On ne vous pas obligé d'allumer un pétard. Ni de participer à une séance de yoga. Encore moins d'aller roupiller. Ce n'est toujours pas l'heure de becqueter. Ni le moment de se saouler la gueule. Enrhumés, ne croyez surtout pas que vos secrétions nasales péricliteront. On ne vous a pas conseillé d'écouter ce "Starhenge" au ralenti, ni en accéléré d'ailleurs. Comment voulez-vous, dans ces conditions que cet insecte sonore puisse atteindre ses soixante six minutes de vol? Drôle d'ambient, même après avoir découpé le produit du diptère en six fragments. Vous prenez la mouche? On ne vous dira plus rien...
Tout comme Letfield et Tricky, Moloko appartient à la nouvelle vague trip hop qui contamine les night clubs hyper branchés, en Grande Bretagne. Un duo composé du vétéran de la scène post industrielle de Sheffield, Mark Brydon. Et d'une Dublinoise. Roisin Murphy. Vous avez sans doute déjà eu l'occasion d'entendre le superbe single "Where is the what if the why is in why" sur l'une ou l'autre station radiophonique. L'Ep épingle trois versions différentes de cette composition, ainsi que "Party weirdo", dont les sonorités synthetico-aquatiques pourrait aisément alimenter la bande sonore d'un dessin animé de Donald Duck. Les deux fragments figurent bien sûr sur ce "Do you like me sweater". Au total dix-sept morceaux qui ne retrouvent que trop rarement les spécificités spectrales, fascinantes et voluptueuses du single. Et en particulier ce groove sinistrement languissant. Or, privé d'étincelle, ce mélange de funk, de dub, de techno, de jungle et d'ambient ne parvient pas entrer en combustion. Contentez-vous donc du single!
Vous aimez Tarnation ? Vous aimerez Mojave 3. Deux nouvelles signatures de 4AD, dont le style est fort proche. Inspiré par Cowboy Junkies. Même si celui du combo en question se révèle plus atmosphérique, plus mélancolique. Sorte de country en état de léthargie propice aux climats feutrés, intimistes, ténébreux (Leonard Cohen?) délicatement délayés dans des mélodies à l'instrumentation vulnérable, presque minimaliste (House of Love?) et aux harmonies vocales opiacées, bouleversantes, réminiscentes des Everly Brothers...
Bien que responsable de dix-sept albums à ce jour, Joni Mitchell, née Roberta Joan Anderson, s'est surtout distinguée sur la scène musicale entre 1967 et 1975. Une époque au cours de laquelle, elle apportera sa contribution à l'immortalisation du rêve hippie (Woodstock). Son meilleur elpee remonte d'ailleurs à 1971. "Blue". Un disque raffiné à la poésie austère. Par la suite, elle se tournera vers un style de composition plus complexe, plus sophistiqué, profilé sur le blues, la musique classique ou le jazz. Aujourd'hui, Joni a de nouveau des choses intéressantes à dire. Et elle nous les confesse tout au long de son dernier album. Jadis, elle croyait que ses chansons pouvaient changer le monde. Aujourd'hui, elle constate avoir prêché dans le désert. "Turbulent Indigo" reflète ce cri de désespoir. Un opus, puissant, coléreux et amer dont le titre maître retentit comme le credo de sa vie artistique, alors que le remarquable "Sex kills" diffuse un message lourd de signification...
Il est néerlandais et joue de la guitare. Elle est de souche brésilienne, chante et se réserve les percussions. Ils vivent en Belgique et appartenaient à la formation Sweeties, tout début des eighties. Pour compléter le line-up du groupe, ils ont engagé un drummer et un bassiste. Eponyme, ce disque constitue leur premier album. Vous avez sans doute déjà eu l'occasion d'apprécier le single "La chanson de la forêt". La plupart des titres de l'opus sont taillés dans la même structure mélodique. Des chansons pop contagieuses, vivifiantes, lacérées de cordes de guitare ‘larsenées’, croustillantes, crues, effilées, noisy même, mais à la manière de Dominic Sonic ; et parfumées par la voix claire, candide, sensuelle d'Ariane, dont le timbre semble s'immiscer entre les inflexions de Lio et de Vanessa Paradis. Des chansons exprimées dans la langue de Voltaire, mais aux lyrics assez simplistes. Ce qui n'empêche pas le morceau de plastique de s'avérer très agréable. Niagara rencontre Mary Goes Round!
