Décidemment, on ne parle plus que de Paul Epworth. Si son passage chez Lomax n’a pas laissé un souvenir impérissable, il faut reconnaître que depuis qu’il est passé à la production, il fait l’unanimité. Ainsi après avoir mis en forme les albums de Maxïmo Park, de Futureheads et de Bloc Party, il s’est donc consacré à celui des Rakes (NDR : traduisez les râteaux ou les ringards). Leurs trois premiers singles (« Strasbourg », « Retreat » et « 22 grand job ») avaient annoncé la couleur : un post punk incendiaire, implacable, hérité en ligne droite du Jam, de Joy Division, de Wire et même du Clash. La véhémence des vocaux et la frénésie de leur interprétation accentuant cette impression. Passé ces trois titres qui ouvrent l’opus, la musique de ce quatuor se révèle beaucoup plus subtile qu’elle ne paraît. D’abord, Alan Donohoe a travaillé sa voix pour la rendre plus ample. En pratiquant la natation (NDR : drôle d’idée !). Ensuite, l’aspect mélodique est tellement mis en évidence que les chansons en deviennent contagieuses. Enfin, si Matthew Swinnerton se révèle un guitariste très imaginatif, faisant parfois gicler son électricité comme certains groupes nés au cours de eighties (NDR : XTC ? Gang Of Four ?), Jamie Hornsmith entretient une de basse ligne menaçante, sur laquelle Lasse Petersen, le drummer, imprime son tempo au rythme de la course folle d’une rame de métro à Londres. Vous allez sans doute me dire que suite aux attentats perpétrés dans le tube, il y a quelques semaines, la comparaison peut paraître douteuse. Pas autant que vous ne le pensez, car sur la chanson « Terror », Donohoe évoque notamment la crainte de voir une attaque terroriste se produire sur le réseau souterrain de la capitale britannique. Et cette chanson a été écrite, il y a plusieurs mois. Traitant souvent du tissu social urbain, les lyrics ont d’ailleurs leur importance chez les Rakes ; rien que les titres (« 22 grand job », « Open book », « The guilt », « We are all animals », « Violent », « Work, Work, Work ») sont ainsi lourds de signification…

Tout d’abord, je tiens à adresser mes plus vives félicitations à Mathieu, responsable du graphisme de la pochette. Franchement, c’est du travail de pro ! Mathieu Vandemolen, c’est également le chanteur/compositeur de Raspoutitsa (NDR : il est également préposé à la guitare rythmique) de ce quintet issu de la région de Tournai. Dans la langue de Molière, il est aussi doué, proposant des textes à l’humour particulièrement décapant. Et les musiciens qui composent le groupe se débrouillent plutôt bien dans un style assez personnel, sorte de Tueurs de la Lune de Miel (NDR : c’est flagrant sur la dernière plage au refrain contagieux, « Les oiseaux ») revus et corrigés par la prog. Plus proche d’un Vandergraaf Generator que du Genesis de l’Archange Gabriel, comme le laissait supposer leur dernière démo. Une constante : la voix de Mathieu. Un peu limite, elle retombe cependant bien sur ses pattes dans un style parlé… En bénéficiant des conseils d’un bon producteur, le groupe devrait être capable d’enregistrer un album de bonne facture. Ah oui, j’allais oublier cet Ep est découpé en quatre titres.

