Alors que ses deux albums précédents étaient essentiellement tapissés de samplings et de boîtes à rythmes, Mark Griffin a décidé de faire appel à de véritables musiciens pour enregistrer ce "One step ahead of the spider". Neuf en tout. Y compris Vernon Reid (Living Colour). Qui apporte cependant sa seule contribution à la cover de Curtis Mayfield, "Stare and stare". A la guitare, bien sûr. Grand admirateur de Miles Davies et de Herbie Hancock, Griffin exerce ses talents de trompettiste tout au long de cet opus. De claviériste et de flûtiste également. Une œuvre étrange, austère, qui réalise une fusion très subtile entre la technologie moderne et le jazz/funk/hip hop/ethno/industriel. En général sur un tempo lancinant, presque sinistre. Comme par exemple sur le fabuleux "New Moon". Plus de onze minutes au cours desquelles Mark récite son monologue macabre, sordide sur une musique énigmatiquement maladive, trempée dans les claviers décadents. Et rien que pour ce titre, "One step ahead of the spiders" mérite toute votre attention...
Ziggy Marley est donc le fils de Bob. Et les Melody Makers un échantillon très représentatif de sa famille. Le clan Marley a d'ailleurs décidé de réhabiliter le vétuste mais illustre studio jamaïcain ‘Tuff gong’, en l'équipant d'installations plus performantes. Malheureusement, il faut reconnaître que l'héritage du patriarche est bien lourd à porter par Ziggy et les siens. Si ses lyrics affichent encore une conscience sociale et politique attachée à la défense des droits de l'homme, son reggae semble déshydraté par la technologie moderne, étouffé par les excès de dub ou édulcoré par une pop aussi paresseuse que stérile. Seuls "In the flow" furtivement injecté de cuivres, le plus classique "Keep on" et le vivifiant, nonobstant son parfum Kid Creole & the Coconuts, "Power to move ya" s'alimentent encore aux ‘roots’. Mais trois titres sur un album, c'est un peu maigre!
Ils avaient enregistré leur premier single "I sit on acid" en plein boom ‘new beat’ mi 89 ; puis décroché un hit grâce à "Take control", en 1991. Leur formule? Une sorte de techno acidifiée par le heavy trash et prostituée à la trance music. Un univers décadent où se mêlent drogues, sexualité, orgasme, perversité et subversion dans la plus totale anarchie. Jetez un coup d'œil sur la pochette! On se demande d'ailleurs ce que Luc Van Acker est venu faire dans une telle aventure. A moins qu'il ne s'agisse d'un vice de forme. Ou si vous préférez d'une forme de vice...
Elles sont jolies, très jolies. Sexy, pulpeuses, etc. Néerlandaises. D'Amsterdam, très précisément. Deux sœurs qui comptent un peu plus d'une dizaine d'années de planches. Monique et Suzanne Klenmann. En 1990, elles avaient assuré le supporting act de Prince pour sa ‘Nude tour’. Un périple de plus de six semaines! Ce qui explique, sans doute pourquoi, Prince les porte toujours très haut dans son cœur. Faut dire que les deux filles ne dépareraient pas dans la galerie de top models (NDR : encore des propos machistes!) du mètre cinquante d'Indianapolis. Passée cette première et très voluptueuse impression, on doit rapidement se mettre à déchanter. Pas à cause du coup d'œil, bien entendu. Mais du contenu de cet elpee. D'abord, la soul funk ou le disco ne sont pas tellement de notre goût. Et puis, même ce "Tonight", plus Abba que nature, ne nous a pas davantage convaincus...
