Réédition du quatrième elpee de RHCP, toujours considéré, à ce jour, comme leur meilleur album. Le premier auquel participe le guitariste John Frusciante. Un opus qui recèle cinq bonus tracks dont deux covers inédites de Jimi Hendrix immortalisées 'live' (" Castles made of sand " et " Crosstown traffic "), un mix dub de " Higher ground ", la version longue de " Knock me down " ainsi que la démo de " Salute to Kareem. La reprise du " Higher ground " de Stevie Wonder est bien sûr un des titres phares de cet opus. Un fragment sculpté dans le métal funk qui va leur permettre de décrocher le premier grand succès. Pourtant les sessions d'enregistrement ne se passent pas trop bien. En fait la collaboration avec Michael Beinhorn tourne court, et le quatuor se retrouve avec quarante minutes de maquette sur les bras. Conséquence, la formation décide d'y ajouter " Fire ", une reprise de Jimi Hendrix qui figurait sur l'EP " Abbey road " ainsi que " Taste the pain ", morceau issu de la B.O. du film 'Say Anything'. Sur " Mother's milk " Anthony et Flea rendent à travers " Knock me down ", un vibrant hommage à feu Hillell Slovak. Parti rejoindre la nouvelle formation de Joe Strummer, Jack Irons est remplacé aux drums par Chad Smith. Un recrutement effectué après l'audition d'une trentaine de batteurs. Tous les morceaux qui figurent sur ce " Mother's milk " ont bien sûr été remasterisés.
Réédition du tout premier elpee de RHCP, paru en 1984. Un album qui inclut cinq bonus tracks qui étaient toujours demeurés à l'état de démos. Soit " Get up and jump ", " Police helicopter ", " Out in LA ", " Green heaven " et " What is it (AKA Nina's song)". Jugé alors trop peu explosif, ce disque est alors tout naturellement passé inaperçu. On y retrouve bien le classique " True men don't kill coyotes " qui donnera le ton à ce qui va suivre ; mais en général les compositions manquent de pêche. En cause : la production un peu trop lisse d'Andy Gill. Ce qui peut paraître paradoxal, lorsqu'on sait qu'il était le guitariste de Gang Of Four. Côté line up, Anthony Kiedis et Flea sont alors assistés par Cliff Martinez (NDR : un ex batteur de Captain Beefheart) ainsi que du guitariste professionnel Jack Sherman. Ce dernier quittera la formation peu de temps après la sortie du disque. Toutes les plages de cet opus éponyme ont bien sûr été remasterisées.
Réédition du troisième elpee de RHCP, paru en 1987. Un album qui comporte deux bonus tracks, " Behind the sun " et " Me & my friends ", deux démos jamais éditées à ce jour. La mise en forme est signée Michael Beinhorn, un personnage qui se forgera, par la suite, une fameuse carte de visite en travaillant pour Soundgarden, Hole et Korn. Le disque épingle une version métallique du " Subterranean homesick blues " de Bob Dylan, " Fight like a brave ", un morceau très proche de l'univers des Beastie Boys, un reggae (" Love trilogy "), un funk démoniaque (" Special secret song inside ") et bien sûr la version originale de " Me and my friends ", un fragment qui démontrait que Kiedis avait parfaitement assimilé le phrasé rap. Flea/Hillel/Irons/Slovak : les Peppers ont alors retrouvé leur line up originel. Pas pour longtemps, car le 27 juin 88, Hillel meurt d'une overdose d'héroïne ; alors que bouleversé, Jack Irons est interné suite à une dépression nerveuse. Un événement qui va remettre en question l'existence du groupe. Mais quelques semaines après ce drame, Anthony et Flea décident de poursuivre l'aventure. Un peu par thérapie. Anthony recrute alors un jeune guitariste de 18 ans, John Frusciante. Mais ici, c'est déjà une autre histoire. Tous les morceaux de cet " Uplift mofo party plan " ont bien sûr été remasterisés.
