Monno incarne à la perfection ce qu’on appelle le ‘drone’. Pour être plus clair, ce style de musique s’adresse à un public très ciblé. Personnellement, il me reste sur l’estomac et me fatigue. La puissance de la solution sonore est tellement accablante qu’elle finit par assommer. L’ennui suscité par l’écoute de ce « Ghost » se conjugue à une certaine incompréhension, je l’avoue. Il y a de la batterie, une basse, du chant, une guitare saturée un saxo. Toute une instrumentation dispensée sur un tempo particulièrement lent, qui se confond dans une cacophonie dont la subtilité ne doit sans doute atteindre que les amateurs d’ambient noise métallique. Suffit d’écouter les pénibles premières minutes (NDR : il y en a 14 !) du morceau d’entrée, « Negative Horizon », pour se forger une petite idée. Et la suite est du même tonneau. Ce qui justifie ma légitime frustration. D’ailleurs, j’invite du fond du cœur un éventuel lecteur, à m’expliquer le sens de cette… Musique ?
Kellarissa, c’est le projet de Larissa Loyva, une chanteuse/claviériste/compositrice canadienne qui partageait le leadership de P:ano en compagnie de Nick Krgovich. Ce qui ne l’empêchait pas d’apporter sa collaboration à d’autres formations, comme the Choir Practice, Alunared ou FanShaw. Lorsque P:ano a splitté, pendant que les trois autres membres de la formation ont décidé de poursuivre l’aventure sous le patronyme de No Kids, Larissa a donc souhaité se lancer dans une aventure en solitaire. Et « Flamingo » constitue son premier opus solo.
Mais quelle est la signification de l’image mystérieuse reproduite sur le recto de la pochette de cet elpee ? Qui est cette jeune femme à l’aspect intemporel ? « Kellarissa » se traduit par ‘dans la cave’ en finnois. Ce choix n’est pas anodin. L’ambiance feutrée du disque nous pousse en effet à imaginer une artisane travaillant seule sur ses compositions dans une sombre pièce cachée quelque part au plus profond d’une forêt nordique.
Ethérées, les petites chansons composée par l’artiste canadienne naviguent quelque part entre l’univers folk d’Alela Diane et celui plus électro de Björk. Une règle presque occulte semble tramer les mélodies. Le recours aux beats électro spartiates réverbère certains échos de cérémonies indiennes. Les interventions au synthétiseur sont minimalistes et expérimentales. Les boucles répétitives. La voix de Larissa est belle et envoûtante. Serions-nous en présence d’une nouvelle forme d’hypnose ? N’allons pas aussi vite en besogne, car les chansons demeurent tout à fait accessibles et agréables à écouter ; même si le climat baigne au sein d’un certain ésotérisme. Dommage cette grosse baisse de régime en fin de parcours. Car, malgré la production irréprochable, ces quelques compos anecdotiques privent cette œuvre d’un prix d’excellence, que mérite notamment, par-dessus tout, le remarquable « Carrying on »…
Dix bonnes années que cette formation écossaise stagne dans la zone crépusculaire de l’underground. Ses influences majeures ? Tim Buckley, Tim Hardin and Joni Mitchell. Leur nouvel opus est découpé en deux parties. Une plus électrique sous-titrée « The electric night » et une plus acoustique baptisée « The acoustic morn ».
Le premier volet réunit en cinq titres. Et s’ouvre par « Mother creation cries ». Hantée par Neil Young, cette plage est soulignée par d’élégantes interventions à l’harmonica. Il épingle également un titre allègre, contagieux, caractérisé par des cordes de guitare ‘direstraitsiennes’ (« Rise »), un morceau complètement free (« Hobo chang ha ») et surtout une compo dont les sonorités rognées des claviers rappellent le « Get ready » de Rare Earth : « White rabbits in the snow ». Sans oublier, « Love is hard to do », un fragment lorgnant manifestement vers le r&b de Gomez, malgré les inflexions nasillardes, dylanesques, de Marc Pilley.
Plus acoustique, le second chapitre privilégie les ballades ciselées dans le folk introspectif. Parfois même champêtres. A l’instar de « Naked in the afternoon », au cours duquel Marc emprunte même le timbre de Neil Diamond et le final « Until the end », bercé par un accordéon et un violon. Un violon que l’on retrouve sur l’excellent « Round and round », au cours duquel banjo joué en picking et accès d’électricité rivalisent de nuances…
Les dix-huit titres réunis sur ce compact disc ont été enregistrés à New York, en analogique, sous la houlette de Hal Willner, un producteur en compagnie duquel elle avait travaillé, voici déjà 20 ans, pour l’album « Strange weather ». Des sessions auxquelles ont participé une belle brochette d’invités, parmi lesquels figurent Anthony Hegarty, Chan Marshall, Jarvis Cocker, Sean Lennon, Keith Richards, Nick Cave, Rufus Wainwright, Marc Ribot, etc. Dix huit reprises qui puisent un peu dans tous les styles : le rock, la soul, le jazz, le blues, la country et la pop, tout en piochant aussi dans le répertoire de vielles gloires, d’illustres inconnus que de compositeurs contemporains. Et à l’instar d’un Frank Sinatra (NDR auquel le sous-titre de l’album fait référence), elle cherche à se réapproprier ces chansons. Faut dire que sa voix rauque, nicotinée, taillée pour le music-hall y contribue largement. Sans oublier les arrangements dont la qualité frise ici la perfection. Et puis, les titres qu’elle a choisis pour cet opus ont une signification toute personnelle pour l’artiste. Ils s’inscrivent même dans l’esprit de son combat victorieux contre son cancer et d’une autobiographie bouleversante. Pour votre info, sachez que Marianne Faithfull compte repartir en tournée…
Populaire aux Pays-Bas, cette formation batave jouit d’une excellente réputation sur les planches. Elle s’est d’ailleurs déjà illustrée lors du festival Pukkelpop. « In the Dark » constitue leur troisième opus. Probablement le plus abouti. La presse spécialisée compare souvent leur musique à celle de Hell is For Heroes. Personnellement, elle me fait davantage penser à Tool. Notamment à cause de l’atmosphère au sein de laquelle cette solution sonore baigne. Maintenant, il faut aussi préciser que cette comparaison n’est qu’indicative, car le combo orange n’arrive pas à la cheville du mythe yankee. D’abord à cause de la voix de son chanteur, Jelle Schrooten. Dont les inflexions et le timbre peuvent rappeler Maynard James Keenan, mais en plus lisse et monocorde. Et puis parce que si leur mélange de rock, de métal et de post hardcore new-yorkais, pimenté d’une pointe d’emo, peut parfois accrocher, il est un peu trop classique pour convaincre. En outre, il manque de passion. De folie aussi. Et même d’émotion. Paradoxal pour un ensemble qui revendique une certaine sensibilité émo. Les différents instrumentistes maîtrisent pourtant bien leur sujet. Mais pour quelqu’un qui a cessé d’écouter du métal depuis au moins dix ans, je ne vois pas trop qui ce type de musique sombre et dépressive pourrait encore intéresser… Et je doute fort que les aficionados de Tool, qui attendent impatiemment la sortie d’un nouvel elpee de leur groupe favori, se contentent d’un tel sous-produit…
Cedric Burnside est le petit-fils du regretté bluesman noir R.L Burnside. Il était aussi son batteur. Et au cours de sa tendre enfance, il a baigné au sein de cette ambiance typique des juke joints du Delta, dans les collines du Nord Mississippi.