Duo circonstanciel constitué de Scheidner (Hip Young Things) et de Kriete (ex-Speedniggs, impliquée aujourd'hui chez Great Tuna), Locust Fudge nous vient du pays de la choucroute. De Beverungen, pour être plus précis. Une équipe qui s'était illustrée en 1993 par l'enregistrement du très prometteur "Slush". "Royal Flush" devrait donc, sauf erreur ou omission, constituer son deuxième opus. Un disque relativement expérimental, parfois même avant-gardiste. Tantôt minimaliste dans l'esprit de Chris Knox ou psychédélique, suivant une perspective tracée par Syd Barrett, il épanche des mélodies pop blêmes, languissantes, instillées de bandes passées à l'envers, épisodiquement imprégnées de rythmes tribaux, parcourues d'harmonies vocales sinusoïdales, laconiques et surtout infectées de savoureux accords de piano énigmatiques, vibrants. Comme sur ce superbe "Racing Horse"...
Steve Albini commis à la production, nous nous attendions à devoir affronter un trash metal intransigeant, un hardcore dévastateur ou un grunge tumultueux. Il n'en est heureusement rien, car les fibres de metal qui entrent dans la composition de ce "Fashionably Lame" sont parfaitement assimilées par le langage pop des mélodies. Un langage finalement très proche des Bats, JPS Experience, Verlaines et autres formations néo-zélandaises du label Flying Nun. Caractérisé, par ces harmonies vocales beatlenesques, ces cordes de guitares tantôt ébréchées, grésillantes, tantôt semi acoustiques, et ces drums arides. Un langage pratiqué par Lizard Music sur la plupart des chansons. Ce qui ne l'empêche pas de s'aventurer dans la new wave syncopée, post Slits sur "Kill for a Sprinkle", de s'embarquer dans un paso doble avec le même aplomb que les Négresses Vertes sur "She's a very very fat fat weirdo" ou de ponctuer son tour d'horizon par le ‘ixiesque’"The Frugal Lam,". Un très chouette album pour cette nouvelle signature du label de Dave Allen/Luc Van Acker, World Domination !
Après sa trilogie destinée à mettre au ban des accusés, la puissance, la corruption et la violence ("Desaparecido", "17 Re" et "3"), un manifeste anti-réactionnaire de la culture rock italienne ("El Diablo") et un constat amer des événements qui ont marqué la fin de notre siècle ("Terremoto"), Litfiba nous revient avec des thèmes cruellement et réalistement visionnaires. Une œuvre qui, tout en continuant à allier un côté rock et un exotisme latin, en mêlant atmosphère démoniaque à la douceur et à l'intimité, laisse une plus grande place à la culture péninsulaire. On y retrouve bien sûr des compositions incisives et incendiaires comme "Lo Spettacolo" qui ouvre ce morceau de plastique. Mais aussi et surtout un éclectisme climatique capable de nous entraîner tantôt dans une danse napolitaine ("Tammùria"), un hybride de reggae et de ragtime ("Lacio Drom") ou une ballade prog rock lancinante, gémissante et torturée ("Animale di zona"), lorsqu'il ne se couvre pas d'accents épiques, filmiques, proches d'Adriano Celentano, comme sur le final "Suona Fratello"...
C'est en 1991 que nous découvrions les Levellers, à l'occasion de la sortie de leur deuxième elpee, "Levelling the Land". Un album qui laissait entrevoir un futur chargé de promesses. Mais c'est à l'issue de leur brillante prestation accordée au Martrock de Louvain que nous avons pu réaliser le bien fondé de cette impression favorable. Le 15 décembre prochain, le quintet se produira à Forest National. Une preuve flagrante de la notoriété acquise par le groupe sur la scène internationale. Côté vinylographie, les singles et les maxis se font cependant plus rares. Et leur dernier opus remonte déjà à deux ans. Un morceau de plastique qui nous avait d'ailleurs déçus. La sortie de "Zeitgeist" était donc une occasion unique pour l'ensemble de remettre les pendules à l'heure. Il n'y est parvenu qu'à moitié. Alternant le bon et le moins bon tout au long de l'œuvre. L'excellent même lorsque la formation sculpte ses mélodies dans le folk punk celtique. A l'instar de l'intro "Hope Street", du mélancolique "Saturday Sunday", du rageur "4AM" ou du percutant "Fantasy". Le décevant lorsqu'elle bride son tempérament naturel au profit de ballades insipides et mollassonnes telles que "Leave this town" ou "Maid of the river", compositions manifestement destinées au grand public dans le sens le plus péjoratif du terme. N'empêche ce "Zeitgeist" devrait définitivement propulser les Levellers dans ce monde des rock stars... si propice aux tentations les plus destructrices...
