Cette formation américaine nous vient de l’Ohio. De Toledo, très exactement. Un quintet qui n’a pas hésité à se proclamer ‘le meilleur groupe psychédélique du monde’. Bonjour les grosses têtes ! Et « Everybody wants a way out » constitue déjà leur quatrième album. En fait leur musique est essentiellement revivaliste. Bien fichue, mais revivaliste quand même. Puisant son inspiration chez les Beatles circa « Magical Mystery Tour », les Byrds, le Move, le Floyd (NDR : du bout des doigts de pied) et éventuellement des Pretty Things ainsi que de The Move. On peut y ajouter les Hollies pour les harmonies vocales (NDR : ce n’était pas une formation psychédélique). Deux titres sortent quand même de ce contexte. Tout d’abord l’étrange « Sad little girl » et puis l’allègre « Merely stacking chairs ». Plus psychés dans l’esprit contemporain, aussi. Pensez au label Elephant 6 (Neutral Milk Hotel, of Montreal, Apples In Stereo, etc.) Pour le reste, sitar, bandes passées à l’envers, guitares chatoyantes, bringuebalantes, triturées, mélodies lysergiques ou sinusoïdales, le tout caressé d’harmonies vocales limpides, servent de canevas à des compos qui sont un peu datées. On a même droit à deux titres plus prog. Tout d’abord le slow très seventies « Hard line » et puis le bluesy et menaçant « Play the hear back ». Anecdotique !
Duo originaire de Bordeaux, Minuscule Hey donne envie de taper des mains, des pieds et, paradoxalement, de se cogner la tête contre un mur. Car si la pop minimaliste de la formation retient l’attention, elle peut également s’avérer un peu casse-bonbons. Ainsi, « Kiss Richard » est une agréable petite ritournelle réminiscente d’un Moldy Peaches et « I Feel Minuscule » sent bon la fantaisie tandis que « Watch Out ! The Sillycats ! » se veut proche de The Kills mais n’en atteint pas le brio. Quant à « Shoelaces Dancing Like A Yo-Yo », il sonne comme une Kymia Dawson qui aurait bu un verre de trop en compagnie d’un pote tout aussi éméché. Un EP en demi-teinte donc.
C’est une ‘success story’ à la belge. Fausses majorettes mais vraies déconneuses, les Vedettes ont tapé dans l’œil de Philippe Katerine. L’atypique chanteur français a d’abord invité les huit donzelles à exécuter leurs chorégraphies délirantes pendant la tournée de ‘Robots Après Tout’, il y a déjà deux ans. Il a ensuite décidé de leur concocter un album en compagnie de la Secte Humaine (les anciens Little Rabbits), Renaud Létang et Gonzales. Un casting plutôt impressionnant pour ce collectif d’artistes bruxelloises qui ne s’attendaient pas à autant d’attention.
Les quatorze très efficaces titres de « Disque N°1 » oscillent de l’électro au punk rock en passant par le disco et les ballades surannées. Des morceaux inventifs et bien produits qui risquent d’enflammer quelques pistes de danse. Côté paroles le ton est drôle et irrévérencieux, à l’image de « Vive Papa ! » Sur cette plage très Beach Boys, les donzelles chantent d’un ton insouciant que ‘Papa est mort ! Regarde-le il est tout bleu touche-le là il est tout froid !’ L’ensemble de l’elpee ne se cantonne heureusement pas aux plaisanteries. A l’instar de « New York City » et « MDMA », dignes des meilleurs moments de Katerine. On ignore si les Vedettes envisagent de donner une suite à ce projet (NDR : « Disque N°2 » ?), mais en tout cas, celles et ceux qui aiment l’humour en musique devraient apprécier ce petit recueil de poésie trash… Bouge ton pet !
« The Ravished Bride » constitue le troisième disque du Kocani Orkestar, enregistré pour le compte du label bruxellois Crammed. Au cours des dernières années, la fanfare macédonienne a traversé quelques remous, puisque le trompettiste Naat Veliov a quitté le navire pour fonder l’‘Original Kocani Orkestar’. Le dissident voulait, en effet, intégrer des éléments modernes à l’art ancestral balkanique, au grand dam de Crammed et de certains de ses partenaires. Si le trompettiste a décimé le groupe originel, l’écoute de « The Ravished Bride » nous rassure vite sur la bonne santé de la fanfare gitane reconstituée. Enrichie du chanteur Ajnur Azizov, d’un batteur et du guitariste de Balkan Beat Box, la formation fait parler la poudre sur « The Ravished Bride ». Ce mélange détonnant et énergique convie les cuivres typiques des Balkans, la guitare surf de Uri Kinrot, un déluge de notes proche du be-bop et cet indéfinissable mélange des cultures qui embrasse le bassin méditerranéen, l’Europe de l’Est et la Turquie. Sur « The Ravished Bride », le Kocani se fend notamment d’une très belle reprise du traditionnel mexicain « La Llorona ». L’opus recèle aussi quelques titres personnels de haute tenue : « Hajde Te Kelas », l’orientalisant « Sahara Dreams » et l’excellent délire funk balkanique « Divanosko ». Furieusement funky et chaudement conseillé !
Le discret mais sensationnel Mark Pritchard (Jedi Knights, Troubleman, Reload, etc.) revient sur le devant de la scène électro. Il nous présente sa nouvelle petite perle « When Machines Exceed Human Intelligence », sous le pseudonyme Harmonic 313. Ce natif de Détroit sait évidemment ce que représente la scène techno et cela s’entend ! Véritable pionnier depuis les années 90, on lui doit le chef-d’œuvre composé en compagnie du Londonien Tom Middleton « 7614 ». Proche de Richard D. James alias Aphex Twin, c’est sur le label Warp que l’on retrouve donc Harmonic 313 et sa nouvelle galette. Voguant actuellement sur des ondes dubstep, le producteur accouple funk et beats techno sur un lit d’expérimentations. Utilisant des grooves saisissants sur une grosse ligne de basse, ce technicien a donc décidé de placer la barre très haute.
