Remis en selle par le succès de " A girl like you ", Edwyn Collins nous propose son quatrième album solo. Un disque qui ne contient, cependant, pas de hit de la trempe de son best seller susvisé, mais recèle d'excellentes compositions. Il a, bien sûr, reçu le concours de quelques vieux potes. Mark E Smith, dans sa forme vocale la plus gutturale (NDR ; ça rime !) est ainsi impliqué sur " Seventies night ", alors que Paul Cook, drummer des Pistols, collabore à deux compositions paradoxalement minimalistes. Dans le sens le plus synthétique. Faut dire que l'ombre de John Foxx plane tout au long de cette œuvre, à la fois audacieuse et inspirée. Mais Edwyn a bien soin ne pas se figer dans l'électronique. En nourrissant ses mélodies d'orchestrations, et puis, surtout en étalant tout son savoir-faire à la guitare. Que ce soit dans le domaine du jazz, du funk, du rock, du blues, du glam, de la pop, du ‘postcard’, du punk et même de la musique contemporaine, Edwyn apporte, chaque fois, cette griffe incisive, particulière à des chansons qu'il interprète de sa voix de crooner. Mais notre coup de cœur va à la composition la plus percutante, à la limite post punk, " Downer ", où l'intensité électrique est délicieusement omniprésente...
Ben oui, ce sont d'excellents instrumentistes. Tout particulièrement Andy Freed, pas manchot à la guitare. Mais, à notre humble avis, ils ont certainement un peu trop écouté Jimi Hendrix, le Free et Humble Pie. Or, en 1997, il faut avouer que ça fait un peu revivaliste. Un revivalisme qui ne respecte même plus les règles, puisque la production a été hyper léchée ; comme si on avait voulu rendre le morceau de plastique consommable sur la bande FM. Or, le heavy rock du début des seventies était bien crade, juteux, filandreux. Pas pour rien que ce style musical s'accommode plutôt mal de la digitalisation. Et le véritable collectionneur de vinyle en sait quelque chose. Dans ce contexte, le titre de l'opus n'est finalement pas si mal choisi...
Bien que fondé en 1991, ce groupe de Sacramento n'a enregistré, à ce jour que deux albums. Mais, il faut reconnaître que son deuxième a plus qu'agréablement surpris. En touchant un peu à tous les styles : métal, jazz, country, gospel, hip hop, etc. Mais sous un même dénominateur commun : la pop. Un peu à la manière de Beck et de Fun Lovin' Criminals, mais en moins funk. Un disque qui implique trois covers. Celle du standard intemporel " Perhaps, perhaps, perhaps ". Du " Sad songs and waltzer " de Willie Nelson ; et puis surtout du célèbre " I will suvive " de Gloria Gaynor. Mais quelle version ! Cependant, ce qui donne une coloration toute personnelle et en même temps une saveur unique à la musique de Cake, c'est cette recherche du groove distinct pour chaque chanson et puis de ce recours aux cuivres mariachi. Technique qui plonge toutes les compositions de " Fashion nugget" au sein d'une atmosphère allègre, excitante, alors que paradoxalement, les lyrics abordent des thèmes de la vie souvent moroses et même parfois franchement tragiques...
Il n'y a pas que The Verve qui a dû rétrocéder des droits d'auteur aux Stones pour s'être autorisé de sampler quelques notes d'une de leurs compositions. En 1991, Candyskins avait connu la même mésaventure, après avoir butiné un peu de pollen de " Sympathy for the devil ", par technologie interposée. Sur une reprise de Buffalo Springfield, " For what's it worth ". Qui a dit que pierre qui roule n'amasse pas mousse ?... Plus aucun risque sur ce " Sunday morning fever ", puisque le quintette d'Oxford a pris le soin de n'y réserver que ses propres compositions. Quatorze fragments de pop rafraîchissante, qui laissent une grande place aux riffs de guitare et aux harmonies vocales échangées entre Mark et Nick Cope. Qui ne sont cependant ni frangins, ni cousins. Des chansons dont le sens mélodique rappelle LA's, mais en plus électrique...
Lors de la sortie du simple, " Free me ", morceau qui ouvre ce " Mother nature calls ", nous nous demandions si Cast n'était pas occupé de perdre son identité, à l'image de tous ces groupes qui vivent dans l'ombre de la bande aux frères Gallagher. Après avoir écouté cet l'opus, nous pouvons affirmer (ou infirmer) qu'il n'en est rien. Le quatuor vient d'enregistrer, en compagnie de John Leckie et de Mark " Spike " Stent, un album d'excellente facture. Onze chansons de britpop dont les mélodies chargées de simplicité, de charme, de sensibilité sont taillées avec une incomparable subtilité et avec un bonheur égal, dans les cordes de guitare acoustiques ou électriques. Et en particulier sur " Live the dream ", " I'm so lonely " ou encore " Guiding to star ", parfumé d'effluves empruntées à la fois à Silencers et à REM. Il est vrai que la musique sonne très british. Mais toutes les compositions sont tellement bien ficelées... Nous serions même tentés, au risque d'agacer les célèbres frangins de Manchester qui se proclament appartenir au meilleur groupe au monde, d'avouer qu'Oasis vient de trouver dans le style, bien sûr, un sérieux challenger...
Pour enregistrer son cinquième album, Boo Radleys est retourné dans les studios de Rockfield, au Pays de Galles, là où il avait commis son précédent et remarquable " Wake up ". Et comme on ne change pas une équipe qui gagne, la formation a de nouveau fait appel à son fidèle ingénieur du son, Andy Wilkinson pour le coproduire. Mais pour mettre tous les atouts dans son jeu, le quartette a décidé de se rendre à Boston pour confier le mixing à Sean Slade et à Paul Q Kolderie. Pas des illustres inconnus, puisqu'ils mentionnent sur leur carte de visite des groupes tels que Radiohead, Dinosaur Jr ou Lemonheads. " C'mon kids " se révèle cependant plus puissant que son prédécesseur. Plus féroce. A cause des riffs de guitares qui crépitent d'électricité distordue, sulfureuse. Plus sophistiqué également. A cause des arrangements impeccables, terriblement efficaces (samplings, bandes passées à l'envers). Plus contemporain enfin. A cause des expérimentations menées dans le dub, le punk, le folk, la hip hop et l'ambient. Mais un disque dont les mélodies demeurent fondamentalement pop. Contagieuses. Et toujours enrichies par les superbes harmonies vocales échangées entre Martin Carr et Sice...
