Tiger a sa propre idée du glamour (trad: enchantement, éclat), du glam (NDR: style musical prôné au cours des seventies par des artistes ou des formations telles que Bowie, T Rex, Gary Glitter et Roxy Music). En fait, c'est l'excentricité de la musique et l'impressionnisme des lyrics qui confirment cette impression ; pas leur attitude et encore moins leur look. Ce qui semble avoir fort surpris la presse insulaire, et dans la foulée provoqué son agacement. Pourtant, tous les médias s'accordent à reconnaître chez Tiger une certaine originalité, et même une originalité certaine. Et ce " We are the puppets " en est la plus belle démonstration. Alors, pas de quoi faire la fine bouche; d'autant plus que la griffe électrique de Tiger écorche au passage Stereolab, Supergrass, Devo et même Pulp. Etonnant!
Pour concocter ce nouvel opus, John Lennel et John Flansburgh ont reçu le concours de nombreux musiciens de studio. Notamment Brian Doherty (John Henry) aux drums, Graham Maby (Joe Jackson) à la basse et Eric Schermerhorn à la guitare; recrutement auquel le duo ne nous avait guère habitués, puisqu'en six albums, ce n'est que la deuxième fois qu'il s'entoure d'un véritable groupe. Grands admirateurs de Devo et des Residents, les deux John ont longtemps prôné la thèse du minimalisme, pour mener à bien leurs expérimentations, au sein de They Might Be Giants. Des expérimentations souvent farfelues, toujours aventureuses, destinées à réaliser un mariage idéal entre l'esprit et l'harmonie. Certains n'ont d'ailleurs pas hésité à les taxer de dadaïstes. Et si la texture instrumentale, à l'origine limitée à un accordéon, une guitare, un enregistreur et une voix, s'est étoffée au fil des disques, il faut reconnaître que la recherche a toujours été leur credo. Sur " Factory showroom ", on a ainsi droit à une composition très curieuse, enregistrée au site historique " Edison " de West Orange, à l'aide du matos d'époque, sans électricité; puis en intro à la participation d'une section à cordes et d'une section de cuivres. Des cordes et des cuivres mais également des percussions que l'on retrouve disséminés tout au long du morceau de plastique, dont les caprices technologiques se fondent naturellement dans la fluidité des pop songs...
En gravant " I don't want a lover ", dont la mélodie trotte toujours quelque part dans notre mémoire, Texas entamait sa carrière sur la plus haute des marches de la gloire. La suite sera bien moins triomphale, puisqu'elle se résumera à une dégringolade progressive des échelons, que le groupe n'avait même pas gravis. " White on blonde " semble être une exception à cet inéluctable déclin. En effet, l'opus est entré la semaine dernière dans le top 5 britannique, ce qui ne leur était plus arrivé depuis bien longtemps. Peut-être est-ce dû à l'accessibilité du CD. Il est vrai que du côté de la production (voire surproduction) ils nous ont gâtés! Violons, effets symphoniques, cuivres, sha-la-la par-ci, sha-la-la par-là. Reste le timbre de Sharleen qui a conservé toute sa sensibilité, sa puissante, son aura. Et puis la musique reste malgré tout celle de Texas. Certains titres nous ont d'ailleurs semblé fort intéressants. En particulier " Halo " ou le titre maître. Dommage que l'opus soit piqué aux hormones commerciales...
Dix années déjà que le quartet écossais roule sa bosse sur la scène pop rock contemporaine. Une décennie peuplée de six albums aussi solides les uns que les autres. Enfin presque, puisque " Bandwagonesque ", commis en 91, ne sondait que la noisy purement instrumentale. Quant aux cinq autres, y compris ce " Songs from northern britain ", ils font la part elle à la pop électrique, limpide, mélodique, héritée en ligne droite des Byrds, de Big Star (NDR : Encore !) et des Beach Boys. Un album sans grande surprise, mais surtout sans mauvaise surprise, dont le principal mérite est de ne jamais décevoir, et même, au fil du sillon, de séduire...
Après une tournée triomphale en Australie, le trio Canadien nous revient avec un quatrième elpee, " Transmission ". Nous n'allons pas derechef vous faire l'éloge de Tea Party, dont les trois premiers albums sont absolument remarquables. Mais simplement vous répéter que si vous aimez voir traiter le metal et le folk dans le sens le plus underground, le plus progressif du terme, Led Zeppelin, les Doors, la philosophie orientale, le symbolisme et le mysticisme, ces trois disques doivent absolument trôner en bonne place au sein de votre compactothèque. " Transmission " risque cependant de mécontenter les puristes. Ceux qui voyaient en Tea Party la résurrection du rock pur et dur. Et pourtant, cet opus ne manque pas de richesse. Beaucoup plus expérimental, il tente d'hybrider la musique électronique et l'instrumentation basique. Un peu à la manière de Stabbing Westward et de Filter. Mais en plus psychédélique, en plus exotique. Il plane d'ailleurs toujours sur la musique de Tea Party cette atmosphère grave, envoûtante, somptueuse, capable de vous donner le vertige... Il faut cependant reconnaître que si, pour la plupart des compositions de ce morceau de plastique, le traitement technologique est plutôt réussi ; et nous pensons ici à " Temptation ", " Army ants ", " Psychopomp ", " Gyroscope " et " Pulse ", certaines ont peut-être le tort de vouloir marcher sur les plates bandes, tantôt de Chemical Brothers, de Prodigy, de Moby et même de Ministry. D'autres encore font cependant preuve d'une toute autre audace. Notamment " Release " qui réussit la fusion, jusqu'alors impensable, entre Joy Division et l'ambient post " crimsonien " (" Island " ?), ou alors va à la rencontre de la culture maghrébine, à l'instar de feu Brian Jones, sur le titre maître, lorsqu'il ne succombe pas à la fascination hypersophistiquée d'un Japan, voire au gothisme spectral d'un Bauhaus sur " Aftermath "... Etonnant !
" The ghost sonata " constitue l'album ultime du groupe culte californien Tuxedomoon. Paru à l'origine en édition limitée, sur le label " Les temps modernes ", ce disque s'inspire d'un opéra sans paroles, accordé par le groupe en 1982 au festival de Polverigi, en Italie. Une œuvre ambitieuse, qui n'avait jamais été publiée auparavant dans son intégralité. Steve Brown, Blaine Reiniger et Peter Principle ont entièrement réenregistré tous les fragments de la bande son fin 90, tandis que les enchaînements narratifs et les bruitages procèdent des bandes originales de 1982. Attention, cet opus est essentiellement instrumental, et ne s'adresse, par conséquence qu'aux inconditionnels...