Dès l’entame on se retrouve clairement face à un génie qui n’a peur de rien. Le « Dirtbox » propose une fusion entre dubstep et techno originelle. Appliqué comme jamais, Harmonic 313 joue des sonorités 80’s et la suite n’est qu’un pur bonheur. « Cyclotron » met la pression grâce à une basse dont la courbe est majestueusement cintrée sur un drumming simple mais efficace. A noter également la présence de featurings dont les emcees Phat Kat et Elzhi sur « Battlestar » mais aussi Steve Spacek pour le mélancolique « Falling Away ».
Tout au long de ce « When Machines Exceed Human Intelligence », Mark Pritchard étale sa technique, mais aussi son talent. Capable de glisser d’un univers sonore à un autre, l’artiste fixement perché sur sa branche, a pour lui seul la vision d’une année 2009 qui lui semble promise d’avance. Splendide !
Originaire d’Arizona, F5 a eu le nez creux en engageant Jimmy Degrasso, un drummer réputé pour avoir notamment martelé les fûts chez le backing group d’Alice Cooper et Megadeth. Le combo a également dévergondé un ex-musicien de Dave Mustaine, un certain David Ellefson, de loin le meilleur bassiste de toute la carrière de Megadeth.
Pour ce deuxième elpee, beaucoup plus mature que le précédent, F5 assume pleinement ses influences et nous surprend en dispensant un heavy/trash mâtiné de métal progressif. Beaucoup plus riches que sur « A Drug fo All Seasons », les compositions de « The Reckoning » font la part belle aux grosses guitares et aux solos périlleux, rappelant parfois Joe Satriani. Dynamisés par la double grosse caisse de Degrasso, des morceaux comme « Cause for Concern » ou « I am the Taker » affichent énormément de caractère, tandis que « Wake Up » et le technique « Rank and File » trahissent de nettes influences puisées chez Dream Theater. Dans un registre plus carré et direct, « The Reckoning » et « Control » permettent au chanteur Dale Steele de s’imposer de fort belle manière et confirme que si F5 avait bénéficié d’une production digne de son talent, il aurait pu se mesurer aux superproductions américaines ! Mais « The Reckoning » demeure, malgré cette petite lacune, un disque tout à fait recommandable pour tout amateur de bon heavy.
Sérieux candidat au titre de champion dans la catégorie ‘groupes de stade’, les Delays ont frappé un grand coup, au cours du mois d’octobre 2008, en sortant cet « Everything’s the rush ». Véritable stars en Angleterre, tous leurs singles se sont classés dans le top 40, depuis 2003. Et pourtant, ils sont pratiquement passés inaperçus sur le Vieux Continent. Ce qui explique peut-être pourquoi, le combo a quitté leur maison de disques Rough Trade, pour signer chez le major Fiction. A moins que leur musique ne correspondait plus à l’esprit du label de Geoff Travis…
Une vingtaine de jours ont suffi au combo pour enregistrer ce nouvel elpee. Les sessions se sont déroulées en Espagne. Et selon les déclarations du groupe, en gardant à l’esprit une volonté de renouveau musical. Le climat de vacances a probablement influencé le ton résolument positif de l’album. De là à parler de bande-son idéale pour un bus d’anglais en partance pour Marbella… Néanmoins, le disque recèle une majorité de titres efficaces, dont la plupart sont susceptibles de se traduire en hits. « Hooray » et « Love made invisible » en tête de liste. Dans la tête des Delays, trop n’est pas nécessairement synonyme de mauvais goût… Riffs imparables, refrains bien souvent pompiers, ‘oohooh’ et ‘aahaah’ omniprésents, usage de cordes systématique et mélodies puissantes, rien n’est oublié. Même les remix électro n’ont pas été négligés en fin de parcours…
Mais y aurait-il pour autant du mal à se faire plaisir de temps en temps ? Peut-on leur reprocher de composer de la musique destinée à plaire au public festivalier ? Nous sommes d’ailleurs bien en présence d’un futur groupe taillé pour Werchter ! Il vous suffit de passer au-delà du manque de personnalité de l’ensemble. Si ces Britons reconnaissent pour influences majeures les La’s et Manic Street Preachers, leur musique navigue en permanence quelque part entre Oasis, Starsailor, Kaiser Chiefs, Placebo, Starsailor et même The Verve.
Une bonne journée sans souci vous aidera à surmonter et pourquoi pas à apprécier ce gâteau indigeste… Si The Music, élu pire groupe anglais des années 2000, n’est jamais loin, le gang des frères Greg et Aaron Gilbert s’en tire heureusement nettement mieux. A consommer néanmoins avec les précautions d’usage…
Quatuor limbourgeois, Confuse The Cat rencontre un certain succès au Nord du pays. Pourtant, il semble éprouver des difficultés à conquérir le reste de la nation. Et ce n’est pas « Kericky », le nouvel opus de la formation, qui y changera quelque chose. Constitué de dix morceaux baignant dans un rock à la Killers, bien agencé mais tout à fait standard, « Kericky » a pour défaut des vocalises rapidement irritantes. Les affreux chœurs limite pochards de « Get The Bullets » et les mimiques forcées de « Ionic Deep » suffisent seuls à dissuader l’auditeur téméraire.
