Flashback: 1986! Wayne Hussey et Craig Adams quittent le Sisters of Mercy d’Andrew Eldritch et fondent Sisterhood, dont ils changent rapidement le patronyme en The Mission. Les rejoignent le guitariste Simon Hinkler (NDR : il a séjourné un bref moment chez Pulp) et le drummer Mick Brown (NDR : un ex-Red Lorry Yellow Lorry). Le premier single « Serpent’s Kiss » atteint le n°1 des charts indépendants. Ce qui leur permet de décrocher un contrat chez Mercury. Pendant 5 années, la formation va susciter un engouement considérable auprès des amateurs de musique gothique. Et pour cause, c’est à cette époque, qu’elle va composer les meilleures chansons. Et sortir ses meilleurs albums. A partir de 1991, The Mission va disparaître dans la zone crépusculaire de l’underground. Subissant, en outre, toute une série de changements de line up. Il y végète d’ailleurs toujours, même à travers les exercices en solitaire des différents musiciens.

Ce box réunit trois disques immortalisés en public entre 1986 et 1990. Des sessions accordées pour la BBC. Cinq en tout. Pour Janice Long, Liz Kershaw et Richard Skinner. Elles figurent sur le premier volume. Et sont particulièrement réussies, il faut l’avouer. Notamment la cover du « Like a hurricane » de Neil Young, celles du « Tomorrow never knows » des Beatles et les incontournables « Severina », « Wasteland », « Wishing well » ou encore « Deliverance ». Un véritable régal ! Et du live retransmis par la radio britannique lors du festival de Reading en 1987, à l’Arena de Wembley en 1988 et au Machester Appolo en 1990. Sur les deux autres cds. Davantage destinées aux fans. Des adaptations trop linéaires à mon goût, gâchées en outre, par le chant trop souvent approximatif de Wayne Hussey. Dommage car on y rencontre des reprises du Free, des Stooges, de Patti Smith et d’Aerosmith. Et puis les parties de guitare sont excellentes. L’objet est cependant luxueux. Inséré dans un boîtier en carton, il est illustré par des images au graphisme gothique d’époque et contient un booklet très complet et fort intéressant.

Prenez un bon son rap, issu d’une subculture américaine, et ôtez-lui toute animosité. Déposez dessus un flow décapant, des voix campées magistralement, des cuivres ‘couinants’ et des violoncelles décomplexés, et vous obtiendrez Flobots. Si vous l’associez à une teinte de rock alternatif, où le fantôme d’une énergie positive et un engagement politique style Rage Against The Machine planerait, vous serez en possession de « Fight With Tools ». Vous êtes vernis. Cette petite surprise issue du label Universal Republic (Amy Winehouse, Jack Johnson, Money Mark,…) cumule plusieurs effets à son audition. Le premier est de saisir parfaitement le langage et l’ambiance qui s’en dégagent sans même se forcer. Le deuxième provoque une envie irrésistible de battre la mesure, du genre à se claquer la main sur la cuisse. Le troisième procède de la qualité de l’album : il n’y rien à jeter sur l’album et il semble rouler tout seul. Il n’émane à aucun moment, même lors de break beats découpés à la scie, une sensation d’instabilité inconfortable. Le dernier effet, et pas des moindres celui là, se définit en un frisson, produit par la clarté des cordes du violoncelle, dont le ton onirique est particulièrement saisissant. Riche et pertinente, cette galette fleure la saveur des grandes cuisines, celles où la marmite est chromée et où les aliments cuisent sans attacher. Vous l’aurez compris, « Fight With Tools » n’est pas surprenant que dans sa constance qualitative ; il l’est aussi par la découverte d’endroits inusités, et l’association d’éléments diamétralement opposés à la base finissent par se rejoindre en un noyau. Il en ressort une sensation d’unité, où tout est possible, où tout semble accessible. Flobots ? D’la balle mec !

