Feu ! Chatterton est un groupe pop/rock originaire de Paris. Fondé en 2011, il réunit Antoine Wilson à la basse, Arthur Teboul au chant, Clément Doumic et Sébastien Wolf aux guitares et aux claviers ainsi que Raphaël de Pressigny à la batterie.
Juxtaposés, l'expression Feu ! et le nom Chatterton, en forme d’hommage au poète Thomas Chatterton, servent de patronyme.
Paru en 2021, « Palais d’argile », le troisième elpee studio du quintet a été récompensé par une certification d'or, soit l'équivalent de 50 000 exemplaires écoulés !
Cet opus a été entièrement réalisé par Arnaud Rebotini, grand nom de la scène électronique française et producteur césarisé pour la bande originale du film ‘120 battements par minute’.
Arthur Teboul possède un timbre de voix granuleux, très caractéristique. On le reconnait de suite. Il est agréable et permet à ses textes poétiques d’être intelligibles et sensibles à la fois. Lui est d’une énergie et d’une authenticité qui nous emportent. La musique n’est pas en reste grâce à une orchestration mêlant chœurs travaillés, instruments acoustiques et nappes électroniques qui nous offrent des moments de calme et de volupté ainsi que des montées aux résolutions majestueuses.
Quelle joie d’avoir de la musique et des textes de cette qualité, de cette richesse ! Une belle promesse d’une musique exigeante et populaire à la fois ; ce qui en fait un diamant rare !
Titre magnifique, « Monde nouveau » est un des singles de cet album. ‘Fresque cyberpunk pour les temps confinés, pamphlet adressé à la start-up nation obsédée par le progrès et ode lumineuse à la Nature et à la transcendance’.
Un texte qui décrit l’espoir d’un lendemain radieux tout en dénonçant l’asservissement de l’humanité aux technologies, son impuissance et son inaction pour y arriver. D’un air bête, l’humain, qui n’a rien fait pour éviter la catastrophe, se trouve devant le fait accompli. Il vit dans une étuve ne sachant que faire de ses mains hormis surfer sur Internet et dépendre du serveur central. Mais, rappel d’importance, malgré toutes ces dérives, il lui reste encore l’élan fraternel bienveillant. Ce qui nous fait une belle jambe…
Actif depuis 15 ans, Le Skeleton Band traduit en musique ses envies d’explorer les ambiances blues poisseuses liées au bayou ou issues de la Nouvelle-Orléans, mais dans l’esprit des incantations chères à 16 Horsepower ou à Tom Waits. Sur ce 4ème album studio, enregistré en Italie, ces 4 Montpelliérains épicent leur folk/blues de banjo (« Hearken Me ») ou de mandolines, tout en adoptant une attitude théâtrale voire cabaret assumée. Enfin, la pochette de cet elpee est joliment illustrée par le célèbre tatoueur Jean-Luc Navette.
L’Uruguayen –mais new-yorkais d’adoption depuis 2002– Juan Wauters est occupé de se construire une petite place douillette au sein de l’indie-folk coolisime à souhait aux côtés de Mac deMarco, depuis qu’il a entamé ses aventures solos (lancées après ses débuts au sein de The Beets). Son folk décontracté et légèrement déviant s’avère de plus en plus passionnant à travers ses voyages et ses collaborations multiples. Ainsi pour concocter ce « Real Life Situation », il a bénéficié des participations de HOMESHAKE (« Monsoon »), Air Waves (« Lion Dime »), Cola Bovy (« Unity ») et … Mac deMarco (« Real ») !
Son r’n’b-folk lo-fi souvent interprété en anglais, parfois en espagnol (dont un excellent duo avec la star mexicaine El David Aguilar), composé en pleine pandémie, atteint sa cible à de nombreuses reprises via ses différentes ambiances, tout en nous baladant entre musique urbaine et folk pastoral, dans l’esprit du Beck des 90’s.
Emma Peters, auteure-compositrice et interprète française, nous livre « Le temps passe », un single frais et balancé.
Elle s’est fait connaître grâce à une série de reprises postées sur sa chaîne YouTube où elle cumule des millions de vues et elle a autant d’écoutes aujourd’hui sur Spotify.