Curieux quand même que le leader du défunt et mythique Sound se rappelle à notre bon souvenir au moment où Echo & The Bunnymen a choisi de se reformer. C'est vrai que les deux groupes ont marqué de leur empreinte la new wave du début des eighties, dans un style finalement fort proche. Mais si Ian McCulloch a pu limiter les dégâts aussi bien en solitaire qu'au sein Electrafixion, on ne peut en dire autant de Borland, puisqu'il a connu, après la séparation du Sound, une lente et inexorable descente aux enfers. Totalement ruiné, il n'a dû on salut qu'à une poignée de véritables amis, et puis aussi à son talent de producteur. Enfin, on est heureux de le retrouver en si bonne forme, avec un disque qui tient bien la route. Pas encore la perfection, mais recelant plusieurs compositions dignes de son prestigieux passé. Telles que " Stray bullets ", " City speed ", " Kissing in the dark ", " I'm your freedom ", " Redemption knees " et le hit potentiel, sorti depuis en single " Over the under ". Des chansons romantiques, majestueuses, teintées de doux désespoir par la voix d'Adrian, capable de passer des profondeurs glaciales aux envolées les plus touchantes... Une bonne surprise!
Pour enregistrer son album solo, l'ex-chanteur, guitariste et compositeur du défunt Low Pop Suicide a reçu le concours de la violoniste de Geraldine Fibbers, Jessy Greene. Un album minimaliste, mais d'une intensité extrême. Ni drums, ni arrangements, ni samples. Juste une guitare sèche, un violon et deux voix. Backing vocal pour Geraldine. Sauf sur " Protection " où elle dévoile son timbre éthéré, spectral. Lead chez Rick, mais plaintif et torturé. Il s'accompagne d'une six cordes acoustique pour fouetter, lacérer, déchiqueter des mélodies sombres, mais tellement vibrantes, des mélodies traversées par les coups d'archet tantôt envoûtants, tantôt grinçants de sa collaboratrice. Les huit chansons de ce " Numb " sont tellement chargées d'émotion qu'on ne peut s'empêcher de penser à Grant McLennan, Robert Forster, David McComb et même à Ed Kuepper. Tout particulièrement sur " Suicide Ego ". Seul " It's easy " se révèle beaucoup plus allègre, plus folk punk, dans l'esprit des Levellers. Dans le domaine du minimalisme, ce " Numb " est un petit chef d'œuvre...
Alors que pendant près de vingt ans, Billy Bragg a violemment critiqué le capitalisme, et en particulier le thatchérisme et ses émules, dès la prise de pouvoir par le Labour, il a préféré prendre ses distances, pour mieux prôner la véritable doctrine socialiste. Figure emblématique de la pop politique en Angleterre, Billy continue ainsi à se cramponner à sa guitare et à une certaine idée du rock. Celle qui naquit en 1977 avec le Clash. Pour enregistrer " Bloke on bloke ", il n'a donc pas changé grand chose à la formule qui en a fait un philosophe du rock social, contestataire et engagé. Les textes vitriolés, parfois teintés de romantisme, qu'il chante d'une voix introspective, écorchée, en s'accompagnant d'une guitare électrifiée aux accords les plus dépouillés, sont cependant ici enrichis tantôt d'une boite à rythmes, d'une trompette, d'un orchestre basique, ou pour la meilleure composition, " Thachérite ", d'un violon...
Après le succès du clone Lucy, des chercheurs américains ont tenté de réitérer l'expérience. A partir d'ADN prélevée sur la ravissante et brillante Alanis Morissette. Et franchement, le résultat est affolant. Look détendu, branché, Meredith Brooks chante exactement comme Alanis, extirpant, d'une voix profonde, sensuelle, chaleureuse, tous ses sentiments refoulés au fond d'elle même. Idem pour le côté musical. Puisque les éclats de guitare pétillants, brûlants, viennent se frotter aux rythmes house, le tout organisé dans une structure classique de refrain/couplet. Le hic, c'est que, excepté le fameux single " Bitch ", l'ensemble du CD manque cruellement de mélodie, et puis surtout d'originalité. A un tel point qu'on a parfois l'impression d'entendre la même chanson tout au long de l'opus. Comme le dit si bien le proverbe, c'est quand on goûte aux produits blancs qu'on apprécie la qualité des marques déposées...
Projet exclusivement instrumental pour ce trio américain qui a eu aussi bien recours à l'instrumentation conventionnelle (guitare, basse batterie) qu'à la technologie de pointe, pour l'enregistrer. Parfois on pense à Tortoise, mais privé de claviers et de xylophone. A Faust également. A cause de ces rythmes obsessionnels, répétitifs. Mais au fil de l'album, la solution sonore vire à l'ambient. Pénétrant même le monde des ‘Frippertronics’ élaboré par Brian Eno et Robert Fripp au cours des seventies. Avec ses boucles, ses bandes passés à l'envers et ses longs gémissements d'électricité sonique. Ce " Directions in music " se termine cependant sur une note plus acoustique. Une composition interprétée à la guitare sèche. Mais subtilement réélectrifiée. Question peut-être de démontrer que le trio est composé d'excellents instrumentistes...
Si on ne tient pas compte de la compilation " The normal years ", parue en 1996, ce trio yankee compte aujourd'hui trois albums à son actif. Et tout comme les deux précédents opus, ce " Perfect from now on " nous a fait une grosse impression. Bien sûr, sa musique navigue dans l'underground. A la croisée des chemins de Dinosaur Jr, Cell, Alex Chilton et de Neil Young. Mais elle épanche une telle sensibilité mélodique que tout mélomane averti ne peut que succomber. Bien sûr, la musique est très riche, à la limite opulente, capricieuse, gorgée de cordes de guitares, tantôt atmosphériques, grésillantes, bourdonnantes, gémissantes, ou chargées de feedback. Les arrangements somptueux, nuancés, assurés tantôt par des accès de violoncelle mélancoliques ou de mellotron ouaté, lorsqu'ils ne se laissent pas fondre dans la fragilité bouleversante du vocal de Doug Martsch. En outre, ce " Perfect from now on " exsude un feeling irrésistible, une magie naturelle, que nous nous refusons d'exprimer avec des mots... Superbe!