Mais le combo arrive également à surprendre comme sur le très bon dub de « Jackal at 10 ‘O Clock » et le subtil post-rock de « Black Birds », deux extraits instrumentaux qui relèvent l’intérêt de la plaque. Confuse The Cat n’est donc jamais aussi bon que lorsque Geert Pleesers, leader de la troupe, ferme son clapet. Un disque intégralement instrumental arrivera peut-être à nous convaincre ?
Confuse The Cat et Steun Meuris (Monza) en live à Studio Brussel : http://www.stubru.be/node/83522#comments
Pieds nus sur le gazon brûlé des terres arides de New Mexico, on se remet une seconde fois au pouvoir psychotrope des chants spirituels de Brightblack Morning Light. Et dieu sait comme ces derniers nous ont manqués. Pour « Motion To Rejoin », le quatuor pousse l’expérience naturelle un cran plus loin. Ce nouvel opus a en effet été entièrement enregistré grâce à l’énergie récoltée via quatre panneaux solaires ! Le résultat ? Un ouvrage aussi éthéré, spontané et impressionnant que l’éponyme, publié en 2006. Stimulée par les vocalises shamaniques de Nayob Shineywater, que pimentent les sœurs McCrary d’un brin de gospel, l’œuvre sent bon la ‘zenitude’, le feu de bois, les herbes médicinales et, surtout, la liberté.
Les fans du premier opus ne seront pas déboussolés, la structure de « Motion To Rejoin » étant, à peu de chose près, identique à celle de « Brightblack Morning Light ». Certains pourraient d’ailleurs reprocher à la formation ses mélodies répétitives et sa désarmante nonchalance. Mais le quatuor arrive parfaitement à jouer de ses deux aspects en sa faveur. « Motion To Rejoin » est, en bref, un disque magnétique et envoûtant.
The Soul of John Black est en réalité le projet d’un seul artiste : John ‘JB’ Bigham. Pour la plupart des bluesmen, c’est un inconnu. Pourtant, il a composé et a joué des percus pour Miles Davies. Il a également milité pendant huit années au sein de Fishbone, un groupe de fusion réputé pour son mélange de rock, de funk et de ska. Il y jouait de la guitare et des claviers. En fait, cet artiste puise son inspiration chez les pionniers du blues et de la soul. Originaire de Chicago, il a beaucoup écouté Muddy Waters, Howlin' Wolf et John Lee Hooker. Mais John a surtout une ligne de conduite : refléter ses émotions à travers une expression musicale empreinte de beauté et de liberté. Paru l’an dernier, son premier opus, "The good girl blues", relevait franchement du blues! Sur ce nouvel opus solo, il a cherché à célébrer l'héritage musical afro-américain.
L’elpee démarre en force par "Black John". Résolument funk, ce morceau autobiographique bénéficie d’arrangements et d’une mise en forme particulièrement soignés. C’est d'ailleurs John qui assure la production de cette œuvre. Tout est parfaitement en place : la guitare, les percussions d'Oliver Charles et de Davey Chegwidden, les claviers d'Adam McDougal ainsi que les synthés de Chris Thomas. Cependant, Black John domine l’ensemble de sa voix autoritaire. Après cette mise en bouche, on imagine entrer dans un espace sonore funk aussi percutant que celui de Kool & the Gang voire du funk/soul sophistiqué de Temptations. Il n'en est rien. L’univers de Black John est éclectique. Plage séduisante et instantanée, "Betty Jean" concède des accents exotiques. A cause de l'orgue Hammond très ‘Memphis’, des chœurs féminins et de la voix qui emprunte quelque peu le phrasé reggae. Ce "Betty Jean" est aussi paru en single. Un hommage à la chanteuse de funk rock Miss Betty Davis, l'épouse de Miles Davis. Balayé par un piano électrique, "Ever changin' emotions" baigne également au sein de cette ambiance chaleureuse, proche des Caraïbes. Le rayonnement de cette musique est immédiat. Grave et brûlante, la voix maîtrise son sujet. La guitare de John est susceptible de délirer, mais également de vagabonder nonchalamment sur des rythmes participatifs et franchement funkysants. La rythmique jamaïcaine contamine à nouveau "Bottom chick". Sur "Last forever", sa guitare à la sonorité métallique nous achemine jusqu’au Delta. Un Delta blues funk, volontairement primaire. John s’associe aux chœurs féminins, assurés par Kandace Linsey et Laura J. Jones. John aime mêler blues, folk, funk, country, rock, soul, gospel et world music. Il apprécie également les rythmes dansants. Tout au long d’"I knew a lady" il adopte une trame blues rock parfois proche de John Lee Hooker ; mais il a le bon goût de lui conférer un profil bien personnel. "White dress" puise également dans le Delta originel. A cause du recours aux vocaux hypnotiques, proches des ‘worksongs’ ancestraux. Ce qui n’empêche pas la slide acoustique de se fondre dans les sonorités de l’orgue. "Never givin' up" est caractérisé par une mélodie émouvante. Les vocaux s'échangent des répliques. Ballade rock majestueuse, "Better babe" conjugue cordes électriques et acoustiques. John en profite pour libérer sa slide au beau milieu de ces harmonies vocales éternelles. "Push into the night" est un blues rock contagieux, marqué d’une empreinte indélébile par Black John. D’excellente facture et d’une qualité constante, cet elpee s’achève par "Thinking about you", une plage sculptée par deux guitares acoustiques, et raffinée par un vocal empreint d’une grande tendresse. Attention, ce disque nécessite plusieurs écoutes avant d’être pleinement apprécié à sa juste valeur.