Difficile de passer derrière celui qui aura apporté un minimum de crédibilité au milieu peu apprécié du télé-crochet. Et après ses performances décalées à la ‘Nouvelle Star’ de M6, dieu sait que les critiques l’attendaient au tournant, prêt à apposer l’étiquette ‘caricature’ sur la pochette de son premier essai. A ces derniers, Julien Doré répond par un joli bras d’honneur adressé sous la forme d’un « Ersatz », écartelé entre rutilance et disparité réfléchie. « Les Limites », le frétillant single porte-drapeau, était loin d’annoncer la couleur. Et le jeune homme le fait comprendre dès les plages d’ouverture. « Acacia » et son écriture à la Nick Cave ou « Les Bords de Mer » dévoilent un Julien Doré folky et un brin plus affecté qu’il n’y paraît.

« Ersatz » contient de véritables réussites telles que « De Mots », fruit d’une excellente collaboration entre Doré et Arno, « Les Limites », « First Lady », « Figures Imposées » le second single très 80’s relevé par un clip divinement kitch et, surtout, le ravissant « Piano Lys ». Mais parce que son premier disque ne pouvait être parfait, Doré se barre parfois dans des délires accessoires comme sur le politiquement incorrect « Bouche Pute » dont seule la seconde partie instrumentale relève l’intérêt, la reprise falote du « SS In Uruguay » de Gainsbourg ou encore « Pudding Morphina » un duo avec Christophe interprété dans un anglais plus qu’approximatif. Malgré ces quelques faiblesses, « Ersatz » est un premier travail efficace dont les failles devraient permettre à Julien Doré de confectionner un second ouvrage solide. Just wait and see…

A ma gauche, Dan Le Sac, bidouilleur confirmé. A ma droite, Scroobius Pip, prodige du spoken word. Une rencontre. Providentielle s’il en est. Le premier fusionne sans complexe beats electro et hip hop aux rythmiques pop ou rock les plus inattendues. Le second dessert sa prose comme s’il était né le micro à la main. Cette collaboration démarre l’an dernier, lorsque Dan Stephens alias Dan Le Sac et David Meads aka Scroobius Pip proposent via Lex Records un premier EP explosif intitulé « Thou Shalt Always Kill ». Les choses s’enchaînent alors très rapidement pour les deux gaillards qui, après la sortie de « The Beat That My Heart Skipped », un second single aussi détonant que le précédent, se voient signer un deal au sein de l’obscur label Sunday Best. Et ce dernier, qui jouit d’une distribution via Pias, a sans conteste décroché le gros lot, « Angles » étant probablement l’une des tueries de 2008.

La première œuvre du duo s’ouvre sur « The Beat That My Heart Skipped », une mise en bouche alléchante. Dès les premières rimes, on boit les paroles du prophète Pip en secouant la caboche sur les beats bien capitonnés de frère Dan. Ce dernier n’hésite pas à catapulter des loops fiévreux (« Back From Hell ») et enivrants (« Angles », « Reading My Dreams ») ou des samples déroutants (« Letter From God To Man », « Fixed »). Quant au premier, il réécrit les commandements avec une justesse toute contemporaine (« Thou Shalt Always Kill »), prône le positivisme (« Magician’s Assistant », « Waiting For The Beat To Kick In ») et se fait la voix du Seigneur, sans complexes (« Letter From God To Man »). Sur « Development », les deux hommes annoncent : ‘Underground intelligent Hip-Hop development progression is our intent, ladies and gentlemen’. « Angles » le prouve largement. Immanquable. 

