Manic Street Preachers, Gorky’s Zygotic Mynci, Super Furry Animals et Stereophonics appartiennent à cette nouvelle scène galloise, en pleine effervescence. Plus proche des Manics que des autres formations évoquées ci-dessus, Stereophonics accorde une grande importance aux lyrics. Qui traitent essentiellement des difficultés sociales rencontrées par la population de l’ouest de l’Angleterre, victime de la crise économique ; et notamment des problèmes du logement, du chômage, de l’angoisse des adolescents face au futur ; mais également de simples faits divers colportés par la médisance populaire. Des textes chantés avec une passion brûlante, sur un ton hymnique, un peu à la manière de James Bradfield. Décidément, on en revient encore à la norme Manic Street Preachers. Pourtant, chez Stereophonics, la guitare est davantage mise en avant, chargée d’adrénaline, arc boutée sur des mélodies tellement contagieuses, qu’à peine inoculées, elles ne parviennent plus à vous décramponner l’esprit. Un chouette album !
Le Velvet Underground et le Crazy Horse, ou plus précisément Neil Young et feu Nico, ont certainement eu une influence majeure sur cet ensemble californien, de San Francisco, très exactement. Encore, qu’à notre goût, le climat éthéré qui règne tout au long de ce disque évoque plutôt Cowboy Junkies. Mais un Cowboy Junkies dont la chanteuse, en l’occurrence Denise Bon Giovanni, possède des inflexions beaucoup moins linéaires que celle de Margo Timmins, sorte d’hybride entre Dusty Sprinfield et Tracy Chapman. L’ombre d’American Music Club plane également sur cet opus, qui recèle, exception qui confirme la règle, une composition de bossa nova, " The look of love ", et puis une chanson de toute beauté, réminiscence du David Crosby circa " If I could only remember my name (NDR : encore !), paradoxalement intitulée, " Springfield "…
Issu de Chapel Hill, en Caroline du Nord, Superchunk était considéré, à l’origine, comme la progéniture de la révolution sub Pop. Vous savez, celle qui a donné naissance au mouvement grunge. Depuis, beaucoup d’eau a coulé sous les ponts ; et la formation yankee s’est convertie à une forme musicale plus accessible, toujours aussi déstructurée, mais plus pop, plus juvénile, inspirée à la fois par Dinosaur Jr, Weezer, Gorky’s Zygotic Mynci et Sebadoh, avec des harmonies vocales aussi chaudes que chez Mega City Four. Et le résultat est plutôt concluant, les divers éléments apparemment disparates s’emboîtant avec beaucoup de charme et de fraîcheur...
Evidemment, lorsqu’on découvre le parcours de ce New-yorkais, on comprend mieux pourquoi il est devenu un virtuose de la six cordes. Prof de guitare dès le plus jeune âge, il a goûté un peu à tous les styles musicaux. En particulier au blues, au rock, à la pop, à la prog et au jazz. Ce qui lui a permis de côtoyer des tas de gens tels que Billy Bauer, Lennie Tristano, Pat Martino, Kenny Wayne Stepherd et même Robert Fripp. En 1988, Mick Jagger l’avait même recruté comme soliste pour accomplir sa tournée personnelle, alors qu’en 1994, il rejoignait le Deep Purple pour assurer leur tournée européenne et japonaise. Tout ceci vous donne une petite idée de la carte de visite de Satriani. Et il ne se gène pas pour faire l'étalage de son talent tout au long des quinze fragments de ce " Crystal Planet ". Un opus exclusivement instrumental, pour lequel il a reçu le concours de Stuart Hamm à la basse, de Jeff Campitelli aux drums et de Mike Fraser à la production. Maintenant, nous voulons bien qu’un soliste jouisse d’une dextérité époustouflante, de dominer à la perfection le registre technique des Hendrix, Clapton, Page, Fripp, Van Halen et consorts ; mais faudrait peut-être qu’il pense à y injecter un zeste d’émotion…
Shneider TM n’est autre qu’un projet monté pat Dirk Dresselhaus. Héritier naturel de Kraftwerk et de DAF, ce compositeur allemand est passionné de musique électronique. Et il étale tout son savoir faire tout au long de cet opus. Fréquences de basse, samples, collages, bip bips et autres outils ou gadgets électroniques nous plongent ainsi dans un univers robotique, cybernétique, mais récréatif…
Semisonic grave son premier album en 1996, " Great divide ". Un disque plutôt bien accueilli aux Etats-Unis, par la presse spécialisée. Deux ans plus tard, la formation américaine, de Minneapolis très exactement, sort son deuxième opus. Un disque, qui à notre avis, devrait sensibiliser MTV et les radios à grande audience. Les douze titres qui constituent ce " Feeling strangely fine " nous entraînent dans l’univers rafraîchissant de la pop australienne. Pas étonnant, puisque la production est assurée par Nick Launay, également du même continent, dont la carte de visite mentionne notamment Midnight Oil et P.I.L.. Une pop australienne qui aurait été électrifiée à la manière d’un Weezer ou d’un Nada Surf. Ajoutez-y un brin de romantisme (Oasis ?) et un sens mélodique très développé, et vous aurez une bonne idée du style pratiqué par un trio dont on reparlera bientôt. " Closing time ", superbe single qui ouvre l’album, a atteint, il y a quelque temps, la seconde place des charts de leur ville d’origine. Un appel qui demande incontestablement écho à une plus grande échelle… Superbe !