Jane Birkin n’a jamais été à proprement parler, une avare. Plus jeune, elle nous a déjà permis de partager sa plastique, entre les doigts jaunis de son pygmalion à la tête de chou. Elle a ensuite rangé ses mini-jupes pour nous parler de ses émotions tout en entamant le chemin de la notoriété, seule au micro. De sa voix fragile, presque chuchotée, elle trouve toujours le moyen de nous toucher, grâce à sa douceur, au fin fond de nos cœurs. A 61 ans, et une belle carrière derrière elle, Jane nous revient plus intimiste encore que jamais, en proposant pour la première fois, des textes issus de sa plume personnelle. A travers sa vision des événements, elle nous parle de son univers où la famille et les souvenirs tiennent une place énorme. Elle a décollé les images de ses albums photos de famille pour s’en servir comme visuel de sa dernière création. Bref, elle nous entraîne dans son jardin privé. Cette démarche n’est pas destinée à nous faire croire que son herbe est plus verte qu’ailleurs ou que ses fleurs ont des couleurs qu’on ne trouve nulle part ailleurs. Il s’agit simplement d’une invitation sur le pré pour parler du bon temps et des moments heureux de sa vie, de ses enfants, de sa passion. Elle a aussi reçu le concours d’Edith Fambuena, d’Alain et Pierre Souchon, de Franck Eulry, d’Alain Lanty et d’Hawksley Workman pour écrire certaines des compos de cet opus. Des chansons dont l’empathie et l’altruisme parviennent à nous cajoler. On épinglera également une dédicace au prix Nobel de la Paix Aung San Suu Kyi, lors d’un un morceau qui porte son nom. Une vraie humaniste qu’on vous dit, cette Jane.
Publié pour la première fois en septembre 2007, l’œuvre introductive de A Place To Bury Strangers était, à l’époque, passée quasiment inaperçue. Et pour cause, le recueil n’avait été tiré qu’à 500 exemplaires ! Encouragé aujourd’hui par le renouveau du Shoegaze, ainsi que par une fructueuse tournée en première partie des incontournables MGMT, le trio édite enfin à grande échelle son excellent éponyme. En 2006, les Suédois de 120Days remettaient le shoegaze au goût du jour. Depuis, aucune autre formation du genre n’avait réussi à tirer son épingle du jeu. C’était sans compter sur A Place To Bury Strangers, qui reprend plus qu’honorablement le flambeau, allant au-delà des limites que 120Days s’étaient imposées.
Enrichie de cinq nouveaux morceaux, cette première œuvre constitue une véritable ode à Jesus & the Mary Chain, circa « Psychocandy ». Les compos sont marquées par l’alliance parfaite entre la puissance sonique des distorsions et les chants contemplatifs à la Joy Division. Imposant, cathartique et captivant sont les mots d’ordre de morceaux tels que « I Know I’ll See You », « Another Step Away », « Missing You », « To Fix The Gash In Your Head » ou les très ‘Cure-esque’ « Half Awake » et « Sunbeam ». Bien qu’ils soient relativement moins commerciaux et accessibles que leurs compagnons de MGMT, les trois gaillards de A Place To Bury Strangers méritent le même succès que ceux-ci.
‘Yoko Sound est une jeune chanteuse bruxelloise’. La première phrase mentionnée sur la bio suscite déjà l’envie. Du moins, en ce qui me concerne. Définies comme un mélange entre trip hop, ballades folk et électro, les références associées au projet ont de quoi intriguer, voire même aiguiser ma curiosité. Beaucoup s’y sont frottés, et bien souvent s’y sont royalement plantés.
Dès que les premières notes de « Not Enemy » s’égrènent, on sent en effet les influences de Bristol. On pense assez rapidement à Massive Attack, Tricky ou Portishead. Une première écoute de l’album ne révèle donc pas de véritable surprise. Néanmoins, ne pas appuyer sur la touche ‘replay’ serait trop facile. Parce que pour y déceler toutes ces richesses cachées, il faut impérativement insister sur les dix plages de la galette. « Not Enemy » a une âme. Conduite par de très bonnes compos au piano, elle nous enveloppe d’une aura sensuelle, si on lui en laisse le temps. De son timbre suave, Yoko Sound parvient à égratigner un bout de notre carapace et nous piège par ses appels à la tendresse. Les rythmes entrecoupés par des plages chuchotées ont de quoi apaiser nos moments de détresse, et élever une envie de bien être avec un naturel étonnant. On apprécie assez la sensation intimiste et calfeutrée que « Not Enemy » apporte. Enivrant comme Ms John Soda, léger comme Morcheeba, cet album est loin d’être l’ersatz d’un style maintes fois proposé. Il en serait même la suite. Délicat (« Berlin »), drôle (« N’importe Quoi ») et entraînant (« Skin in The Night ») à la fois, cet elpee constitue une agréable découverte bien de chez nous. Et loin d’un chauvinisme primaire soyons fiers de compter Yoko parmi nos troupes.
Un sans faute pour Winterpills. Après le splendide éponyme et le non moins bon « A Light Divide », le quintet propose un troisième essai résolument pop. L’optimisme que l’on reprochait au second essai de la formation prend ici tout son sens et s’allie parfaitement à la beauté des arrangements. Sans atteindre l’éclat de « Winterpills », « Central Chambers » semble être le disque le plus abouti de Philip Price et de ses compagnons. Flora Reed et ses vocalises somptueuses y tiennent d’ailleurs une place prépondérante, renforçant le pouvoir magnétique des compositions de Winterpills.