Red Snapper n'est plus, épuisé par des années de vaches maigres à tenter de faire se rencontrer jazz et électro, instruments live et machines ronronnantes. Malgré un succès critique, le groupe de Richard Thair et d'Ali Friend n'aura jamais rassemblé le public escompté, et leurs albums seront restés, faute de mieux, confidentiels. Pourtant, rarement un groupe catalogué Warp n'aura réussi telle fusion des genres, surtout sur leurs deux excellents albums d'il y a quelques années (1996 et 1998), le fondateur " Prince Blimey " (après un premier LP en demi-teinte) et le plus hip hop " Making Bones ". Ce nouvel album posthume commence d'ailleurs par un titre en forme de clin d'œil : " Regrettable ", comme l'est cette aventure trop vite écourtée. A l'écouter, on ne peut en effet qu'être déçu devant le manque de reconnaissance qui leur a coûté une (belle) carrière : c'est que " Regrettable " met les petits plats dans les grands, en convoquant tous les ingrédients qui faisait la marque de Red Snapper (cette ligne de basse, cet entrain funky, cette vision panoramique, du jazz au trip hop). Plus loin, le beat se fait plus soutenu (" Ultraviolet "), tandis qu'un remix d'" Hot Flush " par Andy Weatherall (Sabres of Paradise) nous fait le coup de l'hommage nostalgique. Mais Red Snapper n'aime pas trop les mises en bière académiques, et enchaîne avec deux autres nouveaux morceaux, l'un presque latino (" Odd Man Out "), l'autre plus narcotique (" The Quiet One "). En clôture, " 4 Dead Monks " et " The Tunnel " en live (de " Making Bones ") rappellent une dernière fois que Red Snapper était l'une des structures rythmiques les plus explosives du circuit électro-jazz-drum'n'bass, dont les secousses telluriques se font toujours ressentir aujourd'hui, de Cinematic Orchestra à Jagga Jazzist.
De ce duo hollandais (Kid Sublime et Steven De Peven), on ne sait pas grand chose, faute d'avoir cherché sur le Net… " Quelle paresse ! ", s'exclameront peut-être nos plus virulents visiteurs, et ils n'auront pas tort. Qu'à cela ne tienne, il ne nous faut pas jouer les détectives pour décrire la musique de Rednose Distrik : dès le premier morceau de cette compile, on comprend vite qu'il s'agit de nu-jazz. Une basse rutilante, des beats lancinants, du groove aphrodisiaque, et cette dextérité instrumentale qui rappelle le meilleur de Cinematic Orchestra et de Jazzanova… Coup de bol, Rednose Distrikt fait partie de ces groupes hollandais, rares s'il en est, qui font de la bonne musique. " You got to make your move, if you want to groove ", invoque une certaine Lady Alma sur ce morceau d'ouverture (" Gotta Make A Move ") : y a pas à dire, cette musique de tripot jazzy met le feu au bas ventre. Même qu'à la fin du disque, le duo remet le couvert, avec un remix du même titre, par DJ Spinna himself. Entre les deux, ça swingue aussi pas mal, bien que trop de morceaux mid-tempo cassent l'ambiance en ralentissant la cadence. Car il faut bien le dire : quand le tempo se fait moins percutant, Rednose Distrikt ne convainc plus qu'à moitié. Du dance-floor au plumard, il n'y a souvent qu'un pas qu'on préférerait ne pas franchir. Mieux vaut donc écouter ce disque la main sur la touche " Forward " : le bras ainsi soumis à des crampes intolérables, il devient plus difficile de s'assoupir.