Attention, ceci n’est pas le nouvel album de Shudder to Think, mais la bande sonore du film " First love, last rites ". Le groupe de Washington DC a assuré toutes les compositions, mais a refilé le chant, sur dix des quinze chansons, à des invités. Souvent de marque. Tels que Liz Phair, Billy Corgan, Nina Persson, Robin Zander, Lena Karlsson, John Doe, Matt Johnson, Angela Mc Clusky et le duo Mimi Parker/Alan Sparhawk. Sans oublier feu Jeff Buckley. Ce qui permet de certifier que les sessions d’enregistrement de ce disque remontent avant mai 1997…
Septième album pour cette formation issue du Montana, mais établie à Seattle. Ce qui ne veut pas dire que ce trio soit resté embourbé dans le grunge. C’est pas vraiment leur truc. Parce que si leur musique est tout aussi électrique, elle se révèle beaucoup plus complexe, aussi élaborée que celle de Come, aussi marécageuse de celle de Pavement, aventureuse que celle de Dream Syndicate, ne laissant pour voix, qu’un gémissement desséché, un peu trop limite, pour être comparé à celui de Will Oldham de Palace. Dans ces conditions, vous vous doutez, bien sûr, qu’on ne rigole pas beaucoup tout au long de cette œuvre ; mais on ne s’ennuie pas pour autant. Car les dix fragments de ce " Blueblood " rockent avec beaucoup d’intensité émotionnelle, remuent véritablement les tripes…
Simple Minds fête cette année ces 20 années d’existence. 20 années que l’on pourrait judicieusement découper en 3 périodes. L’ascension tout d’abord. Lente et brillante. Celle d’un groupe innovateur, intéressant et parfois difficile à saisir. La gloire ensuite. Celle de " New gold dream ", de " Sparkle in the rain " et de " Once upon a time ". Gloire qui se muera en célébrité lorsque " Don’t you " flirtera avec le sommet des charts américains. Ce courant positif, Simple Minds aura du mal à l’entretenir. Et c’est en vain que la formation écossaise tente depuis près de 10 ans de survivre dans un univers qui bouge constamment. A l’annonce d’un nouvel album, nous adoptons toujours le même réflexe. Celui d’espérer l’éventuelle résurrection d’une formation qui nous a tant séduit dans le passé. David Bowie l’a fait. U2 et Depeche Mode y arrivent laborieusement. Alors pourquoi pas Simple Minds ? Et puis, après écoute, c’est toujours le même constat. Ce " Néopolis " ne viendra pas troubler nos conclusions. Surproduit, aseptisant, aseptisé, on devine à peine les mélodies celtiques que l’on aime, tant elles se cachent derrière une muraille de technologie, d’échos chaotiques, de sonorisations inutiles. Cet opus n’est pas mauvais. Mais il n’est de ce temps que par la forme. Le fond, quant à lui, commence à prendre de fameuses rides…
En septembre 97, Six By Seven commet son premier single : " European me ". Un pressage limité à 500 exemplaires qui épuise son stock en moins d’une semaine. Et pour cause, ce titre est tout bonnement remarquable. Une composition dont le tempo à la fois riche, syncopé et hypnotique rappelle instantanément le My Bloody Valentine au sommet de son art. Une chanson que l’on retrouve bien sûr sur le premier opus de ce quintette de Nottingham, " The things we make ". Tout comme les deux autres singles, c’est à dire le très atmosphérique, dans l’esprit de Portishead, " 88-92-96 ", et " Candlelight " caractérisé par un groove incendiaire, irrésistible, réminiscence de la house mancunienne. Et le reste ne manque pas d’allure. Notamment " A strange shape ", incantation teintée d’exotisme, " Brilliantly cute ", découpé, suivant la recette noisecore de Sonic Youth, dans des cordes de guitare plaquées, écorchées ; le ‘fallien’ " Something wild ", ainsi que " Spy song ", psychédélique, à l’instar de Spacemen 3, dans le sens le plus obsessionnel du terme. Une excellente surprise !
