Auteure-compositrice, chanteuse et guitariste, Sophia Haze développe un univers à la croisée du jazz, du rock et de la neo-soul.

Après plusieurs années comme chanteuse de jazz, Sophia Haze choisit de porter sa propre voix et de donner corps à un projet profondément personnel. Sa musique naît de fragments de vie, de rencontres, de blessures, de désirs et de transformations. Ses chansons sont comme des photographies : elles saisissent des instants précis, des émotions parfois brutes, des histoires intimes qui deviennent, dans la musique, universelles.

Avec une écriture sans fard et une interprétation d’une grande sensibilité, Sophia Haze explore ses défaites et ses joies, ses succès et ses fragilités, ses élans et ses contradictions. Elle ne cherche pas à lisser les émotions, mais à les traverser.

Sa guitare devient son fil conducteur. Elle lui permet de naviguer entre rock progressif, jazz fusion, neo-soul et songwriting, dans une musique organique où la liberté du jazz rencontre l’énergie du rock.

Inspirée notamment par Joni Mitchell, Kate Bush, PJ Harvey, Fiona Apple et Jeff Buckley, Sophia Haze construit un langage qui lui est propre : une musique à la fois sophistiquée et instinctive, fragile et puissante.

Phoenix est un premier EP de six titres qui raconte, en filigrane, une traversée.

Le titre Phoenix fait référence à cette capacité de renaître après avoir été transformée par ce que l’on a vécu. Il ne s’agit pas d’effacer le passé, mais de l’intégrer pour devenir autre.

Chaque morceau explore cette transformation à sa manière.

Plus qu’une collection de chansons, l’EP forme un portrait en mouvement : celui d’une femme qui traverse ses expériences, les regarde en face et transforme progressivement ses blessures en matière artistique.

Un extrait ici.

Avec Leaving the Table, le songwriter Michael Wookey condense ici l’essence de ses derniers disques : mélodies accrocheuses, arrangements classieux, entre pop mélancolique britannique et souffle folk américain — l’ADN est intact, affiné, pleinement assumé.

Écrit et enregistré durant une période suspendue — dans un petit appartement derrière l’Hôtel Amour à Paris, « dans l’attente que les choses se mettent en place » — le disque interroge la famille, la loyauté, l’identité et la place que l’on occupe parmi les autres.

Optigan, Wurlitzer, Pianet, Mellotron, synthétiseurs analogiques et piano acoustique composent le décor familier de son univers. Mais l’approche est volontairement resserrée : chaque chanson repose sur peu d’éléments, laissant respirer la mélodie et la voix. Wookey ne cherche pas l’accumulation, mais la précision.

Un nouvel album qui a pris forme au fil des mois. Leaving the Table a été précédé de six singles dévoilés en cascade, à raison d’un titre par mois depuis le mois d’avril, jusqu’à la sortie complète de l’album 12 titres début octobre 2026.

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Pour son troisième album, Under The Reefs Orchestra ouvre un nouveau chapitre avec Williwaw, du nom de ce vent soudain, violent et imprévisible qui traverse certaines régions côtières du globe. Après l’univers tellurique de Sakurajima, le trio bruxellois mené par Clément Nourry, aux côtés de Marti Melià et Jakob Warmenbol, prend cette fois de la hauteur et explore de nouveaux horizons.

Enregistré au Robot Studio à Gand par Pieterjan Coppejans, Williwaw déploie des compositions plus longues, plus libres et plus groovy, laissant une place grandissante au jazz et à l’improvisation. An Pierlé, Catherine Graindorge et Alejandra Borzyk rejoignent également l’album, enrichissant ses paysages sonores et ses contrastes.

Entre surf jazz, rock cinématographique et transe hypnotique, Under The Reefs Orchestra poursuit son exploration d’une musique instrumentale singulière et aventureuse.

Découvrez un extrait ici.

Il n'était pas (encore) dans vos sorties qui feront la rentrée... Et pourtant ! Philippe Katerine est aujourd'hui de retour avec Je te donnerais, premier single d'un album surprise, né d'une collaboration spontanée avec Nk.f (PNL, Damso).

Les instrus envoyées par Nk.F lui ont inspiré des toplines et des textes nourris par des expériences intimes et des petites blessures personnelles, qui trouvent une résonance universelle. Le titre exprime un amour inconditionnel et désintéressé, prêt à tout sacrifier, même l’impossible, par peur de perdre la joie et le bonheur, si fugaces.

