Ivan Král, contrairement à ce vous auriez pu penser, n'est pas n'importe qui. Son père était diplomate en Tchécoslovaquie. Membre de l'ONU, sa prise de position dictée par le printemps de Prague, le force à s'exiler aux States en 68. Il y emmène toute sa famille. Le fils retombe assez rapidement sur ses pattes. Puisqu'il décroche un job aux studios Apple, pour y travailler en compagnie des Beatles. On le retrouve en 1975, au sein de Blondie. Membre originel du combo, il n'y séjourne cependant que huit mois. Pour rejoindre le groupe de Patti Smith. Il y restera jusque la dissolution de la formation. Soit en septembre 79. Un épisode marqué par l'enregistrement de quatre elpees, pour lesquels il écrit ou coécrit la quasi totalité des compositions. Guitariste pour Iggy Pop, le temps de commettre "Soldier" et "Party", il embrasse alors une carrière de musicien de studio et de producteur. John Cale l'enrôle cependant pour tenir la râpe sur "Cowgirls get the blues". Figurez-vous que même Bowie a repris une de ses compositions, et que Bono ainsi que Tina Weymouth (Talking Heads) lui vouent une grande admiration. Mais allez comprendre pourquoi il vient seulement de commettre son premier album solo? Une œuvre découpée en douze fragments de pop mélancolique, que stimulent des accords de guitare chatoyants, légèrement reverb, dispensés à la manière de Lloyd Cole, lorsqu'il était encore flanqué de ses Commotions. A moins que ce ne soit l'inverse! Et pour que l'information soit complète, sachez que pour la circonstance, John Cale et Patti Smith lui ont renvoyé l'ascenseur.
C'est probablement en éternuant que cet ensemble italien a découvert son patronyme. Il venait en même temps de choper le rhume de l'underground. Une épidémie que semble avoir contracté le label Delerium Rcds et dont les contaminations se précisent au fil du temps. D'après les premières analyses il s'agirait d'un virus à haute toxicité rencontré pour la toute première fois chez Terry Riley. En 1967, très exactement. Puis réapparu au cours des seventies sous une forme krautrock. En Allemagne. Les plus atteints furent Can, Neu et Faust. D'autres en ont présenté les symptômes, mais sans jamais véritablement conduire au même diagnostic. Frank Zappa, notamment, en pleine période ‘fusion’. Et puis Rick Wakeman. Extrinsèquement à Yes. Cosmic Overdose en a souffert d'une forme plus technologique. Au début des eighties. Le plus grave, dans l'histoire, c'est que ce fléau se cache ici sous une forme gothique post Bauhaus, atteignant même les cordes vocales qui n'appartiennent pourtant pas à Peter Murphy. Même sous une forme plus folk comme sur "Secret Power", le mal demeure sous-jacent. Dès qu'un Kryptästhesie survient, protégez-vous, sortez votre mouchoir...
Avant de se fixer à Vancouver, ce Néo-zélandais a transité par toute une série de groupes, parmi lesquels, nous retiendrons le Nocturnal Projections, This Kind of Punishment et Plagal Grind. Mais depuis son arrivée au Canada, cet artiste s'est surtout soucié de sa carrière individuelle. Ce qui ne l'a pas empêché de participer à l'enregistrement de l'album de Mecca Normal, " The eagle and the poodle ". Pour y assurer les drums, mais également la production. Jean Smith, chanteuse du groupe, lui a donc renvoyé l'ascenseur. Tout d'abord, en produisant cet " Elevator madness ", troisième album solo de Jefferies. Puis en lui offrant les services de l'ingénieur du son, Mark Cohen, donc le bénéfice des studios " Profile " à Vancouver. A l'exception des parties de guitare, Peter se réserve l'intégralité de l'instrumentation. Avec une prédilection pour le piano. Qu'il parvient à faire sonner, le plus souvent comme Ed Kuepper. Mais aussi comme Peter Hammill. Notamment sur l'étonnant " Satellites and sparks ", morceau qui n'aurait pas dénaturé le répertoire du citoyen de Bath. Et puis, comme pour conforter notre point de vue, il s'autorise même une incursion dans le prog rock sur " Shut out ", un morceau de prog rock, vous le suspectez, réminiscent du Vander Graaf Generator...