Non, non, ce n'est pas une formation insulaire, mais bien batave. Et pourtant, leur style musical s'inscrit parfaitement dans le contexte britpop contemporain. Vous avez certainement déjà eu le loisir d'entendre (ou d'écouter) leur single, " Doing time " ; en vous demandant s'il ne s'agissait pas d'une nouvelle composition des Charlatans. Privée de claviers. Mais bénéficiant d'une utilisation plus intensive des guitares. Bringuebalantes, sonores, exotiques ; un peu comme chez Kula Shaker. Ce qui vous donne une petite idée du ton emprunté par le quatuor. De la construction sinusoïdale des mélodies. Inspirée, en général, par le psychédélisme des Beatles. Circa " Magical Mystery tour ". Et plus précisément encore, hérité en ligne droite d' " I am the walrus " sur " Slim friend "...
Encore une reformation. Et d'un groupe légendaire s'il vous plaît! Né fin des sixties, il a cependant dû attendre le milieu des seventies pour connaître ses heures de gloire. Il est vrai plus pour ses prestations scéniques extravagantes et outrageantes que pour sa musique. Encore qu'au sein de son répertoire des compositions telles que " Don't touch me there ", " Mondo bondage " et surtout " White punks on dope " fassent figures de standard, sur l'échelle des valeurs du rock 'n roll. Maintenant, on se demande ce que ce groupe peut apporter aujourd'hui. D'abord Vince Welnick, Mike Cotten et surtout le guitariste Bill Spooner ne sont plus de la partie. En outre, les douze nouvelles compositions pourraient tout aussi bien figurer dans le répertoire actuel d'Aerosmith. Ce qui, aujourd'hui, n'est pas vraiment un compliment!
Apparemment, ce Triptych est une affaire de famille, puisqu'il réunit Pé, Edwin et Jo Reynders. Ils seraient d'ailleurs frères, que nous ne serions pas étonnés. Bref, ce " Superflies " constitue, à notre connaissance, leur deuxième album. Un disque qui, nonobstant des influences antinomiques, ne manque pas d'allure. Imaginez un peu la new-wave d'XTC, le prog rock de King Crimson circa " Lark's tongues in aspic " et le punkcore de Sonic Youth dans un même shaker. Remuez le tout, mais pas trop ; et puis vous aurez les idées plus ou moins précises de la musique concoctée par ce trio. C'est souvent complexe, alimenté par des mélodies et contre mélodies, régulièrement convulsif, pour ne pas dire syncopé, toujours underground. La basse ondoyante, les drums opulents, la guitare gémissante, parfois agonisante, les vocaux hauts perchés, un peu à la manière de John Wetton. Avec en prime un fragment instrumental de 7'19, " Revenge of the doktor ", sorte de Yes qui aurait eu la bonne idée d'écouter de la no wave... Etonnant !
Depuis sa fondation en 1983, Tribe After Tribe a toujours véhiculé une image de groupe rebelle. Faut dire que son leader, Robbi Robb est né en Afrique du Sud. Et bien que blanc, il a toujours milité, à travers ses lyrics, contre l'apartheid, tout en dénonçant les crimes perpétrés par ceux qui cautionnaient le système. Un engagement qui n'a certainement pas dû plaire au régime de l'époque, puisque après de multiples pressions, il a préféré émigrer en Californie. Et devinez quelle est la première chose que Robbi a faite en arrivant à Los Angeles? Continuer le combat, bien sûr! Clouant au pilori la CIA lorsqu'il ne s'attaque pas à la mafia de la drogue. Mais toujours avec la volonté de dénoncer les inégalités sociales. Tout ceci sur une musique rock. Tantôt métallique, garage, atmosphérique ou même funk. Mais toujours agitée par des percussions tribales ou enrichie de sonorités orientales. Normal lorsqu'on sait que Robbi a étudié les arts orientaux, et tout particulièrement égyptiens et turcs...
Noël Gallagher a déclaré, tout récemment, que Travis était, pour l'instant, son groupe préféré. Un fameux coup de chapeau, lorsqu'on sait que le guitariste d'Oasis est avare de compliments vis à vis de ses contemporains. Travis est en fait un combo glaswégien. Fondé en 1990, il vient seulement d'enregistrer son premier album. Un disque qui inclut bien évidemment le single " All I want to do is rock ", chanson qui rappelle instantanément " Mother " de Lennon, la voix de Francis Healy y proférant un cri primal aussi écorché que celui de regretté John. Tout au long de l'opus, le timbre vocal de Francis demeure d'ailleurs aussi lacéré, ses inflexions tantôt confidentes, tantôt fiévreuses, apportant une dimension pathétique à des chansons de britpop qui s'inspirent aussi bien de Radiohead, de Wonderstuff, des Faces que de Verve. De solides références, il faut l'avouer !
Nouvel album live, enregistré à Detroit, durant l'automne 1996, pour le quintet canadien. " Live between us " commence très fort par un excellent " Grace too ", sorte de mélange de rock puissant, rageur, électrique et de pop mélodieuse, somptueuse. Une rencontre entre la musique de Pearl Jam, de Bush et celle de REM; le tout soutenu par une seconde voix chaude, timide venant combler les lacunes vocales de Gordon Downie, chanteur et leader du groupe. C'est alors que les choses commencent à se gâter. Comme si la musique, tout au long de l'opus, s'essoufflait petit à petit pour sombrer définitivement dans une véritable parodie d'un REM en manque de mélodie, incapable d'en changer le relief. Ce qui nous donne une tragique impression d'entendre à chaque fois le même morceau. Bref, un scénario identique que celui vécu voici déjà 4 ans lors de leur passage au Torhout/Werchter...
Un quartette californien, de Santa Barbara très exactement, affublé d'un nom à coucher dehors. On parie d'ailleurs que d'ici quelque temps, il ne subsistera plus que le mot Toad. Ca fait un peut trop seventies ? Pas de problème, puisque c'est à cette époque que le groupe aurait dû sévir. On exagère un tantinet mais c'est vrai que TTWS pratique un rock FM inoffensif, très américain, lisse, plus proche de Toto que de REM ou de Live. Paradoxalement, l'originalité de leurs chansons procède de la voix de Glen Philipps, sorte d'hybride entre le timbre de Peter Murphy et celui de Pete Garrett. Mais en moins lugubre. De cet album de bonne facture, mais forcément hors de son temps, on retiendra surtout le superbe " Little Buddha ", enrichi d'un véritable orchestre à cordes et bénéficiant du concours de Van Dyke Parks aux arrangements, l'incisif et plus contemporain " Amnesia ", et puis " Crazy life " inspiré en ligne droite de Gerry Rafferty.