Ceci n'est pas un nouvel opus de Letters to Cleo, mais une réédition d'un disque gravé fin 93, remasterisé et enrichi de deux nouvelles compositions. Soit le single "Here & now", et "Rim Shak" caractérisé par un groove ‘deepurplelien’. Ce qui porte le morceau de plastique à dix fragments de power pop subrepticement teinté de psychédélisme. Dix chansons contagieuses, imprimées sur un tempo solide, hypnotique, découpées dans les cordes de guitare lumineuses, vibrato et satinées par le vocal de Hanley, au timbre puéril, confident, au débit agile, grondant, sensuel, et aux inflexions réminiscentes de Juliana Hatfield, à l'époque où elle drivait encore les Blake Babies...
Reconnaissons que la musique des Garçons Bouchers ne nous a jamais véritablement bottés. Pourtant au mois d'août prochain, la formation fêtera ses dix ans d'existence. Un bail pour cet ensemble hexagonal hors norme. Le premier qui soit parvenu à inoculer musette et accordéon dans le rock le plus destructeur. Mais ce qui importe le plus chez les Garçons Bouchers, ce sont les lyrics. Poésie vitriolée balancée en forme de point d'interrogation. En question? Le quart monde, le racisme, les méfaits du capitalisme, la bêtise humaine, le futur de la nouvelle génération... A méditer!
Double album compilateur pour l'ex-chanteuse d'Eurythmics. Si le premier disque réunit dix titres studio, pour la plupart des standards ("No more I love you", "Take me to the river", "Don't let it bring you down", la cover des Moody Blues "A white shade of pale" et quelques autres), le second couvre le set ‘live’ accordé au Central Park de New York le 9 septembre dernier. Un événement immortalisé par une vidéo de treize titres commercialisée dans toutes les bonnes librairies... Pour en revenir au box CD, sachez que le deuxième morceau de plastique épingle en bonus track "Something to right", une chanson enregistrée également en studio, mais qui bénéficie du concours de Paul Simon à la guitare et aux backing vocaux...
Ce vendredi 8 décembre 95 constitue une date marquante de l'histoire des quatre gars de Liverpool. Puisqu'elle commémore le quinzième anniversaire de l'assassinat de John Lennon. Parlophone a donc saisi l'opportunité de sortir une compilation consacrée au célèbre mythe disparu. Hormis les six morceaux issus de "Double fantasy", manifestement les moins intéressants bien que gravés peu de temps avant sa mort, et notamment le single "(Just like) starting over", ce recueil épingle les classiques "Give peace a chance", "Instant karma", "Mind games", "Happy Xmas", "Imagine", "Jealous guy", "Stand by me", "Cold turkey" et quelques autres. Et si vous connaissez peu ou mal John Lennon et que vous souhaitez mieux le connaître, ce disque est un tremplin idéal...
Avant d'enregistrer cet album, Leftfield se consacrait essentiellement à une sorte de house alternative destinée aux night-clubs hyper branchés. Il faudra attendre la rencontre orageuse du duo avec John Lyndon pour modifier les données du programme. Une rencontre qui accouchera du single "Open Up", repris par ailleurs sur ce morceau de plastique. Enfin, l'intégration de Tony Halliday, ex-chanteuse de Curve, pour confirmer cette nouvelle option. Ce qui n'empêche pas l'expression d'émarger à l'ambient. Une ambient aux mélodies froides, modernistes, kaléidoscopiques, sinueuses, lancinantes. Générée par un funk intergalactique (Tangerine Dream? Krafwerk?) aux pulsations tribales, spirituellement punkysantes que répercute la ligne de basse profondément dub et les collisions de riffs de guitares samplés. Mais découpée, lacérée par la voix effilée, cristalline de Toni, dont la performance atteint le niveau du ‘curvien’ "Ten little girls". Un seul regret, le dérapage un peu trop fréquent dans la techno. Chassez le caractère...