Skinny se résume à u duo. Matt Benbrook et Paul Herman (NDR : non, non, rien à voir avec l’ex-présentatrice de la RTBF !) Deux personnages particulièrement habiles dans l’art de mettre l’instrumentation conventionnelle au service de la technologie moderne. D’ailleurs, ces manipulateurs de bandes ont réussi à convaincre toute une série de musiciens de studio de participer à l’enregistrement de cet opus. Un disque sur lequel vous retrouverez, bien sûr, le mégatube " Failure ". Caractérisé par sa basse caoutchoutée et ses vocaux ‘reverb’, il possède sans aucun doute l’étoffe du " Loser " de Beck, privilège qui pourrait ainsi lui permettre de devenir un des singles de l’année. Cependant, hormis " Mr Goodstuff ", dont la soul acide évoque instantanément Primal Scream, et la ballade post Tears For Fears, " Getting in ", le reste de l’opus offre un visage beaucoup plus atmosphérique. Sorte de croisement dangereux, opéré sous éther, entre les Doors, le Fun Lovin’ Criminals et Portishead. Ce qui n’empêche pas Skinny de sortir régulièrement de cette nébuleuse trip hop. Comme sur le techno tribal " Friday (part 1 & 2) " ou le désopilant " Sex ", pastiche de la bande sonore d’un strip-tease…
Du combo initial, il ne reste plus que les membres fondateurs, soit l’ex-Sweverdriver, Adi Vines et l’ancien Milk Vic Kemlicz. Autrement dit la charnière centrale de cet ensemble du nord de Londres. Aujourd’hui élargi à un quatuor, Skycraper n’a pas pour autant changé de fusil d’épaule, se contentant de cibler un hardcore hyper-métallique, sans grand relief, à la croisée des chemins de Zodiac Windwarp, de Therapy? et d’Anthrax…
Ouf ! Après le catastrophique double elpee consacré aux fonds de tiroirs et autres futilités, Royal Trux nous revient avec un album qui correspond davantage à son statut de culte underground. Un opus constitué de neuf titres, mais neuf titres de la meilleure veine, neuf compositions nicotinées par la voix râpeuse, laconique de Jennifer Herrema et écorchées par les riffs de guitare filandreux, tentaculaires de Neil Hagerty. Royal Trux y revisite les textures les plus chaotiques, les plus organiques de l’histoire du rock’n roll, pour les réduire à l’état de pop mélodique. Et on pense ici plus particulièrement aux Troggs, Traffic, Stones, Janis Joplin, Suicide, Johnny Thunders, Loop, Bobbie Gillepsie et à l’inévitable Captain Beefheart, auquel le groupe a toujours voué une grande admiration. La liste n’est bien sûr pas exhaustive, mais la richesse de cet album est justement destinée à vous inviter à les déceler. Et à cette échelle, c’est une véritable mine d’or !