Vous vous souvenez certainement de leur formidable single " Seether " diffusé sur toutes les ondes radiophoniques entre fin 94 et début 95. Dans la foulée, ce quartette de Chicago avait commis un tout aussi remarquable album, " American thighs ". Un disque qui lui avait valu de figurer parmi les plus grands espoirs de la scène popcore yankee, aux côtés des Breeders. Et puis, hormis le single " Blow it out your ass it's Veruca Salt ", produit par Steve Albini, plus rien. En fait, le groupe n'a pas cessé de se produire en tournée. A un tel point que le frère de Nina, Jim Shapiro, a cédé ses baguettes à un nouveau drummer. " Eight arms to hold you " constitue son deuxième album... Et première constatation, le son est beaucoup plus sauvage, plus explosif, plus caustique, plus proche d'L7. On y retrouve bien sûr les harmonies vocales malicieusement féminines, échangées entre Louise et de Nina; mais le ton hyper métallique des guitares nuit particulièrement au sens mélodique des compositions. Ils nous doivent une revanche!
Bob Mould impliqué lors de l'enregistrement et du mixing de l'album de ce sextuor californien (San Francisco), il fallait s'attendre à ce que les compositions de ce " Chronicles " soient marquées de son empreinte. Et on pense plus particulièrement à l'épisode Sugar. Enfin, uniquement sur les chansons les plus électriques. Popcore donc. A la limite grungyfiés. Suivant les principes institués par Pearl Jam, Smashing Pumpkins et bien sûr Nirvana. Mais Verbow atteint le sommet de son art, lorsqu'il peut se libérer de ce joug post Hüsker Dü. Et notamment lorsque la violoncelliste, Alison Chesley, peut faire étalage de toute l'étendue de sont talent. Comme sur le savoureux " Execution of a jester ", réminiscent de " Lullaby for the working class ". Ou alors sur " Distance ", qui remet au goût du jour la mélancolie crimsonienne circa " Red " ; tentative d'autant plus facile, que la voix de Jason Narducy, compositeur et également guitariste, nous rappelle quelque part " John Wetton ". Bien mis en évidence, cet instrument à cordes donne un coup de fraîcheur aux mélodies, dont la richesse nous fait alors penser à Squeeze. Asphyxié, il n'a d'autre utilité que d'accentuer l'intensité électrique. M'enfin, c'est un peu désolant, lorsqu'on a le privilège de disposer d'une telle instrumentiste.
On ne va pas vous refaire l'histoire du Van der Graaf Generator, ni celle de Peter Hammill. Sachez simplement que ce disque était le tout premier elpee du VDGG. Un vinyle que seuls quelques rares collectionneurs peuvent se targuer de posséder dans leur discothèque. Autrement dit, il est introuvable. Quoique! Bref, saluons l'initiative de Peter Hammill et de son label " Fie " qui ont décidé de ressortir " The aerosol grey machine " en CD. Avec un bonus track à la clef, " Giant squid ". Un opus qui aurait dû être, à l'origine, enregistré par Peter en solo. En 1969, très exactement. Mais pour donner plus d'ampleur à ses compositions, le citoyen de Bath fit appel à ses potes. Un disque qui, malheureusement n'obtint aucun succès. Ce qui provoquera, le deuxième split du VDGG... Pour l'époque, il faut reconnaître que cet album était en avance sur son temps. La production est un peu rudimentaire, mais les sonorités sont véritablement avant-gardistes, sans jamais tomber dans l'abstrait. Certains à l'époque, n'hésitaient d'ailleurs pas à proclamer que le VDGG allait plus loin que le Floyd dans l'exploration du son. Et pourtant, " The aerosol grey machine " n'était encore que le résultat des balbutiements d'une future formation mythique...
Sortie simultanée de deux Eps pour cet ensemble glaswégien qui semble avoir été fortement marqué par la BD japonaise, et en particulier les mangas. Leur patronyme est d'ailleurs inspiré d'une de ces bandes dessinées. Musicalement, Usurei Yatsura remet au goût du jour la noisy. Celle de My Bloody Valentine, en particulier. Même si la texture mélodique est aussi déstructurée que celle de Pavement voire de Sonic Youth et ténébreuse, à la limite du morbide, que celle du Velvet Underground. Quatre titres figurent sur chaque morceau de plastique, dont, bien sûr, l'inévitable et excellent titre maître. Sept nouvelles compositions dont l'intensité blanche est traversée d'éclairs de feedback pétillants, venimeux, caustiques, burinée par une section rythmique, menaçante et infectée par les lamentations vocales de Fergus...
Nous ne voulons pas être des oiseaux de mauvais augure, mais la sortie d'un album solo de Peter Zaremba ne nous dit rien qui vaille. Un sentiment d'inquiétude amplifié par l'absence totale de notes sur la pochette et l'absence tout court de bio. Alors, split des Fleshtones, ou expérience en solitaire de son chanteur? Nous en saurons probablement plus d'ici quelques semaines. D'ici là, les fans de la formation américaine " post new wave " la plus intéressante du début des années 80, risquent fort de vivre dans l'angoisse. M'enfin, n'anticipons pas! " Spread the word " aurait, en tout cas, pu être enregistré par les Fleshtones. Hormis la reverb du chant plus prononcée, évoquant même parfois le timbre spectral de Vincent Crane, lorsqu'il sévissait encore au sein d'Atomic Rooster, les chansons de cet opus adoptent un style le plus classiquement du monde garage/rythm'n blues. Avec cet enthousiasme communicatif, ces refrains que l'on a envie de reprendre en chœur en tapant dans les mains, ce sens du fun typiquement sixties. Le disque recèle même une cover de JJ Cale, " After Midnight " popularisée, à une certaine époque, par Clapton en personne...
Thymme Jones, Tim Garrigan et Darin Gray se réclament de la now wave. Rien à voir avec la no wave, mouvement new-yorkais qui a marqué le tout début des eighties. Un style apparemment monté de toutes pièces par le trio, puisque les autres groupes qui appartiennent à cette scène impliquent chaque fois au moins un des trois musiciens. Brise-Glace, Dazzling Kilmen, Illusion of Safety et Cheer Accident, pour ne citer qu'eux! You Fantastic pratique une musique minimaliste, déstructurée, expérimentale, lo fi, environnementale et surtout contemporaine dans le sens le plus classique du terme. Un groupe qui n'a sorti à ce jour que deux Eps. Dont ce " Pals ", limité à un seul titre de 17'30, une composition qui, à notre humble avis, n'a strictement plus rien à voir avec la pop ou le rock...