Première constatation, Craig Adams a quitté le navire, laissant Wayne Hussey seul au gouvernail. Et puis Mission est revenu à un style plus sombre, plus cold, laissant même apparaître des traces très marquées de ‘curisme’, comme sur les excellents "Raising Cain" et "Heaven knows". Le reste nous donne l'impression d'une plus grande accessibilité, d'une plus grande finition dans la production. Et pourtant, c'est Wayne en personne qui s'en est chargé. Un disque d'excellente facture, mais qui ne génère plus grand chose de révolutionnaire... Ce groupe a-t-il, d'ailleurs, vraiment encore une mission dans le rock contemporain?
Clawfinger et Misery Loves Co appartiennent à la même scène underground suédoise. Hardcore pour être plus précis. Auto-titré, ce morceau de plastique constitue son premier album. Un disque âpre, impétueux mais dénué de la plus élémentaire subtilité. Plus Killing que Joke, sorte de Nerve batave qui se mue en Pantera paroxystique... Quel carnage!
Curieux! Un ensemble néo-zélandais qui enregistre sur un label australien. Pourquoi pas chez Flying Nun? A l'instar des Verlaines, Chills, Bats, JPS Experience et autre Chug, par exemple... En tous cas ce Mutton Birds vient de commettre un chouette album. Un quatuor drivé par un certain McGlashan qui tire un peu toutes les ficelles. Il joue de la guitare, assure la plupart des compositions ainsi que le chant. Et quelle voix! Capable d'épouser tour à tour les inflexions de Michaël Sipe, de Michaël Been (The Call), de Denny Lane (Moody Blues) de Robert Wyatt ou d'Adam Duritz (Counting Crows). Apportant ainsi une palette d'émotions particulièrement ample et colorée à une pop terriblement contagieuse, indélébile, lubrifiée d'harmonies vocales tantôt byrdsiennes, tantôt moodybluesiennes. Hormis "Queen's English", titre beaucoup plus aride, soutenu par un tempo tribal, hypnotique, post Hunters & Collectors (NDR: encore des kangourous!), ce disque possède par "Nature" de nombreuses affinités avec les Moffs, Church ou Go Betweens, mythes australiens trop rapidement disparus. Et ça, c'est une référence!
Peter Murphy en est aujourd'hui à son cinquième album solo. Figure emblématique, parolier et chanteur du mythique et défunt Bauhaus, il cherche désespérément depuis plus de dix ans, la voie de la réhabilitation. Et pourtant, ses œuvres en solitaire ne manquent ni d'aplomb, ni de charme. Il possède toujours cette voix distinctive, légèrement gémissante, sépulcrale qu'il met au service d'une poésie pourpre à l'imagerie oblique. Et sa musique possède toujours le même phrasé, le même voile de mystère qui enveloppait les opus du célèbre groupe batcave. Ce même mysticisme gothique viscéralement attaché au post punk du début des eighties. Mais son succès reste toujours otage de son illustre passé. Pour enregistrer "Cascade", Peter a fait appel au guitariste Michael Brook, proche de Brian Eno et de John Hassell, à Paul Shatham pour coécrire la musique et puis à Pascal Gabriel (Inspiral Carpet, EMF) pour le produire. Un éventail (!) d'invités de marque qui lui permet de retrouver fraîcheur vitalité, et incisivité glaciale, au sein d'un essai empreint d'accents mélodiques particulièrement prononcés. Un morceau de plastique dont la pochette est, en outre, illustrée par une peinture de l'artiste turc Shamil Agun. Exotisme oblige!
Mudhoney vient de se proclamer le dernier groupe grunge encore en activité. Nous ignorons quelle signification le quartette de Seattle veut donner au terme grunge. Différente de Nirvana, Pearl Jam et consorts, nous le supposons. Déjà que le précédent opus "Five dollar Bob's mock cooter stew" exhalait de fortes effluves sixties. Mais ce "My brother the cow" transpire le punk garage à plein nez. Stoogien même. Une musique torturée, noueuse, métallique, agitée par des lyrics particulièrement vitriolés. Attaque personnelle contre la veuve de Kurt Cobain dans "Into your shtick", condamnation des crimes commis par les fondamentalistes religieux yankees sur "Fearless Doctor Killers". Mépris vis à vis des pollueurs du punk et autres diatribes sauvages, révolutionnaires et dédaigneuses. Et ce fiel est répercuté par des chansons aussi brèves qu'instantanées. Une seule exception, un morceau de 33 minutes en bonus track, qui en fait se résume aux trois quarts de l'album passé à l'envers...