On ne vous le présente plus : Philippe Katerine semble se jouer des styles et des formes pour laisser place à une œuvre d’une stupéfiante cohérence. A coups d’élégantes excentricités et de fausse naïveté, on le retrouve chanteur, écrivain, réalisateur, acteur, dessinateur et même danseur.

C’est d’abord la musique qui lui permet d’illustrer sa vision d’un univers poétique, philosophique et absurde. Au début des années 90 il sort ses premiers albums et s’impose vite comme un auteur-compositeur-interprète essentiel dans la nouvelle scène émergente.

Son album Confessions, paru en 2019, comprend plusieurs featurings avec Angèle, Dominique A, Chilly Gonzales..., et lui a valu la Victoire de la Musique de l'Artiste Masculin de l'année en 2020. Il est aussi l'un des rares artistes français à s'être produit en live dans le late show culte de Jimmy Fallon (en 2017).

En juillet 2024, il fait sensation lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques de Paris en présentant son nouveau single Nu.  Avec son dernier album Zouzou, il est nommé par deux fois aux Victoires de la Musique : en tant qu'Artiste Masculin de l'année (2025) et concert de l'année (2026).

Le clip est à découvrir ici.

Au bord du récif, premier extrait de son tout premier opus.

Le trio lillois Voban présente un titre qui cristallise son univers, entre pudeur et élans lumineux. Porté par un texte intime et pourtant universel, « Au bord du récif » évoque ces moments au bord de la rupture où l’on choisit de rester vivant, ensemble. Ce premier single s’accompagne d’un clip qui propose une présentation très personnelle du trio, avec des cadrages qui valorisent leur humanité, leurs regards, leurs gestes, et une lumière travaillée qui souligne la chaleur de leur lien.

Avec cette sortie, Voban ouvre la voie à un premier album de chanson pop française lumineuse, sensible et résolument tournée vers le partage avec le public. « On écrit pour créer un endroit où les gens se sentent moins seuls », confient-ils, comme un manifeste artistique avant l’heure.

Composé comme le point de convergence de leurs dernières années d’écriture, « Au bord du récif » est pour Voban le morceau le plus personnel et le plus profond du disque. On y retrouve leur fil rouge : des photos de vie racontées en français, entre espoir, vulnérabilité et regard intime sur le temps qui passe. Les arrangements mêlent percussions, cuivres et claviers, avec une dimension cinématographique et haletante.

Pour ce premier clip, Voban choisit la simplicité apparente d’un plateau scénique : gros plans, jeux de lumière et mouvements de caméra viennent ancrer l’intimité du texte dans la présence des trois musiciens.

Le clip est à découvrir ici.

Fin juillet, CélénaSophia ouvrait un nouveau chapitre artistique avec la sortie du single Plus rien autour . Le duo présente le clip qui l'accompagne.

Tourné en Chine au fil de trois semaines de concerts dans sept villes, il rassemble les images de leur tournée : coulisses, rencontres, découvertes et concerts devant un public nombreux et enthousiaste, de Pékin à Xi'an en passant par Shenzhen, Canton, Hangzhou, Shanghai et Chengdu.

Filmées par Céléna et Sophia elles-mêmes tout au long du voyage, les images ont été montées par Martin Mailleux, déjà à l'œuvre sur le clip de Folie reviens, qui signe ici un montage et une colorimétrie fidèles à l'énergie brute de la tournée.

Le reflet des gratte-ciel évoqué dans le refrain trouve un écho discret dans les images, où l'on aperçoit les deux sœurs contempler les tours de Shanghai. Le clip prolonge ainsi le message du morceau : ralentir, profiter de l'instant, se laisser porter par ce qui se présente. Chaque image devient le souvenir d'un moment réellement vécu, le témoignage d'une aventure aussi humaine que musicale.

Avec Plus rien autour, CélénaSophia poursuit l'évolution artistique amorcée avec Les fumigènes (2025) et Limites (janvier 2026), affirmant une identité pop francophone lumineuse et personnelle. Un nouvel EP est prévu avant la fin de l'année.

Le clip est à découvrir ici.

Elle nous avait laissés sur la plage de "Formentera" en juin dernier, découvrez aujourd'hui "Voyage en amont" le nouveau single d'Almée fraichement paru.