Pratiquement inconnu sur le Vieux Continent, ce trio australien en est pourtant déjà à son troisième album. Les deux premiers opus avaient reçu le concours de Lee Ranaldo, guitariste de Sonic Youth, à la production. Deux elpees qui avaient d'ailleurs atteint la première place des charts antipodaux. Dans un style plus énergique, il est vrai, davantage inspiré par le garage des sixties. Les nombreux changements de personnel ont-ils eu un impact déterminant sur l'évolution du groupe? Il faut le croire, puisqu'aujourd'hui, la pop de You am I se révèle beaucoup plus contemporaine. Toujours influencée par le Who, les Kinks, les Beatles circa " Eleanor Rigby " (NDR: la présence d'une section de cordes n'y est pas étrangère). Mais également, et c'est neuf, par la new wave de Squeeze, XTC et de Jam. Pourtant, s'il n'y avait ce feeling spécifiquement australien, aussi affûté que celui dispensé par le défunt Go-Betweens, ainsi que la voix de Tim Rodgers, dont les inflexions nous rappellent quelque part John Wetton (King Crimson), nous penserions plutôt à Dodgy...
Bien que fondé en 1984, Yo La Tengo n'est jamais parvenu à s'extraire de la zone crépusculaire de l'underground. Faut d'ailleurs croire que le trio du New Jersey, d'Hoboken très précisément, n'a jamais tellement exprimé le désir de s'en extirper. Préférant développer de nouvelles idées musicales plutôt que de soigner une image, dont il n'a rien à cirer. Bref, venons-en à ce nouvel album. Riche. Très riche. Alternant fragments turbulents et morceaux apparemment plus fragiles, mais beaucoup plus venimeux, à la limite rampants. Des chansons traversées par un gémissement de feedback presque continu qui apporte une sensation étrangement vertigineuse aux mélodies. Plongé dans l'espace le plus éthéré, YLT navigue aux confins de l'univers de Galaxie 500; voire de celui de Spiritualized, lorsque l'atmosphère vire au psychédélisme (" We are an american band "). Sous son angle le plus hypnotique, le plus répétitif, il justifie son attachement aux Feelies et au Velvet, dont il a récupéré une bonne partie de l'héritage. Quant à la noisy, il la traite selon la méthode bruitiste chère à Jesus & Mary Chain. Notamment sur la cover des Beach Boys, " Little Honda "... Et sur cette texture sonore déchirée entre électricité versatile, accès de basse menaçants, métronomiques et drums nourris et raffinés, vient se poser la voix blanche de Kaplan, dont la fragilité émotionnelle n'est pas sans rappeler un certain Neil Young. Une œuvre, qui recèle bien d'autres appas; mais nous vous laissons le soin de les découvrir...
Wuhling! C'est le patronyme exact de ce groupe. Pas Wuming comme nous avions cru le comprendre lors de la sortie de son premier single, l'an dernier. Faut dire que le graphisme du nom porte à confusion. Mea culpa! Ce trio allemand, berlinois très exactement, est allé enregistrer son premier opus aux States, sous la houlette de Steve Albini. Et le résultat, déchiré entre le folk punk de Wedding Present et la lo fi de Sebadoh, est assez convainquant, nonobstant le recours à la langue de Goethe, adopté par Anne Rolf, dont le timbre puéril, falsetto, se prête pourtant très bien au style musical du groupe... Elle joue également des claviers et surtout de la guitare, ne laissant finalement que la basse et les drums à ses deux partenaires masculins, soudés en une même section rythmique à coloration cold wave...
Nous ne comprenons vraiment pas pourquoi Wired to the Moon a dû attendre plus de 3 ans avant d'obtenir un contrat et sortir un premier opus. Issu de la tendre et profonde Irlande, cette formation distille une musique pop, celtique, proche de celle des Waterboys. Des chansons simples, chargées d'émotion, dont la voix angélique de Roisin Malone épouse parfaitement la texture instrumentale. Un texture qui mêle à une base classique batterie-basse-guitare tantôt de l'harmonica, de l'accordéon ou du piano, tantôt du banjo ou de la mandoline. Un bien bel album...
Il y a une bonne quinzaine d'années que ce virtuose de la guitare roule sa bosse sur les scènes du pays de l'Oncle Sam. Un Texan qui chante également. Et qui a pour maîtres Johnny Winter, Little Walker, Elmore James, Ry Cooder, Jimmy Page, Jimi Hendrix et Neil Young. Un artiste dont le talent n'a toujours pas été reconnu à sa juste valeur. Et notamment en Europe. Et pourtant, Chris possède un talent fou. Qu'il ne met pas au service de la performance technique, mais plutôt de chansons au climat sombre, douloureux, viscéral, déchirées quelque part entre le désir et le désespoir. Un sentiment douloureux qu'il exacerbe de son falsetto marécageux, presque imprévisible, souvent languissant. Beau et sinistre à la fois!
Lorsqu'on évoque les Wannadies, on pense immédiatement au formidable single qu'ils avaient commis en 95, " You and me song ", une composition qui avait littéralement cartonné au sein des charts internationaux. Une chanson que l'on retrouve, à nouveau, sur le deuxième album de cet ensemble scandinave. Un choix que nous estimons cependant peu judicieux. A moins qu'il ne s'agisse, de la part du groupe scandinave d'un aveu d'impuissance à dénicher un autre tube. Et ce n'est pas avec ce " Bagsy me " qu'ils risquent d'en décrocher un nouveau, même si l'opus est de très bonne facture. Avec ses mélodies à l'esthétisme glacé, caressées par des harmonies vocales aussi impeccables que délicates, ce deuxième elpee fait la part belle au power pop hérité en ligne droite des Buzzcocks, Undertones, Big Star et consorts...
Pourquoi les deux premiers opus de cette formation britannique, fondée en 1993, n'ont pas récolté le succès escompté et amplement mérité ; et en particulier sur le Vieux Continent ? Insuffisance de la couverture médiatique ? Manque d'esprit d'ouverture des médias en général ? Probablement ! Pas en Angleterre, en tout cas, puisque la presse est dithyrambique à leur égard. Mais, comment voulez-vous qu'un consommateur s'intéresse à ce produit, si les médias n'en parlent pas ? En fait, il s'agit d'un phénomène dont souffre notre société contemporaine. Et qui ne se traduit pas seulement dans le domaine de l'art, de la culture et bien sûr de la musique. Un système dont l'hermétisme est entretenu par des dirigeants, qui paradoxalement le critiquaient violemment, voici maintenant près de trente ans... Résultat des courses, tout le monde parle de la même chose, raconte les même choses et plus personne (NDR : ou presque !) n'ose prendre la moindre initiative. Transposez cette réflexion à tous les échelons de la vie quotidienne, et vous verrez que nous ne sommes pas loin de la vérité...