Si à l'origine, Jesus Lizard courtisait un punk post Buttholes/Big Black/Happy Flowers, aujourd'hui il opère, à l'instar de feu Jeffrey Lee Pierce (Gun Club) et de Nick Cave, dans le blues urbain, sordide, occulte. Les treize fragments de "Shot" macèrent ainsi au sein d'un climat malsain, pathétique, tourmenté, déchiqueté par des rythmes versatiles, venimeux. Découpés chirurgicalement par les cordes de guitares malveillantes, rampantes, rageuses, parfois même sous une forme "steel", comme sur l'excellent "Good riddance", ils suppurent de lyrics obscènes, répugnants, machistes, cyniques, proférés par le vocal gémissant, grinçant de Yaw, aussi grinçant et gémissant que celui du vocaliste des Pistols, John Lydon. L'album atteint même son intensité paroxystique sur "Too bad about the fire" et surtout lors du final "Pervertedly slow", composition qui aurait tout aussi bien pu appartenir au répertoire des Stranglers originels, si elle avait eu recours aux claviers.
Ce trio new-yorkais a la particularité de ne pas disposer de bassiste. Et de compter pour leader, l'ex-membre fondateur du défunt et mythique Pussy Galore, Jon Spencer, personnage qui partage, en outre, le leadership de Boss Hog, avec sa compagne Christina Martinez. Après trois elpees, pratiquement passés inaperçus, ce groupe vient de graver " Now I got worry ". Un opus pour lequel le trio a notamment reçu le concours d'une légende du rythm'n blues, Mr Rufus Thomas. Le blues électrique, saturé, sulfureux et totalement hypnotique du JSBE ne se contente pourtant pas de digérer des influences qui oscillent de John Lee Hooker à Robert Johnson. Il se tourne régulièrement vers un rock'n’roll mâtiné de jazz ou de funk. Sans pour autant renier ses obsessions dangereuses, sensuelles, primales, qu'il emprunte tantôt au minimalisme convulsif des Cramps ou au psychédélisme de Jimi Hendrix.
Sois spécial! C'est le cri de cœur prononcé par ce quatuor issu d'Irlande du Nord. De Portadown très exactement. Une formation qui accorde beaucoup d'importance au poids de ses lyrics. Dénonçant tantôt les frustrations de sa génération ou s'élevant face au fanatisme religieux. Mais si le punk pop de Joyrider est aussi provocateur que celui de Green Day, il dispense cependant une énergie juvénile davantage insulaire. Plus proche d'Ash que des formations d'Outre Atlantique. Le groupe apporte d'ailleurs un soin tout particulier au sens mélodique de ses compositions, à l'instar des Undertones. Un mythe pour les Irlandais! Album frais, abrasif, percutant, "Be special" pioche même parfois dans l'univers hymnique du grebo. Celui de Senseless Things, de Ned's Atomic Dustbin et du défunt Wonderstuff. Ce qui justifie probablement le titre de cet album de Joyrider, déjà considéré comme grand espoir de la scène pop/rock britannique...
Flanqué d'un nom pareil, il aurait été dommage de repousser la chronique de cet opus à juillet. D'autant plus que ce disque respire une certaine fraîcheur. Pour ne pas dire une fraîcheur certaine. Empruntée tour à tour à Lush, Throwing Muses, Veruca Salt, Sugarcubes, les Slits, Superchunk ou Archers of Loaf. Faut dire que la formation compte pour personnages centraux, une chanteuse et une guitariste. Les trois kids se partageant la seconde râpe, la basse et les drums. Un disque qui peut se révéler tantôt torturé, complexe ou intimiste démontrant, chez ce quintette une force créative hors du commun, même si parfois elle en devient oblique. "I am beatiful" constituerait apparemment le premier album du quintette, un morceau de plastique qui a bénéficié du concours de Jim Rondinelli (Sloane, Urge Overkill, Jayhawks) à la production.
Allman Brothers Band, Doobie Brothers, Lynyrd Skynyrd, Toto et surtout les Eagles, toute une panoplie de formations qui doivent certainement hanter les nuits de ce quintette yankee. Jupiter Coyote (NDR: rigolez pas, mais chaque fois que je tape la première partie de ce nom, je remplace inconsciemment le t par un l!), aurait dû naître au cours des seventies. Sa sensibilité mélodique est finement sculptée dans un rock carré, sudiste, sophistiqué, privilégiant les harmonies de guitares jumelées, un peu comme si inconsciemment, il essayait de retrouver la formule magique de « Hotel California ». Mais le charme est rompu depuis bien longtemps!...