Une chose est sûre, Byrne était bien la tête pensante (NDR: parlante?) du défunt Talking Heads. Tina Weymouth, Jerry Harrison et Chris Frantz ont eu beau sortir, fin de l'année dernière, un opus sous le patronyme des Heads, leur projet souffrait incontestablement de l'absence de leur guide spirituel. " Feelings " constitue donc le nouvel album solo de David. Bien sûr, à première écoute, on lui reprochera de s'être à nouveau focalisé sur les polyrythmes à caractère ethniques. Mais après plusieurs écoutes, on se rend compte que cet artiste est encore parvenu à innover. Evidemment, pour réaliser cet objectif, il s'est entouré de toute une panoplie de musiciens et de producteurs. Parmi lesquels on retrouve Morcheeba, Devo et même le Balanescu Quartet. Ce qui lui permet d'aborder, en toute décontraction, une multitude de styles. Même la jungle et le cajun. Avec un esprit punk bien américain qui le caractérise. Et puis, il y a ce sens de la mélodie, ce timbre de voix qui séduisent plus qu'ils ne surprennent, ce feeling irrésistible qui vous donne l'envie de fredonner et même de danser...
Ne les comparez surtout pas à Supertramp. Même si la manière de jouer du piano rappelle le doigté de Richard Davies. Pas davantage aux Nits. Même si le feeling mélancolique est omniprésent. Ou à Supergrass. Puisque, hormis une basse, avouons-le, triturée par des tas d'effets de pédales, Ben Folds Five n'a jamais recours à la guitare. A Joe Jackson? Pas assez d'orchestrations. Et puis les concessions aux jazz sont beaucoup trop vagues. Alors quoi? Comparez-les, tout simplement à Ben Folds Five. Un groupe yankee, issu de Chapell Hill, très exactement, dont le " Whatever and ever Amen " constitue le deuxième elpee. Si l'instrumentation repose essentiellement sur le piano (NDR: évidemment!), la basse (NDR: on venait de le dire) et la batterie, le groupe ne néglige pas pour autant les arrangements et les harmonies vocales. Que nous pourrions qualifier d'irréprochables. Tout un ensemble de choses à la fois simples et riches, qui donnent naissance à douze chansons tout bonnement remarquables...
Encore une formation qui vient littéralement de se faire descendre en flammes par la presse insulaire. Et pas seulement parce qu'elle ne véhicule aucune image, aucune attitude. En fait, jusqu'à présent la new-wave de la new-wave s'était surtout conjuguée au féminin. Pensez à Elastica et Echobelly. Ou aux States. Weezer et Denim en sont probablement les meilleurs ambassadeurs. Mais, au lieu de retomber dans les profondeurs de l'underground, le mouvement a fait tâche d'huile. Et la censure de tenter d'enrayer l'hémorragie, de ce qui pourrait devenir une vision post ‘XTC’ de la pop, et bien sûr de la new-wave. Rien de très " Supernatural ", dès lors, que Bennet en devienne l'instigateur...
Pour enregistrer son quatrième opus, cette Bostonienne, qui vit en Grande Bretagne depuis 1973, a bénéficié du concours de Hugh Jones à la production. Mais également de la participation de musiciens insulaires particulièrement huppés. En outre, Laurence O'Keefe, bassiste/percussionniste chez Levitation, Jon Brookes, drummer des Charlatans, le frère d'Heidi, Christopher, préposé pour la circonstance à la guitare, et surtout la violoniste des Raincoats, Jon Brookes. Qui apporte une sensibilité celtique, passionnelle aux compositions de cet album. Des compositions dont la fragilité empreinte de mélancolie, de poésie et d'élégance lyrique servent à merveille la pureté somptueuse du timbre vocal d'Heidi... A recommander aux inconditionnels de folk rock new age!
Depuis le temps que la presse insulaire nous parle en long et en large de ce trio écossais (Glasgow), dont les musiciens se sont affublés de pseudonymes pas possible - Manda Rin, John Disco et Sci Fi Steven - et nous vante les qualités de ses singles ainsi que de ses maxis, il fallait bien un jour, qu'il passe par l'épreuve d'un premier album. Et le résultat est concluant. Un disque résolument pop, mais avec une multitude de nuances. Qui oscillent du disco au hip hop en passant par le punk, le funk, le ska et la new wave. Tout un éventail de styles nés d'un pillage en bonne et du forme des B52's, d'Altered Images, de Talulah Gosh, des Buzzcocks, d'Elastica et même de Blur. Eclectisme juvénile procuré par des boîtes à rythmes frénétiques, des harmonies vocales fondantes, intuitives, fruitées, des cordes de guitare effervescentes, des claviers guillerets; sans oublier les instruments insolites, souvent miniaturisés, destinés en général aux enfants. Un chouette album que nous pourrions qualifier de néo bubblepop!
Evidemment, toutes celles et tout ceux qui s'imaginent que Blur vient d'enregistrer un nouvel album de britpop risquent une grosse désillusion. Pas que cet opus éponyme soit de mauvaise facture. Que du contraire! Mais il marque un changement radical de style dans le chef du groupe insulaire. Pas de section de cuivres, ni d'arrangements sophistiqués; et ce nonobstant le concours de Stephen Street à la production. Pas de caractéristiques excentriques typiquement britanniques ni de commentaires acerbes sur la vie sociale dans l'Albion. Mais des chansons dépressives, ténébreuses qui devraient plaire au public américain. Paradoxal, lorsqu'on sait que la dernière tournée du quatuor aux States, s'est soldée par un flop magistral. Mais pas une véritable surprise pour ceux qui connaissent le cheminement de ce groupe, dont les cinq albums sont aussi hétéroclites les uns que les autres. Evidemment, de là à penser que la bande à Damon Albarn allait piocher dans le jardin de l'Oncle Sam... Blur n'a d'ailleurs jamais été, ici, aussi proche de Pavement; notamment lorsqu'il s'aventure dans l'underground déjanté. Bien sûr, certaines compositions s'essaient au trip hop ou à la house. On a même droit à une composition du guitariste, qui assure pour la circonstance le chant (" You're great "). Et en réservant une place au hardcore, sur " Chinese Bomb ", Blur rappelle que ses chansons n'ont jamais manqué de relief ou de rythme. Pourtant, cet elpee traduit un sentiment profond de désillusion, de désenchantement, éprouvé par son leader, Damon. Blur serait-il le premier groupe à avoir pris conscience de la mort très prochaine du 20ème siècle...
Ce trio ferait partie de la seconde génération du mouvement trip hop. On ne sait pas trop ce que cette réflexion signifie. Mais une chose est sûre, Arkarna pratique une techno dans le bon sens du terme. Enfin, pas intégralement techno, puisque la formation fait aussi bien appel aux machines nées de la technologie moderne qu'à l'instrumentation conventionnelle. Au sein du line-up, on y retrouve ainsi Lalo Creme, fils du défunt 10CC Lol Creme, à la guitare, Ollie Jacobs, musicien de studio, arrangeur, et également producteur –il avait notamment apporté tout son savoir faire lors de l'enregistrement de l'album de Leftfield– synthés et chant, chant qu'il partage avec l'ex Lunarci James, James Barrett. En fait, si la musique d'Arkana évolue dans la même division que celle de Trent Reznor, notamment à cause de ce style pulsant, au groove irrésistible, elle laisse transparaître des traces de prog pop manifestes, tout en bénéficiant du soin apporté par les deux chanteurs aux harmonies vocales, souci de la perfection qui n'est pas sans nous rappeler Weezer et même les Wannadies...