Mais venons-en à cet " Urban hymns ", troisième elpee de Verve. Que nous considérons, à ce jour, comme le meilleur album de l'année. Pas la peine de revenir sur la symphonie moderne de " Bitter sweet symphony ", sinon qu'elle recèle des samples de " The last time " des Rolling Stones. Si vous ne l'avez jamais entendu, c'est que vous n'écoutez jamais la radio. Ni de l'ex-n° 1 en Angleterre, le ‘lennonesque’ " The drugs don't work ". Mais abordons plutôt le reste, qui vaut son pesant d'or... Certaines compositions nécessitent pourtant parfois plusieurs auditions, avant de pouvoir être véritablement appréciées. Notamment les plus luxuriantes, celles qui passent à la moulinette une grosse partie de l'histoire de la pop et du rock. Avec des arrangements de cordes et des envolées stratosphériques qui se partagent un espace sonore déchiré par le falsetto profond, torturé de Richard Ashcroft. Psychédélisme ‘hawkwindien’, mais épuré de ses lourdeurs métalliques chez " The Rolling people " et " Come on " (" A storm in heaven " ?). Psychédélisme éthéré, mais cauchemardesque pour " Catching the butterfly ". Hymne à la solitude sur " Space and time ". House gracile avec " This time " (Seahorses ?), ainsi que pop fragilisée par la douleur sur " One day " et " Velvet morning ". La rencontre entre Oasis et Tears for Fears vous paraissait improbable ? " Wheeping willow " la réalise à la perfection. Enfin, il y a ce " Lucky man ", dont le sens mélodique semble hérité en ligne droite de Cast, alors que Richard emprunte le phrasé vocal de Robbie Grey, chanteur du défunt et mythique Modern English. Nous ne vous en dirons pas davantage, question de ne pas trop vous gâcher la sensation de surprise...
16 Horsepower s'est produit en public, au dernier Torhout/Werchter, ainsi que lors de la dernière édition du Pukkelpop. Et dans la foulée vient d'enregistrer un nouvel album. Dans leur style, la formation est unique en son genre. Enfin, à notre connaissance. Et pas seulement à cause de leur country/folk/punk/cajun hanté par des textes qui font référence à l'Ancien Testament ; mais aussi parce qu'au sein du line up, on y trouve un Français. Jean-Yves Tolo. Un Parisien, pour être plus précis. Flûtiste de formation classique qui s'est converti à la batterie. A sévi au sein de Passion Fodder. S'est exilé aux States. Y est resté. Et y a fondé 16 Horsepower en compagnie de son ami David Eugene Edwards. Une belle aventure qui méritait quelques explications...
Tout comme pour comme le précédent album, " Low estate " comporte 13 morceaux. Intentionnel ?
Non, non. Nous ne sommes pas superstitieux ! Mais lorsque tu disposes de 17 ou 18 titres, il est parfois difficile de faire le tri. Nous en voulions douze. Il y en a treize...
Quand a-t-il été enregistré ? Où ? Avec qui ? Combien de temps êtes-vous restés en studio ?
Il a été enregistré en mars dernier. Dans un superbe studio situé au bord d'une rivière. En Louisiane francophone. Près de La Fayette, capitale du pays cajun. Nous y sommes restés 4 semaines. C'était très étrange. Je n'imaginais pas que dans cet endroit un peu paumé, tout le monde parlait français. Les enfants l'apprennent à l'école. Incroyable ! " Low estate " a été produit par John Parrish. Pas d'autres invités ! Les musiciens du groupe et John qui, en outre, joue sur toutes les chansons.
Quatre semaines, c'est un laps de temps encore raisonnable pour des musiciens réputés pour leur perfectionnisme. On a d'ailleurs pu le constater lors de votre dernier passage en Belgique, à T/W et puis au Pukkelpop, où vous accordez, ou faites accorder, vos instruments entre chaque morceau. David a même déclaré un jour, aimer la difficulté. Or, je suppose, qu'en studio, vous devez encore être plus exigeants. Ca n'a pas dû être drôle tous les jours, vos sessions d'enregistrements ?
Pour moi, c'était super. Ca ne me dérange pas. Les autres membres du groupe ont peut-être un autre point de vue. Mais David et moi avons en commun la même optique de travail. Perfectionnistes ? Nous le sommes, c'est certain. Je ne sais pas si David recherche les difficultés, mais il a constamment l'envie d'aller voir à l'envers du décor. Une conception qui peut paraître difficile, mais que David et moi-même avons définitivement adoptée. Et nous ne sommes pas prêts de l'abandonner...
Une attitude qui n'est plus tellement d'actualité?
Oui, de ce côté là, on est un peu vieux jeu. Mais on accorde autant, si pas plus d'importance, à l'émotion.
Une raison supplémentaire de préférer l'intimité d'un club à la démesure d'un festival ?
Je pense que n'importe quel groupe préfère jouer dans une salle de 1000 personnes plutôt que dans un stade. Plus la dimension d'un spectacle croît, plus tu perds le contact avec le public. Les spectateurs deviennent tout petits. La qualité sonore en prend un coup.
Pour un musicien comme Neil Young, c'est plutôt le contraire, non ?
Le phénomène se produit en fonction de la notoriété de l'artiste. Mais je pense que tu as raison. Pour un groupe comme le nôtre, un club serait plus adapté, plus intime, plus personnel. Même s'il y a des gens qui ont déclaré nous avoir beaucoup apprécié sur une grosse scène...
Est-il exact que 16 Horsepower s'identifie au symbolisme de la fin du 19ème siècle pour mieux échapper au chaos du 20ème ?
Le 19ème siècle est une époque, une période de l'histoire, qui véhicule des images que nous aimons. Nous ne l'avons jamais caché. C'est cependant plus par curiosité que pour autre chose. Nous ne sommes pas des passéistes ; nous roulons en voiture !...
Comment un Parisien a-t-il pu atterrir aux States au sein d'un groupe comme 16 Horsepower ?