Snow Job constitue le deuxième album de cet ensemble australien drivé par l'ex Go-Betweens, Grant McLennan et le leader du défunt Church, Steve Kilbey. Un disque dont la sophistication du son frôle la perfection, à l'instar du premier opus éponyme du groupe. Un raffinement qui n'est pas sans rappeler la pop luxuriante d'un House Of Love, le psychédélisme intimiste de Robyn Hitchcock et l'éloquence moyenâgeuse de Paul Roland. Même si certaines compositions piochent manifestement dans l'histoire de la pop et du rock. Celui de la fin des sixties et du début des seventies, en particulier. Notamment "Dry rock" plus Stones que nature, cette "Little song" à la mod Kinks et le dylanesque "Angela Carter". Mais la quintessence de l'œuvre est atteinte sur le pénultième fragment, "Haze", petite perle de plus de six minutes dont la fascination obsessionnelle devient progressivement indélébile...
A l'instar des musiciens de Tindersticks, ceux de Jack se partagent une multitude d'instruments. Depuis la guitare à la batterie en passant par les drums, la basse, le piano, l'alto, le violoncelle, le violon, les cuivres et les claviers. En outre, les compositions sont également enrichies d'arrangements orchestraux sophistiqués, majestueux... Mais ici cessent les comparaisons. Déjà que Jack compte sept musiciens, alors que Tindersticks n'en dénombre que six; mais la véritable différence se situe au niveau du ton abordé par les deux ensembles. Glacial, ténébreux, nicotiné par le timbre vocal de Stuart Staples chez le sextette, il se révèle plus enlevé, plus remuant parfois, voire tempétueux chez la formation galloise. Une texture dont l'amplitude est dynamisée par la voix tantôt mystérieuse, susurrée, tantôt opératique, décadente d'Anthony Reynolds (Matt Johnson?) qui épanche ses lyrics dans un langage ésotérique, obsédé par la misogynie, l'alcoolisme et la déchéance humaine. Neuf fragments composent ce "Pioneer soundtracks", neuf mélodies exquises, tâchées de sensualité qui, dans un espace d'ombres et de lumières, vacillent ou s'estompent comme balayées par un tourbillon de mélancolie...
Quatuor exclusivement féminin, acronyme de Jennifer, Alyson, Laura et Eve, Jale pratique un popcore aussi spontané, fragile et contagieux que celui de Veruca Salt. Moins furieux, moins âpre cependant; sa texture épousant plutôt des caractéristiques country (Walkabouts) que métalliques (Pixies). Un combo canadien (Halifax, Nouvelle Ecosse) responsable de pop songs rafraîchissantes, spontanées, délicieusement saupoudrées d'harmonies vocales célestement sucrées...
Deux nouveaux CD pour le mythique (pourquoi pas?) groupe français Indochine. Deux compilations en vérité. La première: "Unita", qui n'est qu'un "Best of". La copie conforme du "Birthday album" sorti il y a quatre ans. Tous les standards du trio y sont repris. De "L'aventurier" (1982), à "Savoure le rouge" (1993). En passant par le sociopolitique "Les Tzars", le naïf et puéril "3 nuits par semaine", une version live du "3e sexe", le romantique "Le baiser" ainsi que sept autres chansons toutes aussi connues. Un point positif peut-être, l'inédit qui ouvre cet "Unita" et qui devrait être retenu sur un nouvel album prévu fin de l'année: "Kissing my song". Sorte de Depeche Mode français à la fois excitant et planant. Pour le second CD "Les versions longues", ce sont treize chansons qui ont été remixées afin d'allonger leur durée. Un disque tout aussi inutile. Les versions les plus courtes ne sont elles pas les meilleures ? En tout cas, on se demande vraiment ce que fait le groupe depuis qu'il est orphelin du guitariste/compositeur Dominique Nicolas. Sortir deux "Best of", un remix LP et un live en à peine 4 ans, c'est vraiment pas très sérieux. Surtout quand on connaît le potentiel de la formation. A quand l'‘Unplugged’ voire le ‘Tribute to’!