Dans un magazine spécialisé, un journaliste a écrit que cette formation était à l'actuelle décade ce que Jesus & the Mary Chain était aux 80’s. Il n’a pas tout à fait tort. En fait, les Buffalo Killers (NDR : ils sont originaires de Cincinnati dans l’Ohio) puisent leur inspiration majeure dans une certaine musique des sixties. Les accents de leur musique sont manifestement psychédéliques, même si elle s’avère raisonnablement pop. Côté harmonies vocales, on ne peut s’empêcher de penser au Buffalo Springfield de Neil Young et Steve Stills. A moins que ce ne soit du Vanilla Fudge. Quant aux guitares largement amplifiées et déjantées, elles évoquent plutôt Steppenwolf voire Iron Butterfly. "Let it ride" constitue leur second elpee. Il a bénéficié du concours de Dan Auerbach, le chanteur/guitariste des Black Keys, à la production. Il fait suite à un opus éponyme. La force de frappe des Killers repose sur les frères Gabbard. Ils se partagent les vocaux. Zachary se réserve cependant la basse et Andrew, la guitare. Ils sont épaulés par le batteur Joseph Sebaali. Au cours de la première moitié de 2008, ils ont tourné en compagnie des Black Keys. Et cet automne leur nouveau périple leur permettra de jouer en supporting act des Black Crowes.

"Get together now today" nous replonge en effet très loin dans le passé. Au temps des trios post ‘summer of love’ responsables d’un hard rock dit progressif. La musique est très bien produite. La voix nonchalante est soutenue par des harmonies vocales réminiscentes du Buffalo Sprindfield. L’intensité instrumentale est très marquée. Blue Cheer est un combo qui avait fait un tabac en 68 (NDR : pour votre gouverne, sachez que ce band est toujours actif en 2008 !), lors de leur reprise du "Summertime blues" d'Eddie Cochran. Cette influence est manifeste sur "Let it ride". A cause de cette manière d'éructer les mots ; et puis de ces accords de guitares tourmentés et largement amplifiés. Couverts d’accents délicieusement pop, "Leave the sun behind" baigne au sein d’un climat beatlenesque, époque "Sgt Pepper". Les Buffalo Killers adorent restituer ces 'nuggets', des pop songs psychédéliques, délirantes, qui ont marqué le cœur des sixties. "If I get myself anywhere" en est une belle illustration. Tout comme "Give and give", une plage caractérisée par une grande richesse mélodique. Par contre, l’immersion dans le blues ne leur sied pas trop. Boogie rock, "On the prowl" est ainsi trop complaisant pour convaincre. Là où ils sont dans leur jus, c’est lorsqu’ils s’imprègnent de la folie du Blue Cheer. Ils le confirment une nouvelle fois sur "It's a shame" et "Take me back home". Luxuriant et puissant, mais toujours aussi pop et mélodique "Black paper" achève l’opus. Un titre dont l’approche est similaire à celle de Neil Young sur ses premiers albums.

Blue Mountain est devenu une véritable légende chez lui. A Oxford, dans le Nord du Mississippi. Mais Blue Mountain c’est avant tout est le nom d'un patelin, situé entre la ville d'Oxford et le Tennessee tout proche, près de la Holly Springs National Forest. Ce groupe a vécu une première aventure entre 1991 et 2001. Et s’appuyait déjà sur le couple légitime Cary Hudson/Laurie Stirratt. Le premier est chanteur/guitariste. Sa charmante épouse bassiste. Elle est également la jumelle de John Stirratt, également bassiste, mais chez Wilco. A cette époque, Blue Mountain avait beaucoup tourné et enregistré pour le label Roadrunner. Et avant de se lancer dans ce projet, le couple avait sévi au sein des Hill Tops. Depuis l’été 2007, ils viennent donc de remettre le combo sur rails. Ils ont à nouveau fait appel au drummer Franck Coutch, qui les avait déjà épaulés pendant sept ans, lors de la première mouture du band. Réunissant de nouvelle compos, ce "Midnight in Mississippi" paraît au même moment qu’"Omnibus", un autre elpee qui rassemble de nouvelles versions d'anciennes chansons.