C'est une longue histoire, qui a commencé à Paris. A l'époque, je jouais dans un groupe qui s'appelait Passion Fodder. Dont le chanteur était américain. Nous avons signé un contrat mondial avec une maison de disques anglaise. Nous sommes partis en tournée aux Etats-Unis. Et on y est restés (rires). C'était, il y a déjà 9 ans. Nous nous sommes installés à Los Angeles où j'ai rencontré David. Il travaillait sur des décors de cinéma. Nous avons constaté que nous avions des affinités musicales. Nous nous sommes liés d'amitié. On s'est mis alors à jouer un peu ensemble ; et de fil en aiguille, nous avons monté un groupe...
Tu vis encore à Denver ?
Non. Après être resté un peu plus de 4 ans à Los Angeles, j'ai déménagé à Denver lorsque la formation s'est formée. En fait, c'est tout le groupe qui s'y est installé. Mais en fait, là, je viens de repartir pour la Californie centrale. A deux heures de San Francisco...
Partages-tu les mêmes convictions philosophiques que David ? Parlez-vous souvent de la Bible entre vous ? Est-ce que ses convictions religieuses ne te pèsent pas trop ? A moins qu'elles ne t'interpellent ?
On en parle, évidemment. Mais ce n'est pas le principal sujet de nos conversations. Pour expliquer la situation en quelques mots, je pense que nous avons des intentions un peu similaires. On a juste une façon différente de les exprimer. Comme tu le sais, David se réfère souvent à la Bible. Ce n'est pas mon cas, même si je pense sincèrement que c'est un ouvrage fantastique. Je dispose d'autres moyens pour m'exprimer. De savoir ce qui est bien ou mal, sans devoir me référer à une idéologie bien précise. Disons que pour aller à la recherche de la vérité, j'ai pris un autre chemin. Pourtant, c'est vrai, lorsque j'ai rencontré David, j'étais assez troublé par sa ferveur religieuse. Aujourd'hui, depuis que je le connais beaucoup mieux, cela ne me préoccupe plus du tout. Parfois, j'étais même mal à l'aise. Parce que je pensais qu'il serait difficile de communiquer avec lui, si je ne partageais pas vraiment les mêmes sujets de conversation. Tu vois ce que je veux dire. En fait, les être humains sont tous tellement différents, que tu cours toujours le risque de te trouver devant un mur d'incompréhension ; mais avec David, ce n'est pas le cas. Il fait son truc. Je fais mon truc. Les autres font leur truc ; et finalement cette forme de respect mutuel permet de bien nous entendre. Nous avons des idées fort proches, mais nous les exprimons de manière différente...
Religions et sectes ont pris un essor considérable aux States, ces dernières années. Certaines sont même devenues de véritables leviers du monde politique. Et je pense ici plus précisément aux fondamentalistes et télévangélistes. D'autres présentent carrément un danger pour la société. Comment expliques-tu ce phénomène ?
C'est une question de fric. Il y a beaucoup de fric dans la religion aux Etats-Unis. Il existe des gens là-bas qui disposent de moyens financiers gigantesques pour faire passer leurs idées. Ils se servent de ces moyens. Médiatiques, le plus souvent. Et ça marche ! Malheureusement. Un peu comme le consommateur tombe dans le panneau de la pub pour choisir sa poudre à lessiver. Mais cette situation ne se produit pas seulement aux States. Elle existe également en Europe. A une moindre échelle, mais elle existe. Est-ce dangereux? Je l'ignore! Certaines sectes le sont manifestement. Mais personne n'est jamais forcé d'adhérer à ces mouvements religieux. Tu as le choix. Tu peux refuser. Mais sans doute, par faiblesse ou par besoin de trouver quelque chose qui te permette d'être reconnu par les autres, tu acceptes. A mon avis, il y a des hommes et des femmes pour qui cette situation est bénéfique. Plutôt que de se foutre en l'air ou de foutre en l'air d'autres personnes, ils parviennent ainsi à s'en sortir. Tant mieux pour eux. A partir du moment où ce phénomène élude la violence et les meurtres, c'est sans doute une bonne solution...
Tu as suivi des cours de batterie dans une école de jazz, exact ?
J'ai suivi des cours de batterie dans une école réputée pour ses formations de jazz. J'ai aussi joué un peu de jazz au sein d'un groupe. Mais, ce n'est pas mon truc. J'aime le jazz, je travaille le jazz. Mais je ne veux plus faire partie d'une formation de jazz. Je déteste son côté rigide...
Cristian Vander, ce n'est pas un symbole, pour toi, dès lors ?
Pffft... (long silence). Non, non, c'est une batteur exceptionnel, mais c'est surtout un athlète performant. Je le comparerai volontiers avec un coureur à pied qui s'aligne sur le 100 mètres plat. A mon avis, tu perds un peu de feeling, de musique, etc.
Sais-tu qu'il a remonté Magma ?
Ah non, là, j'ignorais... Ca m'est égal qu'un musicien soit un virtuose. Pourvu qu'il ne joue pas seulement pour lui même. J'ai vu des groupes composés de piètres musiciens, mais qui parvenaient à te communiquer le frisson. Par contre, j'ai aussi assisté à des prestations d'artistes à la technique irréprochable, mais dont les sets m'ont véritablement fait chier...
Y a-t-il des musiciens qui t'ont particulièrement influencés ? Jeffrey Lee Pierce ? Nick Cave ? Gordon Gano ?
Non, pas précisément. Plutôt des atmosphères créées par des groupes, pas par des musiciens. Et notamment celles qui ont prévalu chez Gun Club, Birthday Party et Violent Femmes...
Peut on affirmer que 16 Horsepower est traditionnel dans le sens le plus folk, country et cajun du terme ?
Oui et non. Dans le sens le plus pur du terme, pas puriste du terme. Nous aimons la musique traditionnelle, folk, country et cajun, mais aussi celtique, bretonne, hongroise, tsigane, etc. Mais les folkeux, je n'aime pas particulièrement...
Tu n'aimes pas les Pogues ?
Oh, si ! Mais ce ne sont pas des folkeux. Si, mais enfin, je veux dire... Tu sais aux Etats-Unis, il existe une clique de folkeux qui sont demeurés très puristes. Avec des règles très strictes. Si tu n'utilises pas telle guitare avec telles cordes et que tu ne fais pas tels accords, tu n'es pas admis au sein du cercle. Nous on ne marche pas dans cette combine. Mais on aime bien les Pogues. On a tourné avec eux. Enfin avec Shane Mc Gowan et ses Popes. C'était formidable!
Johnny Cash et Léonard Cohen t'ont quand même marqué ?