Est-ce que ta vie te frôle parfois sans te toucher? Avec "Voyage en amont", Almée explore ce vertige familier où le passé, sans prévenir, se rappelle à nous. Au fil d'un piano qui remonte le temps à la manière d'une boîte en musique, la chanson capture cet instant précis où l'on se confronte à la version de soi qu'on avait rêvé d'être.

Après l'échappée solaire et sensuelle du premier single "Formentera", voici le deuxième extrait de l'album Animal Emotif.

Cette pop française intimiste à la mélancolie lumineuse, ortée par la douceur du piano et l'intériorité des choeurs, transcende la nostalgie et nous invite à embrasser la promesse du présent.

Le clip est à découvrir ici.

L’heure est arrivée de vous annoncer le deuxième groupe d’une programmation qui s’annonce riche pour cette nouvelle édition du Wolf Rock Festival.

Les anciens du WolfRock s’en souviendront certainement ! The Tangerines font leur grand retour ! 

Il y a quelques années, The Tangerines avaient déjà foulé les planches du festival et écumé les scènes de notre région. Groupe montois, ils ont également marqué les esprits avec leurs passages au Dour Festival. 

The Tangerines, c’est le genre de groupe qui ne vient pas simplement jouer ses morceaux.

Ils viennent mettre le feu.

Et pour le Wolf Rock, leur retour avait tout son sens. 

Parce que notre festival, c’est aussi ça : faire revenir les groupes qui ont marqué son histoire, mettre en avant les artistes de notre région et continuer à faire vivre une scène rock qui nous est chère. 

Alors si vous voulez soutenir le Wolf Rock, les groupes de chez nous et cette belle aventure qui continue depuis toutes ces années, venez rejoindre l’équipe organisatrice. 

Infos et réservations ici.

Après le succès des deux premiers singles extraits de leur prochain album Eldorado sorti le 25 septembre 2026 Girls in Hawaii dévoile Goddess.

Pour accompagner cette sortie, le groupe nous partage un clip, réalisé par Simon Vanrie (Bertrand Belin, Stephan Eicher...).

Avec ses guitares lumineuses, ses harmonies aériennes et ses couleurs légèrement inspirées des années 70, Goddess explore la naissance d’une chanson, entre inspiration, doute et quête de cette première étincelle créative.

Une ode à cette force mystérieuse qui finit toujours par refaire surface, portée par l’écriture instinctive et collective que le groupe a retrouvée sur Eldorado.

Le clip prolonge cette quête sous la forme d’un cadavre exquis visuel : une succession d’images étranges, sensibles, parfois absurdes ou presque irréelles, qui semblent surgir les unes des autres.

Plutôt que de raconter une histoire linéaire, il avance par associations, collisions et intuitions, comme peut le faire l’inspiration elle-même. Une image provoque une sensation, en appelle une autre, ouvre une piste avant de bifurquer ailleurs. Un film fait de fragments du réel, assemblés pour créer un monde légèrement décalé, où l’étrange et le familier finissent par se confondre.

Le clip est à découvrir ici.

Pour les fans Giorgio Moroder, John Carpenter, Kavinsky, Cerrone, Fishbach, Kim Wilde

Isolde Lasoen est la reine de son propre univers depuis une dizaine d'années, donnant une dimension cinématographique à la musique pop et faisant scintiller la mélancolie. Dans son troisième album solo My Kind of Drama, elle ajoute une touche de brillant à son univers musical sur dix titres qui mêlent pop baroque, synthés rétro-futuristes et French touch.

Fidèle au style DIY qui caractérise Isolde Lasoen, elle écrit et compose toutes ses chansons, crée les arrangements et co-produit l'album. Pour la production et le mix, elle s'est tournée vers le maestro français Michael Declerck (connu pour ses collaborations avec Kavinsky, Justice, Jungle, Daft Punk...) qui est tombé sous le charme de ses démos.

Les musiciens invités au studio ont apporté des textures, des idées et des couleurs supplémentaires aux chansons. Ainsi, les instruments live et les synthétiseurs vintage revêtent un son rétro des années 70 et 80, les arrangements se montrent ludiques, les sons chics et la batterie entraînante.

Entre disco-pop et glamour, ce dernier extrait d'Isolde Lasoen « Echo en toi » raconte l'histoire d'un flirt espiègle, chargé de tension et de curiosité, explique-t-elle. S'agit-il d'une véritable étincelle ou simplement d'une illusion ? Cette chanson parle de séduction et du doute qui vous fait vous demander où tout cela va bien pouvoir mener.

Le clip est à découvrir ici.