Placé sous le signe de la tolérance, de la paix dans le monde et autres bons sentiments, A Perfect Circle a décidé de sortir cet album le jour des élections américaines. Question : pourquoi le jour même et pas la veille ??? Nonobstant son entrée en deuxième position des charts américains, l’issue du suffrage est aujourd’hui connue. N’épiloguons pas, la réélection de Bush, permettra de voir refleurir nombre projets musicaux d’ici la fin de son mandat. Revenons à nos moutons et ne tergiversons pas : épinglant diverses reprises, “eMotive” est une sacrée déception. Et allons-y franco : A Perfect Circle n’a déjà plus rien à dire. Musicalement. Nous reviendrons sur le visuel par l’entremise du Dvd. Le premier album, “Mer des noms” flirtait déjà en son temps avec l’anecdotique; malgré ses quelques moments de bravoure et de franche émotion, “Thirteen steps” communiquait rapidement un sentiment de lassitude; “eMotiv” suscite l’ennui dès le troisième titre. Et si Meenard James Keenan de TOOL n’avait pas été embarqué dans ce projet, A Perfect Circle ferait le bonheur des bacs de vos soldeurs préférés. Pourtant, le groupe a pu bénéficier de la tolérance des scribouillards musicaux, cherchant à sauver malgré tout des bribes de cette galette. Alors sauvons ce qui peut l’être : “Imagine” de Lennon, hymne à l’espoir, est ici transformé en ode sombre et funéraire. Sans le moindre relief, le reste ne vaut pas tripette. Il ne nous reste donc plus que le souvenir de la flamboyante reprise du “No quarter” de Led Zep réalisée par Tool (NDR : impliquant Buzz des Melvins à la guitare, quand même). Et de procéder à une inévitable comparaison. Avant de pleurer…

APC y va donc de son Dvd maison. Complémentaire au très moyen “eMotive”, “aMotion” est partagé en 2 disques : un video et un audio. Survolons rapidement le second qui agrège des remixes plus que dispensables d’une discographie tout aussi dispensable. Sauvons quand même “The Hollow” qu’interprète Paz Lenchantin, le bassiste d’APC. Entendre une réelle voix féminine à la place de celle - efféminée - de Keenan procure une sensation assez agréable. Revenons à nos images. Tout d’abord, 8 clips et un live. En ce qui concerne les clips nous avons droit aux versions “edited” et unedited”, autrement dit “bipée” ou non pour la télé, aux vainqueurs d’un concours et d’un maigre live. Fait marquant, J. M. Keenan se prête volontiers au jeu de l’acteur alors que pour TOOL, vous pouvez toujours vous lever tôt pour l’apercevoir. Cette exposition choque quiconque est habitué à son effacement au sein de TOOL. Non pas qu’il soit laid garçon. Mais l’aspect énigmatique et mystérieux si bien géré dans TOOL sape la part d’imagination au projet APC. Et même si dans d’autres circonstances - live par exemple - le bougre se cache toujours (NDR : notamment derrière un rideau), rien n’y fait ; la puissance symbolique est entamée. Pour finalement accoucher d’un univers visuel disparate, où l’humour croise l’engagement politique en saluant les “peoples” (David Fincher réalise “Judith”, Biaffra et Dee Dee Ramone y vont de leur caméo). Mais surtout les petits coquins pourront savourer les clips soutenus par les Bikinis Bandits, Super Vixens des temps modernes, en goguette le temps de 2 clips. Mais bon, je sais, APC n’est pas le groupe principal de Keenan. N’empêche, il sort quand le nouveau TOOL ?