Au sein du même box, on retrouve le premier CD du groupe irlandais, paru en 1996 –et pour lequel nous avions dit le plus grand bien– ainsi qu'un album ‘live’ enregistré aux studios de Sydney Triple, en Australie, lors de sa dernière tournée aux Antipodes. Un enregistrement en public qui était, à l'origine, uniquement disponible en import. Un disque sur lequel on y ressent à la fois tout le charme, mais en même temps toute la fragilité du trio. " Live at the wireless " épanche ainsi un mélange unique d'énergie et d'intimisme, mais imprimé sur un tempo un peu trop rapide. A la limite dispensé à une cadence beaucoup plus proche du punk de la fin des seventies (NDR: 1977 oblige!) que de la pop ou même du rock. Une seule exception à ce rush d'adrénaline sucrée, une composition plus romantique, plus sentimentale, " What deaner was talking about ", cover de Ween, qui n'aurait, en outre, certainement pas dépareillé le répertoire de Teenage FanClub...
Encore une formation qui macère dans la zone crépusculaire de l'underground depuis trop longtemps, et qui possède toutes les aptitudes pour enfin s'extraire de l'anonymat. Un ensemble irlandais, fondé en 1985, dont le style a surtout, jusqu'à présent, sensibilisé le public américain. Le même qui ne jure que par Idaho, Red House Painters et le regretté American Music Club. Encore que le climat qui enveloppe les chansons d'A House nous rappelle plutôt des formations australiennes, du calibre des défunts Triffids ou Go-Betweens. Des chansons mélancoliques, touchantes que ne désavouerait pas un certain Guy Chadwick (leader d'House of Love) voire même Lloyd Cole ; des chansons dont les lyrics explorent la face la plus sombre, la plus féroce, la plus tourmentée de la nature humaine, mais avec un sens de l'humour et de l'ironie aussi caustique que celui d'Edwyn Collins. Qui fut également, à une certaine époque, leur producteur... Superbe!
Mis sur pied voici bientôt 10 ans, AC Acoustics n'en est pourtant aujourd'hui qu'à son second album. Un constat étonnant pour un groupe d'une qualité incontestable. Surtout lorsqu'on sait que cette formation écossaise a inspiré Brian Molko (Placebo) et Tim Burgess (Charlatans). L'électricité est omniprésente, étincelante. La production irréprochable. Tout au long de l'opus, le style oscille continuellement entre la noisy fragile, harmonieuse, scintillante, d'un House of Love et le popcore âpre, redoutable, torturé d'un Hüsker Dü. Oscillations parfois traversées d'envolées psychédéliques tantôt provoquées par des claviers, tantôt par d'autres accords de guitare, mais plus atmosphériques. A cet instant, on frôle l'univers de notre dEUS national, mais alors flanqué d'un mur de guitares, comme l'érigeait si bien Boo Radleys, à ses débuts. Superbe!
Si cet ensemble australien n'avait eu la mauvaise idée de mettre ses activités entre parenthèses de 80 à 84, il aurait pu fêter ses 20 années d'existence, l'an prochain. Pourtant, au cours de cette longue période, il n'a enregistré que quelques singles, une poignée d'Eps et quatre albums. Quatre elpees absolument remarquables qui n'ont eu, malheureusement, qu'un succès trop confidentiel. D'ailleurs, la notoriété des Apartments n'a, à ce jour, touché qu'un public de connaisseurs et de mélomanes. Nouvel opus, " Apart ", inonde de mélancolie les coins les plus tourmentés de votre conscience. Un disque dont la fraîcheur et l'intensité émotionnelle rappelle encore et toujours l'âge d'or du ‘postcard’. Pas exactement celui d'Orange Juice ou d'Aztec Camera, comme sur les trois précédentes œuvres, mais plutôt de Paul Quinn. Parce que les guitares sont moins présentes. Laissant une plus grande place aux orchestrations opulentes, somptueuses. Ou, paradoxalement, se réfugient sous les accords minimalistes d'une trompette ou de quelques accords de piano spectral, jazzyfiant, permettant ainsi à la voix grêle, étrange, gémissante, de Peter Walsh, de mieux déchirer votre âme...
Nouveau groupe de trip hop. Dans la lignée de Massive Attack, Tricky, Portishead voire Saint Etienne. Un mélange d'électro, de techno, de soul, de hip hop et de rap. Le tout enrobé dans une nébuleuse de claviers et d'effets atmosphériques. " Londinium ", titre maître de l'opus, avait été élu single de la semaine, par le magazine musical britannique " Melody Maker ". Chose qui après écoute nous paraît tout à fait justifiée. Et puisque l'opus est de la même veine, nous vous conseillons vivement de ne pas archiver ce disque avant de l'avoir écouté...
16 Horsepower avait fait une tout grosse impression lors de ses derniers passages en Belgique. En l'occurrence au Torhout/Werchter et puis au Pukkelpop. Dans la foulée, le groupe vient d'enregistrer un nouvel album, " Low estate ". Produit par John Parrish, ce disque de country/folk/punk spectral, troublant, mais bigrement bien ficelé, recèle des influences aussi diverses que fortes. Notamment celles de Gun Club, Violent Femmes, Nick Cave et Johnny Cash. Tout un programme ! Un groupe moitié français, moitié yankee, drivé par un certain David Eugene Edwards. Fils de pasteur, responsable de lyrics qui se réfèrent constamment à la Bible, il narre des contes sordides de péché et de châtiment, des chansons qu'il interprète d'une voix craquelée, poussiéreuse, usant même parfois d'un ton épileptique...
Après avoir gravé deux elpees de psyché pop, largement influencés par les Beach Boys, Big Star et les Byrds, ce quatuor écossais vient de découvrir la technologie contemporaine. Mais pas pour la mettre systématiquement au service de la " dance ". Heureusement! Encore que certaines compositions produisent un groove fort proche du " Screamadelica " de Primal Scream. En fait, 18 Wheeler a recours aux samples, boucles et autres artifices électroniques pour enrichir son psychédélisme. S'il n'atteint d'ailleurs pas la profondeur abyssale d'un Spiritualized, c'est parce que la structure de ses chansons est toujours échafaudée sur la mélodie. Mais aussi à cause du soin tout particulier apporté aux harmonies vocales, dominées, il est vrai, par le timbre languissant de Sean Jackson...