Fondé en 1985, Royal Trux a toujours milité dans la zone crépusculaire de l’undergound. Et le mot crépusculaire est faible, puisque cette formation new-yorkaise est aujourd’hui considérée comme l’héritière naturelle de Captain Beefheart. Cherchant tantôt à réinventer les concepts du rythme et de la mélodie, à combiner le minimalisme et le maximalisme, à exhumer de l’histoire du rock’n’roll un tas de textures sonores, à première vue incompatibles, pour les réunir en mosaïque, ou encore se vautrer dans le blues organique, urbain. La bande à Jennifer Herrema et à Neil Hagerty est ainsi parvenue à inventer un style personnel, étrange, sordide, hallucinatoire et futuriste à la fois, au sein duquel vous retrouverez, outre celles de Captain Beefheart, des traces de Sonic Youth, de Butthole Surfers, de Faust, de Can , de Loop, des Stones, de Birthday Party, de Suicide, et bien d’autres. Alors, dans ces conditions, imaginez bien qu’un double CD partagé entre 32 fragments aussi hétéroclites les uns que les autres ne s’adresse qu’aux inconditionnels. Et à notre humble avis, ils ne doivent pas être très nombreux…
Emigré en Europe depuis une bonne dizaine d’années, Hugo Race n’est pas né de la dernière pluie, puisqu’avant de fonder True Spirit en 89, cet Australien a sévi, de 84 à 88, au sein des Bad Seeds de Nick Cave, avec lequel il lui arrive d’ailleurs encore de collaborer ; puis transité par le sous-estimé Wreckery. Il a également écrit des bandes sonores pour le cinéma, la TV et le théâtre ; et même des romans. Sous son dernier line up, il en est aujourd’hui à son huitième album. Belle persévérance qui, à ce jour, n’a toujours pas porté ses fruits. Parce que nonobstant la qualité de son œuvre, cet artiste ne rencontre de succès qu’auprès d’un public averti. Et pourtant, sa musique est aussi belle et spectrale que celle de Nick Cave. Et aujourd’hui certainement plus authentique. Et tout au long de ce " Chemical wedding ", il épanche ses visions introspectives, ténébreuses, sur une texture mélodique qui injecte une dose massive de blues urbain dans un mélange de rock et de musique post industrielle…
Cette compile réunit douze fragments issus d’enregistrements commis entre 1981 et 1988. C’est-à-dire prélevés des albums " Murmur ", " Reckoning ", " Fables of reconstruction ", " Life’s rich pageant ", " Document ", de l’EP " Chronic town " et de la bande sonore du film d’Alan Rudolf " Made in heaven ". Un recueil sur lequel vous aurez le plaisir de retrouver les standards " (Don’t go back to) Rockville ", " The one I love " et bien sûr " It’s the end of the world and we know it (and I feel fine) "…
Onze albums en quinze années d’existence, et jamais deux fois la même chose. C’est la performance dont peut s’enorgueillir la formation d’Athens. Pourtant, on avait cru qu’après leur chef d’œuvre, " Automatic for the people ", REM aurait connu les pires difficultés du monde pour se renouveler. Le destin a quelque peu précipité les événements. Bill Berry, drummer depuis la naissance du groupe a jeté l’éponge. Pas qu’il se soit brouillé avec les autres membres du combo. Que du contraire. Mais victime d’une rupture d’anévrisme en février 1995, il ne se sentait plus apte à supporter le stress des tournées. Plutôt que d’engager un nouveau batteur, le groupe s’est donc décidé à redistribuer les instruments, ou plus exactement à en changer. Buck a donc troqué sa guitare contre une basse, des claviers et une boîte à rythmes. Mills, la basse pour des claviers et la programmation. En outre, pour enregistrer cet elpee, le trio a engagé une poignée de musiciens de studios, parmi lesquels on retrouve Joey Waronker, drummer de Beck, le guitariste Scott McCaughey et le bassiste/vibraphoniste Barrett Martin (Screaming Trees). Reste Stipe, qui se réserve toujours les vocaux, mais s’accompagne tantôt de claviers, parfois d’un peu de guitare. Résultat des courses, l’héritage des Byrds s’est envolé, " Up " évoluant hors du contexte rock pour épouser un format expérimental, hybride d’instrumentation traditionnelle et d’électronique. Rien que l’intro, " Airportman ", dont les échos lointains rappellent " Before & after science " et " Another green world " de Brian Eno, vous donne une petite idée du climat général qui règne tout au long de l’opus. Une œuvre intimiste, jouant sur les oscillations à la fois mélodiques et technologiques de l’instrumentation. Que ce soit les claviers, les boucles rythmiques, le vibraphone, le piano ou les instruments à cordes. D’ailleurs, en filigrane, on retrouve le spectre du krautrock. Et en particulier sur " Hope ", qui emprunte l’" Autobahn " de Kraftwerk pour aboutir dans l’univers de Neu. Beaucoup de douceur et de profondeur, pourtant sur " Up ". A cause de la voix très humaine de Michaël Stipe, bien sûr, et puis de ce feeling omniprésent produit par ces symphonies finement sculptées et doucement complexes…