Req, alias Damien Harris, est plus connu pour ses graffitis que pour sa musique. Et pour cause : ces morceaux à la texture minimaliste, basés sur quelques nuisances rythmiques, interférences ‘bruitistes’ et breakbeats squelettiques, ont bien de la peine à retenir l'attention. Mélange de dub aphone, d'abstract hip hop sans relief et d'électro neurasthénique, " Car Paint Scheme " laisse froid et perplexe. Du dub à la Pole, Req ne retient que la structure la plus élémentaire, sans parier sur la mélodie, pourtant primordiale pour accrocher quelque peu l'oreille. Comme si de cette voiture graffée (le titre) ne restait qu'une carcasse abandonnée en plein terrain vague, le moteur noyé et les pneus crevés. A mi course (" Style Mentorz "), Kid Acne vient pourtant prêter main forte à notre ami graffeur… Mais ce concours ne suffit guère pour sortir Req de l'ornière. Les morceaux qui suivent, plus funky, laissent espérer un démarrage tardif, mais la machine s'enlise pour de bon dans un cocktail de scratches et d'asian beats sans saveur (" Blimpot "). Le " graff " est une chose, la musique en est une autre. Mieux vaut pour Req qu'il retourne à ses bombes de couleurs.
Depuis " Extinction Level Event - The Final World Front " en 98, Busta Rhymes semblait en perte de vitesse : son précédent disque, " Genesis ", passa plutôt inaperçu, éclipsé par les productions roublardes et fantastiques d'un jeune blanc-bec avide de reconnaissance et de gloire. Mais Busta, heureusement, n'est pas des plus dociles : pas question pour lui de baisser pavillon face à l'envahisseur… Reclus dans ses studios, il préparait une nouvelle bombe hip hop à terrasser tous ses rivaux, le petit blanc peroxydé en tête. " It Ain't Safe No More… " sonne ainsi comme un avertissement : sortez couverts, Busta is back, et ça va faire mal. Pour gagner sa guerre, le rappeur s'est entouré des Neptunes (l'excellent " Call The Ambulance "), de son fidèle posse Flipmode Squad et de la greluche Mariah Carey, pour une fois supportable (" I Know What You Want ", hit en puissance, à la Jay-Z et Beyoncé). A ceux qui pourraient encore lui reprocher ses râles gutturaux, son débit mitrailleur et ses ululements de bête fauve, Busta répond par une étonnante retenue, qui n'est pourtant pas synonyme d'épuisement, ni d'adoucissement : plus en forme que jamais, Busta aligne les tubes, sans jamais s'essouffler. Ni nous ennuyer : " What Up " et ses synthés SF, " Take It Off Part 2 " et ses flûtes indiennes entêtantes (Truth Hurts meets Majesticons), l'énorme " Make It Clap " et sa carcasse de " claps " minimalistes, " Taste It " et son refrain implacable, " Hey Ladies " et son sample latino de Notorious BIG,… Excellent de bout en bout, " It Ain't Safe No More " déchire. Comme le dirait Busta : " Who-Ha " ! ! !
Avec pareil titre d'album, on se doute bien que ce nouveau groupe de donzelles hollandaises ne fait pas dans le cyber rock ou le trip hop metal façon The Gathering. Les Riplets partagent avec Mensen, L7 ou les oubliées Pandoras cette même passion pour les sonorités 'garage', les titres courts et déjantés, les rhytmiques basiques des Ramones et un sens aigü de la revendication féministe. A l'écoute de titres comme " Porn in the USA ", " Wanna be your Girl " et " Sick of You ", nul doute que les trois complices ont des comptes à rendre avec le monde des mecs. Non contentes de se gausser des Beatles et des Stones dans les crédits de l'album, Janneke, L.A. Sun et Valesca poussent le bouchon encore plus loin en attaquant de front des groupes machistes de rap ou de néo metal ricains dans la chanson évocatrice " Porn in the USA ". 'Korn, Blink 182, Blood Hound Gang, fuck you !' : le message a le mérite d'être clair. Là ou la plupart des groupes originaires des Pays-Bas développent une musique ambitieuse, aérienne et aux parfums gothiques, leurs collègues contestatrices versent en effet dans une musique des plus primaires, mais diablement réjouissante, ressuscitant le punk dans ce qu'il a de plus underground, le rock à dix balles qui invite à tout sauf à se prendre la tête. Rien de vraiment neuf sous le soleil, juste une bonne dose de fun et d'énergie à consommer immédiatement : 'one, two, three, four... Let's go !'