Pour fêter le quinzième anniversaire de son existence, cette formation finlandaise a contacté une multitude de collaborateurs à travers le monde. Pas pour jouer sur cet album, mais tout simplement pour les inviter à remixer l'une ou l'autre composition de leur répertoire. Et quelle n'a pas été la surprise du groupe de recevoir une multitude d'expérimentations les plus intéressantes les unes que les autres. Pas possible, cependant de tout inclure sur un même morceau de plastique. C'est donc la mort dans l'âme que la formation a décidé de n'en retenir que quatorze, nous supposons les meilleures, pour graver " Zipcode ", se réservant quand même une petite place dans l'opération du reliftage. Parmi les heureux élus, on y retrouve cependant que du beau monde; et notamment, Arno, Peter Zaremba des Fleshtones, Martin Rev (Suicide), Jimi Tenor et encore bien d'autres. Evidemment, pour ceux qui s'attendaient à retrouver un album de psyché garage, ils en seront pour leurs frais, car ce projet ne s'adresse qu'aux inconditionnelles de la musique technologique...
2 Foot Flame, c'est encore une formation satellite de Mecca Normal, puisqu'on y retrouve Jean Smith et Peter Jefferies en sus de Michaël Morley. Un projet expérimental, puisque hormis trois titres, plus minimalistes, limités, un peu à la manière de Wim Mertens au piano et à la voix, le reste farfouille dans l'underground. Du Velvet ironiseriez-vous? Du Velvet; et ce n'est pas le fruit du hasard! A cause de ces mélopées monocordes envahies par un harmonium funèbre. Pensez un peu à Nico. D'autant plus que la voix de Jean possède des inflexions très proches de celles de feu la déesse de la lune. Mais encore et toujours le Velvet, lorsque meurtries par un feedback continu ou fouetté par un tempo tribal, hypnotique, les compositions développent un climat franchement obsessionnel...
16 Horsepower s'est produit en public, au dernier Torhout/Werchter, ainsi que lors de la dernière édition du Pukkelpop. Et dans la foulée vient d'enregistrer un nouvel album. Dans leur style, la formation est unique en son genre. Enfin, à notre connaissance. Et pas seulement à cause de leur country/folk/punk/cajun hanté par des textes qui font référence à l'Ancien Testament ; mais aussi parce qu'au sein du line up, on y trouve un Français. Jean-Yves Tolo. Un Parisien, pour être plus précis. Flûtiste de formation classique qui s'est converti à la batterie. A sévi au sein de Passion Fodder. S'est exilé aux States. Y est resté. Et y a fondé 16 Horsepower en compagnie de son ami David Eugene Edwards. Une belle aventure qui méritait quelques explications...
Tout comme pour comme le précédent album, " Low estate " comporte 13 morceaux. Intentionnel ?
Non, non. Nous ne sommes pas superstitieux ! Mais lorsque tu disposes de 17 ou 18 titres, il est parfois difficile de faire le tri. Nous en voulions douze. Il y en a treize...
Quand a-t-il été enregistré ? Où ? Avec qui ? Combien de temps êtes-vous restés en studio ?
Il a été enregistré en mars dernier. Dans un superbe studio situé au bord d'une rivière. En Louisiane francophone. Près de La Fayette, capitale du pays cajun. Nous y sommes restés 4 semaines. C'était très étrange. Je n'imaginais pas que dans cet endroit un peu paumé, tout le monde parlait français. Les enfants l'apprennent à l'école. Incroyable ! " Low estate " a été produit par John Parrish. Pas d'autres invités ! Les musiciens du groupe et John qui, en outre, joue sur toutes les chansons.
Quatre semaines, c'est un laps de temps encore raisonnable pour des musiciens réputés pour leur perfectionnisme. On a d'ailleurs pu le constater lors de votre dernier passage en Belgique, à T/W et puis au Pukkelpop, où vous accordez, ou faites accorder, vos instruments entre chaque morceau. David a même déclaré un jour, aimer la difficulté. Or, je suppose, qu'en studio, vous devez encore être plus exigeants. Ca n'a pas dû être drôle tous les jours, vos sessions d'enregistrements ?
Pour moi, c'était super. Ca ne me dérange pas. Les autres membres du groupe ont peut-être un autre point de vue. Mais David et moi avons en commun la même optique de travail. Perfectionnistes ? Nous le sommes, c'est certain. Je ne sais pas si David recherche les difficultés, mais il a constamment l'envie d'aller voir à l'envers du décor. Une conception qui peut paraître difficile, mais que David et moi-même avons définitivement adoptée. Et nous ne sommes pas prêts de l'abandonner...
Une attitude qui n'est plus tellement d'actualité?
Oui, de ce côté là, on est un peu vieux jeu. Mais on accorde autant, si pas plus d'importance, à l'émotion.
Une raison supplémentaire de préférer l'intimité d'un club à la démesure d'un festival ?
Je pense que n'importe quel groupe préfère jouer dans une salle de 1000 personnes plutôt que dans un stade. Plus la dimension d'un spectacle croît, plus tu perds le contact avec le public. Les spectateurs deviennent tout petits. La qualité sonore en prend un coup.
Pour un musicien comme Neil Young, c'est plutôt le contraire, non ?
Le phénomène se produit en fonction de la notoriété de l'artiste. Mais je pense que tu as raison. Pour un groupe comme le nôtre, un club serait plus adapté, plus intime, plus personnel. Même s'il y a des gens qui ont déclaré nous avoir beaucoup apprécié sur une grosse scène...
Est-il exact que 16 Horsepower s'identifie au symbolisme de la fin du 19ème siècle pour mieux échapper au chaos du 20ème ?
Le 19ème siècle est une époque, une période de l'histoire, qui véhicule des images que nous aimons. Nous ne l'avons jamais caché. C'est cependant plus par curiosité que pour autre chose. Nous ne sommes pas des passéistes ; nous roulons en voiture !...
Comment un Parisien a-t-il pu atterrir aux States au sein d'un groupe comme 16 Horsepower ?