Enfin un label canadien qui ne fait pas dans le post-rock épique ou l’électro concréto-expérimentale ! Arts & Crafts est le refuge et le terrain de jeu d’un groupe encore honteusement méconnu, mais sans doute plus pour longtemps : Broken Social Scene. Un collectif aux humeurs musicales changeantes, dont Apostle of Hustle est une excroissance free-folk ; en l’occurrence Andrew Whiteman, un de ses guitaristes. D’entrée, l’électron libre nous en met plein les oreilles : ça part dans tous les sens, comme si Wilco avait pété un câble et voulait envoyer valdinguer tout ce qu’on connaît du rock. Ses clichés, ses refrains connus, ses codes en vigueur. Du folk sixties au post-rock en passant par le sadcore et la bossa nova (« Animal Fat »), Apostle of Hustle ne préfère pas trancher. Cette fuite en avant pourrait laisser certains perplexes, mais l’avenir appartient à ceux qui osent l’hybridation. Et dans le genre, Andrew Whiteman (secondé par Feist sur certains titres) est plutôt balèze. Folklo ? Non : zozo. Un grand album postmoderne.

Angil, c’est avant tout Mickaël Mottet. Un auteur/compositeur/chanteur/multi-instrumentiste stéphanois responsable de six albums à ce jour. Pour enregistrer ce « Teaser for : matter », il a quand même reçu le concours de quelques amis et puis surtout de Gilles Deles (Lunt) à la co-production. Un œuvre dont la trame semble au départ agréger sobriété folk et lyrisme jazz. Un peu comme si Swell et Robert Wyatt avaient décidé de bosser ensemble. Il arrive même que la voix de Mickaël emprunte les inflexions éthérées, diaphanes et mélancoliques de Robert. Mais au fil de l’écoute, on se rend compte que l’expression sonore est beaucoup plus complexe. Parce que Mickaël est sans cesse à la recherche de nouvelles sonorités. Parfois teintée de soul (« No more guitars » et son tempo réminiscent du « A girl like you » d’Edwyn Collins) ou de noisy (« Dolaytrim »), souvent sculptée dans le post folk jazzyfiant (Badly Drawn Boy ?), elle aborde même un cocktail de hip hop et de free jazz avant de virer dans la prog du Vandergraaf Generator de Dave Jackson (NDR : les saxophones !) sur le déboussolant « Sons of Benedicts ». En fin de parcours, Angil nous propose une cover d’« Invisible man » des Breeders, version complètement épurée de ses guitares que remplacent avec beaucoup de bonheur un clavier gracile.

Tout le monde connaît Keren Ann, du moins indirectement puisqu’elle signa, il y a quatre ans, le morceau « Jardin d’hiver » d’Henri Salvador, qui lui valut les louanges du public et de la presse. Cette Hollandaise d’origine a depuis sorti quatre disques (3 sous son nom et le Lady and Bird) et celui-ci constitue son cinquième ; mais le premier que les Américains découvrent. Une œuvre qu’elle a écrite et enregistrée à New York, son nouveau port d’attache. « Nolita » est d’ailleurs la contraction du nom du quartier où elle habite : « North Little Italy ». Il paraît d’ailleurs que là-bas ça marche bien pour elle, beaucoup de gens la comparant déjà à Suzanne Vega, pour son écriture folk pleine de charme, d’autant que depuis deux albums Keren Ann chante en anglais, et de moins en moins en français… Même si elle se réclame avant tout de la tradition française, mentionnant Barbara et Françoise Hardy pour modèles à suivre. Autre nouveauté de ce disque : pas de traces de Benjamin Biolay aux arrangements ou à la production. Jusqu’ici on les associait souvent, comme une sorte de couple inséparable. Mais pour la circonstance, Keren Ann a tout fait toute seule. L’occasion de se rendre compte qu’elle est une des musiciennes les plus talentueuses de l’Hexagone, et qu’elle a beau sortir un ou deux disques par an, elle n’en perd pas son inspiration et sa fraîcheur. Au niveau de l’instrumentation, « Nolita » se révèle ainsi d’une incroyable chaleur : il y a des cuivres à la Chet Baker, des chœurs soprano, du violon yiddish, de la contrebasse, et même du spoken word : c’est du grand art, c’est frais, c’est charmant, bref on en redemande, et on ne devrait pas attendre longtemps, vu l’inspiration débordante de cette jeune fille du nord.