Fondé en 1973 en Australie, cet ensemble australien a déjà vendu, à ce jour, près de 80 millions d'albums. Une paille ! Avec ses hauts (album classé n°1 aux states) et ses bas (excès en tous genres, réputation sulfureuse et tragique changement de chanteur), son parcours est exemplaire. Désireux de casser son image, le band met de côté l'uniforme d'écolier du guitariste, la casquette du chanteur et coupe les franges des tignasses. But avoué : rajeunir son image. Relookage poursuivi sur le choix d'un label punk-rock (c'est jeune, ça !) et ralliement à la cause de Belgique/France Loisirs : la sélection du mois (Noam Chomsky, Ray Bradbury, George Orwell, etc.). Pour définitivement brouiller les pistes, on change aussi de nom, définitivement trop tapette (AC/DC, autrement dit à voile et à vapeur). Mais aussi inscription au Warped. Histoire de se dérouiller les articulations et d'en mettre plein la vue aux jeunots. Transformation radicale réussie, retour à l'anonymat garanti. Il est des groupes qu'on préférerait ne jamais voir vieillir.
Sorti l'année dernière, " Dead Ringer ", le premier album de RJD2, est une bombe de hip hop instrumental, à ranger soigneusement entre l'" Endtroducing " de DJ Shadow, le " Funcrusher " de Company Flow et l'intégrale de Stevie Wonder et de Shuggie Otis. En attendant la suite, on peut toujours se rabattre sur cet EP constitué d'inédits, de remixes et de versions instrumentales des déjà classiques " Final Frontier ", " Good Times Roll pt.1 " et " June ". Evidemment, ce genre d'opération marketing n'est vraiment intéressant que pour le tiroir-caisse du label, et pour les retardataires qui n'auraient pas encore découvert l'album original du pote à El-P. A ceux-là, on ne peut que conseiller l'écoute de " Dead Ringer ", un condensé fantastique de rap, de funk, de folk et d'électro. Pour les autres, " The Horror " peut toujours s'apprécier à la va-vite, comme sympathique bonus (également au menu : un cd-rom de lives, de clips et de making of) à l'un des meilleurs albums hip hop de 2002.
La lande écossaise, au XVIIIe siècle : un barde mélancolique traîne ses savates de châteaux en villages, troquant quelques chansons (de Roland ?) contre de la bonne pitance. L'estomac souvent vide et le cœur écorché, il brave vents et tempêtes pour répandre la bonne parole, sa seule compagne étant une vieille guimbarde taillée dans le bois le plus coriace. Son public : de vieilles sorcières, quelques enfants, parfois une jolie dame. Pour ces spectateurs à l'attention fragile, notre homme chante des histoires d'amour, de vengeance et de voyage. Parfois, il dédie une de ses chansons aux (rares) filles qui le regardent : " Come, My Darling Polly ", dans laquelle il parle de chasteté, de luxure et de vin rouge. De ses passages au Sussex et dans l'Ulster, il rapporte des airs, qu'il arrange à sa manière (" Join Our Lusty Chorus ", " Carousing "). De temps en temps, il rencontre sur la route d'autres musiciens, eux aussi en quête d'un gîte ou, tout simplement, d'une oreille attentive : accordéonistes, flûtistes, violonistes, tous partagent le même espoir - celui de voir leur musique et leur art traverser les siècles, intacts. 2003 : Alasdair Roberts (Appendix Out) sort un deuxième album solo chez Rough Trade. Avec sa voix chevrotante à la Will Oldham et son goût pour les vieilles scies du Moyen Age, le chanteur passe un peu pour un type à la masse, à côté duquel David Eugene Edwards (16 Horsepower) et David Tibet (Current 93) seraient des enfants de chœur. Cette inclinaison pour l'écriture séculaire (qui parle encore de " ceinture de chasteté " aujourd'hui ?), les arrangements traditionnels (ne manque plus que la viole de gambe) et les ambiances médiévales risquent d'en laisser plus d'un perplexes. Pourtant, ces 12 chansons sont magnifiques, parce que hors normes, hors modes. La lande écossaise, au XXIe siècle : un doux rêveur traîne ses savates de clubs en festivals, troquant quelques chansons contre un peu d'attention. Comme ses ancêtres, il espère les garder intactes, les préserver de cette époque consumériste qui ne donne aucune chance aux musiques trop singulières. Comme pour ses ancêtres, le temps, sans doute, lui donnera raison.