Steve ‘Lightnin’ Malcolm est un jeune guitariste de couleur blanche. Originaire du Missouri, il a également été contaminé par le virus du blues. Il y a quelques années qu'il rôde du côté de Holly Springs. Ce qui explique sans doute pourquoi il est parvenu à fréquenter RL Burnside et Jr Kimbrough, les rois du style. Il avait commis un elpee solo en 2005 : "Juke joint dance party".
Les deux jeunes musiciens ont donc décidé de s’associer pour enregistrer cet elpee. Le premier essai de Delta Groove dans le domaine du Mississippi blues. Randy Chortkoff, le chasseur de têtes du label, avait été très séduit par la prestation du duo, accordée au ‘Ground Zero Blues Club’ de Clarksdale. La paire avait cependant déjà concocté un disque autoproduit ("Juke Joint duo") ; mais Cédric aura donc dû attendre ses trente balais pour enfin graver –en tandem, il est vrai– un album officiel.
Leur blues est teinté de funk et de hip hop, quand il n’est pas secoué de rock déjanté. En outre, les deux musiciens sont capables de laisser libre cours à leur imagination, un peu à la manière des jam bands. Cedric et Steve se sont partagé l'écriture des quatorze plages réunies sur cet opus.
Les cordes largement amplifiées de Malcolm introduisent le morceau d'ouverture. Une compo judicieusement baptisée "R.L Burnside". Parce qu’elle rend, sans ambiguïté, un hommage au maître, tout en reflétant bien l'âme de sa musique. Presque récité, puissant, le chant de Cedric est soutenu par les chœurs féminins de Bekka Bramlett et Etta Britt. Les accords de guitare sont hypnotiques. Le beat des percus profond. Le climat de "So much love" est lourd, dense, insoutenable, saturé de sueur. La pression est constante. N'y tenant plus, Malcolm se laisse aller et se libère. Il dispense des notes imprévisibles. "My sweetheart" devait être, au départ, une chanson douce et mélodieuse. Mais le traitement infligé par le duo à la compo conduit à la transe. Lightnin' chante d'un timbre moins grave que son ami de couleur. Mais la démarche est identique. Ces deux hommes s'entendent à merveille. Véritable rouleau compresseur, "Nobody else" pulvérise tout sur son passage ; et les riffs ravageurs nous plaquent au mur. "Don't just sing about the blues" nous entraîne dans l’univers de John Lee Hooker. Un boogie aux accents accablants, mais mis à la sauce du Delta. Une belle opportunité pour autoriser de belles envolées incandescentes sur le manche. Cedric chante clairement et majestueusement, le blues lumineux "That's my girl". Afin d’apporter davantage de variation dans leur répertoire, ils s'échangent leurs instruments sur trois plages chantées par Burnside. Ce dernier se montre légèrement hésitant sur la sèche. Les percus de Malcolm entrent en action. Jason Ricci est un jeune prodige de l'harmonica. C’est aussi un de leurs amis. Il souffle tout au long de "She's got somethin' on me" et "She don't love me no more", en manifestant une passion désarmante. Et se déchaîne encore sur l'hypnotique "Mad man blues". Ces deux gamins téméraires nous prennent encore à la gorge sur "Fightin" ; et ne lâchent leur prise qu’en bout de plage. Seul "Stay here in your arms" traduit une relative quiétude. Au sein de ce monde si difficile à vivre ("World full of trouble") la six cordes s’affranchit sur un tempo assez lent, pendant que Burnside cravache sur ses fûts. Un delta blues, ma foi, plutôt envoûtant. Une chose est sûre, la musique de ce duo semble susciter la curiosité des fervents de néo blues. Leur copieuse liste de concerts, auxquels ils participent, en témoigne!
Depuis la séparation de Guided By Voices, Robert Pollard multiplie les projets. En solitaire, chez Circus Devils, Psycho & the Birds, The Takeovers et la liste est loin d’être exhaustive. A laquelle il faudra désormais ajouter Boston Spacehips, un trio au sein duquel on retrouve le guitariste/bassiste/claviériste Chris Slusarenko (NDR : il était du dernier line up de GBV) et le drummer John Moen (NDR : ex Decemberists, Dharma Bums, Elliot Smith Band).
“Brown Submarine” constitue donc leur premier elpee. Probablement le disque le plus structuré de Pollard depuis le split de GBV. Faut dire que certaines de ses dernières expérimentations étaient parfois tirées par les cheveux. Et fatalement, on y retrouve ce sens mélodique hypnotique, étrange, contagieux, très caractéristique chez la défunte formation de Dayton. Sans oublier le timbre vocal savoureux de Bob, souvent comparé à un Roger Daltrey qui aurait chopé l’accent du Midwest. Boston Spaceships, c’est un peu comme si GBV était parvenu à se renouveler. A cause de cette fraîcheur stimulante reconquise. Et le recours à la guitare sèche de Robert, n’y est pas étranger. Une sèche qu’il gratte le plus souvent, laissant le soin à Chris d’y injecter parcimonieusement l’électricité. Ce qui ne l’empêche pas épisodiquement ce denier de se libérer. Et en particulier sur le solide rock « Winston’s atomic bird », le percutant « Zero fix », le presque métallique, marécageux, « Still in Rome » et en fin de parcours une plage intitulée « Psych threat », lors d’une jolie envolée psychédélique. Les compos intègrent même un zeste de violon (NDR : le titre maître) et de cuivre (« Ready to pop »). Sans quoi, le reste de l’opus est partagé entre ballades plus pop ou imprimées sur un mid tempo. Ce retour en forme de Pollard est finalement une bonne nouvelle !
Steve est un harmoniciste qui jouit d’une certaine notoriété au sein des milieux branchés. Né à Londres, il vit aujourd'hui à Hambourg. A la fin des années 70, il avait déjà séjourné en Allemagne, en compagnie de son jug band, Have Mercy. Au fil du temps, il a acquis une solide réputation. Faut dire que sur son instrument de prédilection, c’est un crack ! Si le blues est manifestement la source principale de son inspiration, il n’hésite pas à la colorer élégamment de folk, jazz, country, funk et soul. Il se produit régulièrement sur scène, outre-Rhin, flanqué du groupe Blues Culture et du guitariste Abi Wallenstein. Il a longtemps partagé un duo avec le guitariste Chris Jones. Ensemble, ils ont d’ailleurs commis quatre albums chez Acoustic. Malheureusement ce gratteur américain est décédé en 2005.
Pour ce nouvel opus, Baker a constitué un nouveau tandem. Il a choisi pour partenaire Dick Bird, un autre chanteur/guitariste. Ils se connaissent depuis trente ans et ont partagé l’aventure Have Mercy. L’elpee privilégie essentiellement l’acoustique. La paire est régulièrement soutenue par Martin Röttger. Il joue des drums sur une plage. Et par le bassiste Martin Wichmann. Vieux pote, Henry Heggen participe à deux plages. Il a aussi été impliqué dans l’aventure du Have Mercy. Ce Floridien s’est établi, il y a bien longtemps en Allemagne, où il s'est éclaté dans de fort bonnes formations comme les Blammers et B Sharp! Il milite aujourd’hui chez les Crazy Hambones.