L'opus s’ouvre par "Groove me". Un titre de country/folk/pop empreint de charme, de douceur et surtout très accessible. Le groupe véhicule une étiquette alt country. Je ne vois pas trop ce qui est alternatif ici, tant leur sens mélodique est aiguisé et leur production léchée. Ou si vous préférez, tant ce type musical est susceptible de plaire à toutes les oreilles. Encore que côté lyrics, on y décèle d’évidentes références à la drogue. Ce qui explique sans doute pourquoi on les traite de marginaux… Leur country/rock me botte quand il évolue dans un registre proche des Byrds du début des 70’s. Lorsqu’ils étaient drivés par Jim McGuinn et Graham Parsons. Tonique, "She's a wild one" en est une belle illustration. Les échanges entre cordes acoustiques et électriques sont superbes. Tout comme sur "Free state of Jones", par ailleurs. L’opus recèle quelques compos sculptées dans des mélodies tendres, doucereuses, parfois un peu trop sucrées à mon goût. A l’instar de "Butterfly" ou encore "70's song", un morceau qui me rappelle furieusement une ballade de Joe Dassin. Par contre, dans le style, "Rainy day" est de toute beauté. Dommage que la formation ne laisse pas plus souvent éclater sa réserve, se contentant trop souvent de laisser les portes entrouvertes. C’est d’ailleurs un dessein que je leur souhaite, afin que le band puisse véritablement se réaliser. Et il le démontre sur le très percutant "Midnight in Mississippi". La voix est beaucoup plus rageuse. Le timbre me rappelle même Bob Dylan. Les petites interventions à l’harmonica aussi. Cette manière paresseuse de chanter colle bien au style de Hudson. Et on en a une nouvelle illustration sur "Emely smiles" ou encore "Pretty please", un morceau très riche, inflitré par des nappes d’orgue. Et comme nous sommes dans le Mississippi, le blues n'est jamais bien loin. "Gentle soul" trempe dans un frome de country laidback instituée par JJ Cale. Les parties de cordes en slide y sont fort intéressantes. Et le couple n'oublie pas de célébrer les dimanches soirs d'autrefois, quand ils partaient vers le juke joint de Junior Kimbrough à Chulahoma, écouter le Mississippi blues pur et dur de Junior et de R.L Burnside. Ce qui nous vaut en final, un "Skinny dipping" aux accents du Delta très métalliques…

Enfin ! Après huit années d’attente interminables le grand ‘Rock n’ Roll Train’ est de nouveau sur les rails. AC/DC a donc pris tout son temps, mais l’engouement de ses fans ne semble pas avoir pris une ride. Ses concerts au Sportpaleis d’Anvers les 1^er et 3 mars 2009 ont affiché complet en moins de 90 minutes, et les précommandes de « Black Ice » ont été trois fois supérieures à celles du dernier né de Metallica. C’est dire si le gang des frères Young a le vent en poupe.

« Black Ice », quinzième livraison du plus grand phénomène de toute l’histoire du hard rock, a bénéficié de la production léchée de Brendan O’Brien, réputé notamment pour son travail accompli auprès de pointures comme Pearl Jam ou Rage Against the Machine. Afin de ne pas déroger à la règle, l’enregistrement et le mixage ont été réalisés par Mike Fraser au Warehouse Studio de Vancouver. Inamovible, le rock d’AC/DC constitue une sorte de formule sacrée. Le combo n’a d’ailleurs jamais sorti de véritable mauvais album. Bien sûr, « Black Ice » est loin d’être aussi obsédant qu’un « Back in Black » ou un « Powerage ». Il n’en  possède ni la magie, ni ses hymnes incontournables. Mais comment résister au son unique des guitares des Young brothers, à la batterie linéaire mais implacable de Phil Rudd, à la basse vrombissante de Cliff William, aux refrains fédérateurs scandés par un Brian Johnson dont le timbre rocailleux demeure intact. Tout est réuni pour plaire aux fans. Et si le single « Rock n’roll Train » est l’unique titre susceptible de figurer sur un des 287 « Best of » qui sortiront dans les dix prochaines années, on retiendra quand même un « Big Jack » qui donne envie de taper du pied dès les premières mesures, un « Stormy may Day » surprenant, grâce à l’utilisation inattendue de la slide guitare, et une plage titulaire qui referme la plaque noire avec autant d’élégance. « Black Ice » n’est pas un grand album d’AC/DC, c’est un album d’AC/DC tout simplement. Bien sûr, difficile de nier qu’un certain Airbourne a dépassé son maître, en sortant, il y a quelques mois une plaque ressemblant furieusement à un « Highway to Hell II ». Il serait d’ailleurs suicidaire de la part de la bande à Angus d’engager ces jeunes compatriotes pour la grande tournée à venir…    