C'est une longue histoire, qui a commencé à Paris. A l'époque, je jouais dans un groupe qui s'appelait Passion Fodder. Dont le chanteur était américain. Nous avons signé un contrat mondial avec une maison de disques anglaise. Nous sommes partis en tournée aux Etats-Unis. Et on y est restés (rires). C'était, il y a déjà 9 ans. Nous nous sommes installés à Los Angeles où j'ai rencontré David. Il travaillait sur des décors de cinéma. Nous avons constaté que nous avions des affinités musicales. Nous nous sommes liés d'amitié. On s'est mis alors à jouer un peu ensemble ; et de fil en aiguille, nous avons monté un groupe...
Tu vis encore à Denver ?
Non. Après être resté un peu plus de 4 ans à Los Angeles, j'ai déménagé à Denver lorsque la formation s'est formée. En fait, c'est tout le groupe qui s'y est installé. Mais en fait, là, je viens de repartir pour la Californie centrale. A deux heures de San Francisco...
Partages-tu les mêmes convictions philosophiques que David ? Parlez-vous souvent de la Bible entre vous ? Est-ce que ses convictions religieuses ne te pèsent pas trop ? A moins qu'elles ne t'interpellent ?
On en parle, évidemment. Mais ce n'est pas le principal sujet de nos conversations. Pour expliquer la situation en quelques mots, je pense que nous avons des intentions un peu similaires. On a juste une façon différente de les exprimer. Comme tu le sais, David se réfère souvent à la Bible. Ce n'est pas mon cas, même si je pense sincèrement que c'est un ouvrage fantastique. Je dispose d'autres moyens pour m'exprimer. De savoir ce qui est bien ou mal, sans devoir me référer à une idéologie bien précise. Disons que pour aller à la recherche de la vérité, j'ai pris un autre chemin. Pourtant, c'est vrai, lorsque j'ai rencontré David, j'étais assez troublé par sa ferveur religieuse. Aujourd'hui, depuis que je le connais beaucoup mieux, cela ne me préoccupe plus du tout. Parfois, j'étais même mal à l'aise. Parce que je pensais qu'il serait difficile de communiquer avec lui, si je ne partageais pas vraiment les mêmes sujets de conversation. Tu vois ce que je veux dire. En fait, les être humains sont tous tellement différents, que tu cours toujours le risque de te trouver devant un mur d'incompréhension ; mais avec David, ce n'est pas le cas. Il fait son truc. Je fais mon truc. Les autres font leur truc ; et finalement cette forme de respect mutuel permet de bien nous entendre. Nous avons des idées fort proches, mais nous les exprimons de manière différente...
Religions et sectes ont pris un essor considérable aux States, ces dernières années. Certaines sont même devenues de véritables leviers du monde politique. Et je pense ici plus précisément aux fondamentalistes et télévangélistes. D'autres présentent carrément un danger pour la société. Comment expliques-tu ce phénomène ?
C'est une question de fric. Il y a beaucoup de fric dans la religion aux Etats-Unis. Il existe des gens là-bas qui disposent de moyens financiers gigantesques pour faire passer leurs idées. Ils se servent de ces moyens. Médiatiques, le plus souvent. Et ça marche ! Malheureusement. Un peu comme le consommateur tombe dans le panneau de la pub pour choisir sa poudre à lessiver. Mais cette situation ne se produit pas seulement aux States. Elle existe également en Europe. A une moindre échelle, mais elle existe. Est-ce dangereux? Je l'ignore! Certaines sectes le sont manifestement. Mais personne n'est jamais forcé d'adhérer à ces mouvements religieux. Tu as le choix. Tu peux refuser. Mais sans doute, par faiblesse ou par besoin de trouver quelque chose qui te permette d'être reconnu par les autres, tu acceptes. A mon avis, il y a des hommes et des femmes pour qui cette situation est bénéfique. Plutôt que de se foutre en l'air ou de foutre en l'air d'autres personnes, ils parviennent ainsi à s'en sortir. Tant mieux pour eux. A partir du moment où ce phénomène élude la violence et les meurtres, c'est sans doute une bonne solution...
Tu as suivi des cours de batterie dans une école de jazz, exact ?
J'ai suivi des cours de batterie dans une école réputée pour ses formations de jazz. J'ai aussi joué un peu de jazz au sein d'un groupe. Mais, ce n'est pas mon truc. J'aime le jazz, je travaille le jazz. Mais je ne veux plus faire partie d'une formation de jazz. Je déteste son côté rigide...
Cristian Vander, ce n'est pas un symbole, pour toi, dès lors ?
Pffft... (long silence). Non, non, c'est une batteur exceptionnel, mais c'est surtout un athlète performant. Je le comparerai volontiers avec un coureur à pied qui s'aligne sur le 100 mètres plat. A mon avis, tu perds un peu de feeling, de musique, etc.
Sais-tu qu'il a remonté Magma ?
Ah non, là, j'ignorais... Ca m'est égal qu'un musicien soit un virtuose. Pourvu qu'il ne joue pas seulement pour lui même. J'ai vu des groupes composés de piètres musiciens, mais qui parvenaient à te communiquer le frisson. Par contre, j'ai aussi assisté à des prestations d'artistes à la technique irréprochable, mais dont les sets m'ont véritablement fait chier...
Y a-t-il des musiciens qui t'ont particulièrement influencés ? Jeffrey Lee Pierce ? Nick Cave ? Gordon Gano ?
Non, pas précisément. Plutôt des atmosphères créées par des groupes, pas par des musiciens. Et notamment celles qui ont prévalu chez Gun Club, Birthday Party et Violent Femmes...
Peut on affirmer que 16 Horsepower est traditionnel dans le sens le plus folk, country et cajun du terme ?
Oui et non. Dans le sens le plus pur du terme, pas puriste du terme. Nous aimons la musique traditionnelle, folk, country et cajun, mais aussi celtique, bretonne, hongroise, tsigane, etc. Mais les folkeux, je n'aime pas particulièrement...
Tu n'aimes pas les Pogues ?
Oh, si ! Mais ce ne sont pas des folkeux. Si, mais enfin, je veux dire... Tu sais aux Etats-Unis, il existe une clique de folkeux qui sont demeurés très puristes. Avec des règles très strictes. Si tu n'utilises pas telle guitare avec telles cordes et que tu ne fais pas tels accords, tu n'es pas admis au sein du cercle. Nous on ne marche pas dans cette combine. Mais on aime bien les Pogues. On a tourné avec eux. Enfin avec Shane Mc Gowan et ses Popes. C'était formidable!
Johnny Cash et Léonard Cohen t'ont quand même marqué ?