Notre duo débute en force par "I'll never let you go", un blues tonique imprimé sur un rythme très enlevé. Une reprise d’un des pionniers du Delta blues, Tampa Red. Baker et Bird interprètent dans un même style le "Cool operator" de Tampa Red. Plus de 6' de bonheur! Steve signe "Glad I got you", une fort jolie ballade empreinte de douceur. Dick chante passionnément cette plage soulignée par une ligne musicale tracée par des accords d’harmonica de toute grande classe. Un régal ! Leur ancienne formation, Have Mercy, renaît en quelque sorte de ses cendres lorsque Steve, Dick et Henry Heggen empruntent les accents d'un jug band sur l’entraînant "King Kazoo". Impossible de résister à cette musique simple, directe, destinée à être jouée au cœur même du public. D’ailleurs, on en a des fourmis dans les jambes. Au début des années 70, la formation britannique Mungo Jerry s’était illustrée en pratiquant un style très semblable. Souvenez-vous d’ailleurs de leur hit "In the summertime". Le message passe aussi bien la rampe, quand ils s'attaquent au répertoire des bluesmen originels d'avant-guerre. A l’instar du "Fishing blues" d'Henry Thomas. Bird est irrésistible sur ses cordes acoustiques. Du "Hair parted in the jungle" de Washboard Sam, également, exécuté en jug band, bien sûr. Et enfin de la cover du "Sliding delta" de Mississippi John Hurt. Slow blues classique, "Too long" opère un trait d’union entre le delta blues et Chicago. Une rencontre exaltante entre la musique à bouche et le bottleneck. Martin Wichmann ramène sa basse près des caisses de Rottger pour soutenir notre duo, qui chante le "Nine pound hammer" de Merle Travis, à tue-tête. Mais leurs compositions tiennent tout autant la distance. Et "No doubt about it" en est une belle démonstration. Instrumental redoutable, "Harmonica stomp" met en exergue la virtuosité de Baker à l'harmonica. L’opus s’achève tout en douceur, par un arrangement de "Great dreams from heaven", une compo écrite par Joseph Spence, un guitariste légendaire issu des îles Bahamas.
Greg Weeks, c’est le leader de la formation Espers. Mais parallèlement à cette aventure, il milite chez The Valerie Project et poursuit différents projets. Dont un en solitaire. Qu’il accomplit depuis 1998. « The Hive » constitue donc déjà son quatrième elpee solo. Un disque qu’il a enregistré dans son home studio, à l’instar du précédent opus d’Espers, « II ». Un studio qu’il a équipé de machines analogiques. Outre celles à la pointe de la technologie, dont il disposait déjà. De manière à communiquer davantage de chaleur à sa musique. Et puis, il a acquis un mellotron d’époque. Un instrument qui l’a toujours fasciné. Ce qui explique sans doute pourquoi, parmi ses influences majeures on retrouve Robert Wyatt. Et manifestement, tout au long de cet album, le spectre du mythe britannique plane. Il y a d’abord le falsetto de Bob. Différent de celui du maître. Plus monocorde. Mais falsetto quand même. Et puis le climat au sein duquel baigne la musique de ce disque. Une musique atmosphérique, languissante, envoûtante, mélodique, mélancolique. Moins jazzyfiante, quand même. Une exception qui confirme la règle, « Donovan ». Un morceau chargé de swing. Et puis, il y a de la guitare sèche, de la flûte, un chouia d’ocarina et des instruments de synthèse. Probablement un peu de guitare électrique aussi. Bref, l’ensemble tient bien la route. Même la cover anachronique du « Borderline » de Madonna se fond dans l’ensemble. Pour que votre info soit complète, sachez que Weeks a personnellement mis en forme cette œuvre. Et il faut avouer, qu’en matière de production, c’est un crack !
Lorsque Travis sort son premier album en 1997, on ne peut que tomber sous le charme de leur musique à la fois énergique, électrique et mélodique. Même Oasis se proclame fan du groupe. Ce qui explique sans doute pourquoi la presse britannique va comparer leur « Good Feeling » au « Definitely Maybe » de la bande aux frères Gallagher. Et puis, on ne sait pas trop pourquoi, la formation écossaise va s’évertuer à rechercher la pop song parfaite. En oubliant ce qui avait fait sa marque de fabrique. Bien sûr, des hits comme "Why Does It Always Rain On Me?" ou encore “Sing” vont faire un malheur dans les charts. Et des groupes comme Keane, Coldplay ou encore Starsailor vont reprendre leur concept originel à leur compte. Et Travis alors ? Ben, il continuera bien à sortir des disques ; mais il sera incapable de se remettre en question et deviendra un autre groupe de
« Ode to J. Smith » constitue donc son sixième opus. Un elpee au cours duquel le combo écossais s’est enfin réconcilié avec la fée électricité. Enfin, sur la moitié de l’opus. A l’instar de « Chinese blues » contaminé par un son sale et hanté un piano omniprésent. Du titre maître déchiré entre angélisme et agitation. Du vivifiant « Something anything », une plage très rock, caractérisée par ses rythmes contrastés. De « Broken mirror », réminiscent de Radiohead circa « The bends ». Malheureusement, sur la seconde partie de l’album, l’intensité faiblit. Il y a bien encore ça et là quelques nappes de brouillard d’électricité. Mais aussi et surtout des ballades (« Quite free » aurait même pu figurer au répertoire de Coldplay !), des berceuses mélancoliques ou allègres. Un clin d’œil adressé aux Thrills (« Last words »). Mais plus rien de vraiment transcendant.
Derrière Marryssale, se cache un personnage répondant au nom d’Alain Sindera. Avant de se lancer dans une aventure en solitaire, ce Lillois avait milité au sein de différents groupes rock locaux. Faut croire qu’il s’est senti pousser des ailes en cherchant à expérimenter sa propre musique. De tendance électro, même si manifestement, il n’a pas encore renié ses premières influences (NDR : notamment Dandy Warhols, Stone Roses ou encore Jesus & Mary Chain). Très rapidement, à l’écoute de cette démo, on se rend compte que la combinaison des deux styles ne fait pas très bon ménage. En outre, l’aspect indus de ses compos n’est pas de nature à nous remplir d’optimisme. Au contraire ! Cette musique projette même, en notre for intérieur, des images de paysages du Nord, tristes et maussades. Marryssale se réserve toute l’instrumentation. Mais il ne parvient jamais à rendre la solution sonore homogène. Et on attend vainement l’étincelle… qui ne se produit jamais. A mon humble avis, ce jeune artiste aurait tout intérêt à chercher des collaborateurs et à se concentrer sur un seul instrument. Mais vu le boulot qui reste accomplir, je crains fort que la route soit encore très longue.
Le premier album de Crystal Antlers paraîtra ce 6 avril. Il fait suite à un Ep éponyme paru l’an dernier. Il a été enregistré aux studios Closer de San Francisco. La formation californienne passera par la Belgique en février et en mars. Le 6 février au 4AD de Diksmuide, le lendemain au Muziekodroom de Hasselt et le 4 mars au Botanique de Bruxelles. Et aussi en France. A l’Aéronef de Lille le 19 février et à la Flèche d’Or de Paris le lendemain.
Tracklisting
1- Painless Sleep
2- Dust
3- Time Erased
4- Andrew
5- Vapor Trail
6- Tentacles
7- Until the Sun Dies (Part One)
8- Memorized
9- Glacier
10- Foot of the Mountain
11- Your Spears
12- Swollen Sky
13- Several Tongues
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/crystalantlers
“Wavering Radiant”, c’est le titre du nouvel album d’Isis. Il sera double et paraîtra en vinyle le 21 avril et en compact disc le 5 mai. Il a été produit par Joe Barresi (Queens of the Stone Age, Tool, Melvins) et a bénéficié du concours du guitariste de Tool, Adam Jones.