Responsable en 2003, de l’album incontournable ‘Songs for the deaf”, Q.O.T.S.A. nous revient avec un quatrième opus. Trop absorbé par ses Foo Fighters, Dave Grohl n’est plus de la partie. Nick Olivieri, non plus. Viré comme un malpropre, le bassiste charismatique du groupe californien a décidé d’embrasser une carrière solo. Seul aux commandes, Josh Homme a quand même réussi à convaincre quelques artistes de gros calibre de venir participer à l’enregistrement de ce « Lullabies to paralyse ». Et en particulier Marc Lanegan. Son timbre fantomatique, grave et pénétrant hante ainsi la première plage de l’opus, une ballade paradoxalement glacée et envoûtante. Le calme avant la tempête. Car dès le deuxième titre on retrouve ce style si caractéristique, sombre, saignant, électrique, musclé, exacerbé par la voix possédée de Homme. Malheureusement, les compos paraissent moins explosives. Les guitares rugissent, mais elles ne claquent plus. Et au fil de l’elpee, elles deviennent plus complexes, plus élaborées même, s’égarant même parfois dans une sorte de prog rock lorsqu’elles ne se repaissent pas des dépouilles de Smashing Pumpkins. Et ce n’est pas la présence d’autres invités de marque qui y change quelque chose. Celles de Shirley Manson (Garbage) et de Brody Dale (Distillers), sur le fragment maléfique « You got a killer scene there man… », passent totalement inaperçues. Quant à Chris Gross et Jack Black, il faut se référer aux notices de la pochette pour se rendre compte de leur participation. Seul le bon vieux Billy Gibbons de ZZ Top marque l’excellent boogie « Burn the witch » de son empreinte. Maintenant, si vous êtes un inconditionnel de Q.O.T.S.A., vous risquez fort d’écouter ce disque en boucle. Pour les autres, ce sera une petite déception…

Robert Plant a toujours été fasciné par le Moyen-Orient ; une civilisation qui a d’ailleurs énormément influé sur son inspiration musicale. A l’âge de 57 ans, il continue à expérimenter, à chercher de nouvelles sonorités, à marier différentes cultures ou différents styles ; alors que de nombreux pairs tentent de ressusciter artificiellement (NDR : et surtout lucrativement) des symboles du passé. Pensez aux Doors ou à Queen. Pour Bob, remonter le Led Zeppelin sans John Bonham n’a jamais eu aucun sens. Et s’il a accepté de retravailler quelque temps en compagnie de Jimmy Page, c’était pour se ressourcer. En l’occurrence à travers la rencontre entre orchestre égyptien et symphonique. Et en ‘live’ de surcroît. « Mighty rearranger » a été concocté dans des conditions difficiles pour l’artiste. Et pour cause, à l’époque des sessions d’enregistrement, son père était occupé de rendre son dernier souffle. Un disque pour lequel il a, bien sûr, reçu le concours de son nouveau groupe Sweet Sensations. Mais aussi de musiciens de Portishead et de Massive Attack. Pour deux titres. Les plus trip hop, vous vous en doutez : « Shine it all around » et « The enchanter ». Le reste de l’opus oscille entre folk pastoral typiquement britannique, world music (NDR : surtout marocaine et malienne), blues, jazz et métal ; lorsqu’il ne mêle pas toutes ces tendances. « Tin pan valley » réussit même à transporter votre âme comme sur les compos les plus exaltantes du dirigeable (NDR : pensez à « Kashmir », « Black Dog », etc.), dans un registre mystique que cultive si bien aujourd’hui un certain Tea Party ; alors que « Dancing in heaven » et « All the kings horses » auraient pu figurer sur le « LZ III ». Et si la voix de Robert n’a plus la puissance d’antan, elle libère une telle sensibilité qu’elle n’en est que plus touchante. En outre, la richesse et l’originalité des percussions confèrent à l’œuvre une intensité constante. Enfin, les lyrics de qualité ainsi que les arrangements soignés et très contemporains posent en quelque sorte la cerise sur le gâteau. L’elpee recèle en bonus track un remix de « Shine it all around ». Ou si vous préférez un morceau caché. Il aurait mieux valu qu’il soit bien caché… N’empêche, cet opus constitue une excellente surprise. Un disque cependant pas facile à assimiler. Plusieurs écoutes sont d’ailleurs nécessaires avant de pouvoir s’en imprégner…