La formation n’en démord pas, son influence principale demeure Elliott Smith mais elle lorgne cette fois également du côté de leurs contemporains tels que Arcade Fire (« Wire ») ou encore Low (« Everything »). Les majestueux « What Makes Me Blind ? », « Immortal », « Secret Blue Thread » et « Beesting » confirment le talent d’écriture de Philip Price qui, après avoir fait ses armes dans de nombreuses et obscures formations, s’est déniché une famille fiable et soudée. Ne reste plus au public que de découvrir enfin ce génialissime combo qui, bien plus que d’autres, mérite une certaine reconnaissance…
Tracklisting
1. I
2. II
3. III
4. IV
5. V
6. VI
7. VII
8. VIII
Pour plus d’infos : http://www.buriedinside.com et http://www.myspace.com/buriedinside
Découvert par Peter Gabriel, Charlie Winston sera sans doute la coqueluche folk de 2009. Son premier opus, « Hobo », paraîtra le 16 février prochain et jouit d’ores et déjà de critiques dithyrambiques.
Le premier single, « Like A Hobo » est en écoute sur http://www.thisisbang.com.
Tracklist :
1."The Crowning" - 3:45
2."Stronger than Jesus" - 3:05
3."Bear on the Beach" - 4:11
4."Love Has Left the Room" - 3:39
5."Golden Teeth and Silver Medals" - 4:41
6."Here Are Many Wild Animals" - 3:53
7."Chinatown" - 4:33
8."My America" - 3:12
9."Eau De Colonia" - 0:29
10."I Signed the Line" - 2:57
11."To Be Human" - 2:35
12."The Weed Got Here First" - 6:39
Le premier album solo de Pete Doherty, « Grace/Wastelands », paraîtra le 16 mars. Produit par Stephen Street, il jouit de la collaboration non moins prestigieuse de Graham Coxon à la guitare. « Last Of The English Roses », le premier single est en écoute à l’adresse suivante :
The President Of The United States Of America ont enregistré un nouveau titre intitulé « Movin’ In », en hommage à l’investiture du nouveau président des Etats-Unis. Le morceau est téléchargeable gratuitement sur le site officiel de la formation.
Les apparitions de Bertrand Burgalat sur la scène belge ne sont pas fréquentes. Alors, quand le Botanique le programme, flanqué de la charmante April March, c’est le sourire aux lèvres que nous sollicitons notre accréditation presse. La date du 31 janvier est bloquée, et aucune autre manifestation culturelle ne pourrait effacer son nom de notre calendrier. Le dandy vient présenter son dernier album « Chéri BB ». C’est dans notre bonne vieille capitale qu’il clôture la tournée, entamée le 9 janvier en France. On ne peut pas dire que la foule se bouscule au portillon… C’est même à la vitesse d’un escargot que le public pénètre au sein de l’Orangerie. Curieux quand même qu’il soit si peu connu du grand public, et pourtant si présent sur les scènes européennes. Cependant, qu’il produise un artiste ou chante en personne, une soirée Tricatel/Burgalat est toujours un gage de qualité. Je ne m’étendrai cependant pas sur Les Shades. Egalement signés sur ce label, à mes yeux, ils dérogent à la règle du bon goût. Mais trêve d’égarement, revenons aux artistes qui nous intéressent.
20h20. Henning Hesse, Olivier Cussac, Julien Barbagallo, Benjamin Libert et le dandy toujours tiré à quatre épingles, j’ai nommé Mr Burgalat, montent sur les planches. Barbu et la mèche bien collée, Bertrand est sapé comme un prince. L’accueil que lui accorde le public est néanmoins réservé. La salle n’est pas encore comble lorsque les premiers accords de « Waiting For Rain » déposent à nos pieds l’univers féerique et chatoyant du Français. L’artiste n’a pas l’air à l’aise, et semble même un peu perdu. Le décor est sobre. Juste un rideau rouge en toile de fond. Les différents musiciens sont installés de manière rendre leur visibilité optimale. Burgalat s’est planté un peu plus en avant, aux claviers. Il empoigne de temps à autre le micro et se retourne vers ses musiciens pour communiquer du regard. Le set se déroule calmement, de « Aux Cyclade » à « Je Suis Seul dans ma Chanson ». Les accords sont parfaits. Pas de lacune. Sauf que Burgalat éprouve des difficultés à placer sa voix. Très souvent de travers dans les accords, il frise parfois le mimétisme de Katerine, à la limite du faux. Ce timbre particulier n’entache en rien les très bonnes compositions qui s’enchaînent. Il prend cependant progressivement ses marques et redresse la barque au fur et à mesure des compos. Peu loquace, Bertrand Burgalat ne formule qu’un ‘merci’, du bout des lèvres, entre chaque chanson. Peut-être est-ce la timidité qui le pousse à rester discret ou l’envie de ne pas perdre de temps pour aligner le plus de morceaux possible au cours du set. A ce sujet, on ne va pas être déçus. Balancé funky à donf, « This Summer Night » vient allumer l’assistance. Ce bon coup de boost apporte un peu d’énergie après un début de parcours un peu léger. Parfumé d’accords de clavecin, « Spring Isn’t Fair » parvient ensuite à nous plonger dans un univers baroque assez sympa. Le show prend une autre dimension. Une autre direction aussi. Et c’est la tête la première que nous le suivons, sans hésitation. Excellent morceau, « Demolition Derby » vient confirmer cette impression. Lors des excellentes interventions à la basse ainsi que lorsque les chants planants murmurés entraînent la guitare dans une frénésie rythmique, on a du mal à résister. Le déhanchement nous atteint naturellement. La tête balance sur le rythme. Le pied aussi. Un petit incident technique laisse sans voix le Korg MS-10 de Henning Hesse. Burgalat semble un peu médusé sur l’intro de « The Angels Combine ». April March fait enfin son apparition. Elle prête son concours à « Le Cœur Hypothéqué ». Vêtue d’un jeans, d’un chemisier aux épaules dénudées, une étoile de mer à paillettes plantée dans les cheveux, elle apporte beaucoup de grâce aux compos. L’inévitable « Garçon Glaçon » enchante le public qui l’accueille sous des applaudissements soutenus. La belle restera sur scène jusqu’au final « There’s Always Madness », morceau embrassant un air résolument jerk.