Pour plus d’infos : http://www.isistheband.com/Home.aspx
C’est ce qui s’annonce être LA révélation de l’année 2009. Les Australiens d’Empire Of The Sun, patronyme directement inspiré du film de Spielberg, datant de 1987, risquent fort bien de cartonner avec leur premier opus « Walking On A Dream », déjà dans les bacs. Petite merveille pop pleine de chaleur, ce duo possède beaucoup de points similaires à la révélation de 2008, MGMT. A écouter d’urgence !
Tracklisting :
1. Standing on the Shore
2. Walking on a Dream
3. Half Mast
4. We Are the People
5. Delta Bay
6. Country
7. World
8. Swordfish Hotkiss Night
9. Tiger by My Side
10. Without You
11. Breakdown
http://www.myspace.com/empireofthesunsound
Le ‘Fnac Unsigned Music Talents’ est organisé pour la troisième année consécutive. L'année dernière, 5 groupes avaient été sélectionnés pour s’affronter en finale, parmi plus de 850 participants. Team William avait décroché la palme et à l’instar des autres finalistes, avaient pu décrocher leur premier contrat avec une maison de disques. Les deux albums paraîtront en 2009.
Les inscriptions au ‘Fnac Unsigned Music Talents’ seront clôturées le 28 Février 2009. Tous les musiciens belges peuvent s’inscrire sur le site http://www.soundslike.be « Brand Your Band » et y télécharger leur démo. La démo doit comprendre 4 titres dont au moins 3 compositions personnelles. Elle peut aussi être envoyée ou déposée sur CD à Fnac - Unsigned Music Talents - Groenplaats - 2000 Anvers. Info > http://www.fnacunsignedmusictalents.be
En quoi consiste le premier prix?
- 5 jours d’enregistrement dans les studios ICP – http://www.icpstudios.com
- un mastering chez Electric City – http://www.electriccity.com
- un clip vidéo réalisé par Bozo Film Company http://www.bozofilm.com
- un vrai shooting photos de presse
- une mini tournée dans les -magasins Fnac http://www.fnac.be
- un budget promo de 250 euros chez Flyer.be http://www.flyer.be
Timing
Demi Finale: 21 mars - Gand
Demi Finale: 28 mars - Liége
Finale: 11 avril - Anvers
(Communiqué de presse)
Du 31 janvier au 1er février se déroulera l’événement ‘Truc Troc’ au Bozar à Bruxelles. C’est donc l’occasion pour plus de 200 artistes de présenter et d’échanger leurs œuvres d’art sur environ 1600m2 d’espace d’exposition.
La soirée sera quant à elle sera animée par Static Dancin’ avec les Dj's Darko et Sweatshop et un live de Dave Aju (San Francisco).
Pour plus d’infos :
http://www.tructroc.be
http://www.myspace.com/staticdancin
Le 20 avril prochain paraîtra un nouvel album de Booker T. Il y a 20 ans que le mythique musicien et producteur n’avait plus enregistré de disque sous son patronyme. Lors des sessions d’enregistrement, il a notamment reçu le concours de Drive-By Truckers et de Neil Young. Intitulé « Potato Hole », il a été coproduit par Booker T et Rob Schnapf. L’ex-leader des MGs y joue de l’orgue, des guitares acoustique et électrique.
Tracklisting
Pound It Out
She Breaks
Hey Ya
Native New Yorker
Nan
Warped Sister
Get Behind The Mule
Reunion Time
Potato Hole
Pour plus d’infos : http://www.bookert.com
Après « Jukebox », Chan Marshall alias Cat Power revient avec un EP de six titres intitulé « Dark End Of The Street ». Il s’agit à nouveau de reprises. En attendant un probable nouvel album, on poura se délecter de sa douce voix sur des titres d’Aretha Franklin, The Pogues ou encore Creedence Clearwater Revival.
http://www.myspace.com/catpower
Le super Dj londonien Jesse Rose a coécrit un titre de son nouvel album, en compagnie de Hot Chip. Suivant les échos qui nous parviennent, la combinaison musicale fonctionne à merveille, tant les beats house de Jesse Rose collent à merveille au le funk des nerds péninsulaires. Un morceau qui risque dès lors fort bien d’embraser la plupart des dancefloors.
Le titre est à écouter sur le site MySpace du label Dubsided : http://www.myspace.com/dubsided
S’il y en a un qui semble ne jamais se fatiguer, c’est bien Bertrand Burgalat. Patron de son propre label (Tricatel), il y produit de nombreux artistes et y conçoit ses propres galettes, également. La dernière, porte le titre de « Cheri BB ». Pour en promouvoir la sortie, l’ami Bertrand viendra la défendre sur la scène de l’Orangerie ce 31 janvier 2009 au Botanique. Il sera accompagné pour l’occasion de Henning Hesse, Olivier Cussac, Julien Barbagallo (Tahiti 80) et Benjamin Libert (Aquaserge).
A souligner encore dans les activités de l’artiste, la sortie imminente de « Inedits » chez les disquaires qui reprendra comme son nom l’indique, quelques inédits et remixes savamment orchestrés. Quand on sait que cet éternel dandy a signé une mini collection pour Azzaro homme, qu’il a participé à l’écriture du dernier album de Marc Lavoine et qu’il est responsable du projet « Madame Aime » qui sortira chez Warner, on se demande où il trouve le temps de dormir. Pour info "Madame Aime" réunira reprises des années 80 interprétées par des actrices féminines, parmi lesquelles on retrouvera Virginie Ledoyen, Isabelle Carré, Cecile Cassel, Isabelle Huppert et Nathalie Baye. Ce projet verra le jour pour la St Valentin, c’est-à-dire le 14 février en France et sera distribué fin mars en Belgique.
Pour venir accueillir Bertrand au Bota : Infos et réservations : 32 2 218 37 32 ou via le site http://www.botanique.be
Toutes les infos sur la discographie de Bertrand et April March sur http://www.tricatel.com
Son Myspace : http://www.myspace.com/burgalat
Ils avaient fait une apparition très remarquée lors de la soirée ‘All Access’ des Nuits Botanique en mai dernier aux côtés de I’m From Barcelona ou encore We Are Scientists. Cette fois, c’est au tour de la Rotonde d’être investie par les délires sonores et visuels de of Montreal. La promo de « Hissing Fauna, Are You The Destroyer ? » à peine achevée, le quintet d’Athens remet le couvert, à guichets fermés. Entre paillettes et provocation.
La première partie était assurée par Casiokids, formation norvégienne d’electro-pop. Le risque de se planter en attestant qu’il s’agit d’une formation dont on entendra beaucoup parler dans les mois qui suivent est moindre. En effet, Casiokids jouit d’un bon petit buzz naissant sur la toile et honore celui-ci en assénant au public des beats irrésistibles extraits de « Fuck Midi!! », publié en 2006, ainsi que de leur second opus, à paraître d’ici peu. Séance de rattrapage en compagnie de Soldout le 19 février à l’AB.
Quelques instants après la fin du set de Casiokids, un drôle de personnage apparaît sur scène. Un chef d’orchestre à la tête de tigre, tiré à quatre épingles, donne le signal de départ. Pas de doute, nous assistons bien à un concert d’of Montreal. Kevin Barnes et ses acolytes suivent de près et entament un set tonitruant devant un écran projetant des bizarreries animées. Barnes joue aux Bowie, remet le Glam au goût du jour et se montre presque à la hauteur du mythe. of Montreal retrace les dernières années de sa carrière et présente son petit dernier, « Skeletal Lamping », de manière très théâtrale. Sur scène se succèdent des ninjas, de gros bouddhas dorés et approximatifs, le diable en personne ou encore Barnes dans un cercueil.