Drôle d’idée de vouloir se replonger dans l’univers post punk du début des eighties, surtout lorsqu’on sait qu’aujourd’hui, cette forme de regard dans le rétroviseur est très mal perçu par la presse insulaire. Alors, imaginez un peu la réaction de cette presse spécialisée, lorsque la tentative de fusion entre la musique électronique et l’instrumentation conventionnelle n’est pas trop réussie… En fait, l’excès de bruitages synthétiques et d’arrangements sophistiqués asphyxient littéralement les sens mélodique. Le groupe a beau chercher son équilibre entre les Photos et Blondie, il ne parvient jamais à le trouver. Et ce n’est pas la voix frénétique, cockney, puissante, de Lara Saffron, sorte de Lux Interior au féminin (NDR : pour la voix, hein, faut pas comparer ce qui n’est pas comparable !…), qui y change quelque chose. Seul l’intro " From rush hour with love ", imprimé à l’instar de Bow Wow Wow sur un tempo tribal, et " Millenium ", caractérisé par un riff de guitare particulièrement incisif, reflet du funk blanc pratiqué par le Gang Of Four à ses débuts, tentent de sauver l’ensemble. Mais, deux titres sur un elpee qui en compte dix, cela nous semble un peu maigre…
En 1994, Page et Plant scellaient leur réunion par l’enregistrement d’une vidéo, puis d’un nouvel album. Un événement qui trouvera son prolongement lors d’une tournée mondiale. Et quelle tournée, puisqu’elle allait mettre en présence les deux ex Led Zeppelin, un backing group, un ensemble folklorique égyptien et un orchestre symphonique. Un périple qui s’était arrêté en juin 95 à Forest National. Pour un concert absolument fabuleux. On ne vous en dit pas plus, ce serait remuer le couteau dans la plaie, et vous risqueriez d’en faire une jaunisse. Les deux compères ont cependant décidé de repasser par la Belgique. En automne prochain. Mais plus dans les mêmes conditions, l’expérience, bien que triomphale, leur ayant coûté la peau des fesses. Apparemment, ce sera plus classiquement sous la forme d’un groupe ; circonstanciellement élargi à l’un ou l’autre soliste. Mais nous en saurons plus d’ici quelques semaines. En attendant, le duo nous revient avec un nouvel elpee. " Walking into Clarksdale. Et, surprise, ce disque embrasse une nouvelle orientation musicale. Beaucoup moins sophistiquée, plus brute, plus âpre, et même parfois plus minimaliste. Un résultat qui s’explique, en partie, par la présence de Steve Albini (Nirvana, Pixies, PJ Harvey, Fleshtones, etc.), à la production. Un opus pas toujours facile à aborder, non plus. A la limite lo fi. Pas dans l’esprit de Pavement ou de Swell, mais avec un feeling mélodique et une approche redoutable du métal, propre au célèbre dirigeable ; y compris dans le traitement des sonorités acoustiques. Avec, bien sûr, quelques exceptions qui confirment la règle. Notamment " Upon a golden horse ", investi par un orchestre symphonique, " Please read the letter ", supposé célébrer la réunion hypothétique (NDR : et posthume !) entre Roy Orbison et Jerry Garcia, " Most high ", le remarquable single, touché par la grâce de " Kashmir ", le spectral " Heart in your hand ", caractérisé par des accords de guitare " surf ", réminiscence de Dick Dale flanqué de ses Ventures ; et puis surtout le titre maître, où le groupe semble avoir plutôt joué dans le maximalisme. Tout d’abord, ce fragment bénéficie du concours du drummer sikh de Dhol Foundation, transfuge du Transglobal Underground. Mais en outre, ce titre réussit à conjuguer le glam de Bowie (Jean Genie ?), la touching pop atmosphérique, allégorique du défunt et mythique Sad Lovers & Giants, observation née des envolées de cordes de guitare, le boogie d’Omar and the Howlers, ou plus exactement son tempo, et la frénésie du Led Zep circa " Heartbreaker " (NDR : excusez du peu !). Mais pour le reste, nous vous le répétons, ce " Walking into Clarksdale " nécessite un certain effort d’adaptation pour pouvoir être apprécié à sa juste valeur. Et à notre humble avis, à moins d’être un inconditionnel, toutes celles et tout ceux dont l’horloge s’est arrêtée depuis trop longtemps, risquent fort de tomber de leur chaise, et de ne plus pouvoir se relever…