"Nun permanent" n'est pas encore le nouvel elpee de l'ensemble scandinave, mais une réédition de son avant-dernier disque studio. Paru en 1991 et produit par feu Mick Ronson, pour être plus précis. Onze compositions qui libèrent une intensité mélodique impitoyable, fiévreuse (guitares féroces, braisillantes, ‘slide’, section rythmique solide, pulsante, chœurs féminins voluptueux, claviers insidieux, harmonica bluesy, cuivres fugitifs) que consume la voix rauque, profonde et vibrante de Jonas Almqvist...
Après le split du mythique Saints, Ed Kuepper a connu sa période jazz. Free jazz même. Au sein des Laughing Clowns. Entre 80 et 84. Cette compilation réunit dix titres composés au cours de cette phase dont trois inédits. Des chansons où l'on trouve inévitablement l'instinctivité du sens mélodique d'Edmund. Mais oxydée de cuivres. Des saxophones, une trompette et même un trombone. Ce qui donne un visage plus baroque, plus sauvage et surtout plus difficile aux compositions. Pour votre information, sachez que Louise Elliott, future Aints, future New Imperialists, sévissait déjà au sein de ces Laughing Clowns. De même que le formidable pianiste Louis Tillet. Dont nous sommes sans nouvelles depuis quelques années déjà...
Encore un groupe signé par Dave Allen pour son nouveau label World Domination. Et lorsqu'on sait que l'ex-bassiste de Shriekback et de Gang of Four est à la fois perspicace et difficile, on ne peut que s'attendre à une révélation. Il vient ainsi de permettre à ce trio philadelphien d'enregistrer son premier mini CD. Huit titres arides, agressifs, mais bigrement efficaces. Sorte de PJ Harvey au masculin. Avec une inspiration hydratée par les vertus post grunge de Smashing Pumpkins et découpée suivant un profil Pixies. Circa "Gigantic" pour être plus précis. A cause de ce bain d'électricité vivifiant, convulsif qui vous charge d'adrénaline. Ces changements de tempo. Ces breaks vertigineux. Cette basse menaçante, ronflante. Ces drums épineux. Et puis cette agressivité juvénile, rafraîchissante. Latimer? Un nom à retenir!
Enthousiasmés par le premier mini album de ce trio philadelphien, nous espérions logiquement une confirmation de leurs excellentes dispositions. Première constatation (NDR: ça rime toujours!), Latimer a repris pratiquement tous les titres d'"A life" pour les reproduire sur son nouvel opus. Motif probable, ce sont incontestablement les meilleurs du lot. Pas que les nouvelles compositions soient négligeables, mais l'agressivité y est dispensée avec une férocité beaucoup trop linéaire. Au fil de l'écoute la tension devient de plus en plus insoutenable, allant même au-delà de la brutalité impitoyable dispensée par les deux premiers elpees des Pixies, "Come on pilgrim" et "Surfer Rosa". Latimer devra sans doute encore apprendre à dominer son potentiel énergétique. Une condition indispensable pour espérer passer en division supérieure.
Encore un album de musique country! Enfin de country rock, pour être tout à fait précis. A la limite du garage, voire du psychobilly, puisque la plupart des fragments ont subi un traitement électrique. Un opus dont l'intérêt repose sur la nature des compositions. Quatorze covers. Dont dix de Johnny Cash. Qui tentent de pénétrer dans le monde sombre et solitaire du célèbre sexagénaire (ça rime!) Souvent avec succès. Le reste du répertoire relevant d'Harlan Howard, de Kris Kristofferson, de Jack Clement et enfin de JJ Arnall & Thing Called Love. Un opus qui dans l'ensemble s'avère d'excellente facture, même si on regrettera le manque d'informations relatives à l'initiative de ce quartet yankee.