Mais le clou du spectacle nous est venu du rappel. Le chef d’orchestre à la tête de tigre se mesure alors à un Superman celle de Branchiosaure lors d’un combat courtois, aussi improbable que l’ensemble des costumes ayant défilés tout le long de la soirée. Quelques minutes plus tard, le quintet réinvestit les planches de la Rotonde et achève un spectacle des plus psychés et éclectiques par « Ever Fall In Love », honorable reprise des Buzzcocks. Le Glam est loin d’être enterré.
Organisation : Botanique
Kashmar est considéré comme un des meilleurs harmonicistes californien. Il est loin d’être un débutant ; pourtant, sa carrière n’a réellement démarré que depuis peu. C’est-à-dire depuis sa signature chez Delta Groove. En 2005. Lors de la sortie de "Nickels & dimes". L’année suivante, il embrayait par "Wake up and worry" ; et en 2007, il rejoignait l’équipe des Mannish Boys pour concocter "Big plans". Mitch avait fait ses premiers pas au début des années 80. A la tête des Pontiax. Cette formation avait même édité un elpee en 98 sur le label belge Blue Sting : "100 miles to go".
Le 24 août 2007, Mitch se produit sur la scène du festival Labatt Blues. C’est à Edmonton, au Canada. C'est ce concert qui a été immortalisé sur cet opus. Pour la circonstance, il est épaulé par le batteur Tom Lackner (NDR : un ex-Pontiax !), le bassiste Steve Nelson, le claviériste Jimmy Calire et le redoutable guitariste de blues et de jazz, John Marx. Ce dernier a longtemps côtoyé feu William Clarke ; et William, appréciait beaucoup Kashmar…
Le quintet ouvre l’elpee par "I got no reason", un titre de west coast blues au cours duquel les musiciens affichent leurs racines jazz. John Marx y est brillant aux cordes. Calire se réserve le piano d'abord, avant de glisser à l'orgue. Dans un style très proche du regretté William Clarke, Kashmar est tout bonnement époustouflant. Une solide entrée en matière pour chauffer ces remarquables musiciens. Cette plage ouvrait d'ailleurs son dernier album studio. Chicago blues shuffle, "Dirty deal" est extrait de son remarquable opus intitulé "Nickels & dimes". Bien en rythme, proche d’un Jimmy Reed, son traitement des tonalités aigues est étonnant. Il dédicace "Whiskey drinkin' woman" (NDR : c'est du vécu assurément) à son ex-compagne. Au cours de ce blues lent, il épanche tout ce qu’il a sur le cœur. Il n'a pas du rire tous les jours auprès de cette épouse alcoolique. John Marx est admirable. Il est imprégné par ce blues jusqu'au bout des ongles. Mieux connu sous le titre "Evil gal blues", "Evil man blues" marque un retour au swing et au rythme. Signée Lionel Hampton, cette compo figurait au répertoire de Bessie Smith. Pour la circonstance, c'est Jimmy Calire qui tire son épingle du jeu. Claviériste, mais également saxophoniste notoire, Calire a milité, au cours des sixties, au sein de Risins Sons, de Raven et surtout d’America. Pianiste de bebop et hard bop, fondateur des Jazz Messengers, Horace Silver a écrit "Song for my father". La version ici proposée se résume à un long exercice de style dans l’univers du jazz ; un exercice destiné à mettre en vitrine les différents solistes. "Sugar sweet" renoue avec le Chicago blues. Une composition de Mel London, qui a aussi écrit "Messin' with the kid". Mitch épouse le style percutant de James Cotton. Calire assure au piano. La plage atteint un très haut niveau. Le "You're the one" de Jimmy Rogers évolue dans un même registre. William Clarke et Kashmar s’appréciaient beaucoup. Il n’est donc pas surprenant que Mitch lui rende un vibrant hommage en interprétant le "Lollipop Mama" de Roy Brown, une compo qui figurait au répertoire du grand Bill. A cette occasion, Marx en profite pour se rappeler ses belles années du passé ; mais le plus surprenant c’est qu’on croirait être en présence de Clarke, tant la voix et le style de Mitch sont proches. Même Calire est intenable lors de ce morceau. Kashmar interprète encore "Wake up & worry", c’est-à-dire le titre maître de son elpee, paru 2006. Enfin, le combo clôture ce remarquable concert par "Castle rock", un instrumental jazz au cours duquel les cinq musiciens se mettent successivement en évidence…
Issus de la côte ouest des Etats-Unis, ces deux garçons talentueux nous ont pondu un des meilleurs albums de hip hop entendus cette année. Après plusieurs écoutes de cet elpee déroutant, on se laisse envoûter par le télescopage opéré entre les beats éclectiques et le flow agile de Blu. Mainframe manifeste un talent incontestable pour recycler presque tels quels des vieux titres soul. A l’instar du « See and Don’t See » de Mary Queenie Lyons ou encore un morceau de John Lennon sur l’intimiste « Hold On John ». On n’est pas ici en présence de pompage facile, dans la mesure où les paroles du morceau original complètent et répondent parfaitement aux rimes de Blu. Sur d’autres plages, Mainframe n’hésite pas à aborder différents genres musicaux (rock psychédélique, disco, soul), comme dans la folle intro du disque, « J and J » où une myriade de beats se succèdent pour s’adapter aux paroles de Blu. Bref, un disque riche en surprises et surtout d’excellente facture. Chaudement conseillé !
Agé aujourd’hui de 57 ans, Kim Field est issu du Nord-ouest américain. De Seattle très exactement. Avant d’opter pour l’harmonica, il était d’abord trompettiste. Chanteur et guitariste, aussi. Une décision qui date quand même de 1968. A l’époque, il avait été impressionné, lors d’un trip à San Francisco, par la prestation de James Cotton et de Paul Butterfield. Un événement qui va orienter son choix.
Il a entamé sa carrière à New York, chez les Sting Rays. Revenu chez lui à Seattle, il s’associe au chanteur noir Isaac Scoot, en compagnie duquel il signe deux albums. Puis au guitariste Louis X Erlanger (NDR : un ancien partenaire de Mink Deville) pour fonder les Slamhound Hunters. Le combo tourne en Europe et aux States et commet deux elpees : "4/1 mind" et "Private jungle". Kim a également écrit un livre consacré à histoire et au rôle joués par l'harmonica dans la musique américaine : "Harmonicas, harps and heavy brothers".
Le Mighty Titans of Tone constitue son dernier projet en date. Le line up implique le guitariste Steve Yonck, le bassiste Brady Millard-Kish (NDR : deux ex-Hudson Blues Band), le chanteur/drummer Billy Spaulding et un second guitariste qui double au chant, Eric Daw. " Blue smoke" est le tout premier opus du combo. Un ‘live’ ! Il a été immortalisé en septembre 2008, au Highway 99 Blues Club de Seattle. Pendant plus d’une heure, le combo alterne compositions personnelles et solides reprises.