Au-delà de son album « Cover », dont nous ne sommes pas spécialement fan, ce titre nous révèle son potentiel créatif.
Une écriture ‘comme on parle’ mais néanmoins poétique. Un refrain que l’on retient et qui se chantonne facilement. Une voix chaleureuse, au timbre particulier. Une authenticité qui se livre généreusement. Un rythme et des instruments funk, des cordes, une partie d’Auto-Tune vocale exagérée à la fin du morceau qui donne un effet plutôt réussi.
La vidéo de cette compo nous invite à un road trip solaire et émouvant filmé sur les routes de Corse, mettant en scène Emma au centre d’un trio amoureux. Les souvenirs heureux d’une relation passée se mélangent à la mélancolie du présent, dans ce ‘Jules et Jim’ moderne, revisité à la sauce Ozark (à découvrir ici).
Nous sommes curieux de voir ce qu’Emma Peters nous réservera lors de la sortie de son nouvel album, « Dimanche », prévue le 22 mars 2022.
Pour aller l’applaudir en concert, les dates sont là
Si son grain de voix vous semble encore inconnu, son visage, quant à lui, devrait vous être familier.
Agé seulement de 31 ans, le jeune Belge traîne déjà une belle carrière derrière lui, multipliant les passages au cinéma, au théâtre et dans les séries télévisées….
Après s’être essayé à électro-pop sur un premier elpee intitulé « 21st Century Boy », qui a rencontré un joli succès critique et d’estime, il est de retour pour un second opus baptisé « It’s Happening Now ».
Un disque qui s’inscrit sur fond de drame familial puisqu’en filigrane, l’artiste y conte l’histoire de son oncle, Michel, atteint de schizophrénie et décédé il y a une dizaine d’années après une longue souffrance psychologique.
Embrassant un processus narratif très réel et concret, le jeune homme entreprend, à la première personne, une quête ultime de rédemption en vue d’exorciser ses vieux démons.
Une thérapie qui s’ouvre par une première plage éponyme qui n’est autre qu’une ode à l’évasion au discours infini.
Si les nappes de synthé prédominaient jusqu’alors, les guitares sont ici bien plus présentes. Cinglantes, elles rendent même parfois l’ensemble rageur. Un choix que Thomas Mustin assume totalement et qui lui permet de retourner aux sources, comme lorsqu’il fouillait dans les vinyles du paternel.
Un LP prétexte à un voyage très eighties d’une quarantaine de minutes au confinement introspectif et intimiste, dépouillé, brut et sans la moindre concession.
En prêtant sa voix à cet homme qu’il méconnaît trop et en explorant un univers sonore plus organique, sis aux antipodes de son précédent elpee, Mustii s’est préparé un terreau fertile pour le live, la scène constituant sa véritable vocation. En outre, particulièrement inspiré, il étonne.
Car si des compos comme « Silver Light » ou encore le très puissant « Run For Your Friends » se révèlent particulièrement électriques, joliment interprétée au piano, la ballade down tempo « Pretty World » épouse une dimension quasi-mystique presque cathédralesque. Un moment suspendu entre ciel et terre…
Un superbe album au cours duquel Mustii affiche une conscience de dramaturge. Forcément !
Et si vous souhaitez en connaître davantage sur l’artiste, on vous invite à lire ou à relier l’interview qu’il a accordée à Musiczine ici
Quel beau titre nous livre Lonny, alias Louise Lhermitte.
On entre directement dans le vif du sujet par le gimmick de deux guitares sèches, d’une autre en picking et de la batterie. Après le gimmick, une voix légèrement voilée entre en scène et entonne les premiers couplets énigmatiques.
Arrive ensuite quelques notes de guitare saturée en stéréo. Puis, de manière jouissive, la basse entame le refrain qui lance définitivement le morceau.
Nous sommes transportés par sa musique folk et son texte poétique issu de la plume collaborative partagée entre Lonny, Herni Rouillet et Simon Autun.