Amour, sexualité, sensualité, rêves, la sensibilité adolescente profondément ancrée au navire Indochine est toujours aussi présente sur le nouveau CD du duo français. C'est en tous cas ces signes distinctifs qui ont fait du groupe ce qu'il est aujourd'hui. Quant à la musique, ni le départ de Dominique, ni l'endroit (Brusselles!!!), ni la production de Djoum (Kat Onoma, Urban Dance Squad) n'y ont changé quelque chose. Nous naviguons encore et toujours entre les rythmes chaotiques de Depeche Mode, la fibre mélodique de Telephone, la simplicité d'Etienne Daho et, nouveauté, la nostalgie de Pascal Obispo. Deux titres sortent quand même du lot. Le premier, " Kissing my song " où Indochine est parvenu à réaliser quelque chose de bien neuf. Le second " Drugstar " qui, par contre, nous a bien fait rire, nous rappelant le célèbre sketch des Inconnus, " Isabelle a les yeux bleus "... Heureusement, le reste de l'album tient très bien la route. Et après 16 ans de bons et loyaux services, nous devons quand même tirer notre révérence...
Archétype du groupe hard par excellence, Iron Maiden n'est pas, il faut l'avouer, un groupe que nous affectionnons tout particulièrement. Pourtant, son existence remonte à 1976. Et nonobstant une foultitude de changements de personnel, il est toujours demeuré fidèle à une certaine image. Et quelle image! Puisqu'elle représente un monde peuplé de monstres les plus hideux, les plus odieux que vous hésiteriez même à regarder dans le plus cauchemardesque des films d'épouvante. " Best of the beast " constitue, vous l'imaginez, une compilation. Un double CD présenté sous la forme d'un booklet luxueux, abondamment illustré, enrichi de l'arbre généalogique du groupe, et surtout qui réunit 27 fragments enregistrés depuis 1978 dont quelques raretés et un inédit, " Virus ", composition qui devrait incessamment sortir en single
Chris Isaak doit avoir attrapé un fameux coup de blues pour oser enregistrer un album de cette trempe. Bien sûr, ce rocker mélancolique s'est toujours identifié à ses idoles; et en l'occurrence Elvis Presley, Roy Orbison et Ricky Nelson... Mais de là à le voir enregistrer un album aussi revivaliste, il y a un pas que nous n'imaginions ne jamais le voir franchir. Sur les treize titres de ce "Baja sessions", seuls "Wrong to love you", l'excellent et subrepticement rogné de claviers sixties "Two hearts", ainsi qu'une version plus alanguie de "Dancin'" échappent au syndrome des fifties. Evidemment, les quinquagénaires qui ont la nostalgie de ballades sentimentales "surfées" d'accords de guitares "hawaïens", vont se régaler; d'autant plus qu'ils vont retrouver à côté de chansons volontairement démodées quelques reprises de classiques signés Orbison ou immortalisés par le King...
Il a fallu patienter jusqu'au 15ème morceau du disque pour enfin nous mettre quelque chose sous la dent. Puis attendre les quatre derniers titres. Des ‘bonus tracks’ réservés à des covers, par dessus le marché. Un comble! Notamment. "Executioner" de Robin Hitchcock et "Swingin' party" de Paul Westerberg. Westerberg, cherchez bien, c'était le leader de Replacements. Un monument adulé par Icecream Hands. Tout comme les Crowded House, d'ailleurs. Ce qui vous donne une petite idée du style pratiqué par ces Australiens. Enfin, reproduit sous une forme plus lisse, plus tendre, plus sophistiquée. Avec de superbes harmonies vocales partagées entre les quatre musiciens du combo. Dans le désordre, on y retrouve même un timbre proche de Roddy Frame (Aztec Camera) et des inflexions empruntées à Elvis Costello. Maintenant, allez-donc comprendre pourquoi la mayonnaise ne prend pas. On parie qu'ils sont allés chercher l'œuf d'Heliogabale...
Faute d'American Music Club, il faudra donc consommer du Red House Painters ou de l'Idaho. Trois saveurs finalement fort proches. Tout au moins dans le style contemplatif et mélancolique. Jeff Martin (rien à voir avec le leader de Tea Party) en est le chanteur, compositeur, guitariste et surtout le guide spirituel. Et John Berry son fidèle apôtre. Lors de l'enregistrement des deux premiers albums. "Years after years", et "This way out", le duo s'est d'ailleurs partagé la quasi-totalité du boulot. Pour la confection de "Three sheets to the wind", il s'est cependant décidé à s'entourer d'un véritable groupe, et peut aujourd'hui envisager de partir en tournée. Ce qui ne change cependant pas grand chose au style musical pratiqué par Idaho. Dix titres tourmentés, douloureux, dont la torpeur stimulante émane des sonorités impressionnistes d'un piano, d'une ligne de basse sinistre, de bouffées d'électricité austères, indolentes, fiévreuses, chargées de feedback et surtout de la voix fatiguée, blême de Jeff. Un album possédé à la fois par la vulnérabilité tranquille de Nick Drake et la complexité morbide de Leonard Cohen...