Le quintet ouvre les hostilités par le "Texas Hop" de Pee Wee Crayton, un west coast blues très rythmé. Les cordes de Steve Yonck mènent la danse. Steve a manifestement bien intégré les techniques de ses maîtres ; et en particulier Hollywood Fats ou Junior Watson. Autre instrumental, la cover du "Don't lose your cool" d'Albert Collins opère un changement de style. Pour la circonstance, Eric Daw se révèle un excellent élève dans la technique du picking chère au Maître de la Telecaster! Kim Field entre en scène et s’installe derrière le micro pour attaquer une version engagée du "Good good lovin" de James Brown. Il sort enfin l'harmonica de sa poche et souffle aussi vigoureusement que clairement. Il embraie par "The girl that radiates that charm", une composition signée R and J isle, popularisée par Lynwood Slim et Mark Hummel. Et la sienne tient tout aussi bien la route, bénéficiant pour la circonstance d’excellents échanges de soli entre Kim et Steve. Imprimé sur un tempo très lent, le titre maître est ballade instrumentale dont la mélodie est, ma foi, fort jolie. Field est doté d'un fameux organe vocal. Une aptitude qui lui permet de parfaitement s’adapter aux schémas R&B. A l’instar de "It hurts to be in love", du "You're losing me" de BB King ou encore d’"Unchain my heart". Les deux autres vocalistes reçoivent leur instant de gloire. Tout d’abord Eric Daw. En interprétant le blues lent "A fool for you", une compo issue de la plume de Ray Charles et caractérisée par une très bonne sortie sur les cordes. Et puis Billy, le drummer. Il se réserve une version très R&B du "You belong to me" de Magic Sam. Field et son ami local Henry Cooper ont coécrit "Dis pas ça". Rock'n'roll zydeco, ce moment de bravoure se révèle très participatif. Enfin, la reprise du "That's the chance you've got to take" de Johnny Guitar Watson est de toute bonne facture. Pour un travail d'artisan, le résultat est vraiment remarquable…
Très largement inspiré par les légendaires bluesmen de Chicago, Sonny Boy Williamson I et II ainsi que Little Walter, Rick Estrin est considéré comme un des plus grands souffleurs californiens contemporains. Il a accompli une longue et brillante carrière aux côtés de Charlie Baty, au sein de Little Charlie and the Nightcats. Depuis le départ de son compagnon gratteur, il a repris les rennes du combo, soutenu par le même backing group. C’est-à-dire le redoutable guitariste Kid Andersen, le bassiste Lorenzo Farrell et le drummer J Hansen. Il est désormais devenu l'authentique leader de Rick Estrin and the Nightcats.
La paternité de ce nouvel opus lui est cependant attribuée. En solitaire. Rick est peut-être confronté à quelques problèmes contractuels pour pouvoir reprendre le patronyme du combo à son compte. Et comme la demande de ses nombreux aficionados, de le voir sortir un nouvel opus, était de plus en plus pressante, il a probablement décidé de ne plus attendre avant d’éditer cet "On the harp side". Une œuvre qu’il avait, en outre, promis de la focaliser davantage sur le Mississippi saxophone.
Rick ouvre l’elpee par un instrumental issu de sa plume : "Headin' out". Déjà un concentré de son talent, largement inspiré ici par Little Walter. Il enchaîne d’ailleurs par une compo signée par ce dernier, "Tell me mama", en s’appuyant sur une rythmique du chemin de fer. Il n’oublie d’adresser l’un ou l’autre clin d’œil à ses maîtres. Tout d’abord sur la cover du "Fattening frogs for snakes" de Sonny Boy Williamson II, et puis sur celle du "Tell me baby" de John Lee Sonny Boy I, en adoptant une démarche manifestement plus country. Il est particulièrement à l'aise dans le répertoire de Rice Miller, Sonny Boy II. Et incarne, sans aucun doute, l'harmoniciste de ce nouveau siècle, dont le style se rapproche le plus du mythique bluesman. Et c’est d'ailleurs sans surprise qu'il s'attaque encore à d'autres compositions de Miller. A l’instar du saisissant "Don't lose your eye". Tel un fantôme, il souffle de manière saccadée devant la seule basse acoustique de Ronnie James Weber. L'émotion est à son paroxysme. Il transpire une sensibilité à l'état pur. Il est seul pour interpréter les six minutes de "Getting' out of town". L’exercice de style est difficile ; et pourtant, Rick nous en met plein les oreilles. Près de 6' de bonheur ! Avant de reprendre quelque peu son souffle ( ?!?!?) sur le léger shuffle "Keep it to yourself".
Estrin signe également quelques plages instrumentales. "Blues for Doe", tout d’abord. Un blues lent dominé par l'instrument chromatique. A cet instant, son esprit est manifestement tourné vers George ‘Harmonica’ Smith. Rusty Zinn se réserve alors les parties de guitare. "Porn bred", ensuite. L’approche est résolument contemporaine, légèrement funky, un climat entretenu par le piano électrique ‘Wurlitzer’ de Kid Andersen. "The scissorbill" baigne au sein d’une atmosphère swing jazz, atmosphère alimentée par les cordes du Kid. Tout comme le final "Dog on dog", un morceau entraînant et percutant.
Sa lecture du "Gangster blues" d'Eddie Burns, est excellente ? Il chante d’un timbre distinct. Le tempo est enlevé. Il semble ravi de souffler son bonheur. Il est au sommet de sa forme. "Big and fat" lorgne du côté du Chicago Westside. Sa prestation sur l'instrument chromatique est impeccable. Il accorde, pour la première fois, un billet de sortie à son excellent partenaire, le Norvégien Kid Andersen, aux cordes. A contrario "The lotter blues" macère dans le Chicago southside. Les guitares d'Andersen et de Zinn ainsi que le piano de Welsh le talonnent de près. Andersen est passé à la slide, lorsqu’il s'attaque au répertoire de Muddy Waters. En l’occurrence sur "Too young to know", la flip side de "Long distance call", un single datant de 1951. On ne peut qu’être admiratif en écoutant le classique "Harlem nocturne". Il y a de l’émotion, de la sensibilité et un plaisir de jouer qui évoquent un certain Toots Thielemans. Il nous réserve, une dernière fois, une compo sculptée dans son blues le plus pur, lors d’un duo acoustique partagé en compagnie d’Andersen, sur "Murmur low", une compo écrite par Arthur ‘Big Boy’ Spires. Un album brillant réalisé par un musicien exceptionnel…
Il est à peine âgé de 24 ans ; et pourtant, Pablo Diaz-Reixa, alias El Guincho, semble avoir déjà vécu plusieurs vies. Promesse de la littérature et hériter du réalisme magique, ce jeune espagnol avait reçu un prix pour ses talents d’écrivain. Après avoir raté un de ses romans, il a été viré par son éditeur. Pablo décide alors de se lancer dans la musique. Et il commence à gagner sa vie en composant des B.O. pour des documentaires. Il tourne aussi en compagnie de la formation Coconut, avant de s’acheter un sampler et un ordinateur pour concocter des compos plus personnelles.