C'est à Nashville que Lambchop a enregistré cet album. Inévitablement, vous en avez déduit que cet opus flirte avec la country. Basiquement, c'est vrai. Mais cette formation est composée de dix musiciens. Qui se partagent claviers, saxophone, violoncelle, banjo, steel guitar, guitare, clarinette, mandoline, basse, ukulélé, harpe et vocaux. Potentiel qui procure une toute autre dimension à la solution sonore. Et cette richesse instrumentale alimente des mélodies languissantes, balayées de brise symphonique. Un peu comme les Triffids. Mais en moins sombre. Probablement à cause des vocaux. Plus chauds, sensuels, intimistes, sapidité Kevin Ayers. "Jack's tulips" épingle cependant trois fragments qui se démarquent totalement de l'ensemble. Le très enlevé "So I hear you're moving", l'avant-gardiste, quasi contemporain, "What was the wearing", et enfin le remarquable presque crazyhorsien "Because you are the very air he breathes". Le tout emballé dans une pochette à l'ambiguïté lubrique. (NDR: Qui a dit ludique?)
Bien qu'enregistrant sur le label néo-zélandais Flying Nun, Labradford nous vient des States. De Virginie très exactement. Un trio qui ne dépareille cependant pas dans l'écurie antipodale. Explorant les multiples facettes du pouvoir de l'écho et de la réverbération. A l'aide d'une instrumentation très basique, il faut le souligner. Guitare, basse, claviers et chant, pour être plus précis. Nuances et bourdonnements délicats alimentent ainsi une procession de climats indistincts, parfois à la dérive, tantôt orageux, sinistres, célestes ou cathédralesques, que traverse un chuchotement presque spectral englouti sous les flots instrumentaux. Main rencontre Eyeless In Gaza!
"Dix-sept plombs pour péter les tubes". Heureusement que Ludwig Von n'a pas eu la mauvaise idée de remplacer les tubes par des ampoules. Vous vous imaginez la tête de PPDA? En attendant, vous devrez rester sur votre (T)F1 (!). Ou vous décider à phosphorer sur les reprises de tubes allumés par Queen, Fab Four, Ferrat, Ramones, Brel, Led Zep, Niagara et quelques autres. En général ringards. Un ampérage constant: l'humour grinçant, dévastateur, ludique (qui a dit Ludwig?), susceptible d'électriser l'Hexagone...
Cet ensemble yankee était tombé sous les fourches caudines de la censure américaine lors de la sortie d'un clip vidéo destiné à son premier single, "Kiss my lips". Ce qui semble tout à fait normal aux States, lorsqu'on sait que le sujet de ce film était consacré à l'homosexualité féminine. Deux albums plus tard, Low Pop Suicide signe chez World Domination, label de Dave Allen, ex-bassiste de Gang Of Four, de Shriekback, et aujourd'hui leader d'Elastic Purejoy. Il enregistre "The Death of Excellence". Un disque épatant qui mérite un prix d'excellence rien que pour l'envoûtant "Zombie". Pas nécessairement mortel. Plutôt mélancolique, douloureux. Avec des états d'âme qui exsudent des vertus propres tantôt à Toiling Midgets, Tindersticks, Ed Kuepper, au Cure et surtout à The Call ; le timbre vocal de Rick Boston suppurant des inflexions aussi angoissées et angoissantes que celles de Michaël Been. Une œuvre électrique, climatique, filmique, torturée, pourrissant dangereusement l'âme, mais texturée dans un mélange astucieux de cordes de guitare sulfureusement électriques et acoustiquement ébréchées...
Vous prenez une dose de My Bloody Valentine. Vous lui imprimez un tempo punk assez enlevé, mais sans lui ôter ses spécificités noisy sursaturées et crépitantes. Enfin, vous lui administrez des miaulements vocaux à la Peter Perret (Only Ones) du plus bel effet. Vous obtenez un résultat assez proche de ce "Cold Water Surf". Un mini CD 5 titres enregistré, nous le supposons, par un ensemble néo-zélandais. Flying Nun oblige!