Il est 21 h 40. Quelques personnes quittent la salle. Pourtant Burgalat et March reviennent assez rapidement pour accorder leur rappel et entament en duo, « Kneesocks ». Ce premier retour sur le podium épingle 3 morceaux, dont l’excellent « Chick Habits », une chanson ayant servi de B.O. au dernier long métrage de Tarantino. Contagieuse cette chanson ; car plusieurs heures après avoir été entendue, elle trotte encore dans la tête.
Lors du deuxième ‘encore’, la version de « Ma Rencontre » emprunte un profil plus rock que celle proposée initialement. Burgalat se décide enfin à dialoguer quelque peu en compagnie de son public. Il balance quelques mots pour exprimer sa joie d’être ici ce soir. Il présente ses musiciens. La soirée se termine par une adaptation très brève, mais douce du morceau « Le Pays Imaginaire ». Dans un style qu’il avait adopté, deux heures plus tôt, en début de concert…
Une agréable soirée au cours de laquelle on devra soulever la qualité du son et des compositions. Retour au froid polaire dans la rue pour retrouver la voiture, tout en sifflotant « Habit Chicks » … Coriace cet air !
Tracklist:
Waiting For Rain
Aux Cyclades
Anonyme Amour
Nous Etions Heureux
Voyage Sans Retour
Noël Sur Ordonnance
Je suis seul dans ma chanson
This Summer Night
Spring Isn’t Fair
J’ai Quelquechose à Dire
Demolition Derby
The Angels Combine
Another World Gone by Caribou
Le Coeur Hypothéqué
Le Code Rural
Garçon Glaçon
Sugar
Sometimes When I Stretch
There’s Always Madness
Kneesocks
Super Bagneres
Chick Habit
Ma Rencontre
Le Pays Imaginaire
(Organisation Botanique)
TV On The Radio a décidé de reprendre le « Heroes » de David Bowie. Ce titre figurera sur la compile « War Child Heroes »,
Lien du titre : http://www.imeem.com/people/GTqtZ2o/music/Dr_PKj5V/tv_on_the_radio_heroes/
Vous n’aviez peut-être jamais entendu parler d’eux ? El Tattoo del Tigre est un combo d’origine anversoise. Il est venu clôturer sa tournée d’adieu ‘El Último del Tigre’ à l’AB. C’est-à-dire la scène qui l’avait révélé à ses débuts, il y a neuf ans. Tout au long de son brillant parcours, il s’est consacré essentiellement à revisiter des morceaux mambo des années 40-50. De grands classiques, arrangés et interprétés par des musiciens belges en mal des rythmes envoûtants des Caraïbes.
On peut parler d’un projet imposant. A chaque représentation, ce ne sont pas moins d’une trentaine de musiciens et vocalistes qui se relaient. Pour le compte, vendredi soir, on ne recensait pas moins de 12 cuivres (saxophones, trompettes et trombones), des percussionnistes, un pianiste, 7 chanteurs, 2 contrebassistes et 2 maîtres de cérémonie. Un orchestre dont les membres ont assuré leur rôle d’animateurs en manifestant un grand enthousiasme. Des artistes belges, talentueux, réunis pour faire partager au public, des airs qui nous font remonter dans le temps. Un peu comme dans un vieux film où on entend le phonographe qui crépite et crache inlassablement des vieux tubes de Pérez Prado.
Au cours de leur périple, hormis les principales salles du nord du pays, le tigre a rugi tant à Werchter, au Printemps de Bourges (F), à l’Eurosonic (NL) ; mais aussi de l’autre côté de l’océan, notamment au Canada et au Mexique. Le dernier chapitre d’El Tattoo del Tigre s’est donc achevé à l’Ancienne Belgique ; salle où le collectif a enregistré son premier elpee. Trois albums au compteur. Une griffe originale. Un des premiers groupes belge qui se soit lancé dans une aventure d’une telle envergure.
Un spectacle de deux heures coupé par un entracte d’1/4 d’heure. Des émotions palpables : de la joie, de la fierté et probablement une petite pointe de tristesse pour chaque membre du groupe qui a grandi et partagé des moments uniques. Le show était à la hauteur de leur réputation. Imposant et stylé. Les morceaux mis en scène soigneusement. « Man Without a Smoke », « Caballo Negro » et « Arrivederci Roma » interprétés de façon théâtrale, tout en préservant la légèreté et la tonicité. Une énergie contagieuse, communiquée au public qui au fur et à mesure s’est laissé prendre dans la fureur des rythmes cubains.
Un ultime hommage à un répertoire soigné qui aurait mérité de sortir davantage de l’ombre. On soulignera la discrétion de la presse francophone quant à leur succès. La fin d’une histoire et le début de plusieurs autres… Secrètement, on espère que les auteurs de ces pages s’attaqueront à d’autres projets tout aussi riches et interculturels.
(Organisation AB)
Groupe à la fois original, inclassable et déjanté sur disque, Of Montreal jouit également d’une très flatteuse réputation scénique. Ces natifs d’Athens (Géorgie, USA) jouaient à Lille le 30 janvier dernier. Un crochet via le Nord de la France quelques jours après leur show enthousiasmant, accordé à la Rotonde à Bruxelles. Le concert n’est pas sold out même si ses deux magnifiques derniers albums (« Hissing fauna, are you the destroyer ? » et « Skeletal Lamping ») ont reçu d’excellentes critiques, de la part de la presse musicale.