Ceci n'est pas un nouvel opus de Mother Hips, mais la réédition d'un elpee paru en 1992. Remastérisé et remixé par Rick Rubin. Ce combo nous vient du nord de la Californie. De Chico, très exactement. Une petite ville très étrange, originellement rurale, mais aujourd'hui infestée de mobil homes, de junkies et de maisons closes... Un environnement qui semble avoir beaucoup influé sur la musique du quartet yankee. "Back to the Grotto" explore une foultitude de styles différents. Oscillant du hard rock au country en passant par le funk, le folk, le jazz, le rockabilly, le garage, le prog rock, sans oublier toutes les couleurs du blues (urbain, delta, grass, etc.). Un paysage rythmique assez déboussolant. Tantôt convulsif, tantôt pondéré, austère ou même furieux. Surtout lorsqu'il permet aux guitares duales de s'affronter dans un combat magistral. Mais ces épisodes sont beaucoup trop rares pour vraiment accrocher. Difficile dans ces conditions de trouver un véritable fil conducteur...
N'imaginez surtout pas que Morrissey vient d'enregistrer un nouvel album. Moins d'un an après avoir accouché de "Vauxhall and I", ce serait un véritable exploit pour ce compositeur aussi doué que peu prolifique. En fait, cet opus collige une poignée de singles, leurs flip sides, des chutes de bandes du live "Beethoven was deaf" et trois inédits qui figurent sur le tout récent single autobiographique "Boxers". Une majorité de titres acoustiques, cependant. Qui valent leur pesant d'or, même si le CD est vendu à mid price! Mais toujours cette voix frêle, suavement emphatique de Moz. Quatorze fragments parmi lesquels le contagieux "Whatever happens, I love you", le post James "You're the one for me Fatty" et la nouvelle version de "The last of the famous international playboys" des Smiths méritent une mention toute particulière...
Qu'est-ce qui a bien pu arriver à Morrissey? D'abord il soigne son image de marque. Multiplie les concerts, autorise la sortie d'un album ‘live’, puis d'un recueil de flip sides. Change de firme de disques. Et expérimente, sur son nouvel opus, deux chansons de plus de dix minutes. En intro, le dramatique, solennel, pathétique, "The teachers are afraid of the pupils". Et en final le noisy, presque psychédélique, progressivement envahi de percussions tribales, "Southpaw". Pensez aux prémisses de Telescopes! Pourtant, les six autres chansons de cette œuvre épousent un profil fondamentalement britpop. Mêlant habilement arrangements symphoniques somptueux (Radiohead? Suede?) et électricité scintillante, jacassante, crépitante (Oasis? Gene? Shed Seven?) Les guitaristes Alan Whyte et Boz Boorer s'en donnent même à cœur joie sur "The boy racer", "Do your best and don't worry", "Best friend on the payroll" voire "The operation", même si ce dernier s'ouvre sur un solo de batterie de près de trois minutes (NDR: qui a dit baba cool?) Reste quand même le ‘smithsien’ "Reader meat author" et le single "Dagenham Dave" étrangement inspiré par Terry Venables et les Stranglers. Produit par Steve Lillywhite, ce "Southpaw grammar" prélude peut-être un retour au prog rock. Pas celui de Vandergraaf Generator, mais une forme adaptée aux nineties...
Apparemment, ce trio new-yorkais en est à son premier album. Et il faut reconnaître que pour un coup d'essai, il vient de réaliser un joli coup de maître. "Fully loaded" consomme du blues. Mais du blues urbain, énigmatique, torturé, rageur. A l'instar d'un autre groupe new-yorkais, Girls Against Boys. Tous deux dénoncent d'ailleurs, mais à leur manière, la perspective stressante, frustrante, de la vie dans leur métropole. Ecorchées par le timbre vocal paroxystique de Christian Gibb, certaines compositions laissent transparaître un climat doorsien, ténébreux. D'autre flirtent davantage avec le glamour de Smashing Pumpkins. Surtout côté harmonies vocales. Enfin, lorsque le tempo s'agite, s'électrise convulsivement, en tintinnabulant, les mélodies rencontrent alors la sensibilité d'un Weezer...