Lien Youtube : http://www.youtube.com/user/acdc?ob=1 

Originaire de Houston, cette Texane est particulièrement talentueuse. Non seulement elle compose et chante, mais joue aussi de la guitare, des claviers de la trompette, et parfois même de l'accordéon et de la mandoline. Elle compte déjà huit albums à son actif. Son blues est subtilement teinté tantôt de country, de swing, de zydeco, de surf, de gospel ou de soul. A ses débuts, elle militait au sein des Imperial Monkeys. Aujourd’hui, Carolyn dirige son propre groupe ; mais elle participe également à différents projets. Elle assure ainsi les vocaux au sein de la formation du guitariste Terry Lightfoot, Band of Wonder, est impliquée dans l’aventure d’un groupe féminin de southern rock répondant au patronyme de Sis Deville ainsi que dans celle de l’Austin Volunteer Orchestra. Son dernier album, "Blood less revolution", remonte à 2003.

Ce nouvel opus a été enregistré chez elle à Austin. Il est partagé entre compositions personnelles et reprises d'artistes qu'elle apprécie. La production a été assurée par Ray Benson, un personnage qui s’est forgé une solide réputation aux commandes de la formation de western swing, Asleep at the Wheel. Pour concocter cet elpee, Carolyn a reçu la participation de quelques amis ; mais elle est bien sûr épaulée par son fidèle line up. C’est-à-dire Cole El Saleh aux claviers, Jamie Oldaker aux drums, Glenn Fukunaga à la basse et le plus souvent, Lloyd Maines aux cordes.

Le disque s’ouvre par le titre maître. Une compo rythmée. Sa puissance vocale naturelle nous cueille littéralement à froid. Elle y démontre une grande habileté à pincer les cordes électriques. Et pour la circonstance sur une lap steel guitare horizontale, responsable de cris métalliques. Terri Hendrix –une concitoyenne– signe "I found the lions". Une chanson à la dimension R&B offensive, dansante et cuivrée. Ainsi que "Throw my love". Une excellente cover taillée pour notre Miss Wonderland. Elle y étale toute ses aptitudes musicales. Un sanglot étreint sa voix tout au long de "Bad girl blues", une ballade country empreinte de douceur, un morceau souligné par les remarquables interventions à la steel guitare de Lloyd Maines. Elle me rappelle aussi parfois la longiligne louisianaise Marcia Ball. Elle se rapproche même de son style sur "Walk on", une compo coécrite en compagnie de Ray Benson. Face aux chœurs, aux cuivres, et à l’harmonica de l'ami Guy Forsyth, elle crie sa rage de vivre. Elle souffle même dans une trompette et se joint aux saxophones de John Mills. Le "Still alive and well" de Rick Derringer" est saignant. Une reprise au cours de laquelle Carolyn affiche une dextérité étonnante sur les cordes amplifiées. Elle cosigne "Long way to go" avec Benson. Elle y opère un retour dans le far-West inondé de soleil. Tout au long de ce morceau de country, traversé par le violon de Jason Roberts d'Asleep at the Wheel, on imagine parcourir les plaines arides du Texas. Mais surtout on est ébloui par la pureté de sa voix. Ballade aux accents jazzyfiants, "I don't want to fall for you" libère un swing léger, tout en subtilité. Et David Sanger, encore un autre Asleep at the Wheel, préposé aux balais, n’y est pas étranger. Carolyne emprunte le style laidback de JJ Cale sur "Trouble in the city". Une version musclée et cuivrée, dynamisée par le piano roadhouse d'El Saleh et par une guitare bien vivace. "I live alone with someone" est un blues imprimé sur un tempo indolent, caressé par une voix confessionnelle, mais bigrement convaincant. Carolyne chante passionnément et rageusement "The farmer song", la plus jolie ballade de l’opus. Epaulée par les interventions au dobro de Cindy Cashdollar, une autre concitoyenne qui ne manque par de charme, elle y joue de la mandoline. Cette œuvre s’achève par "Feed me to the lions". Elle chante en s’accompagnant au piano. Une plage raffinée délicatement par un quatuor à cordes : les racines américaines rencontrent la musique de chambre. Saisissant et superbe à la fois !                                                                                 