Subtile, l’instrumentation est signée Siau ; et ciselés, les arrangements ont été assurés par Olivier Marguerit. Les sessions se sont déroulées à Montréal sous la houlette du réalisateur Jesse Mac Cormack.
On aime ce genre de texte dans lequel le sens ne se livre pas tout de suite. Un sens qui se dévoile après plusieurs écoutes en fonction de la sensibilité de l’auditeur.
L’histoire d’une première fois, d’un don de soi et de doutes, pour nous.
Comme la fin du monde appartient au nouvel opus de Lonny qui vient de sortir en janvier 2022.
Lonny est une artiste à retenir et que l’on va suivre avec intérêt.
Le début d’un monde pour notre bonheur.
Les dates de concert sont à retrouver ici et son beau vinyle là
Dj Muggs the Black Goat
Outre son implication au sein du mythique Cypress Hill, Dj Muggs est devenu un producteur incontournable au sein de l’univers hip hop. Et puis, ce New-yorkais jouit depuis d’une totale liberté pour s’accorder des aventures en solo, dont le collectif Soul Assassins, qu’il a également choisi comme nom pour son propre label.
Son nouvel elpee, « Dies Occidendum », baigne au sein d’un climat particulièrement sombre (NDR : pas pour rien qu’il s’est collé pour surnom, ‘The Black Goat’ ; et c’est particulièrement criant sur l’excellent et très flippant « The Chosen One »), entretenu par des synthés lourds, des beats trap, des sonorités empruntées au rock psyché et même de la musique tzigane. Le tout en 30 minutes (format un brin trop court !) qui annonce la fin du monde…
Wild Fox est une formation angevine qui réunit de jeunes musiciens ayant fourbi leurs armes auprès de groupes tels que MNNQNS, The Soft Moon ou Lysistrata. Des piges emmagasinées comme des munitions destinées à « Wanker’s Juice », un second Ep chargé de rock garage d’un calibre proche de Mountain Bike (« Chester »).
En 13 minutes, Wild Fox balance 5 projectiles dont la fougue juvénile sent la poudre du rock’n’roll (« African Running ») …
A suivre définitivement !
« Romantic Images » appartient à cette catégorie d’albums qui parviennent, après une seule écoute, à vous mettre de bonne humeur. Efficace, la pop de Molly Burch (NDR : née à Los Angeles, elle s’est établie à Austin) atteint sa cible à chaque coup. Noyée sous des nappes de synthés, elle nous propulse dans les 80’s. Et puis, sa voix est envoûtante.
« Romantic images » constitue son quatrième opus. Et malgré son titre, elle est parvenue à se débarrasser de ses mélodies mélancoliques pour entretenir une ambiance davantage positive. Parfois les compos frôlent le kitsch, quand on ne se surprend pas à se dandiner au rythme de la basse, comme sur l’entraînant « Emotion feat. Wild Nothing ».
Ce long playing ne révolutionnera pas la pop ; mais au beau milieu de l’hiver, alors que les concerts sont annulés l’un après l’autre, il apporte un petit rayon de soleil qui réchauffe les cœurs. Et ça, ce n’est pas rien !
« Imposter » constitue le troisième album de Dave Gahan et du producteur de musique électronique Rich Machin des Soulsavers qui, pour la circonstance, ont bénéficié de la collaboration d’une bonne dizaine de musicos. Pour cet elpee, le chanteur de Depeche Mode a choisi d’adapter des chansons de ses artistes préférés, des morceaux auxquels il inocule sa propre sensibilité.
Il y privilégie une majorité de ballades, souvent enrobées de chœurs (gospel), dont « Smile », une chanson écrite par Charlie Chaplin, popularisée par Nat King Cole, et dont la nouvelle version pourrait agrémenter les veillées de Noël. Ou encore « Always on my mind », qui a fait l’objet de multiples versions, dont les plus célèbres demeurent sans doute celles d’Elvis Presley et de Willie Nelson.
L’hymnique « The dark end of the street », un vieux standard soul (James Carr) est nappé d’orgue Hammond, dans l’esprit du slow ‘tubesque’ « A Whiter shade of pale » de Procol Harum.