Ce qui frappe d'abord chez ce trio new-yorkais, c'est le timbre vocal de David Driver, rappelant un certain Jackie Leven, chanteur de Doll by Doll, formation qui a sévi au début des eighties. Vous ne serez donc pas étonnés d'apprendre que les compositions de ce "Goalie for the other team" adoptent le plus souvent un profil new wave. Pardon pop wave. Un peu comme si Duran Duran ou Wet Wet Wet avaient troqué leurs artifices synthétiques par de véritables instruments. Paradoxalement, le climat qui règne tout au long de cet opus évoque davantage les formations de prog rock dénaturées de la fin des eighties, telles que Kayak ou même Styx. Le tout emballé dans un format plutôt commercial circa INXS. Bref, pas de quoi fouetter un chat. L'album se termine quand même par une note un peu moins conventionnelle, "My marine", titre complètement fêlé (nous n'avons pas dit félin!), mais beaucoup plus intéressant. Mais à ce stade de l'album, c'est un peu tard pour commencer à capter l'attention...
Après Suede et Verve, puis Oasis, Blur et Pulp, voici la nouvelle génération des hypes. A votre gauche Cast, à votre droite Menswear. Prêts à devoir vivre, par presse interposée, un duel de styles. Menswear n'en est pourtant qu'à son premier album. Un look BCBG. Des chansons trempées dans l'essence du pop. Douze très exactement sur ce "Nuisance". Capables de recycler une foultitude de styles musicaux. Le punk pop de Wire sur "Daydreamer". Des Undertones chez "Sleeping in" ainsi que "Stardust", hit single en puissance. La new wave de Human League, surtout côté vocal, dans "Hollywood girl". A la mod (!) du Who ou à la manière de Blur, pour le vitriolé "Little miss pint-point eyes". Celui de Take That même, mais adapté à la scène indie, avec "Being Brave". Un Oasis de néo romantisme (Visage, Ultravox) filtré à travers une section de cordes somptueusement puissante sur "The one". C'est d'ailleurs Nick Ingham, proche collaborateur des frères Gallagher, qui s'est occupé des arrangements. Et puis la ballade sentimentale "Piece of me" dont le minimalisme semi-acoustique est incrusté de superbes interventions de violoncelle (Radiohead ?). Pour clôturer le tout, un morceau caché. "Bones and red meat", sorte de valse bowiesque assez surprenante. Bref un chouette elpee qui a gagné notre estime. Espérons simplement que le combo puisse rapidement dépasser son statut de hype...
Pour enregistrer son 8ème album, ce trio californien avait fait appel, l'an dernier, à G. Gorth Richardson (Red Hot, Rage Against The Machine, L7) à la production. Ce qui ne semble pas avoir changé grand chose, l'essentiel de ce "Stoner Witch" triturant un métal, tour à tour trashé, grungé ou hardcoré. Le climat qui règne tout au long de ce disque est si lourd, qu'on ne peut s'empêcher de penser à Black Sabbath ou à Grand Funk Railroad. Toute cette puissance rageuse provoque d'ailleurs une véritable onde de choc (mesurée au degré 8 sur l'échelle de Melvin). Heureusement deux compositions parviennent à sortir indemnes du cataclysme. D'abord, le syncopé "Goose freight train" dont le climat est sinistrement hitchcockien et puis le douloureux et impressionnant "At the stake", digne du meilleur Pearl Jam. Pour le reste, cet opus n'a pas plus de saveur qu'une piquette.
Vous avez pleuré la disparition de Benny B., séchez vos larmes, Mellowman possède toutes les dispositions pour vous consoler. C'est vrai, ils ne sont pas belges, mais parigots. Et puis, leurs textes sont nettement plus crédibles, voire engagés. Mais pour le reste la tentative de fusion de soul, de r&b, de jazz et de hip hop opérée sur "La voix du mellow" conduit au même résultat, varié dans son insipidité...