J’avais assisté à leur set, quelques jours plus tôt au Botanique. Et je les avais quittés totalement conquis ! A tel point que j’ai décidé d’emmener ma copine pour aller les applaudir à l’Aéronef. La question n’était donc plus de savoir comment le groupe allait retranscrire son nouvel opus sur scène ; car une réponse magistrale m’avait déjà été fournie à Bruxelles.
Le soir même, la salle est une nouvelle fois bien remplie. Certes l’Aéronef ne possède pas le cachet de la Rotonde, mais la foule est plus nombreuse (et bien plus jeune qu’à Bruxelles). Le concert débute. Attentif, le public s’attend aux surprises. Car la légende raconte qu’Of Montréal ne déçoit jamais ! Dès les premières minutes, les coups de théâtre se succèdent à nouveau. Un homme au masque de tigre introduit le groupe de manière originale. Les musiciens montent ensuite sur les planches, déguisés. Mention spéciale au guitariste arborant de fières ailes noires d’ange déchu. Leur charismatique chanteur, Kevin Barnes, interprète dans un premier temps les chansons du nouvel opus, telles les excellents « Gallery Pierce » ou « Id Engager ». Le spectacle est total. Les compositions assurent et l’aspect visuel n’est pas négligé. Sur scène aux côtés des musiciens, les roadies, habillés de déguisements impossibles, interprètent de brèves scénettes… de petites odes à la liberté (sexuelle bien souvent) représentant à merveille l’état d’esprit du groupe. Les déhanchements du chanteur ne sont pas une légende non plus… L’ambiance monte, le public danse, chante, se projette dans la musique sans retenue... Le concert est unique. La musique superbe. L’ambiance exceptionnelle. Bref, lorsqu’ils se produisent à nouveau, près de chez vous, ne les ratez surtout pas...
Le concert touche à sa fin lorsque Kevin Barnes quitte les planches pour revenir quasi nu, recouvert de mousse… Il interprète alors les dansants « A sentence of sorts in Kongsviger » et « Suffer for fashion ». Le rappel est rock, quasi punk… donnant une idée de ce à quoi la musique d’Of Montréal pouvait ressembler, il y a quelques années.
Hormis l’envoi d’un nuage de plumes sur le public en guise d’apothéose et l’incursion des acteurs dans la fosse pour exécuter quelques pas de danse en compagnie des spectateurs, le spectacle est identique à celui de Bruxelles. La différence se situe principalement dans l’attitude du chanteur. Bien plus impliqué, énergique et souriant, il semble prendre beaucoup plus de plaisir cette fois. L’absence de réaction du public bruxellois a-t-elle freiné ses élans ?
Pour ajouter à cette euphorie quasi totale, notons également l’excellente prestation du supporting act. Tant à Bruxelles qu’à Lille, le quintet norvégien Casiokids a impressionné en dispensant une électro entrainante et rêveuse, dans un style sis quelque part entre Hot Chip et LCD Soundsystem. A revoir en première partie de Soldout le 19 Février.
Organisation Aéronef de Lille
Barzin, le doué songwriter canadien sort son 3ème album « Notes to an absent lover » en février sur Cargo Records. Annoncé plus pop et direct que son précédent elpee, il a été produit par Don Kerr (le producteur de Ron Sexsmith). Barzin sera en tournée en Europe durant les mois de mars et avril de cette année.
Tracklisting :
1. Nobody Told Me
2. Words Tangled In Blue
3. Soft Summer Girls
4. Queen Jane
5. When It Falls Apart
6. Lost
7. Stayed Too Long In This Place
8. Look What Love Has Turned Us Into
9. The Dream Song
Pour plus d’infos : http://www.barzinh.com et http://www.myspace.com/barzinh
Selon Alan Dubin « This face », le nouvel album de Gnaw est l’aboutissement d’un an d’expérimentations soniques en tous genres. Formé par Dubin en 2006, en compagnie de Jamies Sykes (ex-Burning Wiches), Carter Thornton, Jun Mizumachi (légende de l’indus 80’s) et Brian Beatrice, ce super groupe publiera enfin son premier album en février. Entre doom, noise et dark electro l’album sera-t-il à la hauteur de l’attente qu’il suscite ?
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/gnaw666
Originaire d’El Paso, dans le Texas, Morry Sochat s'est établi dans la cité des vents en 1990. Il y vit d’ailleurs toujours. Agé de 40 ans, ce chanteur/harmoniciste a donc découvert le blues à Chicago (NDR : ce qui est loin d’être un désavantage, il faut l’avouer). Il s’intéresse plus particulièrement à l’harmonica et s'intègre assez rapidement dans le circuit des clubs. Il milite au sein des Shakes ainsi que de Tongue & Groove, avant de monter sa formation : les Special 20s. En 2005. Il a le don de colorer son Chicago blues de swing, en invitant Louis Jordan au pays de Muddy Waters et Little Walter! Il a beaucoup appris au contact de Billy Branch, Barrelhouse Chuck, Willie ‘Big Eyes’ Smith et Dave Specter. Les Special 20s avaient déjà commis un premier elpee éponyme en 2007. Un disque réunissant reprises et morceaux issus de leur répertoire personnel. Un opus qui avait reçu un excellent accueil, d’un point de vue local.
Pour concocter "Swingin' shufflin' smokin'", Sochat a pris clairement le leadership. Les sessions se sont déroulées en une seule prise. En mai 2008. Sous la houlette d’un maître de la production contemporaine : Nick Moss. Morry est soutenu par deux guitaristes : le Texan (NDR : il débarque d’Austin !) Jim St Marie et le Japonais Shoji Naito. Le line up implique également le bassiste Ted Beranis (NDR : un ex-Soul Searchers), le drummer de couleur noire Kenny Smith et le claviériste Dave Ross. Sans oublier un second souffleur répondant au nom de Nick Krebs.