A l’origine, El Guincho a pressé lui-même « Alegranza » et en a vendu quelques milliers d’exemplaires en Espagne. Intrigués par le phénomène, les messieurs de XL Recordings donnent ensuite à El Guincho les honneurs d’une sortie européenne. Le curieux mélange proposé par notre homme est pour le moins désarçonnant. Pablo sample des boucles de guitares tropicales, des bribes de percussions africaines, pulse le tout avec des beats fracassés et recouvre le tout d’une couche d’étranges harmonies vocales. Le principe de base de l’album s’appuie sur la répétition pour induire la transe. Les mêmes motifs mélodiques sont exploités tout au long d’un morceau. Le tout est traversé par des sonorités dispensées à l’infini, pour donner l’impression d’assister à une cérémonie occulte au fond de la jungle, après avoir bu toute la potion du chamane. Les neuf titres d’« Alegranza » rappellent les travaux des défunts Bentley Rythm Ace (les trentenaires doivent s’en rappeler) ainsi que le psychédélisme rêveur et répétitif de Panda Bear. En beaucoup moins réussi. Et pour cause, l’expression sonore baigne un peu trop dans un tropicalisme un peu toc.
En effet, la formule de Pablo, qui fonctionne très bien sur « Palmitos Park », « Costa Paraiso » et « Antillas », révèle assez vite ses limites sur la longueur d’un album. Les bidouillages prennent le pas sur les mélodies et la forme finit par compter plus que le fond. Gageons que Pablo sera mieux inspiré la prochaine fois ; si toutefois il ne s’invente pas une autre vie entretemps…
Lorsqu’une revue de presse compare une formation à d’énormes pointures comme Nirvana, Joy Division et Wire, celle-ci a grand intérêt à se montrer à la hauteur de ses prétentions. Die! Die! Die! prend donc le départ en affichant un handicap conséquent. La formation néo-zélandaise publie donc un second recueil supposé faire le lien entre l’intelligence des œuvres de Wire, l’opacité de Joy Division et l’acrimonie d’un Nirvana.
Mais la réalité est toute autre. Bien que « Promises Promises » soit admirablement cathartique, Die! Die! Die! se plonge inexorablement dans une bouillie chronophage aux riffs convenus et aux cantabiles monotones et exacerbés. La plage d’ouverture, « Blinding », donne le ton d’une suite de compositions au style fâcheusement académique et dont aucun extrait ne se démarque. Passons gentiment notre chemin…
Sammy Davis est né le 28 novembre 1928. A Winona, dans le Delta du Mississippi. A cette époque, de nombreux bluesmen s’y sont révélés… Il émigre cependant en Floride. Il y rencontre le guitariste Earl Hooker. Dès 1952, ils décident d’enregistrer ensemble. C’est également l’époque à laquelle Sammy opte pour le sobriquet de Little Sam Davis. En 53, il part pour Chicago où il supplée régulièrement Little Walter au sein de son backing group, les Mighty Aces. Fin des sixties, il s'installe à Poughkeepsie, dans l'état de New York. Mais en 1970, son épouse disparait prématurément. Aussi, il se retire du monde musical. Une absence qui durera pendant vingt ans.
Sam n’est jamais parvenu à se forger une grande notoriété. Pourtant, il a côtoyé des stars prestigieuses du blues comme Albert King, Muddy Waters, Pinetop Perkins ou Jimmy Reed. En 1995, il édite un elpee, sous son propre patronyme, sur le label Delmark. Intitulé "I ain't lyin'", cet elpee lui permettra de décrocher l’award du "Comeback artist of the year" auprès du magazine Living Blues. Un retour qu’il avait néanmoins déjà opéré depuis quelque temps, en rejoignant le groupe Midnight Slim. Impliquant les frères Scribner, deux musiciens de couleur blanche ; soit le guitariste Fred Scribner et le drummer Brad.
« Ten years and forty days » constitue le second opus du combo. Il était paru en 2001, sur un label indépendant. Ne bénéficiant alors d’aucune distribution officielle, il suscite enfin un regain d’intérêt. Ce qui explique pourquoi il n’est chroniqué qu’aujourd’hui. Pour la circonstance, Sam est soutenu par le Midnight Slim, c’est-à-dire les frères Scribner susvisés, le bassiste Jack Geisenheimer et le pianiste Neil Eisenberg.
Son "Fine lookin' woman" ouvre l'album. Le timbre vocal de Sammy surprend par sa finesse. Un chouia élimé, il est irréprochable. Il lui colle même à la peau, et nous rappelle certains bluesmen originels. Son jeu d'harmonica est clair, concis et très caractéristique. Il est talonné par les cordes de son ami blanc, Freddie Scribner. Une excellente entrée en matière, qui s’inscrit parfaitement dans le cadre du Chicago blues. Signé Guitar Slim, "Done got over" évolue à un excellent niveau ; une plage toujours largement inspirée par le blues de la Cité des Vents. Tout comme "I'm going", un morceau au cours duquel Scribner s’autorise une sortie parcimonieuse aux cordes. Changement de cap pour "Since you been gone". Sammy se révèle un vocaliste étonnant et très inspiré tout au long de cette bien jolie ballade soul. Imprimé sur un tempo mesuré, "Hear my train coming" est une compo particulièrement originale. Davis chante d'une voix nonchalante face aux cordes réverbérées de son gratteur. L’atmosphère chaleureuse et contagieuse du Chicago southside enveloppe le notoire "Forty days and forty nights", un titre issu de la plume de Muddy Waters, ainsi que la cover du "Early I the morning" de Sonny Boy Williamson I, dont la version effleure notre sensibilité à fleur de peau. Le "Saturday night fish fry" de Louis Jordan véhicule les accents swing du R&B des années 40 et 50. L’émotion de Davis est profonde, lorsqu’il interprète seul, en se limitant à sa voix et à son harmonica, le "Fat rat" de Big Mama Thornton. Un feeling qu’on retrouve tout au long du country blues acoustique "The claw". Un frisson nous parcourt encore l’échine, quand il se réserve seul aux vocaux, le soul blues primaire mais fragile, "She's not another woman"!
Little Sammy est un petit bonhomme au look toujours très élégant. Habituellement, il est vêtu d’un costume trois pièces de teinte bleu éclatant et porte une cravate rouge. Il est, en outre, coiffé d’un chapeau melon de couleur noire. Davis affiche aujourd'hui 80 ans et milite au sein de la formation de Levon Helm, l’ex-chanteur et batteur du Band. Victime d’une insuffisance cardiaque, Sammy a dernièrement été hospitalisé. Souhaitons-lui un prompt rétablissement.
Billy Boy Arnold William est loin d’être un inconnu. Ce chanteur/harmoniciste de couleur noire est né à Chicago. Ce qui n'est certainement pas un handicap pour un bluesman ! Il est aujourd’hui âgé de 73 balais. Ses premières leçons de musique à bouche, il les a reçues vers 12-13 ans. Son professeur ? John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson. Excusez du peu ! En concoctant cet opus, il a voulu rendre hommage au mythique maître, disparu tragiquement en 1948. Ce témoignage paraît donc, lors du soixantième anniversaire de ce douloureux événement.
En 51, Mr Arnold entamait sa carrière aux côtés d'un jeune bluesman qui allait devenir célèbre sous le nom de Bo Diddley! C'est sur le label Vee-Jay que Billy Boy devait, au cœur des années 50, sortir ses plus grands succès ; c’est-à-dire "I wish you would" et "I ain't got you", deux fragments imprimés sur le fameux Bo Diddley beat, soutenu par Jody Williams à la guitare. Après être resté longtemps dans l'ombre, il devait célébrer son retour en signant pour le label Alligator, alignant "Back where I belong" en 1993, "Eldorado Cadillac" en 95 et "Boogie 'n' shuffle" en 2001.