Les Meices en sont déjà à leur troisième album. Mais ce "Tastes like chicken" bénéficie, pour la première fois, d'une distribution officielle sur le Vieux Continent. Jusqu'alors, la discographie du groupe n'était disponible qu'en import. Et il faut croire que la demande était conséquente en Grande-Bretagne, puisque sa tournée accomplie outre-Manche, en décembre dernier a été une totale réussite. Aux States, la formation s'est surtout fait connaître en assurant les premières parties de Green Day et d'Offspring. Deux références de choix pour cet ensemble contaminé par le popcore des Buffalo Tom, Pixies, Cold Water Flat et surtout Dinausor Jr. Le chanteur arrosant même la solution hardcore juvénile de vocaux abrasifs, écorchés, comparables à John Mascis. Sur les seize titres de "Tastes like chicken", deux fragments s'extirpent cependant du contexte général. "Alex put something in his pocket" au charme glam punk et le spectral, énigmatique "Pissin' in the sink"...
Bien qu’issu de Los Angeles, Medecine s'est toujours illustré par la confection d'une musique très anglophile. Noisy. A la manière de celle dispensée par My Bloody Valentine, Slowdive ou Chapterhouse. Pour "Her highness", la formation n'a pas changé de fusil d'épaule. Simplement, son expression est devenue plus raffinée, plus sophistiquée. Ce qui peut paraître surprenant, lorsqu'on connaît la qualité technologique des disques précédents. Mais en plus, l'aspect mélodique a été davantage mis en évidence. A cause de l'écriture plus confessionnelle, plus visionnaire. Davantage concentrée sur les vocaux que se partagent Bill Thompson et Brad Laner sur un tapis de guitares ‘fuzzy’, écorchées, illuminé par le feedback grinçant, gémissant... Une pureté d'expression qui frôle la perfection de l'esthétisme glacé...
Apparemment, cet ensemble nous viendrait de Grande Bretagne. C'est ce que nous laisse supposer les notes mentionnées sur la pochette de ce disque. Un album qui réunit des enregistrements réalisés entre 92 et 94, et sur lequel, Terry Bikers (ex-House of Love et aujourd'hui leader le Levitation) est venu, probablement, donner un petit coup de guitare. Sur deux titres. "Another perfect day" et "Light". Le son de sa râpe est tellement caractéristique. Et puis, Robert White, leader et compositeur du groupe, remercie la famille de Levitation... Deux titres, entre parenthèses remarquables, noisy dans le bon sens du terme, comme à la plus belle époque de "Christine"... Imprégné de minimalisme atmosphérique, le reste du CD baigne dans un certain climat cotonneux, velouté. Harmonies vocales cristallines, duveteuses comme chez Crosby Stills and Nash. Claviers obsessionnels à l'instar de Stereolab. Synthétisme glacé définition New Musik. Ether blême aux vertus Pale Saints voire Slowdive. Et même cordes de guitares acoustiques prog rock, comme à la plus belle époque du "Foxtrot" de Genesis. Une œuvre tout en lait et en miel.
Issu de Tremelo, pas très loin de la frontière belge, ce trio batave vient d'enregistrer son premier album. Un disque d'excellente facture, mais atteint par le même syndrome de pop baroque que dEUS. Normal, lorsqu'on sait que Staf Verbeek, proche collaborateur du combo anversois, produit cet opus. Baroque, surtout côté vocal. Des harmonies complexes, ondoyantes, sinueuses. Musicalement, ce "Surgery for Zebra" ruisselle d'électricité jaillissante, percutante (Helmet?), circonstanciellement fustigée par des accès de funk punk (Helmet !) et ultimement, pour un "Zebra" de plus de sept minutes, injecté d'intensité crazyhorsienne...
Exit David Baker, vocaliste au timbre incroyablement versatile, remercié poliment pour incompatibilité d'humeur avec les autres musiciens du groupe. Et pourtant, bien que réduit depuis peu à un quatuor, Mercury Rev nous revient déjà avec un troisième opus. Si les paysages sonores, nés de l'imagination créatrice de cet ensemble yankee sont toujours aussi complexes et surréalistes, ils semblent surtout, sur "See you on the other side", beaucoup plus fluides et intuitifs. Le voyage dans l'underground est beaucoup plus confortable. L'absence de règles passe totalement inaperçue. Pourtant, les perturbations spasmodiques et les tourbillons d'inquiétude sont toujours bien actifs. Simplement, ils font vibrer ce fil mélodique plutôt que de le maltraiter. Un fil mélodique dont l'élasticité fluctue au gré des chœurs angéliques, du piano staccato, du saxophone ‘coltranesque’ ou sinusoïdal, des orchestrations cartoonesques, de la flûte pastorale, du feedback âpre mais sensuel, de la basse flottante et du vocal blême de Jonathan Donahue. "See you on the other side?" Dans un Mercury Rev alors...