Quel est le résultat de la rencontre entre le guitariste KC/DC et le chanteur et Jackie O. Nasstie ? Après avoir consulté quelques photos sur leur site www.apocalipstick.us, vous serez rapidement fixés : sorte de Gauff au suc belges, Marcel et son orchestre français ou Cramps du pauvre ricains s’ébrouant sur un punk rock potache, Apocalipstick Now évoque le L7 des débuts ou un Butthole Surfers sans le génie. On ne plaisante pas ainsi avec les troupes du Colonel Kurtz. L’horreur, l’horreur...

On ne présente plus ce bon vieil Horace, désormais bien connu du public rock suite à sa participation aux albums de Massive Attack. Comme la plupart des artistes jamaïcains, Andy sort des albums plus vite que son ombre. Parmi cette pléthorique production (plus de 50 albums), le sublime côtoie inévitablement l’horrible ou l’anecdotique. On peut dire que ce « From the Roots », concocté en compagnie du Mad Professor, rencontre un peu des trois adjectifs mentionnés plus haut. Quelques ‘rootseries’ anodines mais de bonne facture : « Babylon Bridge », « Runaway », « Rasta Business », « Rise Up Now », « Zion The Only Land ». Des chansons où Horace a le trémolo facile et le professeur prodigue ses habituels et spatiaux effets dub qui plairont aux mordus finis de roots reggae. D’autre part et dans des thématiques plus politiques ou simplement amoureuses, le timbre mystérieux du chanteur et les solides riddims du professeur parviennent à créer une certaine magie. Et ce sur des chansons comme « The Bingy Man », « Vanity », « For Me », « Don’t Beat Her », toutes excellentes et vivement recommandées. Enfin, un album de reggae n’en serait pas un sans les habituelles déconnades et autres bizarreries propres au genre. Le polisson « Gimme What Me Want ! ! » au cours duquel le bon Horace réclame son dû aux femmes qu’il croise vaut largement l’écoute. Mais la palme de l’étrangeté revient à « Girl Don’t Come », un country western digital aux chœurs doo woop tellement décalés qu’il touche au génie. En conclusion, si cet opus s’avère hétéroclite donc, il vaut largement l’écoute.

Le premier elpee de ce groupe culte est paru en 1993. Encensé par la presse spécialisée, 'Vemod' est toujours considéré comme un des 10 meilleurs albums 'prog', parus entre 1980 et 2000. Le groupe y prodiguait une musique libre et sauvage, organique, dissonante, énergique et contrastée, sombre, d'une mélancolie typiquement scandinave et fortement influencée par King Crimson (période 'Red'). Le son était brut de décoffrage, plus habituel du rock 'garage' que du 'prog'. Le chant était peu maîtrisé et hésitant ; ce qui contribuait à l'ambiance angoissante et oppressive d’une solution sonore baignant dans les sons du mellotron. Depuis, Anekdoten nous gratifie tous les 3 ou 4 ans d'un nouvel opus. 'Gravity' démarre en force par 'Monolith. Une plage énergique et intense qui nous replonge d'emblée dans l'univers familier du groupe : basse lancinante et entêtée, batterie précise et inventive, guitare en boucles ou dissonante, chant plaintif et mellotron tardif ; le tout mis au service d'un morceau triste et torturé. Plus enjoué, 'Ricochet' (NDR : la seconde plage) développe des sonorités et arrangements inhabituels, tandis que 'The War is over' campe une ballade d'une légèreté étonnante, dont certains groupes californiens seventies ne renieraient pas l'assise rythmique. La quatrième plage évoque furtivement les Doors avant d'évoluer en subtile et délicate chanson à la puissance retenue. 'SW4' commence sagement avant de prendre une direction inattendue. Et notamment à cause de cette voix incantatoire et du développement psychédélique sixties pur jus. Une agréable surprise ! Mais le sommet de l'album est sans conteste atteint par la plage titulaire, certes archétype Anekdotique, mais absolument imparable. Après une pause acoustique, 'Seljak' renoue avec la puissance et la noirceur pour clôturer l'album de la même façon qu'il avait commencé. 'Gravity' n'est certes pas la grosse claque prise en pleine figure lors de la sortie de 'Vemod'. Le CD s'immisce en nous de façon beaucoup plus subtile et progressive. Le groupe y cultive des nuances et des finesses inédites. Les contrastes et cassures sont négociés plus sereinement. Et la production, bien que pesante à souhait, est plus soignée qu'avant. Les voix gagnent en assurance et se font plus présentes. Le groupe introduit de nouvelles sonorités (vibraphone, orgue Farfisa, bidouillages maison, …). Sans trahir son héritage, Anekdoten évolue et ce dans une synthèse de directions fort différentes. Car si le groupe fait un pas vers une musique plus accessible (ambiances à la Anathema, Porcupine Tree voire, à l’instar de 'The games we play', Coldplay), il investigue de même dans le proto-prog psychédélique des sixties et se risque à des créations vraiment originales, alors que le spectre de King Crimson s'estompe. Des éclaircies viennent aussi mettre en valeur les monuments gravés dans la pierre noire et froide. Et pour notre bonheur, le mellotron inonde toujours des compositions globalement plus mélodiques. Cet opus ne risque pas de récolter les mêmes suffrages que 'Vemod', à une époque où la production 'prog' était devenue pléthorique et donc la concurrence féroce. Mais il n'en est pas moins un excellent album ; probablement un des 10 meilleurs de …l'année 2004.