En 1989, les frères Ross quittaient le navire, laissant au gouvernail les frangins Weatherill flanqués de trois nouveaux musiciens. Après un silence de plus de cinq ans ils nous reviennent sous un même line-up, mais avec un style plus blues. Hormis "Hard Peace", dernier héritage de "Hearts of fortune" voire de "Dumb poet", toute la texture acoustique, qui faisait le charme d'Immaculate Fools, s'est évaporée. Même la voix de Kevin Weatherill, autrefois si proche d'un Peter Hammill ou d'un Richard Butler a perdu de son registre, de sa superbe; comme si elle souffrait de laryngite aiguë. "Kiss and punch" marque pour le quintette une nouvelle orientation musicale. Davantage tournée vers les seventies. Avec dans le meilleur des cas, des chansons qui avouent un petit faible pour Kevin Coyne voire Van Morrisson. Et dans le pire, qui adoptent le profil prog rock de Genesis circa "The lamb lies down on Broadway"...
Il faut avouer qu'au départ, l'idée de cette reformation nous avait laissés perplexes. D'autant plus que ni Sarah Lee, ni Dave Allen, bassistes successifs du combo, et encore moins le drummer Hugo Burnham n'étaient impliqués par le projet. Andy Gill et Jon King, respectivement guitariste et chanteur du mythe de Leeds, ont d'ailleurs dû engager une flopée de musiciens de studio pour atteindre leur objectif. Et, le résultat va au delà de nos espérances. Les riffs de guitare cinglants cisaillent les mélodies pop avec une redoutable efficacité. La voix acérée d'Andy essaime ses lyrics intelligents, féroces à défaut de ne plus être aussi engagés. Le tempo est syncopé, en constante effervescence électrique... Gang of Four vient de renouer avec le ‘white funk’ comme au temps de sa splendeur!
Compilation très sélective pour l'ex-leader du Vander Graaf Generator, puisque dix des treize titres qui composent l'album couvrent une période qui s'étale de 1992 à 1996. C'est à dire, à partir du moment où Peter s'est décidé à enregistrer sur son propre label, "Fie". Les trois autres compositions relèvent d' "Enter K" (82) et de "Patience" (83), disques pour lesquels l'artiste a racheté les droits d'auteur. Un recueil qui ne permet cependant pas de se faire une idée précise de son œuvre, parce qu'elle n'embrasse qu'un bon quart de sa discographie, entamée, faut-il le rappeler, en 1968...
Artiste intemporel par excellence, vierge de toute prostitution dans le créneau dit "commercial", Peter Hammill nous propose un nouvel épisode de ses aventures dans la musique progressive. Le vingt-quatrième ou le vingt-cinquième, nous ne savons plus très bien. Mais le plus remarquable, c'est qu'à l'aube de ses trente années de carrière, il parvient encore à explorer de nouveaux horizons sonores... Nous connaissions sa maîtrise de l'overdubbing dans le domaine des harmonies vocales. Elles ont toujours permis à Peter d'utiliser toute l'étendue de son registre et ainsi de multiplier les voix à l'infini. Souvent la sienne. Il vient de pousser le bouchon un peu plus loin. En intro de cet opus. Sur la version a capella de "A better time". Un travail d'orfèvre qui se mue en mouvement pour polyphonie vocale. Des chœurs qu'il met au service de sa propre voix. Deuxième type d'expérimentation, la collaboration d'un quatuor à cordes. Pas nouveau, vous nous rétorquerez. Exact! Mais si en final il affronte cet orchestre uniquement de son chant, d'une manière pure, tendre, romantique; à plusieurs reprises, il s'en sert pour enrichir la texture de sa musique. Et dans ce domaine, il a pu compter sur le précieux concours de son violoniste, Stuart Gordon. Et puis de l'ex VDGG, Dave Jackson. C'est vrai qu'en studio, Peter a toujours pu compter sur son vieux pote. Mais pour la première fois depuis bien longtemps, Dave apporte une collaboration beaucoup plus active aux cuivres. Notamment sur ce "Narcissus (bar & grill)". Le point d'orgue du CD. Titre hypnotique, obsessionnel, envoûtant, fondamentalement underground, qui aurait tout aussi bien pu figurer sur le célèbre "Pawn Hearts" de Van der Graaf Generator. Maintenant, ne vous attendez pas non plus à un album exclusivement expérimental. Peter y réserve également une part importante d'émotion. Et ses interventions vibrantes, intenses, au piano, conjuguées à son timbre vocal fragile, profond, déchirant n'y sont bien sûr pas étrangers...