Avant d’opter pour le patronyme Phantom Buffalo, cette formation de Portland (NDR : dans le Maine !) avait choisi celui des Ponys. Commettant même un premier elpee. Pas une très bonne idée, puisqu’il existait déjà un groupe qui répondait à ce nom. D’autant plus que le détenteur de l’appellation leur a signifié l’intention de porter l’affaire devant les instances judiciaires. Il ne leur restait donc plus qu’à s’incliner. Et de sortir cet opus une deuxième fois. En le signant « Shishimumu ». Un disque fort intéressant. Tour à tour lo-fi, atmosphériques (Durutti Column ?), baroques, souvent capricieuses, psychédéliques, chatoyantes, parfois arides, stridulentes (« Catfish »), vaudevillesques (« Domestic pet growing seeds » et son concert de kazoos manifestement contaminé par l’esprit délirant de Ringo Starr ), toujours séduisantes et poétiques, les 13 plages qui découpent l’opus s’inscrivent dans la lignée de l’ordre des grands excentriques britanniques : Syd Barrett et Robyn Hitchcock en tête. Encore que les titres les plus minimalistes s’aventurent également dans la country alternative (Wilco ?), une steel guitar ou une pedal steel à l’appui. Mais l’originalité de leur expression sonore procède de la voix de Jonathan Balzamo-Brookes, dont le falsetto campe un hybride entre Robert Wyatt et Stuart Murdoch (Belle & Sebastian), une voix qui donne une coloration toute personnelle à l’ensemble. Rafraîchissant !

Après dix années de galère en solitaire, Edwyn Collins commettait un hit planétaire : « A girl like you ». En 1996. Un single extrait de l’album « George ». Pour le commun des mortels, le pedigree de cet artiste écossais s’arrête à ce coup d’éclat. Grave erreur ! Car il est avant tout un des membres du groupe mythique Orange Juice. Une formation née fin des seventies/début des eighties et responsable d’une musique alors inspirée par le Velvet Underground. Mais aussi par la pop et la soul américaine. Une nouvelle scène est alors occupée de naître. Et elle veut prendre le contre-pied du mouvement punk (NDR : je me demande d’ailleurs toujours pourquoi certains médias l’avaient taxée de post punk ?). Elle implique des groupes ou des artistes (NDR : écossais !) comme Aztec Camera, Paul Quinn ou encore les Pastels, qui militent alors chez ‘Postcard’, un label indie drivé par un étudiant : Alan Horne. Un patronyme qui va même devenir un style musical. Réédition revalorisée d’un import japonais, « The Glasgow school » réunit tous les premiers singles de la formation mythique : « Falling & laughing », « Blue boy », « Simply thrilled honey », « Poor old soul » et leurs flips sides ; mais également un inédit issu d’une Peel Session ainsi que l’intégralité du premier elpee du groupe, « Ostrich Churchyard », non publié à ce jour. Sans oublier le velvetien « Louise Louise », issu de « Rip it up », paru en 1982. Vingt-deux fragments en tout ! Et on commence à y percevoir les aspirations funk pop nerveuses du futur Collins en solitaire…

La musique d’Offspring s’adresse avant tout aux jeunes dont l’âge tourne autour de 15 ans. Ce n’est pas une critique, mais plutôt un compliment vis-à-vis d’un groupe qui à permis à cette génération de s’intéresser au rock. Et puis d’évoluer vers d’autres horizons sonores (NDR : la génération, of course !). Pourtant, à ses débuts, la formation californienne jouait une forme de métal/punk/surf qui s’adressait aux amateurs de skateboard et de snowboard. Leur premier single (paru en 1987) et leurs trois premiers albums (les deux derniers chez Epitaph leur avaient valu le concours de Thom Wilson – un personnage qui avait travaillé en compagnie de Dead Kennedys - à la production) témoignent d’une ascension fulgurante qui leur vaudra de vendre la bagatelle de 10.000 millions d’exemplaires et d’enfanter un tube planétaire « Come and play ». Hormis l’écriture de la bande son du film « Batman forever » (1995), le quatuor va ensuite se concentrer sur la confection de hits. Dont on retrouve une majorité sur cette compile : « Self elsteem », « Pretty fly », « Why don’t you get a job » et bien d’autres. Dont un remix de « The kids aren’t alright » en bonus track et une nouvelle chanson, « Cant repeat ». Dommage d’ailleurs que cet opus soit un « Greatest hits », pas un « Best of ». Une nuance qui aurait sans doute permis de puiser dans un passé bien plus intéressant. Pour les plus rapides, une édition limitée de ce disque est accompagnée d’un DVD. Et pour votre info, sachez qu’un nouvel elpee est prévu pour l’an prochain.