Fondé au tout début des eighties, Malfunkshun appartient au patrimoine rock de la scène de Seattle. Pourtant, sa discographie était réduite, à ce jour, à deux participations aux compilations "Deep six" et "Another pyrrhic victory" ; le trio yankee n'ayant jamais eu le temps, l'argent ou pris l'initiative d'enregistrer un véritable album. Andrew Wood, compositeur, bassiste, chanteur et surtout leader du groupe ira d'ailleurs rapidement rejoindre Stone Gossard et Jeff Ament, futurs Pearl Jam ainsi que Bruce Fairweather pour former Mother Love Bone. C'est d'ailleurs en 1989, à l'issue du décès d'Andrew, que le projet Pearl Jam prendra forme. Sony a donc voulu, à travers ce "Return to Olympus", rendre hommage à cet ensemble dont l'image était aussi extravagante que celle de Kiss ou des New York Dolls. L'image, mais également la musique, infectée de glam, de punk et de métal. Pas pour rien qu'on retrouve sur cet opus une cover de Ted Nugent, "Wang dang poontang". Une véritable réhabilitation pour ce Malfunkshun qui mérite assurément le statut de mythe à l'instar de Devo, Plasmatics, UK Subs ou DOA. Et en même temps un baume jeté sur le cœur de Regan Hagar, qui sévit aujourd'hui chez Satchel, ainsi que Kevin Wood, frangin d'Andrew, impliqué chez Devilhead, probablement très surpris de ce regain d'intérêt manifesté pour une histoire, qu'ils avaient presque oubliée...
Mini album pour ce trio issu de LA émigré à Londres. Combo qui implique deux ex-musiciens de Medecine, Ed Russcha et Jim Putnam. Antécédents qui n'influent cependant guère sur ce "Strange Channel". Sauf peut-être sur le cinquième et dernier morceau du disque, "In other words"; composition cuivrée, languissante, graduelle. Le reste exsude plutôt un rock psychédélique à l'esthétisme vaporeux et aux lyrics ambigus. Produit par Matt Hyde (Porno For Pyros), "Strange Channel" est un avant-goût du futur CD de Maids Of Gravity dont la sortie est prévue pour la fin de cette année. Et comme les sessions d'enregistrement se sont révélées particulièrement fécondes, il devrait uniquement être composé de nouvelles chansons.
En mai dernier, ce trio californien basé à Londres nous avait mis l'eau à la bouche en nous livrant un premier et excellent mini elpee "Strange Channel". Issu des mêmes sessions d'enregistrement, le premier et véritable album de Maids of Gravity répond parfaitement à notre attente. Eponyme, il a donc également été produit par Matt Hyde (Porno for Pyros). Et dispense une même électricité blanche aux mélodies aussi savoureuses que rafraîchissantes, tout en présentant un éventail de parfums beaucoup plus large. Leather Nun, Wipers, Pixies, Smashing Pumpkins, Foo Fighters. Psychédélique également. Dans la progression des cordes de guitares. Mais surtout pour les harmonies vocales. Languissantes à l'instar du Floyd circa "More", sinusoïdales comme les Beatles de l'époque "Magical Mystery Tour". Voire ouatées, brumeuses dans l'esprit du Pale Saints originel ou de Medecine (NDR: normal lorsqu'on sait qu'en 1991, Ed Ruscha et Jim Putman sévissaient au sein de ce groupe). Un chouette album!
