Deerhoof est un peu considéré comme un groupe culte à San Francisco. Une formation indie au sein duquel militent Satomi Matsuzaki (vocaux et basse), John Dieterich (guitare), Ed Rodriguez (guitare) et Greg Saunier (batterie). « Offend Maggie » constitue déjà leur neuvième album. Il faut dire que le combo existe depuis 1996. Digne héritier de Sonic Youth, le quatuor californien reproduit les mêmes recettes de base instituée par ses aînés : mélodies bizarres, harmonies sophistiquées, dissonances maîtrisées, rythmes  asymétriques, structures complexes et improvisation. Cependant, Deerhof ne se contente pas de marcher sur les traces du gang sonique new-yorkais ; il a le bon goût de chercher constamment à se forger sa propre identité… Et la présence d’une chanteuse japonaise n’y est pas étrangère. A l’origine, elle avait débarqué dans la métropole pour étudier le cinéma.

Signe des temps, à l’instar de Liars, The Fiercy Furnaces ou encore OOIOO, Deerhoof fait aujourd’hui partie des ensembles contemporains les plus intéressants. Et on ne prend pas beaucoup de risques en annonçant qu’ils pourraient, à leur tour, avoir une influence majeure sur le futur du rock

Si vous n’avez jamais prêté l’oreille à la musique de Deerhof, cet « Offend Magie » risque fort de vous perturber. Pourtant, il constitue leur elpee le plus accessible à ce jour. Et pour cause, les cris et les gloussements dispensés sur les opus précédents, ont disparu. Imaginez Yoko Ono pousser les vocalises chez la bande à Thurston More. Néanmoins, plusieurs écoutes sont nécessaires pour pouvoir apprécier ce disque à sa juste valeur. Cette nouvelle stabilité n’empiète cependant jamais sur leur rafraîchissante singularité. Faut dire que si le groupe est en voie de reconnaissance médiatique, il refuse de quitter la marge de la production rock actuelle. Parmi les belles chansons à la fois mélodiques et dissonantes, on épinglera le titre maître, une plage caractérisée par cette judicieuse incursion dans l’univers africain et puis le plus conventionnellement rock « The tears and music of love ». Déjà un goût de top de fin d’année…

Kele Okereke et sa bande sont de retour du studio, la troisième galette dans la besace. La franchise étant une qualité, nous n’en manquerons pas en parlant de « The Week-end in The City » leur album précédent (sorti en 2007), un peu à côté de la plaque, il faut l’avouer. Si, si, quitte à me fâcher avec certains inconditionnels du groupe, le tournant pris par Bloc Party ressemblait plus à un dérapage incontrôlé qu’à une preuve de maîtrise. Proposé d’abord sous format ‘téléchargeable’ sur le net, l’annonce surprise d’un nouvel opus, laissait donc un peu perplexe, tant la déception suite à l’incroyable « Silent Alarme » en 2005 nous avait balancé une claque, dont on se serait bien passé.

Qu’en est-il donc de cet « Intimacy » ? Les Anglais auraient-ils eu l’audace de pousser plus loin encore leurs recherches sonores, pour nous relancer de gauche à droite comme nous aimions ? Alors allons-y franco : « Intimacy » va au-delà de nos espérances. Dès l’ouverture des 11 plages, on retrouve ce goût perdu, mais qui nous hantait comme la madeleine de Proust. Quand apparaît « Ares » le premier morceau de l’elpee et son intro ultra courte (30 secondes), on se sent tomber dans une fosse aux riffs endiablés ; et c’est les poings serrés vers le ciel, en signe de victoire, que l’on poursuit l’écoute de l’album. Les baffes continuent à pleuvoir, par la suite. Elles se transforment même en bombes. A l’instar de « Halo », « Trojan Horse » ou l’incroyable « One Month Off ». Parsemé d’effets électro, aussi discrets qu’efficaces, leur univers rock est terriblement percutant. En outre, le bon goût et la justesse n’ont de cesse de nous haranguer. Un formidable troisième album alimenté par une incroyable énergie communicative. Un talent indéniable mis à profit entièrement. Bloc Party est de retour, dans la souffrance et la sueur ; et on ne va pas s’en plaindre.