On aurait pu être tenté, voici quelques années, de taxer Pearl Jam de groupe opportuniste. Profitant, il est vrai, du succès commercial de Nirvana, les mauvaises langues ont même présagé la disparition de cette formation avec la mort du mouvement grunge. Or, en 1998, ce quintette vient de réaliser son cinquième album, " Yield ". Toujours produit par Brian O’ Brian, il est à la hauteur de ses prédécesseurs. Il faut croire que Pearl Jam a quelque chose en plus. Comme si une âme habitait sa musique, et lui permettait de produire une émotion d’un degré exponentiel que peu d’artistes parviennent à atteindre. " Yield " traduit encore cette impression. Traversant tour à tour les galaxies de feu Jeff Buckley, des Pixies (mais oui !), de Live (évidemment…), de Neil Young et même d’un REM au faîte de sa hargne, clôturant même l’œuvre par les sulfureux " Pull me push me " et " All those yesterday ", deux compositions fort proches du style pratiqué par (st)Eels. Paraît que sur scène, ils sont encore plus éblouissants. Nous n’en doutons pas. Mais nous ne demandons qu’à voir. Alors croisons les doigts pour qu’ils soient à l’affiche des prochains festivals estivaux…
Non, ceci n’est pas encore le nouvel opus de Penthouse, qui ne sortira que début 99, mais une réédition de leur premier album, enregistré à l’origine sur le label World Domination. Remasterisé pour la circonstance, il contient trois bonus tracks, non enregistrés à ce jour, " Plate of slags ", " Dick " et Tim#1 ". Pour le reste, nous ne pouvons que réitérer l’analyse que nous en avions faite en juin 97 : " Torturé, sombre et malsain, le blues urbain de Penthouse est hanté par les spectres de Birthday Party, Stooges, Scientists, Blue Cheer, Velvet Underground et Sun Ra, lorsqu’il ne macère pas dans l’univers claustrophobique de Fall ou lorsqu’il ne partage pas le même culte du sordide et de la lubricité d’un Jesus Lizard. Pas un album facile donc que ce « Gutter erotica », à la limite dérangeant. Certains suspectent même la formation de pratiquer une véritable opération dans l’underground contemporain sans anesthésie. Sexe, voyeurisme, satanisme et mort alimentent d’ailleurs les lyrics de cette formation, qui compte pour compagnon spirituel Gallon Drunk, et au sein duquel on retrouve Tim Cedar, drummer de Ligament...
Tim Herman est donc revenu chez Père Ubu, au sein duquel, ne sévissait plus, comme membre fondateur, que le seul David Thomas. Faut dire que le groupe est devenu, en 1998, un véritable mythe. Et des artistes confirmés tels que Polly Jean Harvey ou Frank Black, se réclament ouvertement de la formation de Cleveland. Alors que celle-ci n’a jamais juré que par le Velvet, Captain Beefheart et Frank Zappa. Avec un tel tableau, vous vous imaginez certainement que la musique de Pere Ubu navigue en plein dans l’underground. Et vous avez tout à fait raison ! Pour être plus précis, un univers underground torturé, oppressif, parfois, rock, parfois pop, souvent arythmique, mais toujours surprenant, éclaboussé ponctuellement par des souillures plus ou moins apparentes de punk furieux, de free jazz et de musique concrète. Tout un univers propice aux textes ésotériques, chantés d’une voix psychotique, par David Thomas. Bienvenue dans le monde de l’étrange, pardon de l’occulte !…
Nonobstant le départ de Bo Lemaire et la réduction de son patronyme, cet ensemble limbourgeois, qui reconnaît toujours pour influences majeures Frank Zappa, Captain Beafheart, Sonic Youth et Bongwater, continue de militer activement dans l’underground. Ce qui explique sans doute pourquoi Kramer, le célèbre ingénieur du son new yorkais est toujours leur plus fidèle collaborateur. Si on compte les trois premiers opus commis en compagnie du Perverted by Desire, ce " Batsman Far " constitue le sixième album du groupe. Un disque dont les notices du booklet et les lyrics ont été reproduits en miroir. Des textes composés le plus souvent en anglais, mais également en italien, portugais, chinois, kikuyu et en latin. Ce qui donne sans doute matière à réfléchir. Mais surtout une œuvre déchirée entre poussées d’adrénaline hardcore, post punk circonstanciellement exacerbé par le vocal " lydonesque " de Genis U et climats plus mélancoliques, presque pop. Pour le reste, ne nous demandez pas plus. On a beau avoir écouté ce CD plus de dix fois, on le trouve toujours aussi insaisissable. Novateur, mais beaucoup trop complexe pour véritablement accrocher. Dommage, car ce Perverted possède un potentiel créatif au dessus de la norme…