Rien que la pochette vous donne une idée du climat qui règne tout au long de cet album. En couverture, un couple de pingouins aux yeux jaunes se tient les nageoires. Et l'intérieur du livret nous livre une splendide vue panoramique du port de Dunedin. Une imagerie romantique capturée par les treize fragments de ce "Before we go under", premier album de cet ensemble néo-zélandais. Groupe né de l'imagination fertile de Robert Scott, compositeur prolifique, qui non content de correspondre au tiers de Clean, dirige également la manœuvre chez Bats. Si l'enregistrement de cette œuvre a reçu le concours d'Alan Starett (Pop Art Toaster, Mink) et de David Kilgour (Clean), il peut surtout compter sur la présence de Jane Sinnott, chanteuse dont le timbre angélique, céleste, se marie à merveille avec celui de Robert. Et ces harmonies resplendissantes, remplissent les mélodies de quiétude et de magie esthétique...
Né de la réunion circonstancielle entre Layne Staley (Alice In Chains), Mike Mc Cready (Pearl Jam), Barret Martin (Screaming Trees) et non pas Ginger, mais John Saunders Baker, Mad Season vient d'enregistrer un premier album. Un disque qui a reçu le concours du chanteur de Screaming Trees, Mark Lanegan ; mais seulement pour deux titres. Une œuvre qui alterne l'excellent et le dispensable... L'excellent lorsque la solution émarge au post grunge, éthéré par la voix androgyne de Layne. Et surtout sur deux fragments. Le blues sulfureux "Artificial Red" et le psychédélique floydien circa "More", "November hill". Mais le dispensable lorsqu'elle s'égare dans les courants atmosphériques prog rock balayés vingt ans plus tôt par des formations comme Kansas ou Kayak...
Duo canadien, Mecca Normal sort de l'ordinaire. Quoi de plus normal ! D'abord, à cause de Jean Smith. De ses textes hostiles au capitalisme. Et puis surtout de son registre vocal incroyable, capable de passer du ricanement redoutable (Lydia Lunch?) jusqu'au murmure tendre et réconfortant (Mélanie), en passant par l'inflexion douloureuse (Patti Smith?). Et n'imaginez surtout pas que le reste s'écarte de la norme. De l'insolite. Surtout lorsque David Lester triture sa guitare, un peu à la manière d'un Howe Gelb. Pensez aux élucubrations électriques grinçantes, déstructurées pratiquées en 90 pour "Long Stem Rant". Sur "Crimson Dagnet", David s'offre même quelques riffs d'Heartbreaker du Led Zep. Ce qui n'empêche pas l'ensemble d'obéir à une certaine structure mélodique. Le plus souvent inspirée par la country. Un disque étrange, énigmatique, déconcertant, (mecc)a normal quoi!
Valeur sûre de la scène yankee, Meat Puppets a toujours joué un rôle essentiel dans l'évolution de la musique pop/rock. Et des formations comme Nirvana, Soul Asylum ou Pearl Jam ont été manifestement marquées par sa vision hardcore du country & western, vision semblable à celle qu'Afghan Whigs réservait à la soul. Le trio de Phoenix ne s'est cependant jamais retourné pour voir le succès déclenché par ce mouvement. En plein ‘boom’ grunge, il cherchait déjà à explorer de nouveaux territoires sonores. Depuis deux ou trois albums, il inocule davantage de couleur et de profondeur dans sa construction mélodique. Davantage d'amplitude dans l'étude du style et au niveau des harmonies vocales semi-léthargiques, échangées entre les frères Kirkwood. Qui manifestement et fondamentalement demeurent "Meat Puppets", même si cet elpee aborde le cabaret, la pop indie, le popcore ou la ballade. Et en particulier cette sauvagerie spectrale et menaçante, fruit de la rencontre entre l'électricité croustillante et la fluidité acoustique. Excellent!
Malgré plusieurs écoutes, cet album nous laisse toujours dans l'expectative. McAlmont tente ici de reconduire le mariage improbable entre la soul la plus noire, inspirée d'Otis Redding, de Marvin Gaye et des Stylistics et la noisy post Cocteau Twins la plus blanche. Expérience qu'il avait déjà tentée en compagnie de Saul chez le défunt Thieves. Dans l'expectative, parce que ce mariage nous semble artificiel. Et semble ne vouloir mettre en exergue que le vocal de David. Qui dispose d'une voix remarquable, il faut l'avouer. Androgyne, falsetto, capable de jongler avec les octaves. Une performance pour laquelle il livre toute son âme en épanchant des sentiments de douleur et de frustration. Mais une performance qui souffre cruellement de son support sonore bancal...
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