Qu’il soit décrié, ou adulé, Bruno Nicolini, alias Bénabar, crée le buzz. Chaque sortie d’album fait exploser le nombre de pressages vendus et les tournées sold-out s’empilent comme des assiettes sales dans l’arrière-salle ( ?!?!?) d’un grand restaurant. Quelle est la recette de cet incroyable succès ? Que met-il dans sa tambouille pour rendre jaloux certains auteurs qui ne parviennent pas à décoller ? Il s’agit sans doute de ce côté proche et commun à chacun, qui parsème ses textes. De ces capsules anodines d’émotion, que nous avons tous vécues à un moment ou un autre de notre vie. Il se permet de dire tout haut ce que l’on pense tout bas. De l’amitié (« Ou t’étais passé ? ») à l’arrogance (« Tout Vu, Tout Lu »), en passant par l’humour (« A La Campagne ») et la tendresse (« Malgré Tout »), tout au long de son quatrième elpee, Bénabar manifeste à nouveau sa mauvaise foi, pose des réflexions, tout en y injectant une bonne d’humour… très particulier. Et pourtant, ce disque est attachant. Pas révolutionnaire, cependant. Mais il est très susceptible de vous faire passer agréablement le temps. Ce temps perdu sur les quais des gares, dans ces rames de métro ou lorsqu’on poireaute dans le froid, à attendre… un rendez-vous…

Pour enregistrer le sixième opus de Wovenhand, David Eugene Edwards a pu compter sur la participation du guitariste Emil Nikolaisen, compositeur de la formation norvégienne Serena Maneesh. Et franchement, il faut reconnaître que tout au long de cet opus, l’électricité y est plus présente. Une participation qui peut tout simplement s’expliquer par un partage des mêmes idées philosophiques. Un disque pour lequel, il aussi bénéficié du concours de son groupe. C’est à-dire le drummer Ordy Garisson, l’ancien bassiste de 16 Horsepower Pascal Humbert, et son gratteur attitré, le Belge Peter Van Laerhoven. Enfin, cet opus a été coproduit sous la houlette de Daniel Smith de Danielson.

Première constatation la voix d’Eugène a pris de l’amplitude. Ce qui permet de donner davantage de relief aux compos, même les plus austères ou les plus incantatoires. Bien sûr, il continue de nous bassiner, tel un prédicateur, ses réflexions sur la miséricorde, la décrépitude de l’humanité, la rédemption et autres salades puisées dans l’Ancien Testament, que 50% des Américains avalent tous les jours. Mais il y croit. C’est son droit. Penchons-nous donc maintenant sur l’essentiel, son nouvel elpee. Très réussi, il faut l’avouer. Tout en conservant une ligne de conduite gothique et des accents appalachiens, il se révèle beaucoup plus éclectique. Les interventions fulgurantes de la six cordes d’Emil y sont pur quelque chose. Mais également son inspiration dans les compos. Et je pense tout particulièrement au féroce et cinématique (Ennio Morricone ?) « Cohawkin road », au blues discordant et hypnotique (remarquable par ailleurs !) « White knuckle grip », à la bossa nova sinistre « Quiet nights of quiet stars », un morceau hanté par un mellotron patraque, au tribal « Kicking bird »  et puis au percutant « The beautiful axe ». Et si le reste de l’opus renoue avec le passé de Wovenhand, il ne manque pas pour autant de saveur. A l’instar de « Kingdom of ice », coloré par un orgue de Barbarie ou de l’envoûtant et glacial « Horsetail ». Un des albums de l’année, assurément ! 

Quarante-six ans déjà que le plus célèbre espion de l’Albion sert la reine. Depuis la sortie de « James Bond contre Dr No », en 1962, James Bond est bel et bien devenu un mythe. Cette compile rend donc hommage à l’agent 007. On y retrouve donc la plupart des thèmes sonores, devenus pour la plupart célèbres. Il y avait eu un premier recueil consacré à ce type de B.O. C’était en 1992. Lors de la célébration du trentième anniversaire de l’homme au Walter PPK. Depuis, il faut avouer que la série cinématographique ne s’est jamais interrompue ; même si elle a consommé des tas d’acteurs différents. Outre les titres notoires interprétés par John Barry & Orchestra, Tom Jones ou encore la formidable Shirley Bassey, ce « Best Of Bond… James Bond » recèle donc les morceaux-phares consacrés aux longs métrages les plus récents. Et notamment le superbe « Goldeneye » de Tina Turner, destiné au premier film de l’ère Pierce Brosnan. Sans oublier le « Die Another Day » de Madona, dont le style déjanté avait totalement rompu avec le profil de certains classiques. Ou encore le « You Know My Name » de Chris Cornel pour le très controversé mais excellent « Casino Royale ». Petite déception néanmoins, le thème de « Quantum Of Solace », dernier épisode de la saga Bond, n’y figure pas…

Outre ses 24 plages audio, ce « Best Of » inclut un Dvd de 7 plages recelant quelques surprises. Et notamment une version ‘live’ du « Goldfinger » de Shirley Bassey ainsi qu’un documentaire consacré aux thèmes musicaux du plus célèbre agent du MI6.