Voilà le genre de groupe qu’on aimerait faire connaître à tous ses potes, parce que personne n’en parle alors que c’est si bien. The Appleseed Cast, donc : cinq Américains qu’on imagine un peu torturés (mais pas trop), qui avouent sans rougir leur amour pour le shoegazing, l’indietronica à la Postal Service (Christopher Crisci chante comme Ben Gibbard) et le postcore tendance Trail of Dead. Mais The Appleseed Cast ne se résume pas à une vulgaire somme d’influences : c’est bien plus que ça, si on prend la peine d’y prêter l’oreille. C’est justement ici que réside le problème : voilà un groupe qui enfile les belles mélodies comme autant de perles sur le fil d’un collier, mais qui ne sortira sans doute jamais de son statut de petit groupe culte… Des perles, oui, mais jetées aux pourceaux. Comment résister, pourtant, à des chansons comme « Hanging Marionette », « Fight Song », « Innocent Vigilant Ordinary » ou le magique « A Dream For Us », une ballade slowcore à verser bien des larmes ? C’est EMOuvant, sensible, inspiré… N’en jetons plus (des perles) : The Appleseed Cast est un groupe à découvrir d’urgence.

A l’instar de Blanche, Arcade Fire a vécu toute une série d’événements douloureux peu de temps avant d’enregistrer son premier album. Mais si la formation de Detroit a exorcisé ces épreuves à travers l’humour, A.F. cherche, nonobstant le titre de son premier album, à véhiculer avant tout un message d’espoir. Une formation qui nous vient de Montréal, au Québec. Un sextuor de multi-instrumentistes qui se partage guitares acoustiques et électriques, pianos, synthés, basse, drums, accordéon, orgue, xylophones, contrebasse, et percussions et que drive un couple (NDR : comme chez Blanche, il faut le rappeler) : Win Butler et Régine Chassagne. Qui se réserve également les parties vocales. S’il possède un timbre vocal rappelant tantôt David Byrne ou Ian Mc Culloch, celui de Régine me fait plutôt penser à Catherine Ringer des Rita Mitsouko. Quand ce n’est pas à Kate Bush. Mais en moins démonstratif. Pour enregistrer leur premier album, A.F. a fait appel à de nombreux musiciens de studio. Préposés aux cordes, pour la plupart. Sur certains titres, ils sont parfois quinze ! Ce qui donne parfois l’impression d’aller à la rencontre d’une pop orchestrale, dans l’esprit de Broken Social Scene. Mais si les orchestrations sont fouillées et les arrangements particulièrement soignés, les mélodies ne se noient jamais dans la solution sonore. Elles se révèlent même très souvent contagieuses, parfois baroques et glamoureuses, voire allègres, comme si elles étaient nées d’un croisement improbable entre les Flaming Lips, les Sparks et Roxy Music.