Marc Lanegan signe l’excellent « Strange religion », un titre country/folk (cette pedal steel !) que Dave interprète d’un ton désabusé. Et « Where my love lies asleep » (Gene Clark) est de la même veine.
Malgré ses chœurs et ses claviers rognés, « Lilac Wine » (un titre signé feu Jeff Buckley) reste relativement minimaliste, mais n’atteint pas le niveau de l’original.
Fragile, mais indolent, « A man needs a maid » (Neil Young) accroche surtout par sa mélodie.
Plus intéressant, « Metal heart » (Cat Power) monte progressivement en intensité, bénéficiant d’arrangements et de textures lumineuses.
Rowland S. Howard (au cours de sa carrière, il a collaboré avec un tas de musicos ; mais a surtout milité au sein de Birthday Party, en compagnie de Nick Cave, de These Immortal Souls et de Crime & The City Solution) avait composé « Shut me down » alors qu’il était en phase terminale d’un cancer. Sa cover est à la fois douce-amère et déchirante…
DG&S nous propose une mouture plus rock et marécageuse de « Not dark yet », une composition issue de la plume de Bob Dylan.
Compo dépouillée de PJ Harvey, « The desperate kingdom of love » est ici traduite en ballade électrique brûlante.
Elmore James est crédité du blues « I held my baby last night ». Fleetwood Mac en avait réalisé une version très personnelle. Dave Gahan et ses Soulsavers l’on traduite en blues/rock grinçant.
Un bel exercice de style, mais qui aurait sans doute mérité quelques titres un peu plus percutants.
En choisissant pour titre de son second elpee, « Excuse my french », Julien Bouchard voulait peut-être s’excuser d’avoir opté (définitivement ?) pour la langue de de Molière, afin d’interpréter ses chansons. Faut dire que sur son premier opus, elles étaient alternativement écrites en français ou en anglais. Pourtant, sa musique est demeurée fondamentalement anglo-saxonne. Influencée, probablement par Sparklehorse, Elliott Smith ou encore Lemonheads. A contrario, un morceau comme « Tu m’entraînes » épouse, malgré la présence d’un synthé, un format grunge. Parmi les 10 plages de cet opus, on épinglera encore l’excellent et bien électrique « Le sens de la fête », le dépouillé « Château de sable », « Ton ombre est ma lumière », une piste enrichie d’une intervention à la trompette et puis une compo qui véhicule des accents prog. En l’occurrence « En nous », surtout lorsque la guitare talonne la voix. Enfin, Eddy La Gooyatsch (un chanteur nancéen) apporte son concours à « Même pas là », une plage qui met bien exergue de chatoyantes tonalités de gratte, dont une traitée en slide.
Quant aux inflexions vocales, elles sont très susceptibles de rappeler Etienne Daho. Elégance, mélancolie et poésie sont les maîtres mots de cet LP fondamentalement pop/rock, malgré le recours à la langue française…
Paru en 2019, l’album « Get trafic » avait opéré un virage vers l’électronique. Pas une grande réussite, il faut le reconnaître ! « Ghosts on tape » persiste et signe. Mais selon les morceaux, cet apport est judicieux ou pas. En fait, si quelques titres, et tout particulièrement « Give up », sont manifestement influencés par l’indus de Nine Inch Nails, en général, les sonorités de synthé à coloration eighties (NDR : hormis celles klaxonnées tout au long de « Morbid fascination ») s’infiltrent insidieusement au sein d’une expression sonore qui ne manque pas de punch. Certaines pistes sont même carrément explosives. Parfois, on pense même à Garbage. Mais ce qui dérange surtout, c’est cette production, un peu trop sophistiquée pour des compos fondamentalement rock. Et puis ces voix triturées, tout particulièrement celle de Steven, qui ne collent pas toujours très bien à la solution sonore. Côté textes, Blood Red Shoes s’intéresse à la perversité humaine, et notamment aux ‘serial killers’ ainsi qu’aux psychopathes. David Lynch doit certainement hanter leurs nuits ! Et on comprend mieux pourquoi, certaines pistes baignent au sein d’un climat cinématographique…
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