L'ouverture est royale. Le tempo enlevé. Morry nous embarque pour un Chicago millésimé "1955". Une année à marquer d’une pierre blanche pour le southside blues des Muddy Waters, Howlin' Wolf, Willie Dixon, Little et Big Walter, Sonny Boy ainsi que les jeunes Buddy Guy et Junior Wells. C'est Krebs qui souffle dans l'harmonica. Sochat ne cache pas son plaisir d’aborder le répertoire de George ‘Harmonica’ Smith. Sa voix ne manque pas de verve pour interpréter son "Rocking". St Marie s’applique très méthodiquement sur sa six cordes, pendant que la section imprime le tempo tout en souplesse et swing. Morry en profite pour décoller sur son instrument, tout en manifestant beaucoup de respect pour le maître Smith. Sochat signe "Mean & evil ways", un blues lent très mélodique. Il vit cette chanson. Son chant est empreint d’une grande sensibilité ‘soul’. L'orgue Hammond communique une chaleur naturelle à l'ensemble. Jim pimente le tout ; circonstanciellement, de courtes phrases sur ses cordes. "Dance little mama" est sculpté dans le rockabilly. Il est repris en chœur par toute l’équipe. Le travail opéré sur les percus par Kenny Smith est remarquable. Jim fait exploser ses cordes alors que Ross ne tient plus en place derrière son clavier. Naito s’implique enfin sur "Humboldt slide", un instrumental très carré, contaminé par le R&B et caractérisé par la présence des deux souffleurs. L’émotion étreint les musiciens lorsqu’ils vont à la rencontre de Muddy Waters, en adaptant son "Standing around crying", un blues lent à la fois immortel et symbolique du southside. Morry se concentre sur son chant. Les interventions de Naito à la slide sont acérées. Hanté par Little Walter, le souffle de Nick Krebs est puissant. "Signifying (I'm a man)" évolue dans un même registre. Une compo issue de la plume de Sochat. Mais de toute évidence, un hommage à son maître. Le répertoire est très varié. La voix est passionnée tout au long d’"I'm in love". Le rythme est emprunté au jazz. L'orgue nappe l’ensemble. Un contexte idéal pour permettre au leader de souffler sa flamme dans son instrument chromatique. La reprise détonante du "Train kept a rollin" de Tiny Bradshaw libère une intensité impressionnante. Imprimé sur le rythme du chemin de fer, cette plage est balisée par le piano boogie de Dave Ross. Parmi les covers, on épinglera encore celle du "Young fashioned ways" de Willie Dixon et de "Can't hold on much longer" de Little Walter. Quelle belle propagande pour le blues!
Quoiqu’injustement méconnu, Steve est un harmoniciste talentueux. Cet opus réunit des sessions d’enregistrement opérées entre 1997 et 1998, en Virginie. L’artiste vient seulement de décider de les immortaliser sur compact disc. Entretemps, Potter avait commis deux elpees : "Grotto says!" en 2002 et "Live the truth" en 2007, toujours sous autoproduction artisanale. Etabli aujourd’hui dans le Maryland, Steve a effectué ses débuts en 1982. Du côté de Washington, dans un style alors proche de celui de Mark Wenner, le leader tatoué des célèbres Nighthawks locaux.
De trop brève durée, ce disque s’ouvre et se referme par "Lone harp". Deux plages exécutées en solitaire. Potter y souffle dans un style proche de Sonny Terry ! Il jouit d’une excellente technique sur l’instrument chromatique. Et il le démontre sur "Jump back baby", un west coast blues tonique, rondement mené. Ses poumons ne maquent pas de réserve, son jeu est offensif et varié. Hypnotique et bien rythmé, "You know it's true" souffre d’une certaine faiblesse du chant. Dommage, car l’intervention à l'harmonica ne manque ni de vivacité, de fraîcheur et d’originalité. Manifestement, Little Walter est une des influences majeures pour Potter. Sa version de "Blue midnight", un instrumental lent, est empreinte de passion. Tout comme celle d’"Everything's gonna be alright". Mais si l’adaptation instrumentale est très réussie, les vocaux gâchent à nouveau l’ensemble. Autre instru, "Scott's boogie" est balisé par la guitare de Scott Mattern. Ce dernier tire également son épingle du jeu, mais dans un style jump, tout au long du "Letter from home" de Roy Brown. "Long time" suffoque sous le climat des swamps. Un climat entretenu par les cordes réverbérées de Bob Russell. L'harmonica s'y infiltre subrepticement. Une forme de mélancolie vous envahit alors, un peu dans l’esprit de Charlie Musselwhite. De loin le meilleur morceau de cet album ! Si vous souhaitez vous plonger dans l’univers de cet artiste, je vous conseillerai plutôt ses deux opus susvisés, parus à la fin du siècle dernier…
Une très jolie pochette habille ce double cd, partagé entre, d’une part, hits, raretés, flip sides et démos et, d’autre part, enregistrements immortalisés en ‘live’. Soit à l’AB de Bruxelles, au ‘Mandarin Kasino’ de Hambourg (NDR : ce serait aussi un restaurant chinois) et au ‘Zèbre de Belleville’, à Paris. Si le premier disque, dont les morceaux sont présentés dans un ordre presque chronologique (NDR : seule la reprise du « Paris s’éveille » de Jacques Dutronc a été décalée en fin de parcours), s’adresse surtout aux inconditionnels (NDR : la version du « Are friends elcectric ? » de Gary Numan vaut vraiment le détour), le second donne un bel aperçu de ce que la jolie Anversoise et son White Velvet sont capables de démontrer sur les planches. Finalement, il n’y manque que l’image. Ah oui, j’allais oublier, cette sortie célèbre le dixième anniversaire d’existence de la formation.
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