Léonard Cohen ? Certainement ! Mes frères aînés écoutaient sans cesse Cohen, et par la force des choses, moi aussi. Ce qui explique sans doute pourquoi sa musique me touche particulièrement. Comme elle touche également David. Johnny Cash ? Je l'ai découvert un peu plus tard avec les musiciens de Passion Fodder. Et puis, surtout, grâce à David. Ses textes sont si denses, intenses, imagés. Il compose de la poésie sur une musique tellement simple, mais tellement belle. Un peu comme Brel. C'est le même genre. La culture est un peu différente. Mais je les apprécie autant...
Parfois la musique de 16 Horsepower me fait penser à celle que pratiquait James à ses débuts. Une objection ?
Je ne connais pas ce groupe. Comment tu dis ? James ? Non, ça ne me dit rien du tout ! Sorry ! Mais puisque tu m'en parles, je vais m'inquiéter de l'existence de ce groupe et essayer de me procurer leurs premiers albums...
(Version originale de l'interview parue dans le n°57 - octobre 1997 - de Mofo)
Blonde Redhead est un trio new-yorkais réunissant les frères jumeaux Amadeo (guitariste/chant) et Simone (batterie/chant) Pace, ainsi que Kazu Makino (chant/guitare rythmique). Fondée en 1993, la formation a longtemps été comparée à Sonic Youth, avant d’emprunter, progressivement, un style plus personnel. Ce sont les frangins qui se sont prêtés à l’exercice de l’interview, en particulier pour nous parler de leur dernier album en date, « Fake can be just as Good », un disque épanoui et enfin affranchi.
Amadeo : Quand nous écrivons ou jouons ensemble, nous explorons énormément d’idées consciemment et inconsciemment. A nous trois, dans Blonde Redhead, nous partageons une sorte de conscience commune qui ne se développe pas seulement quand nous nous produisons, aussi quand nous sortons ensemble que ce soit chez des amis, au cinéma ou au théâtre...
Blonde Redhead appartient-t-il à une scène musicale précise ou bien vous considérez-vous plutôt comme hors de tout mouvement ?
Simone : On se considère plutôt comme des indépendants. En tout cas par rapport à la scène de New-York. Nous nous sentons bien plus proches de ce qui se passe à Chicago, point de chute de notre label Touch and Go. Et plus à Washington DC.
A : Nous entretenons une véritable relation d’amitié avec Fugazi (Guy Picciotto a notamment travaillé pour eux, lors de l’enregistrement d’un single). Il existe une sorte de communauté, on s'invite les uns les autres soit pour un repas, pour une fête ou pour simplement boire un verre. L’esprit est très différent de celui de NY, où les gens sont frileux, ont peur d'approfondir les rapports humains, comme s'ils craignaient toujours d'y perdre quelque chose.
De la Sicile A New York
La tension constamment présente dans votre musique reflète-t-elle cette difficulté de rencontrer les New-yorkais ou l'expression du choc que vous avez dû ressentir quand à 13 ans vous avez débarqué aux USA?
A : Le moins qu'on puisse dire est que New- York et la Sicile sont vraiment deux endroits différents ou vivent deux sociétés très distinctes. Au niveau des valeurs, il n'existe aucune similitude. Les Américains ne sont pas aussi chaleureux, la famille n'existe quasi plus aux USA, les parents ‘s'en foutent’ et laissent leurs enfants seuls. La chose est inimaginable en Italie.
S : Plus généralement, les Européens manifestent plus d'excitation à vivre, ils n'ont pas peur d'exprimer leurs sentiments, leurs émotions... Mais on ne peut contester l'énorme sentiment de liberté qu'on respire aux States, dès qu'on y débarque. C'est pourquoi, entre autres, que Kazu (elle nous le confirmera plus tard dans la journée), qui est arrivée aux States il y a 9 ans, s'y sent tellement bien. Elle aspirait à cette liberté après avoir souffert du sexisme japonais. Aux States, elle se sent l'égale à tous, acceptée par tous. Au Japon, la société est déjà très dure pour les femmes en général, alors pour celles qui tentent de jouer du punk rock, c'est presque invivable!
De qui est la phrase reprise dans le livret du CD : ‘I love exactly everyone the same amount’ ?
A : Elle est de Vern, le bassiste d’Unwound, qui a enregistré l'album avec nous. Il est très modeste et très honnête. Si on y réfléchit, on peut voir cette phrase comme très positive mais le contraire est vrai également, puisqu'il est impossible d'aimer exactement tout le monde de la même manière, à moins justement de simuler (‘fake’).
S : Grandir, c'est un peu ça, c'est apprendre à faire semblant, à simuler. Contrairement à ce qu'on pourrait croire, ce sont les enfants qui sont les plus honnêtes. Pour en revenir au titre « Fake can be just as Good », c’est un extrait du morceau « Bipolar », écrit par Kazu. Elle y exprime la sensation que si on aime réellement un être, on peut accepter que celui-ci puisse seulement faire semblant en retour.
A : Dans un certain sens, nous aussi sommes occupés de simuler aux Etats-Unis, car nous n’appartenons pas réellement à la société US. Nous ne sommes pas des Américains dans l'âme. C'est comme si nous commencions à jouer du jazz. Nous aimons beaucoup ce style, mais nous ne pourrions jamais que faire semblant d'en jouer. Notre musique, ce n'est pas du jazz, c'est du punk rock.
Deux titres de l'album, « Pier Paolo » et « Futurism vs Passeism » se réfèrent à deux grands noms de la culture italienne du XXème siècle.
A : Nous avons lu les livres de Marinetti (auteur du manifeste pour une littérature futuriste en 1909). Il y a de bonnes idées. En ce qui concerne Pasolini, nous avons vu presque tous ses films. C'est quelqu'un que nous respectons. Sa démarche est honnête, très réaliste aussi ; c'est un professeur pour nous.
S : Son génie réside dans la manière de concilier les extrêmes : l'amour et la haine, la beauté et la laideur, le silence et le son... Nous aussi, nous essayons de définir les extrêmes, en passant du bruit à la mélodie, de la mélodie au bruit.
(Article paru dans le n°57 du magazine Mofo d’octobre 1997)
Depuis Bel Canto, la Norvège n’avait plus mis au monde de groupe aussi intéressant. Retenez bien ce nom: Motorpsycho. Fondé au tout début des nineties, il comptait à son actif, avant l’enregistrement d’« Angels and daemons at play » une volée de singles, un mini CD et quatre albums studios. Tous passés inaperçus. Phénomène qui s’explique facilement pour une formation en avance sur son temps. Mais qu’il est difficile d’admettre au vu de l’originalité et de la qualité de sa musique. Entretien avec Snah (NDR: prononcez ‘Schann’), porte parole mais surtout guitariste de cet ensemble finalement plus européen que scandinave.