Réédition en compact disc de quatre des six premiers elpees d'Hawkwind, enrichis pour la circonstance de toute une volée d'inédits. Les inconditionnels du vinyle ne doivent cependant pas voir cette opération d'un bon œil, puisque les pochettes originelles des différents albums constituent aujourd'hui de véritables petits chef d'œuvres. Et certains de ces disques peuvent même atteindre, à la bourse des collectionneurs, plusieurs milliers si pas dizaines de milliers de francs. Mais il faut reconnaître que la conversion (!) est remarquable. En fait le concept original a été tout simplement miniaturisé. Même les booklets. En outre, le mécanisme à volets a été scrupuleusement respecté. Sans oublier le recours à la matière cartonnée pour le confectionner. Pour ceux qui ne connaîtraient pas Hawkwind, sachez que cet ensemble insulaire constitue un pionnier du "space rock". Et des formations telles que Loop, Spacemen 3 ou Ozric Tentacles y reconnaissent une influence majeure. Bien que ne comptant plus qu'un membre du line-up original, Hawkwind s'est reformé il y a quelques années et continue à se produire en concert…
Ce disque a failli ne jamais sortir. Enfin sous ce titre. Pour la simple et unique raison que David Byrne estimait que le vocable utilisé était beaucoup trop évocateur. Mais si le leader spirituel du défunt et mythique Talking Heads n'avait pas tout à fait tort, il n'a pu faire valoir ses droits. Chris Frantz, Jerry Harrisson et Tina Weymouth, arguant la jouissance des trois quarts du concept. Néanmoins, pour enregistrer cet opus, le trio a dû faire appel à une ribambelle de collaborateurs. Et notamment onze vocalistes différents sur douze compositions; parmi lesquels on retrouve Debbie Harry (Blondie), Richard Hell (Voivoids) Maria Mc Kee (Lone Justice), Shaun Ryder (Black Grape), Ed Kowalczyck (Live), Andy Partridge (XTC) et Gavin Friday (Virgin Prunes). Sans oublier Johnette Napolitano (Concrete Blonde) également préposée à la guitare sur un des meilleurs morceaux de l'album, " Damage is done ". Mais hormis " No more lonely nights " matraqué sur les ondes radiophoniques, " Don't take my kindness for weakness ", dont la saveur ‘house’ mancunienne (Happy Mondays?) est parfaitement inoculée par Shaun et le gothique " Punk lolita ", on reste franchement sur sa faim. Les têtes seraient-elles devenues vides?
Avec une pochette illustrée par un superbe pétard féminin, prêt à s'asseoir sur un tas de neige décoré par un jaune d'œuf, il fallait s'attendre à un contenu plutôt hard. Peinture et poésie pornographique alimentent d'ailleurs des lyrics aussi subtils que ceux des Nymphs (!). Même que le professeur Cheron devrait apprécier. Musicalement ce "Yolk" navigue quelque part entre le hardcore de Pussy Galore et le noisecore de Sonic Youth. Mais le Sonic Youth de sa période no wave. C'est à dire parfois avec des mélodies génialement bruitistes. Et puis d'autre fois ‘cacophoniquement’ chiantes. Et pas la peine de chercher une quelconque association douteuse. C'est un site musical quoi, pas de cul!
Unique survivant de la vague métallique allemande de la seconde moitié des années 80, Helloween distille un heavy rock qui, s'il ne manque pas de prouesses techniques, détonne dans le paysage hard actuel. Néanmoins, "Time of the oath" comblera de bonheur les fans de l'époque glorieuse du groupe à la bannière potagère (la citrouille). Tout l'attrait passé d'Helloween se retrouve sur les onze plages qui composent ce nouvel opus. Les longs morceaux parsemés de multiples changements rythmiques, le gros heavy mélodique un peu bourrin, et bien entendu l'inévitable ballade mielleuse. Certains groupes en perte de vitesse ont relancé toute une carrière sur base d'une plaquette nettement moins bien ficelée que "Time of the oath". Il reste à Helloween de regagner une crédibilité perdue suite à de trop fréquents changements de personnel.