Depuis la confection des superbes “Definitely Maybe " en 94 et « (What’s the story) Morning Glory » l’année suivante, Oasis cherche désespérément son second souffle. Sixième opus, « Don’t believe the truth » constitue donc la quatrième tentative de réoxygénation. Bien sûr, on n’est pas au bord de l’asphyxie ; mais il faut reconnaître que l’air se fait de plus en plus rare. Pourtant le groupe a tenté d’innover. En invitant Zak Starkey, le fils de Ringo Starr, aux drums. Confirmant que les frères Gallagher font toujours une fixation sur les Beatles. Et puis en permettant à Andy Bell (NDR : ex Ride, ex Hurricane) et à Gem de participer à l’écriture des chansons. Pour ce qu’il faut considérer comme les meilleures plages du disque. Andy nous réserve ainsi une excellente intro (« Turn up the sun ») et un épatant « Keep the dream alive”, qu’on aurait vu d’un bon oeil dans l’oeuvre de Ride voire des Stone Roses. Alors que Gem poursuit dans la même veine son « A bell will ring », tout en partageant avec Liam la signature d’une sémillante compo acoustique intitulée « Love like a bomb ». Même que ce dernier n’y miaule pas. Il chante. Et bien en plus ! Il a également écrit deux autres morceaux (« The meaning of soul » et « Guess God thinks I’m Abel ») qui ne tiennent pas trop mal la route. Et puis rideau ! Les cinq fragments issus de la plume de Noël accumulent les clichés et les stéréotypes. Si Lyla réverbère de vagues échos du Beggars Banquet des Stones, tout au long de « Mucky finger », on croirait entendre Dylan chanter « Writing for the man » du Velvet. Enfin, apparemment de bonne facture, « Past of the queue » est un peu trop pompé (NDR : et le mot est faible !) sur le « Golden Brown des Stranglers.

Six longues années se sont écoulées depuis la sortie du double opus de NIN, « The fragile ». Un disque remarquable mais tourmenté, sombre et douloureux au sein duquel Trent Reznor (le seul membre permanent de Nine Inch Nails) épanchait tout son spleen. Une œuvre luxuriante voire alambiquée mais terriblement créative. Depuis 1999, Reznor ne s’est quand même pas tourné les pouces. D’abord, il a participé aux projets Tapeworm et Jakalope. Ensuite, il a suivi une cure de désintoxication. Et enfin, a accompli une tournée. En compagnie de quelques musiciens, histoire de ne pas souffrir de solitude… Plus accessible voire pop, « With teeth » se caractérise d’abord par le soin tout particulier apporté aux vocaux. Trent chante, hurle ou chuchote en modulant son timbre et ses inflexions suivant le climat de la chanson. Bien sûr, les lyrics sont toujours aussi poignants, traitant de la perte, du désir ou encore de la désolation. Les 13 plages de cet opus se révèlent tour à tour lancinantes ou agressives, excitantes ou inquiétantes, planantes ou minimalistes. 13 fragments terriblement accrocheurs qui ne négligent pas pour autant les sonorités indus ni les guitares tranchantes, saturées. Lorsqu’elles ne sont pas hantées par un piano spectral. Mais qui tâtent aussi du funk, de l’électro, du punk et même du disco ! Lorsqu’ils ne voguent pas au gré d’un piano sonore. Et pour le groove, pas de souci, puisque Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) est préposé aux drums et percussions pour la moitié de l’elpee. Il participe donc activement à la confection de ces rythmes tribaux, hypnotiques, si caractéristiques chez NIN. Un bien bel album !