« Blissard », votre album précédent avait été enregistré dans les anciens studios d’Abba à Stockholm. Cette aventure a dû vous coûter un os?
Effectivement. Mais, nous avons pu bénéficier des infrastructures d’un studio nickel, à la pointe de la technologie moderne, meublé d’instruments historiques tel qu’un piano à queue dont Abba s’était servi pour enregistrer. On a même eu la chance de pouvoir l’utiliser. C’était une chouette expérience qui n’a duré que 15 jours, mais elle nous a coûté la peau des fesses. Pas seulement à cause du studio. Mais aussi des chambres d’hôtel que nous avons dû louer. On en garde cependant un très bon souvenir. « Angels and daemons » a été enregistré en Norvège. En sept jours. Dans un studio moins onéreux. On s’était brûlé les ailes une fois, c’était largement suffisant. Et puis nous ne souhaitions pas y séjourner trop longtemps. Parce que nous serions incapables d’y passer 2 mois. Nous deviendrions complètement fous. Il ne nous a d’ailleurs fallu que 3 semaines pour le terminer. C’est largement suffisant. Nous avons tout fait nous même. Même le mixing et la production. L’inspiration et l’énergie étaient au rendez-vous à ce moment-là. Ce qui nous a permis de conserver ce feeling ‘live’ auquel nous tenions absolument.
« Demon box » en 93 et « Angels and daemons at play » aujourd’hui. Etes-vous fascinés par les forces du bien et du mal? Par la mythologie, les divinités, la vie après la mort?
Oui, bien sûr. Nous lisons énormément de bouquins consacrés à la littérature ésotérique, aux phénomènes paranormaux. Nous sommes intéressés par ce genre de choses. Ce qui ne veut pas dire que nous jouions au tarot pour décider de notre avenir. Nous savons ce que nous devons faire et ne prenons jamais nos décisions sur un coup de tête. Néanmoins, j’estime que la mythologie, l’histoire et les fables sont très importantes pour nous. Surtout lorsqu’on vit dans un monde qui veut se couper du passé, pauvres en relations humaines, ultra matérialiste. Ce qui ne veut pas dire que nous adhérions à la sorcellerie ou que nous organisions des messes noires. On est loin de tout ça. Tout simplement, on essaie de réinventer une certaine philosophie de la vie...
Votre musique est à la fois riche et complexe. Il y a des tas et des tas d’influences. Etes-vous intéressés par l’histoire du rock’n’roll?
Absolument! Nous reconnaissons être influencés par beaucoup d’artistes issus de l’histoire du rock’n’roll. Certains plus que d’autres. Cela nous permettra peut-être de projeter une nouvelle lumière au sein de l’univers du rock et de la pop. Nous aimons les groupes issus des sixties et des seventies. Le jazz aussi. Notamment John Cotrane. Le krautrock de Can et de Faust. Et puis une multitude d’autres formations dont les noms m’échappent pour l’instant.
Telles que King Crimson et Sonic Youth?
Nous écrivons nos chansons un peu à la manière de Sonic Youth. Nous les composons à la guitare en partant d’une hauteur mélodique branchée sur un réglage spécifique. Le problème, c’est qu’en tournée, vous trimballez une bonne vingtaine de guitares. Parce que chaque chanson exige un réglage spécifique. Mais cela en vaut la peine.
Est-ce qu’on peut dire que Motorpsycho est quelque part prog pop? Nous voulons dire dans l’esprit de Spiritualized et d’Ozric Tentacles; mais dans un autre style?
Oui ! Parce que nous exprimons nos chansons à la fois de manière semblable et différente. Différente parce que nous avons chacun notre style. Semblable, parce que l’interprétation de nos compositions est à chaque fois différente. Prend l’exemple d’Ozric Tentacles qui ne programme que 50 % de ses chansons. Le reste se construit suivant un schéma totalement improvisé. Et ça marche!
Comment expliquer ce boom de la scène pop/rock scandinave?
On assiste pour l’instant à une véritable explosion de groupes en Europe et pas seulement en Scandinavie. C’est le résultat de cette nouvelle vague psychédélique. En fait, elle a été fort négligée au cours des 20 dernières années. Le punk et ses dérivés l’ont empêchée de se développer. Surtout sur le Vieux Continent, plus réceptif à une musique progressive, élaborée. Elle a dû se terrer dans l’underground en attendant son heure...
Que représente Bel Canto pour Motorpsycho ?
Nous les connaissons bien. Ils sont en train de prendre du bon temps, ils viennent de sortir un dernier album, qui soit dit en passant n’est pas fameux. Issu du Nord de la Norvège, ils ont un caractère typiquement scandinave. Ils vivent à Tromsø, un lieu très particulier. En fait, l’hiver il fait toujours nuit, et en été presque toujours clair...
Vous avez écrit la bande sonore pour un film de country & western appelé « The tussler ». Aimez-vous le cinéma italien? Et tout particulièrement le western spaghetti?
Nous aimons les films de Sergio Leone et de Clint Eastwood. Et nous avons été très heureux de pouvoir composer cette bande sonore. D’autant plus que nous apprécions beaucoup la musique country. En fait, les Américains de peau blanche sont d’origine européenne, et la country vient également d’Europe. Mélodiquement, nous nous sentons très proche de ce style de musique. Et régulièrement, il nous arrive de jouer du banjo ou de la steel guitare. C’est un défi pour nous. Nous apprenons beaucoup à travers tous ces différents styles de musique. Nous avons même réalisé un projet en compagnie d’un groupe de jazz norvégien. Nous avons beaucoup répété pour finalement nous produire ensemble lors d’un concert de jazz en Norvège. Nous sommes ouverts à tous les styles musicaux. Nous sommes capables de passer du heavy metal aussi sauvage que celui de Motörhead à la musique psychédélique.
Quelle est la genèse du nom du groupe? Y a t-il une certaine corrélation avec la psychomotricité? Et pourquoi?
Nous étions invités à Londres en 1990 pour assister à une conférence sur la psychomotricité, mais nous n’y sommes jamais allés, car nous étions bourrés. Avant de fonder le groupe, je travaillais dans un centre de réhabilitation pour les accidentés de la route. J’étais, il est vrai, déjà dans ce milieu de la psychomotricité. Mais, en réalité, nous n’avons jamais pensé à cela lorsque nous avons choisi le nom du groupe. En fait, nous trouvions que c’était un nom qui collait bien et puis on l’a choisi parce qu’on aimait l’étymologie du mot: Motor Psycho...
Merci à Vincent Devos.
(Article paru dans le n° 56 du magazine Mofo de septembre 1997)
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