Encore un ensemble issu de Seattle. Et qui est également parvenu à éviter les éclaboussures de grunge. Son credo? Le psychédélisme. Inspiré par le 13th Floor Elevators et Syd Barrett. Ainsi que le metal urbain des MC5 et Blue Cheer. Des tas d'influences qui remontent donc aux sixties et au début des seventies. Une musique dont la fraîcheur kaléidoscopique est solidifiée par les rythmes taillés dans le granit. Les vocaux languissants, sinusoïdaux, hypnotiques acidifiés par les cordes de guitare ébréchées, intuitives, hallucinantes ou par l'électricité phosphorescente, scintillante et fougueuse. Et au sein de ce magma surréaliste à l'énergie chancelante se développe de délicates, mélancoliques et chatoyantes mélodies pop. Mercury Rev rencontre les Buzzcocks!
L'année dernière, ce quatuor new-yorkais gravait son premier elpee. Produit par Kurt Ralske, cerveau d'Ultra Vivid Scene, il correspondait à une sorte de New Order circa "Ceremony" qui marchait sur les traces originelles de REM. D'autant plus frappant que le chanteur Tony Zajkowski et Michael Stipe possèdent un débit vocal assez semblable. Pour "Nobody's Cool", Lotion" a décidé de se convertir au hardcore juvénile. Au popcore si vous préférez. Un style plus yankee, plus électrique qui fait inévitablement penser à Hüsker Dü, donc à Sugar ; à Buffalo Tom et par conséquent à Cold Water Flat. Même qu'au niveau vocal, Tony semble ici plutôt camper un hybride entre Bob Mould et Bill Janovitz... Mais avec quelques nuances. Pas tellement à cause des lyrics intellos, minimalistes, mais d'une plus grande richesse de la texture des mélodies qui mêle instrumentation basique et semi-acoustique. A la limite même ‘Postcard’ comme sur "Rock chick". N'empêche, les deux chansons qui nous bottent le plus sur cet opus sont celles qui crépitent dans leur phase la plus électrique, et notamment "The new timmy" et "Juggernaut"...
Certains appellent cette musique trash hip hop blanc, d'autres du gangsta rap. Ne nous demandez pas d'opter pour l'une ou l'autre appellation. Incontrôlée, elle ne nous permet pas d'émettre une opinion objective sur un style apparemment au bout du rouleau. Lordz of Brooklyn sont des Italo-yankees qui épanchent, à travers leurs lyrics, des sujets douloureusement urbains. Abordant les problèmes qui gangrènent leurs rues. Le climat claustrophobe, démoniaque au sein duquel les enfants des ghettos doivent vivre. Les héros qu'ils fanatisent. Un cri de révolte proféré à la face du monde capitaliste, et en particulier celui des Américains...
Korn pratique un trash métal à la croisée des chemins de Suicidal Tendencies et d'Helmet. Ce qui doit probablement vous donner une petite idée des intentions affichées sur ce morceau de plastique. Rien de bien original, cependant; mais un groove très solide galvanisé par la conjugaison des guitares viscérales, rebelles de Welsh et de Munkey Munk, et abrasé par le vocal vindicatif, sulfureux de Jonathan Davies, dont le timbre semble coincé entre celui d'Eddie Vedder (Pear Jam) et de Weiland (Stone Temple Pilots).