Duke Robillard a entamé sa carrière en 1967. Au sein du Roomful of Blues. Après avoir commis deux albums en compagnie du big band et deux autres du Legendary Blues Band, il s'est lancé dans une carrière personnelle, flanqué des Pleasured Kings. Sous cette formule, il va commettre la bagatelle de sept elpees. Entre 84 et 92. Sur le label Rounder. Et pour Pointblank et Stony Plain, il en a aligné une dizaine. Sans compter les collaborations qu'il a concédées pour Johnny Adams, Ruth Brown, Jimmy Witherspoon, ainsi que pour le Kim Wilson Band et les Fabulous Thunderbirds. Ce qui explique, sans doute, pourquoi il a collectionné les distinctions. Et en particulier, au cours des dernières années.
Pour enregistrer, " Exalted lover ", il s'est entouré de son band habituel : Jesse Williams à la basse, Mark Teixeira à la batterie, Matt McCabe au piano et Doug James au sax ténor ainsi qu'au baryton.
Duke ouvre les hostilités par "Real live wire". Quelle mouche l'a donc piqué, pour faire preuve d'une telle vivacité ? La rythmique est très nerveuse. Matt McCabe virevolte au piano. Les guitares en re-recording ont la pêche. Duke nous réserve son blues lent : "Deep inside". Le piano répond aux courtes phrases vocales qu'il balance de sa voix chaude et puissante. Edifié par Doug James, son ami de toujours, le mur de cuivres murmure doucement, pendant que les cordes s'éclatent avec bonheur et frémissement. Le Robillard a le don de varier son répertoire. "Love made a liar out of me" en est une belle illustration. Une petite perle country qui semble sortir tout droit de Nashville. Il y manifeste une telle richesse, une telle diversité dans son jeu ! Plage intimiste, "Exalted lover" réconforte par ses paroles chaleureuses. Des mots prononcés dans la langue de Voltaire, par une maîtresse visiblement satisfaite, face à la trompette de Scott Aruna. Duke joue du dobro électrique tout au long de "Tore up". Un R&B qui se traîne sur tempo paresseux. La trompette d'Aruna pointe à nouveau le bout du nez, pendant que McCabe puise son inspiration dans la Nouvelle Orléans. De son timbre de crooner, il chante "I'll never be free". Dans un style cabaret. Mais en échangeant un duo avec la chanteuse de country, Pam Tills. Steve Burk est au piano pour interpréter "Down home country girl". Un R&B enlevé au cours duquel l'arrivée de Sax Gordon au sax ténor et de l'ami Carl Quefurth au trombone sonne le rassemblement des cuivres. Il invite Miss Debbie Davies à chanter "How long has it been". Mais elle est également venue donner la réplique à la guitare. L'album s'achève par le désuet "Travelin' mood". Les rythmes sont à la fête ; mais Duke y manifeste son évidente soif de voyager dans les états du Sud.
Connaissez-vous le latin boogaloo ? A l'instar du ska ou du rock steady pour le reggae, le latin boogaloo se situe à l'origine de la musique latino. C'est donc un délice d'écouter ou de redécouvrir un enregistrement de Pete Rodriguez. D'abord parce que si les morceaux se ressemblent tous un peu, la musique est tellement allègre que le sentiment répétitif passe vraiment inaperçu. Certains trouveront l'ensemble un peu vieillot, mais franchement, quelle importance ! Parce que justement, l'ensemble possède un charme fou, et sans doute touchons-nous là au plus près de l'ambiance cubaine. La légèreté d'une telle musique a vraiment du bon dans une société parfois brutale. Ne cherchons pas les défauts de ces morceaux. Délectons-nous de ces rythmes qui parfois s'adoucissent pour reprendre de plus belle sur des cuivres énervés. Ce sont aussi parfois de très jolis solos jazz au piano qui interviennent sur un fond de percussions. Si l'impression de légèreté est due à la mélodie, la complexité instrumentale et rythmique qui règne sur ces morceaux, fait de Pete Rodriguez un musicien passé maître es boogaloo. Comment résister aux chœurs de Micaela, qui font sourire, tant les voix semblent sorties d'un autre temps. Voilà un album à écouter d'urgence en cas de déprime. Il s'agit d'un ensoleillement qui aura raison de votre humeur maussade !