Léonard Cohen ? Certainement ! Mes frères aînés écoutaient sans cesse Cohen, et par la force des choses, moi aussi. Ce qui explique sans doute pourquoi sa musique me touche particulièrement. Comme elle touche également David. Johnny Cash ? Je l'ai découvert un peu plus tard avec les musiciens de Passion Fodder. Et puis, surtout, grâce à David. Ses textes sont si denses, intenses, imagés. Il compose de la poésie sur une musique tellement simple, mais tellement belle. Un peu comme Brel. C'est le même genre. La culture est un peu différente. Mais je les apprécie autant...
Parfois la musique de 16 Horsepower me fait penser à celle que pratiquait James à ses débuts. Une objection ?
Je ne connais pas ce groupe. Comment tu dis ? James ? Non, ça ne me dit rien du tout ! Sorry ! Mais puisque tu m'en parles, je vais m'inquiéter de l'existence de ce groupe et essayer de me procurer leurs premiers albums...
(Version originale de l'interview parue dans le n°57 - octobre 1997 - de Mofo)
Blonde Redhead est un trio new-yorkais réunissant les frères jumeaux Amadeo (guitariste/chant) et Simone (batterie/chant) Pace, ainsi que Kazu Makino (chant/guitare rythmique). Fondée en 1993, la formation a longtemps été comparée à Sonic Youth, avant d’emprunter, progressivement, un style plus personnel. Ce sont les frangins qui se sont prêtés à l’exercice de l’interview, en particulier pour nous parler de leur dernier album en date, « Fake can be just as Good », un disque épanoui et enfin affranchi.
Amadeo : Quand nous écrivons ou jouons ensemble, nous explorons énormément d’idées consciemment et inconsciemment. A nous trois, dans Blonde Redhead, nous partageons une sorte de conscience commune qui ne se développe pas seulement quand nous nous produisons, aussi quand nous sortons ensemble que ce soit chez des amis, au cinéma ou au théâtre...
Blonde Redhead appartient-t-il à une scène musicale précise ou bien vous considérez-vous plutôt comme hors de tout mouvement ?
Simone : On se considère plutôt comme des indépendants. En tout cas par rapport à la scène de New-York. Nous nous sentons bien plus proches de ce qui se passe à Chicago, point de chute de notre label Touch and Go. Et plus à Washington DC.
A : Nous entretenons une véritable relation d’amitié avec Fugazi (Guy Picciotto a notamment travaillé pour eux, lors de l’enregistrement d’un single). Il existe une sorte de communauté, on s'invite les uns les autres soit pour un repas, pour une fête ou pour simplement boire un verre. L’esprit est très différent de celui de NY, où les gens sont frileux, ont peur d'approfondir les rapports humains, comme s'ils craignaient toujours d'y perdre quelque chose.
De la Sicile A New York
La tension constamment présente dans votre musique reflète-t-elle cette difficulté de rencontrer les New-yorkais ou l'expression du choc que vous avez dû ressentir quand à 13 ans vous avez débarqué aux USA?
A : Le moins qu'on puisse dire est que New- York et la Sicile sont vraiment deux endroits différents ou vivent deux sociétés très distinctes. Au niveau des valeurs, il n'existe aucune similitude. Les Américains ne sont pas aussi chaleureux, la famille n'existe quasi plus aux USA, les parents ‘s'en foutent’ et laissent leurs enfants seuls. La chose est inimaginable en Italie.
S : Plus généralement, les Européens manifestent plus d'excitation à vivre, ils n'ont pas peur d'exprimer leurs sentiments, leurs émotions... Mais on ne peut contester l'énorme sentiment de liberté qu'on respire aux States, dès qu'on y débarque. C'est pourquoi, entre autres, que Kazu (elle nous le confirmera plus tard dans la journée), qui est arrivée aux States il y a 9 ans, s'y sent tellement bien. Elle aspirait à cette liberté après avoir souffert du sexisme japonais. Aux States, elle se sent l'égale à tous, acceptée par tous. Au Japon, la société est déjà très dure pour les femmes en général, alors pour celles qui tentent de jouer du punk rock, c'est presque invivable!
De qui est la phrase reprise dans le livret du CD : ‘I love exactly everyone the same amount’ ?
A : Elle est de Vern, le bassiste d’Unwound, qui a enregistré l'album avec nous. Il est très modeste et très honnête. Si on y réfléchit, on peut voir cette phrase comme très positive mais le contraire est vrai également, puisqu'il est impossible d'aimer exactement tout le monde de la même manière, à moins justement de simuler (‘fake’).
S : Grandir, c'est un peu ça, c'est apprendre à faire semblant, à simuler. Contrairement à ce qu'on pourrait croire, ce sont les enfants qui sont les plus honnêtes. Pour en revenir au titre « Fake can be just as Good », c’est un extrait du morceau « Bipolar », écrit par Kazu. Elle y exprime la sensation que si on aime réellement un être, on peut accepter que celui-ci puisse seulement faire semblant en retour.
A : Dans un certain sens, nous aussi sommes occupés de simuler aux Etats-Unis, car nous n’appartenons pas réellement à la société US. Nous ne sommes pas des Américains dans l'âme. C'est comme si nous commencions à jouer du jazz. Nous aimons beaucoup ce style, mais nous ne pourrions jamais que faire semblant d'en jouer. Notre musique, ce n'est pas du jazz, c'est du punk rock.
Deux titres de l'album, « Pier Paolo » et « Futurism vs Passeism » se réfèrent à deux grands noms de la culture italienne du XXème siècle.
A : Nous avons lu les livres de Marinetti (auteur du manifeste pour une littérature futuriste en 1909). Il y a de bonnes idées. En ce qui concerne Pasolini, nous avons vu presque tous ses films. C'est quelqu'un que nous respectons. Sa démarche est honnête, très réaliste aussi ; c'est un professeur pour nous.
S : Son génie réside dans la manière de concilier les extrêmes : l'amour et la haine, la beauté et la laideur, le silence et le son... Nous aussi, nous essayons de définir les extrêmes, en passant du bruit à la mélodie, de la mélodie au bruit.
(Article paru dans le n°57 du magazine Mofo d’octobre 1997)
Depuis Bel Canto, la Norvège n’avait plus mis au monde de groupe aussi intéressant. Retenez bien ce nom: Motorpsycho. Fondé au tout début des nineties, il comptait à son actif, avant l’enregistrement d’« Angels and daemons at play » une volée de singles, un mini CD et quatre albums studios. Tous passés inaperçus. Phénomène qui s’explique facilement pour une formation en avance sur son temps. Mais qu’il est difficile d’admettre au vu de l’originalité et de la qualité de sa musique. Entretien avec Snah (NDR: prononcez ‘Schann’), porte parole mais surtout guitariste de cet ensemble finalement plus européen que scandinave.