Entre 1965 et 1972, Wayne Kramer a sévi au sein du mythique Motor City Five comme guitariste. Rôle qu'il disputait, ou partageait, avec feu Fred ‘Sonic’ Smith, disparu depuis quelques mois seulement. Disparition qui ampute la formation légendaire de son deuxième membre original, puisque Rob Tyner a succombé à une crise cardiaque en 1976... Wayne avait participé à l'enregistrement des trois premiers elpees. Une trilogie indispensable pour ce quintet issu de Detroit, dont le rock sauvage et dévastateur incitait à la révolte et à la guérilla urbaine. Depuis cette époque, on ne peut pas dire que les musiciens du groupe se soient particulièrement illustrés. Fred peut être. En épousant Patti Smith. Puis en la laissant veuve. Wayne davantage. Pas à cause de ses cinq années de détention pour deal de coke. Mais plutôt pour avoir côtoyé Johnny Thunders au sein de Gang War, participé à la reformation éclair des Deviants et transité par le Black Flag d'Henry Rollins. Ce qui explique sans doute pourquoi il est devenu une figure légendaire dans l'histoire du punk. Des artistes comme les Clash, Dead Boys, Ramones, et plus récemment Soundgarden, Bad Religion ou les Melvins se réclament de lui. Aussi un album de Kramer, même en solitaire, constitue un évènement. Surtout si le disque est de bonne facture. Ce qui est le cas. On y retrouve bien sur la griffe métallique urbaine de son MC5. Avec une production plus raffinée et des textes moins séditieux. Mais l'ensemble tient bien la route. Surtout lorsqu'il est jalonné de riffs dévastateurs, imprimé sur un tempo irrésistible, et bénéficie d'une flopée de collaborateurs huppés, parmi lesquels nous avons remarqué la présence de John Freeze (Suicidal Tendendies/ Vandals), des Melvins, de Brett Gurewitz (Bad Religion) et du bassiste James Jamerson Jr...
Revoici l'homme-orchestre néo-zélandais dans ses œuvres. Et suivant sa bonne habitude, il s'est montré particulièrement prolixe. Pensez donc, vingt et un titres en un peu plus de 70 minutes sur le même morceau de plastique! Pour la forme, il a même découpé ce disque en deux phases (pas en deux faces!), qu'il a intitulées "Hanging out for time to cure birth" et "A stranger's iron shore". Ce qui ne change rien au climat général qui règne sur cet opus. Inspiré par le psychédélisme de Tyrannosaurus Rex et de Syd Barrett, Chris tire parti au maximum du rayonnement minimaliste procuré par sa guitare électrifiée ou acoustique, un clavier douteux, un piano d'enfant, une boîte à rythmes capricieux, des bruitages, des collages et sa voix aigrelette, languissante, dont le timbre coincé quelque part entre Shane McGowan et Paul Roland nasille des lyrics mélancolico-humoristiques. Un Paul Roland auquel il emprunte également certaines intonations médiévales, lorsqu'il ne courtise la postcard de James comme sur ses meilleures chansons, "Belly up & grinning" et le single "One fell swoop"...
C'est en 1983 qu'Andy Prieboy prenait la relève de Stan Ridgway au sein du légendaire Wall Of Voodoo. Une aventure qui n'allait cependant pas lui laisser des souvenirs impérissables, puisque malgré sa vocation de compositeur prolifique et son timbre vocal vibrant, incrusté quelque part entre celui de Stan et de Peter Garrett (Midnight Oil), il ne parviendra jamais, ni à faire oublier son illustre prédécesseur, ni à sauver le navire du naufrage. Andy a donc dû reprendre une carrière solo qu'il avait pourtant entamée en 1980, en commettant le déchirant " Upon my wicked son ".
" Sins of our fathers " constitue officiellement son deuxième album en solitaire. Un disque habillé d'une curieuse pochette. Quoique de circonstance ! Inspirée d'une fresque consacrée à la bataille de Waterloo. Dont les soldats ne brandissent plus des armes, mais des guitares. Sur cette œuvre, Prieboy se penche sur la face la plus cachée de la personnalité humaine. Dévoilant nos obsessions et dénonçant nos vues à court terme. Une analyse tumultueuse, sombre et fascinante, hantée par un piano suavement désaccordé. Treize titres au cours desquels il affronte poésie, tragédie, mélodie, sarcasme et même dérision dans un langage sonore qui oscille du carnaval à l'opérette en passant par le music hall, l'histoire du rock'n'roll et le vaudeville. On a même droit à un pastiche impitoyable du célèbre " Bicycle " de Queen, rebaptisé pour la circonstance, " Psycho ex ". Avec chœurs, pompe et tout le saint tremblement… Un disque de bonne facture, intéressant, mais qui risque fort malheureusement de végéter dans le plus profond anonymat…
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