Bruce Iglauer est un gars très futé. En signant le big blues band de Rhode Island, il a manifestement fait une bonne affaire. Louée pour sa section de cuivres, cette formation célèbre ses 35 ans d'existence. Un réel exploit ! Bien sûr, il ne doit pas rester grand monde du band des débuts. Chris Vachon a succédé à des étoiles de la six cordes : Duke Robillard et Ronnie Earl. Guitariste et leader actuel, il peut cependant toujours compter sur la présence Rich Lataille aux saxes et de Bob Enos à la trompette. Les autres sont tous des nouveaux venus dans la formation : Jason Corbiere aux drums, Brad Hallen à la basse (il jouait pour Susan Tedeshi), Mark Stevens au piano et à l'orgue (il a épaulé Kim Wilson, James Harman et Jerry Portnoy), ainsi que Mark Easley aux saxes (ténor et baryton).
La plage générique ouvre le feu. Et quel feu ! Swing de tous les instants, cette plage libère déjà les solistes, en particulier l'alto du vétéran Rich Lataille. La guitare de Vachon introduit "We can't make it" (de BB King), à la manière de T-Bone Walker. La voix de Mark Dufresne surprend, mais elle est d'une rare efficacité. Cet harmoniciste du Nord-ouest des USA est à coup sûr la principale révélation de cet album. "Shame shame shame" est imprimé sur un tempo infernal, très boogie New Orleans. Enos crache le feu dans sa trompette. Mark Dufresne s'est à peine effacé que le piano tonitruant de Stevens libère le sax ténor. La fête peut commencer ! "How long will it last?" est un de ces blues fin de soirée, à ne pas décrocher sa partenaire. Marc chante comme un Dieu. Les cordes de Chris hurlent de bonheur. Les ivoires de Mark frétillent. C'est l'extase ! Vachon n'a vraiment pas à rougir devant la réputation de ses illustres prédécesseurs. Il est impérial sur ce blues lent. "You're driving me crazy" baigne dans un swing jazz blues qui faisait le bonheur des foules à la fin des années 40. Popularisée par Big Maybelle, "Ocean tears" est une plage familière. Elle convient à merveille au répertoire du ROB. Le retour de l'harmo comme instrument solo, disparu depuis Sugar Ray Norcia, se salue avec bonheur. Le terrain lui est aussi laissé libre sur "Tennessee woman". La forme instrumentale de "2 Point 8" sert de prétexte aux saxophonistes pour pouvoir guerroyer sur leur terrain de prédilection. Le swing demeure pour "I know your wig is gone". Vachon en profite pour étaler son carnet de route dédié à T-Bone. Le blues des bayous louisianais est un style qui a toujours collé à ROB. Avec une approche très Guitar Slim. A l'instar d'"I'll keep on trying" d'Eddie Bo. Les musiciens nous entraînent dans la danse tout au long de l'irrésistible "Lipstick, powder and paint". Dufresne peut shouter ses vocaux sur "I'm tryin'", un excellent blues signé Little Milton. Le blues est décidément à l'honneur sur ce nouvel album. En fin de parcours, Mark chante un très heureux "I just got to know". Sur cette cover de Jimmy McCracklin, Vachon se montre insatiable et intenable devant le front des cuivres. Un très grand moment ! Ce 17ème album s'achève par la reprise du "Stranger blues" d'Elmore James. Les cordes de Vachon émettent un son pourri, très métallique. Le chant de Marc est furieux. Rien n'est sage au cœur de cette tranche de blues à coupée vif. Les derniers accents sont lugubres. Une bien belle fête!