Après avoir sorti le remarquable " To bring you my love " en 1995, Polly Jean Harvey commettait un album avec John Parrish, l’année suivante (" Dance hall at louse point "), puis s’impliquait au sein de quelques projets alternatifs, notamment en compagnie de Tricky et de Nick Cave. Lors de l’enregistrement de son cinquième elpee, elle a de nouveau reçu le concours de John, mais également de Flood, de Head, de Joe Gore (Tom Waits), d’Eric Drew Feldman (Pixies, Captain Beefheart), de Mick Harvey (Bad Seeds) et enfin du batteur de son line up initial, Rob Ellis. Un disque, à premier abord, plus accessible, sans pour autant tomber dans la facilité. Normal, lorsqu’on connaît la discographie de l’artiste. Mais une œuvre qui flirte davantage avec la musique électronique, post industrielle, en particulier. Avec pour résultat, des chansons qui exhalent une intensité émotionnelle insidieuse, atmosphérique, s’inscrivant davantage dans l’esprit de la trip hop de Portishead, Tricky ou même de Massive Attack. Encore que la voix spectrale, alchimiquement blues de Polley est toujours susceptible de sautes d’humeur et d’exprimer sa violence latente, naturelle, comme sur " No girl so sweet ". Mais, en général, cette violence extrême reste contenue, contrôlée. Un peu trop à notre goût, pour véritablement nous enflammer. Par rapport à " To bring you my love ", c’est un pas en arrière ; même si cet " Is this desire ? " reste de bonne facture.
Flashback. En 1996, Placebo sort son premier album. Un opus éponyme impressionnant d’agressivité, de sensualité, de puissance, de feeling et de générosité. Un seul hic, il est assez difficile à digérer. La presse insulaire est dithyrambique. Nous presque autant. Parce qu’il y a chez ce trio un petit quelque chose de différent, d’original, susceptible de lui conférer, avec l’expérience, un statut de star. Suffisait donc de confirmer les excellentes dispositions affichées sur leur premier elpee. Or, le single " Pure morning ", prélude à la sortie de ce deuxième opus, s’est littéralement fait descendre en flammes outre-Manche. Placebo était il devenu un autre hype ? Heureusement, il n’en est rien, puisque cet elpee a remis les pendules à l’heure. Et surtout rétabli le capital ‘confiance’ dans le cœur des aficionados. Et ce n’est que justice, car ce CD est tout à fait remarquable. Certains lui reprocheront, sans doute, de s’être un peu trop raccroché aux eighties. De sa new wave notamment. Celle de Cure (" You don’t care about us "), de Durutti Column (" Burger Queen ") voire de Siouxsie & the Banshees (" Every you every me "). Et puis aussi de la no wave. Comme sur le sonicyouthesque " Brick shithouse ", copie carbone de " 36 degrees " ou le pixiesque " Allergic ". Mais ce regard sur la dernière décennie, n’est pas fait pour nous déplaire. D’ailleurs, la performance de Placebo, sur cet album, procède de son aptitude à ralentir la force de sa férocité punkoïde, de la rendre plus intense, plus dérangeante, à l’instar du titre maître. Mais également chez " Ask for answers " ou " Summer’s gone ". Le morceau de plastique recèle, en outre, un morceau caché. Un titre dont la violence électrique luxuriante, s’inscrit dans la lignée du prog rock de King Crimson circa "" Lark’s tongue in aspic ". Cependant, la cerise sur le gâteau appartient à " Scared of girls ". Une chanson aux lyrics ambigus, mais au groove tellement contagieux, quoique particulièrement aride, qu’il pourrait faire un nouveau malheur dans les charts, comme l’époque, de " Smell like teen spirit ". Mais là, on imagine que le groupe aurait atteint le nirvana…
Démarche originale pour Primal Scream qui ressort " Vanishing point " en version dub. Un exercice de style assumé par le célèbre Adrian Sherwood. Bien sûr, pour une opération qui s’est déroulée au tout aussi célèbre studio " U Sound " de Londres. Personnellement, nous préférons la mouture originale, même s’il faut reconnaître que le traitement à l’acid house amplifie le groove des compositions, tout en leur injectant un feeling atmosphérique davantage spectral…
