chanteur James Cox. Qui se sert de deux microphones : un ordinaire et un astatique. Tantôt séparément, tantôt ensemble. Et quand il tient leurs supports en main, on a l’impression qu’il se prépare à s’élancer sur une piste de ski…
Le concert s’ouvre par « Silver tongues », le titre maître du premier long playing. Lancinante, imprimée sur un tempo tribal dans l’esprit des Cramps, cette compo est abrasée par le delay et le fuzz dispensés par la gratte de Steve. James Cox descend dans le public pendant le plus punk « Garden of England », un morceau au cours duquel, sa voix est particulièrement réverbérée. Manifestement, son charisme a de quoi impressionner. Régulièrement, il balbutie quelques mots en français, du style ‘Ça va ?’. Dès « Wednesday’s child », martelé d’une frappe sèche par Sam, le public commence à déménager au sein des premiers rangs. La ligne de basse devient caoutchouteuse tout au long de l’hypnotique « Slowly separate », et le spectre de la bande à feu Lux Interior se remet à planer. « Only time » emprunte le rythme d’un convoi ferroviaire lancé à toute allure. « Closer still » s’avère plus lourd et puissant. Le guitariste ôte sa veste avant que le band n’attaque le fiévreux « Healing ». Puis, Crows nous réserve une toute nouvelle compo, qui évolue sur un mid tempo. « The Itch » alterne passages plus calmes et périodes explosives. C’est alors que Cox emprunte certaines intonations à Mark Burgess (The Chameleons). Et pour le spectateur, difficile de se détourner les yeux de ce showman.
Point d’orgue du set, le syncopé « Room 156 » est carrément hanté par le « What we all want » de Gang of Four, un morceau que pilote le drumming martial et percutant de Sam. La foule devant le podium est de plus en plus houleuse. Et un intrépide se lance dans le crowdsurfing. Un tempo similaire contamine le tout aussi fameux « Hang me high », un titre que le gratteur charge de fuzz. La ligne de basse rebondissante conduit l’hymnique et parfois psychédélique, « SNAX ». D’abord rock’n’roll, « Chain of being » adopte progressivement un rythme infernal soutenu par les accords de basse indus et traversé d’éclats de sixcordes spatiaux.
Le rappel, « Pray », sera attaqué dans la foulée. Ce single décapant date de 2015 ; et particulièrement sauvage, il ressuscite les Stooges cuvée 1970 (« Fun house » et tout particulièrement son « Down in the street »).
Entre post punk, funk blanc, psychédélisme et garage, Crows a accordé, ce soir, un superbe concert !
Pour les photos, c’est ici
(Organisation : Aéronef)
Photos Ludovic Vandenweghe
Arthur H est de plus en plus surprenant et finit même par émerveiller.
Il a commencé à chanter plus haut sur l’album « Négresse blanche », son neuvième, paru en 2003. Mais c’est en 2018, sur le titre « La boxeuse amoureuse » de son elpee « Amour chien fou », sorti en 2018, qu’il transcende le genre, un mélange de voix grave et de voix aiguë tout en chantant davantage qu’à ses débuts.
Son style très jazz et fanfare des Balkans au départ, puis enrichi de recherches sonores et ouvert au rock est devenu de plus en plus mélodieux, de plus en plus accrocheur pour se diriger vers un monde qui n’a rien à envier à ceux des grands artistes de la chanson française. Son côté rugueux demeure mais avec ce petit quelque chose en plus.
Il est réjouissant de constater que cette manière de créer et d’interpréter appartient intégralement à son univers car elle procure une émotion puissante tant au niveau du sens que du son.
Son nouvel opus, sur lequel figure le single éponyme « La vie » (voir chronique ici)
https://www.musiczine.net/fr/chroniques/item/88535-la-vie-single-arthur-h.html
baigne dans la poésie. Réflexions brillantes sur notre condition humaine.
Les respirations, les silences, le piano et les cordes de Clément Ducal ont la part belle pour nous plonger à la fois dans les textes, mais également l’ambiance atmosphérique de son univers. On touche à l’essentiel.
Les douze titres de son opus nous immergent dans une tranche de vie, un road trip cosmique, nautique, … à l’influence de Debussy ou de Ravel, un côté fou à la Brigitte Fontaine en plus. Mêlant ce qu’il y a de plus sombre et de plus rayonnant. Un cocktail magnifique et détonnant !
Les chansons de ce disque ont été conçues en compagnie de Léonore Mercier, sa compagne, et Nicolas Repac.
L’artiste entame une tournée (pour les dates, c’est là)
https://www.arthur-h.net/concerts
au cours de laquelle vous aurez certainement l’occasion de l’applaudir.
On se réjouit du chemin de vie musical emprunté par Arthur H, sur lequel on chemine volontiers à ses côtés.
« De rouille et de sang » constitue le premier album de la formation montpelliéraine. Au sein du line up figurent des musicos qui ont manifestement de la bouteille. Dont deux guitaristes : Motch, ex-OTH (actif de 1978 à 1991) et Ludovic Crès, l’ancien gratteur des Naufragés. Et puis le drummer d’Electric Ducks, Fred Maggesi, ainsi que la chanteuse/bassiste Marielle Valenti, ex-Kotaké.
Découpé en 11 plages, cet opus se distingue par son contraste entre l’instrumentation énergique, agressive, et la voix mélodieuse, empreinte de sérénité de Marielle.
Des grattes quelque peu punkysantes alimentent « Paris Marylou ». Elle ses révèlent soignées tout au long de « Guérilla ». En fait, même lorsqu’elles adoptent un profil sauvage, elles n’altèrent ni n’assombrissent jamais les vocaux de la préposée au micro.
Les singles « Paris Marylou », « Sous La Dune » et le dernier « Tout Le Monde (Court) ») ont précédé la sortie du long playing.
Pas de temps mort entre les différentes pistes. Il n’est d’ailleurs pas conseillé d’écouter cet LP avant d’aller se coucher, le soir, mais plutôt le matin, au réveil, pour avoir la pêche toute la journée.
Contagieux, « J'ai Perdu mon Punk » opère un violent retour dans le passé. « Bruler les Gaz » sonne comme… Téléphone.
Signés Marielle, les textes –en français– abordent des thèmes variés, mais plutôt graves. Certains sont autobiographiques.
Marielle constitue la colonne vertébrale de la formation. C’est elle qui écrit toutes les chansons et elle s’en sort plutôt pas mal.
Du rock français hypervitaminé !
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