Quel bonheur ! De toute la vague des groupes ‘metal à chanteuses’, Within Temptation a toujours été, pour votre serviteur, le plus intègre, le plus prometteur aussi ; celui qui restera et qui réussira à se faire aimer par l’ensemble de la communauté metal. « Black Symphony », sorti en format double dvd et double cd, renforce encore la crédibilité du combo emmené par la charismatique Sharon Den Adel. Au-delà du metal, et tout simplement de la musique, la nouvelle œuvre apparaît tel un spectacle grandiose, une prestation majestueuse, un triomphe au romantisme gothique. Symphonique à la base, la musique de Within Temptation est magnifiée par la conjonction d’une vingtaine de choristes et d’un orchestre de soixante musiciens ! Le groupe s’est donné les moyens de ses ambitions et réussit haut la main là où d’autres ont échoué lamentablement. Il s’agit même ici probablement de la plus belle collaboration entre un groupe heavy et un orchestre classique.

La play list fait la part belle aux deux derniers efforts des Bataves, « The Heart of Everything » et « The Silent Force » ; mais lorsque le combo se lance dans les réinterprétations de son chef d’œuvre, « Mother Earth », on atteint les sommets de la grâce et de l’élégance qui caractérisent la musique des Hollandais. Lors de ce spectacle, enregistré et filmé au Ahoy de Rotterdam en février 2008, la jolie chanteuse est accompagnée par Keith Caputo, ex Life of Agony, sur le single « What have you Done », mais aussi par George Oosthoek d’Orphanage, responsable des parties de chant gutturales sur « The Other half of Me ». Mais le moment le plus émouvant du concert est sans nul doute le duo échangé en compagnie d’Anneke Van Giesbergen, ex The Gathering, sur un « Somewhere » transcendé par les deux plus belles voix féminines de la scène metal gothic. Deux heures qui passent à la vitesse de l’éclair ! Absolument imparable.

Lien Youtube : http://www.youtube.com/user/wtofficial?ob=4 

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Le festival ‘Roubaix à l’accordéon’ en est à sa douzième édition. Il accueille dans la rue, les bistrots ou en salle, de nombreux artistes et groupes de tous les styles, venus des quatre coins du monde. Un mélange des genres qui permet de retrouver à la même affiche Mano Solo, Juliette Greco, Juliette, Blankass ou encore Pigalle. C’est le cas cette année. Et Pigalle, formation punk mythique du début des années 80, se produisait ce jeudi 21 octobre en la salle Watremez…  