Pour enregistrer son sixième album, Joe Henry a reçu le concours de quelques grosses pointures, parmi lesquelles nous avons relevé la présence de Page Hamilton, guitariste d'Helmet, Carla Azar et Tim O' Reagan, drummers et percussionnistes chez Jayhawks, ainsi que de Bucky Baxter, membre du backing group de Robert Zimmerman, préposé pour la circonstance au sitar et à la guitare ‘steel’. Alors que le chanteur/compositeur/multi-instrumentiste s'était contenté, dans le passé, de raffiner tranquillement son country rock, ce "Trampoline" marque un profond changement dans le style de Joe. Basiquement country, c'est vrai. Mais impliquant une foultitude d'instruments inhabituels dans cet univers traditionnel. Guitares multi-texturées, percussions reverb, trombone gospel ou orgue à soufflets participant activement à l'élargissement de ses nouvelles perspectives sonores. Pas de changement cependant dans sa manière de chanter, son timbre croustillant, languissant, dylanesque, chuchotant ses histoires de rêves brisés avec une ironie réaliste.
Pas grand chose à dire sur cette de formation heavy metal qui nous vient d'Espagne, si ce n'est qu'elle bénéficie d'une énorme popularité dans son pays natal, popularité qu'elle ne parvient cependant pas à exporter hors de la péninsule ibérique. Un phénomène qui n'est pas sans nous rappeler le cas Litfiba, mais en Italie. Et la vidéo qui accompagne la sortie de ce double live en est le témoignage le plus éloquent. Une suite d'extraits d'un concert accordé dans un stade archi comble et entrecoupé d'interviews. En fait, ce " Parasiempre " ravira certainement les aficionados de ce rock latin qui vivent dans la communauté européenne. Mais pour les autres?...
Tout comme Bailter Space, High Dependency Unit appartient à l'aile expérimentale de la scène néo-zélandaise. Maintenant, chez ce groupe, nous nous demandons où se trouve la frontière entre l'expérimentation et la cacophonie, car hormis " Sum rise ", sorte de nébuleuse atmosphérique qui joue sur les oscillations du son, comme à l'époque où le duo circonstanciel Eno/Fripp tripotait ses ‘frippertronics’, on patauge dans une sorte de punkcore sub Sonic Youth vaguement psychédélique, pour ne pas dire bruitiste. Indigestion garantie!
N'ayant plus donné signe de vie depuis 1993, année de l'enregistrement de l'elpee "Mouth by mouth", nous nous demandions si la formation ne s'était pas séparée. Il n'en est rien, puisque l'ensemble yankee, du Michigan très exactement, nous revient avec ce "Stars on E.S.P.". Un opus pour lequel, il s'est entouré d'une véritable armée de collaborateurs. Première constatation, le style évanescent, vaporeux, atmosphérique, post cocteautwinesque des débuts a glissé vers une pop plus sylvestre, plus proche d'Everything But The Girl. Et ce, nonobstant les bourrasques psychédéliques, fuzzy, subtilement traversées de sons naturels, que la formation exhale, à l'instar d'un Mercury Rev. Un album cependant dominé par des arrangements somptueux, fastueux, dont l'aspect sombre et troublant est surtout accentué par le vocal chuchoté, adorablement angélique de Karin...
Malgré tout son talent, ce Londonien n'a jamais récolté le succès qu'il aurait amplement mérité. En fait, que ce soit au sein des Soft Boys, flanqué de ses Egyptians ou en solitaire, il a toujours été en avance sur son temps. Bien avant House of Love, il fut un précurseur du renouveau de la pop britannique. Inspiré par Syd Barrett, Robyn véhicule une imagerie qui oscille de la mélancolie rêveuse à l'humour capricieux, morbide. Ses chansons sont ciselées dans les accords de guitare semi acoustiques cristallins, vibrants et caressées par son timbre vocal tendre, légèrement plaintif. Des chansons pop particulièrement soignées qu'il trempe délicatement dans l'acid rock post sixties, ou dans le psychédélisme, si vous préférez. Et malgré la décennie qui vient de passer, Robyn Hitchcock n'a rien voulu changer à la formule. " Moss elixir " n'en est que plus savoureux!
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