« Best Of Bond… James Bond » n’est certes pas un objet unique pour tout collectionneur ; mais il ferait néanmoins très bien l’affaire comme cadeau de fête de fin d’année. A bon entendeur…

A l’instar de son compagnon d’écurie Dave Gross, Miss Sicilia n'affiche que 23 ans au compteur. Ce dernier a d’ailleurs participé activement à la confection du second opus de cette artiste talentueuse. Il fait suite à "Allow me to confess", paru l’an dernier. Non seulement cette jeune dame est très douée aux vocaux, mais c’est également une compositrice prolifique.

L'album s'ouvre dans le jazz. Traditionnel, même. La voix de Miss Sicilia est naturellement puissante. Elle ne doit donc guère forcer pour aborder ce nouveau chapitre. Tout en manifestant un panache certain. Ce jazz lui colle à la peau. L'atmosphère ne varie pas sur son "So attracted to you". La structure est complexe. Les changements de rythme bien huilés. Au cœur de cette ambiance délicieuse, la trompette feutrée de Jon-Erik Kellso et la clarinette de Gerry Niewood se mettent en exergue, alors que David Maxwell apporte sa touche roadhouse à l'ensemble, de ses accords de piano redoutables. "Kissing in the dark" aborde enfin le blues pur et dur. Une plage introduite par la guitare primaire de Dave Gross et l'harmonica de Dennis Gruenling. Deux fameuses pointures, il faut le rappeler ! L’émotion étreint Gina. Elle semble apprécier ces baisers volés dans l’obscurité. Sublimée par ce plaisir qui l’envahit, elle force la voix. Gross sort de sa réserve et forge un solo implacable. L’elpee baigne souvent au sein d’un climat désuet. Tout en observant le ciel, Gina chante passionnément "I pray most everyday". Les cordes sont acoustiques. Maxwell montre toute sa dextérité aux ivoires. Le saxophone ténor reste volontairement en retrait afin de souligner la passion qui hante la chanteuse. "Jack & Jill" est imprimé sur un tempo indolent. Chris Revelli martèle pourtant solidement ses peaux. David est passé à l'orgue Hammond. Dave opère une sortie chargée d’un maximum d’intensité, tout en dispensant un minimum de notes! Miss Sicilia est capable de changer de registre. A l’instar de "What the moon could never do", ballade country rafraîchissante, semblant sortir tout droit de Nashville. Et son timbre se fond naturellement dans ces nouvelles saveurs sonores. "Bad years comin' on" s’attarde dans cette atmosphère très américaine. Tout comme la jolie complainte "Hey sugar", un morceau enrichi par des chœurs émouvants, comme s’ils sortaient d'un vieux jukebox poussiéreux des années 50. La voix de la jeune Gina est très sensuelle. Un atout dont elle aime user et abuser. Ce timbre chaud nous chuchote son "Cherry Tree" dans le creux de l’oreille. Impossible de résister à son charme. Et pourtant, notre pulpeuse pennsylvanienne aime le blues. Et elle le démontre sur le ravissant "Lowest of the low", un morceau au cours duquel elle crie son désarroi de l’instant. Lors de cette plage, elle est soutenue par Gruenling à l’harmonica. Il distille d’incessantes phrases empruntées à Little Walter, avant de s'isoler sur l'instrument chromatique. Un moment éblouissant et aussi et surtout le sommet de cet opus. Miss Sicilia nous tartine encore une solide couche de country bien sirupeuse pour refermer cet album. Lors de deux reprises. Tout d’abord, le "Nobody's darling but mine" de Jimmie Davis, un personnage qui a cumulé une carrière musicale et politique, puisqu'il a été, à deux reprises, gouverneur de la Louisiane. Et puis le "Coat of many colors" de Dolly Parton. Enfin, elle achève l’elpee par "Plain apple pie", une compo chargée d’émotion. Quoique de bonne facture, « Hey sugar » néglige un peu trop le blues à mon goût. Un goût sans doute trop sucré. A l’instar du titre de l’album. Une sensation accentuée par la couleur de la pochette : rose bonbon et vert pistache.