En première partie, Balbino Medellin a reçu un bon accueil du public ‘ch’ti’. Son premier album « Le soleil et l’ouvrier » lui a permis d’accomplir une tournée de plus de 80 dates, dont un détour par la Cave. Un concert dont les Roubaisiens semblent se souvenir. D’ailleurs les premiers rangs réunissent des aficionados qui reprennent les refrains en chœur. Ces mêmes fans associent ainsi ce concert à une double affiche. Il est vrai que ses textes de la vie de tous les jours, interprétés d’une voix si particulière, soutenus par la guitare et l’accordéon, sont très agréables à écouter. Et puis il y a le physique du chanteur : imaginez un hybride entre Mr Propre et un marin qui aurait échoué dans tous les ports du monde. Mais au fil du temps, le set finit par nous lasser ; et on décide d’aller prendre une bonne bière (belge) au bar.

Car on est venu pour Pigalle. Un groupe fondé en 1982 dans une cave du quartier du même nom. ‘Un quartier magique à l’époque. Au temps où le quartier était encore vivable…’ s’amuse à rappeler son fondateur François Hadji-Lazaro. Pour la reconnaissance du grand public, il faut attendre fin 1990, et la sortie de leur album « Regards affligés » ainsi que du single « « Dans la salle du bar-tabac de la rue des Martyrs » (dont le refrain reste ancré en tête, comme un paquebot bien amarré). C’était la grande époque du rock alternatif français, qui bousculait tous les genres. Tant musicalement, à travers un punk énergétique, souvent teinté de folk, que commercialement, vu leur méthode d’auto-distribution. Et leur label ‘Boucherie Production’ en est la plus belle illustration. Mais cet élan va s’essouffler fin des années 90.

10 ans plus tard, et après trois albums solos, François Hadji-Lazaro reprend la route flanqué de ses fidèles compagnons : J-P à la batterie, Boubouche à la basse ainsi que les deux François. Combarieu à la guitare et Benichou aux claviers ainsi qu’à l’accordéon (NDR : quelle polyvalence !) Une compile est également sortie entretemps : « Neuf et occasion ». Vu son titre, pas étonnant qu’il réunit vieux tubes, compos originales et collaborations diverses, comme celle apportée par Emily Loiseau.

Ce mardi 21 octobre, leur tournée passait donc par Roubaix, dans le cadre de la fête à l’accordéon. La salle joliment rénovée de Watremez n’est pas remplie ; mais il y a bien 500 personnes pour manifester leur enthousiasme. Comme souligné dans les comptes-rendus consacrés aux Charlatans et aux Cranes, deux formations qui ont également aussi connu leurs heures de gloire début des 90’s, l’audience est surtout composée de trentenaires voire de quadragénaires. Mais aussi éclectique. Punks, skins, altermondialistes et autres looks caractéristiques.

Le set commence tranquille. Pourtant, dès « Les lettres de l’autoroute » la foule se met à remuer et les premiers pogos se déclenchent. François Hadji-Lazaro passe aisément de la flûte traversière à l’accordéon, du banjo à la guitare ou au violon. Les titres mélancoliques et les morceaux plus festifs alternent. On comprend ainsi plus aisément la signification du titre de leur avant-dernier elpee, « Rire et pleurer ». Ce spectacle de deux petites heures est ponctué par la reprise du « Les Vieux à la poubelle » des Garçons Bouchers, puis un « La salle du bar tabac… » assez électrique, histoire de clôturer le show dans la bonne humeur. Avant que le groupe ne revienne une énième fois sur scène pour se lancer dans une version acoustique et plutôt expérimentale du même titre.

Après ce show, on aurait bien arrosé notre soirée de quelques bonnes bières (belges s’il vous plaît, Bavik et Petrus sur la carte). Mais le personnel préposé à la sécurité en a décidé autrement. Ca ne rigole pas en France ! Nous avons donc été priés de quitter la salle le plus rapidement possible. En emportant quand même le sentiment d’avoir vécu une chouette soirée, malgré tout.

Pigalle – Balbino Medellin

Organisation : La Cave aux Poètes