Tout comme Stereolab, Quickspace, orphelin de son Supersport, puise ses influences majeures dans la krautrock de Can et de Neu. Mais si leurs mélodies rampantes épousent basiquement un groove hypno répétitif, elles ne sont certainement pas rétives au monde extérieur. Et sûrement pas au psychédélisme de Spacemen 3, voire de My bloody Valentine, au grunge de Nirvana, à l’exotisme cher à Laïka, l’ambient de Brian Eno, la lo fi de Swell, le métal cosmique hawkwindien et la bande sonore cinématographique enniomorriconesque. Ce qui permet au quintette londonien de vagabonder au gré d’une inspiration souvent débridée, certainement originale, issue de la plume d’un certain Tom Cullinan. Ex Faith & Healers, il cumule les fonctions de compositeur/lyriciste/guitariste, mais également de chanteur. Rôle qu’il partage avec Nina. Autre atout féminin, Quickspace peut compter sut la présence de Wendy au violon. Autrefois confinée dans un rôle de musicienne de studio, elle avait notamment participé aux enregistrements de Balaam & the Angels. Si ce " Precious feeling " s’ébroue suivant un train de sénateur, au fil des fragments, les compositions prennent de l’ampleur, pour atteindre avec l’instrumental " Good bye precious mountain " un sommet dans l’art de la mélodie atmosphérique…
Partagé équitablement entre deux nanas et deux mecs, cet ensemble établi à Atlanta, en Georgie, pratique un punk rock pur et dur, chargé d’humour et de sensualité ; mais surtout amphétaminé par l’énergie et l’esprit des AC/DC, Ted Nugent, Ramones, Stooges et consorts. Pas de place, donc, au farniente, Nahville Pussy déchargeant son adrénaline et sa férocité à du cent à l’heure, tout au long de l’opus. Cependant, si au départ, on trouve la démarche amusante et très excitante, au bout de trois morceaux, on range (NDR : délicatement ?) le CD dans son boîtier. Seule la reprise de Smokey Robinson, immortalisée début des seventies par J Geils Band, " First I look at the purse ", sort un peu la tête de l’eau (NDR : du lot ?).
Agé aujourd’hui de 65 ans, Good O’le Willie a toujours le feu sacré. Non seulement, il a vendu plus de 30 millions d’elpees, mais surtout, il a participé à l’enregistrement de plus de 200 albums. Une performance qui lui a valu, en retour, d’être interprété par plus de 100 artistes différents. Sa voix légèrement nasale ne semble même pas avoir été altérée par le poids des ans. Et puis, lorsqu’on sait que Daniel Lanois –dont la carte de visite mentionne U2, Luscious Jackson, les Neville Brothers, Brian Eno et Bob Dylan– s’est assuré la production, tout en participant aux sessions d’enregistrement, on est en droit de s’attendre à une bonne surprise. Pour ceux qui ont la mémoire courte, nous vous rappelons que Lanois était parvenu à remettre le Zim sur les rails, lors de la sortie de « Oh Mercy ».
« Teatro » épingle, en outre, plusieurs grands classiques de Willie : « I never cared for you », « My own peculiar way », « Home motel », « The startingly on the faith of the earth », et trois fragments qui datent du début des eighties, à l’époque où il séjournait à Nashville. Mais des chansons interprétées sous un angle plus atmosphérique, il faut le souligner. D’autant plus qu’Emmylou Harris est venue se joindre à l’équipe pour assurer les backing vocaux. Un disque qui émarge bien sûr à la country, mais pas la country traditionnelle, à cause de ses incursions dans le jazz, le blues, le r&b et le Tex Mex.
Près de vingt ans que ces guerriers de Bradford mènent leur combat contre le fascisme, le capitalisme, l’impérialisme américain et même la drogue. Sous le gouvernement Thatcher, le groupe avait même pris pour cible la fameuse ‘poll tax’. En 1998, NMA persiste et signe en dénonçant les injustices sociales adoptées par les conservateurs et reconduites par les travaillistes (!) Mais ce sont surtout les guerres d’aujourd’hui et d’hier qui alimentent les lyrics de ce « Strange Brotherhood ». Un septième album qui a été enregistré sous la houlette de Simon Dawson, ex-producteur des Stone Roses. Avec pour résultat, des sonorités plus raffinées et des arrangements nourris, impliquant même une section à cordes, et une autre à cuivres. Une richesse opérée, en fin de compte, au détriment de chansons fondamentalement hymniques, rageuses et rebelles. On est d’ailleurs ici à des années-lumière de leur folk punk celtique, pratiqué à leurs débuts.
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