Pour enregistrer “Sings Sonny Boy 'John Lee' Williamson”, BB Arnold a reçu le concours de collaborateurs particulièrement affûtés. Pour la plupart des vétérans. En l’occurrence le bassiste Bob Stroger, le drummer Willie ‘Big Eyes’ Smith, le pianiste/guitariste Mel Brown et le notoire guitariste/mandoliniste de couleur blanche Billy Flynn. L’elpee réunit quinze compositions de Williamson et deux plages écrites par Arnold.
"New jail house blues" est imprimé sur un tempo nonchalant. Flynn accomplit un superbe solo sur la mandoline. Entraînant et dynamique, "Around this old juke tonight" est issu de la plume de Billy Boy. Le piano de Mel Brown participe activement au tempo boogie woogie. Tout au long de son "Squeeze me tight", il emprunte le célèbre riff bien connu de "Help me", Flynn est à nouveau très en verve sur les cordes. "Half a pint" est une plage percutante. Très tonique et suivi de près par les cordes de Flynn, l’harmonica d’Arnold y explose littéralement. Cet album ‘tribute’ est très conventionnel. BB joue dans le style de son mentor. Il est particulièrement émouvant lorsqu’il aborde le blues lent. A l’instar des excellents "Decoration day", "Black gal blues" ou encore "Collector man blues". Sur les morceaux plus rythmés, Billy Boy se révèle un digne héritier du style Sonny Boy. Et il le démontre tout au long de "Rub-a-dub". Arnold n'a pas pour autant boudé les compositions les plus notoires de Williamson. Elles sont cependant concentrées en fin de parcours. Et notamment le standard "Good morning little schoolgirl", "Sugar Mama", "Tell me baby" et le fragile et si beau "Springtime blues".
Cet elpee rend un vibrant hommage à l'un des plus grands stylistes de l'harmonica dans le monde du blues. Disparu alors qu’il avait à peine 34 ans, John Lee Williamson avait enregistré plus de 120 chansons dans les années 30 et 40. Il avait joué aux côtés de Big Bill Broonzy, Big Joe Williams, Yank Rachell, Sunnyland Slim, Big Maceo, Eddie Boyd, Willie Dixon, et bien d’autres…
Gary est un bel homme. Souriant, musclé, il a été sapeur pompier à Los Angeles, garde-forestier, agent de sécurité sur les plages du Pacifique, cowboy dans un ranch et… bluesman itinérant. Ce Californien a découvert le blues en écoutant le vétéran John Jackson ; quelque part en Virginie, où le vieux noir travaillait également comme fossoyeur. Gary est entré en studio, pour la première fois, afin d’accompagner un autre ‘Piedmont’ bluesman, John Cephas. Il avait alors participé à la confection de quatre titres.
Gary est le fondateur de ‘Harmonikids’, une organisation dont l’objectif fondamental est de soigner les enfants par la thérapie de l'harmonica. Il a ainsi apporté son soutien personnel aux enfants victimes du tsunami en Indonésie et de l'ouragan Katrina, en Louisiane. Il leur a offert des harmonicas et leur a appris les premiers rudiments pour pouvoir interpréter l’une ou l’autre chanson. Il s’est produit un peu partout dans le monde, aussi bien dans des formules électriques qu'acoustiques.
Flanqué des Sugar Daddys, il avait commis son premier elpee, "Throwing heat", en 2003. Pour concocter ce second opus, Allegretto a reçu la collaboration de ses musiciens, mais également de plusieurs invités de marque. Pour la plupart des amis. Et notamment, Ivan Neville, Miss Janiva Magness, John Cephas et Doug McLeod… L'album est partagé entre plages acoustiques et compos largement amplifiées. Gary signe douze des quatorze fragments.
Gary souffle dans les aigus pour introduire "She speaks to me". Le rythme est calqué su celui de Jimmy Reed. Sur ce titre, il est épaulé par ses musiciens : le guitariste Tommy Kay, le pianiste Steve F'Dor, le bassiste Paul Eckman et le drummer David Kida. Une entrée en matière aussi brillante qu’engageante. "Bad man" adopte un même profil. Un excellent niveau qui persiste tout au long de "Somerset", caractérisé par des accents empruntés au country blues. Notamment grâce à la complicité presque fraternelle entretenue entre l'harmo et la guitare National Resonator de Doug McLeod. Rocker, "Good to go" est un morceau tout à fait remarquable, au cours duquel le piano de F'Dor se montre insatiable pendant que l'harmo flâne en totale liberté. L’approche acoustique recèle des richesses insoupçonnées. Et tout d’abord "Four days late", une ballade imparable évoquant le drame vécu par la Nouvelle Orléans, lors du passage de Katrina. Ivan Neville siège derrière l'orgue Hammond. Son timbre vocal est divin. Et que dire de celui de la charmante Janiva Magness ? Ce duo est soutenu par Rich Del Grosso à la mandoline et David Jackson à l'accordéon. Gary et Janiva se partagent un autre tandem sur "Risk of love" ; Neville se militant aux claviers pendant que Kay se libère sur sa slide. Ian Espinoza (NDR : il a sévi chez les Blasters) gratte et chante "Never the same", un morceau très country blues. John Cephas apporte son concours à la guitare sur quatre plages. Il se réserve le chant pour "Hurry down rounder". Le partage en compagnie de Gary tout au long de "Saddle my pony", une chanson particulièrement grisante. La connivence affichée entre John et Gary rappelle son habituel partenaire Phil Wiggins. Balayé par le banjo et le violon, "Settle down blues" baigne à nouveau dan un climat cowboy. L’elpee recèle deux reprises. "Back to Memphis", tout d’abord. La voix légèrement lasse colle parfaitement à cette version tonique, imprimée sur un tempo très rock'n'roll. Ensuite, le "Mind your own business" de Hank Williams. En duo. Avec pour partenaire Cephas. D’excellente facture, cet opus s’achève en compagnie du même duo. Mais sous une forme instrumentale. Un "John's kitchen rag" cuisiné à la sauce piedmont.
Suivant les dernières infos, Gary Allegretto vient de sortir un nouvel elpee de tendance acoustique. Davantage folk roots voire Americana. Son titre ? "Harmonicowboy". Un surnom qui lui avait été attribué lorsqu’il bossait comme garde-forestier dans l'Arizona, le Colorado, le Nouveau Mexique et le Wyoming!
Afronaut, beatmaker membre du collectif anglais Bugz In The Attic, est parti à la découverte de la scène musicale de Porto Rico. Il y a habité pendant un an et a eu l’idée de collaborer en compagnie d’artistes locaux. Et notamment Giovanni Hildago, Cachete, Hector Calderon et Totin. Dans l’aventure, il a aussi emmené quelques amis anglais comme Mark de Clive, Neon Phusion et Senji, producteur de Roisin Murphy présent sous le pseudo de Oreja.
Structurellement, le menu est simple. Une flopée de percussions indigènes interprète des rumbas, des rythmes afro-cubains ainsi que quelques patterns typiques de la salsa. Les chanteurs portoricains soumettent quelques uns de leurs titres à des remixes dans une veine très ‘lounge’. A charge de l’électronique (entre broken beat et house moyennement pêchue) de fédérer les quatorze titres de l’elpee, pauvre en surprises et un poil monotone. Le travail est certes soigné, mais « Hecho en Casa » n’est qu’un disque d’ambiance de plus ; et Dieu sait s’il en existe déjà beaucoup sur le marché. On imagine que sous le soleil, ce concentré tropical doit sûrement faire un peu plus d’effet. A Bruxelles, par une journée pluvieuse, ça marche beaucoup moins bien. A vous de voir ce que cette solution sonore provoque…
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