« Blissard », votre album précédent avait été enregistré dans les anciens studios d’Abba à Stockholm. Cette aventure a dû vous coûter un os?
Effectivement. Mais, nous avons pu bénéficier des infrastructures d’un studio nickel, à la pointe de la technologie moderne, meublé d’instruments historiques tel qu’un piano à queue dont Abba s’était servi pour enregistrer. On a même eu la chance de pouvoir l’utiliser. C’était une chouette expérience qui n’a duré que 15 jours, mais elle nous a coûté la peau des fesses. Pas seulement à cause du studio. Mais aussi des chambres d’hôtel que nous avons dû louer. On en garde cependant un très bon souvenir. « Angels and daemons » a été enregistré en Norvège. En sept jours. Dans un studio moins onéreux. On s’était brûlé les ailes une fois, c’était largement suffisant. Et puis nous ne souhaitions pas y séjourner trop longtemps. Parce que nous serions incapables d’y passer 2 mois. Nous deviendrions complètement fous. Il ne nous a d’ailleurs fallu que 3 semaines pour le terminer. C’est largement suffisant. Nous avons tout fait nous même. Même le mixing et la production. L’inspiration et l’énergie étaient au rendez-vous à ce moment-là. Ce qui nous a permis de conserver ce feeling ‘live’ auquel nous tenions absolument.
« Demon box » en 93 et « Angels and daemons at play » aujourd’hui. Etes-vous fascinés par les forces du bien et du mal? Par la mythologie, les divinités, la vie après la mort?
Oui, bien sûr. Nous lisons énormément de bouquins consacrés à la littérature ésotérique, aux phénomènes paranormaux. Nous sommes intéressés par ce genre de choses. Ce qui ne veut pas dire que nous jouions au tarot pour décider de notre avenir. Nous savons ce que nous devons faire et ne prenons jamais nos décisions sur un coup de tête. Néanmoins, j’estime que la mythologie, l’histoire et les fables sont très importantes pour nous. Surtout lorsqu’on vit dans un monde qui veut se couper du passé, pauvres en relations humaines, ultra matérialiste. Ce qui ne veut pas dire que nous adhérions à la sorcellerie ou que nous organisions des messes noires. On est loin de tout ça. Tout simplement, on essaie de réinventer une certaine philosophie de la vie...
Votre musique est à la fois riche et complexe. Il y a des tas et des tas d’influences. Etes-vous intéressés par l’histoire du rock’n’roll?
Absolument! Nous reconnaissons être influencés par beaucoup d’artistes issus de l’histoire du rock’n’roll. Certains plus que d’autres. Cela nous permettra peut-être de projeter une nouvelle lumière au sein de l’univers du rock et de la pop. Nous aimons les groupes issus des sixties et des seventies. Le jazz aussi. Notamment John Cotrane. Le krautrock de Can et de Faust. Et puis une multitude d’autres formations dont les noms m’échappent pour l’instant.
Telles que King Crimson et Sonic Youth?
Nous écrivons nos chansons un peu à la manière de Sonic Youth. Nous les composons à la guitare en partant d’une hauteur mélodique branchée sur un réglage spécifique. Le problème, c’est qu’en tournée, vous trimballez une bonne vingtaine de guitares. Parce que chaque chanson exige un réglage spécifique. Mais cela en vaut la peine.
Est-ce qu’on peut dire que Motorpsycho est quelque part prog pop? Nous voulons dire dans l’esprit de Spiritualized et d’Ozric Tentacles; mais dans un autre style?
Oui ! Parce que nous exprimons nos chansons à la fois de manière semblable et différente. Différente parce que nous avons chacun notre style. Semblable, parce que l’interprétation de nos compositions est à chaque fois différente. Prend l’exemple d’Ozric Tentacles qui ne programme que 50 % de ses chansons. Le reste se construit suivant un schéma totalement improvisé. Et ça marche!
Comment expliquer ce boom de la scène pop/rock scandinave?
On assiste pour l’instant à une véritable explosion de groupes en Europe et pas seulement en Scandinavie. C’est le résultat de cette nouvelle vague psychédélique. En fait, elle a été fort négligée au cours des 20 dernières années. Le punk et ses dérivés l’ont empêchée de se développer. Surtout sur le Vieux Continent, plus réceptif à une musique progressive, élaborée. Elle a dû se terrer dans l’underground en attendant son heure...
Que représente Bel Canto pour Motorpsycho ?
Nous les connaissons bien. Ils sont en train de prendre du bon temps, ils viennent de sortir un dernier album, qui soit dit en passant n’est pas fameux. Issu du Nord de la Norvège, ils ont un caractère typiquement scandinave. Ils vivent à Tromsø, un lieu très particulier. En fait, l’hiver il fait toujours nuit, et en été presque toujours clair...
Vous avez écrit la bande sonore pour un film de country & western appelé « The tussler ». Aimez-vous le cinéma italien? Et tout particulièrement le western spaghetti?
Nous aimons les films de Sergio Leone et de Clint Eastwood. Et nous avons été très heureux de pouvoir composer cette bande sonore. D’autant plus que nous apprécions beaucoup la musique country. En fait, les Américains de peau blanche sont d’origine européenne, et la country vient également d’Europe. Mélodiquement, nous nous sentons très proche de ce style de musique. Et régulièrement, il nous arrive de jouer du banjo ou de la steel guitare. C’est un défi pour nous. Nous apprenons beaucoup à travers tous ces différents styles de musique. Nous avons même réalisé un projet en compagnie d’un groupe de jazz norvégien. Nous avons beaucoup répété pour finalement nous produire ensemble lors d’un concert de jazz en Norvège. Nous sommes ouverts à tous les styles musicaux. Nous sommes capables de passer du heavy metal aussi sauvage que celui de Motörhead à la musique psychédélique.
Quelle est la genèse du nom du groupe? Y a t-il une certaine corrélation avec la psychomotricité? Et pourquoi?
Nous étions invités à Londres en 1990 pour assister à une conférence sur la psychomotricité, mais nous n’y sommes jamais allés, car nous étions bourrés. Avant de fonder le groupe, je travaillais dans un centre de réhabilitation pour les accidentés de la route. J’étais, il est vrai, déjà dans ce milieu de la psychomotricité. Mais, en réalité, nous n’avons jamais pensé à cela lorsque nous avons choisi le nom du groupe. En fait, nous trouvions que c’était un nom qui collait bien et puis on l’a choisi parce qu’on aimait l’étymologie du mot: Motor Psycho...
Merci à Vincent Devos.
(Article paru dans le n° 56 du magazine Mofo de septembre 1997)
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