Ce chanteur/harmoniciste canadien s'est converti au blues après avoir découvert James Cotton sur scène. Il va acquérir son expérience en accomplissant divers séjours aux USA : New Orleans, Clarksdale, Austin, Memphis et Chicago. Un périple qui va payer ! Les oreilles comblées des principes institués par les maîtres, Sonny Boy Williamson, Little Walter, George Smith, il fonde ses Blue Canadians. En 1996. Mais son premier elpee ne paraît qu'en 2001 : "Blown for broke". Une œuvre qui lui permet d'être élu meilleur nouvel artiste canadien, l'année suivante.
Mais venons en à ce " Blues ignited ". La mise à feu débute par "Stranger". Un fragment imprégné de Chicago Westside. Le spectre de Magic Sam me traverse l'esprit. L'attaque opérée par la rythmique de l'invité italien, Enrico Crivellaro, est vive e saignante, mais surtout immédiatement reconnaissable. Il est en forme…éblouissante ! A l'origine très influencé par Ronnie Earl, notre Transalpin s'est aguerri pour se forger un style très personnel. Rotundo est un excellent harmoniciste. Il possède un souffle puissant, utilise sa capacité pulmonaire au maximum. Des dispositions qui promettent ! Il enchaîne d'ailleurs par "Talk to me ". Les accents très aigus extraits de son instrument évoluent dans un registre très proche de Jimmy Reed. La guitare ne distille que les notes nécessaires. La section rythmique épouse la démarche traînarde des swamps de la Louisiane. David saisit son instrument chromatique pour le jump blues bien nerveux "I want to get lucky". Un exercice de West Coast blues qui s'inscrit dans la lignée d'un de ses maîtres, William Clarke. Il chante "Worries & troubles", d'une voix tellement proche de Rod Piazza. Mr Rotundo choisit bien ses précepteurs ! Plus que probablement exécutée par Crivellaro, la partie de guitare est purement et simplement géniale. Il fait ici pratiquement jeu égal avec les maîtres californiens du genre. Impressionnant ! Plein feu sur Chicago pour "Wiggle a little boogie". Un shuffle qui aurait pu être signé par Jimmy Rogers. Slow blues bien senti, "Can I come in your kitchen" autorise une nouvelle sortie de guitare parfaitement ciselée. La rencontre entre Rotundo et Crivellaro a débouché sur une envie de travailler en étroite collaboration. Il en résulte deux plages instrumentales : "Let's have a good time" et le très T-Bone "The sway". "Sellout or starve" est bien plus proche d'un shuffle texan. Un fragment qui met bien en évidence la section rythmique : Shane Scott à la basse et Greg Cooper à la batterie, pendant que le piano de Julian Fauth sautille d'aisance. "Lonely nights" est un blues long et lent, qu'on pourrait qualifier de fin de soirée. A l'écoute de cette composition, le légendaire George "Harmonica" Smith me vient tout de suite à l'esprit. La démarche est identique. Minimaliste, l'harmonica chromatique est projeté à l'avant-plan. Les six cordes sont bien mises en évidence sur le Chicago blues rythmé "Drinking overtime". Nous venons de passer dans l'univers musical de Sonny Boy Williamson. David l'a bien compris et s'autorise une sortie exubérante sans le moindre faux pas. Rotundo joue dans un registre très proche de Rod Piazza sur le titre maître. Un instrumental détonnant ! Nous restons à Los Angeles pour aborder "Ball & chain". La dernière occasion pour Enrico de se mettre en valeur ! "I've got to move" ponctue l'opus. David y est épaulé par l'ami canadien Jack DeKeyzer, un des maîtres locaux de la guitare dans le domaine du blues. Cet excellent disque nous entraîne quelque part entre la Californie et Chicago. Ce qui n'est guère étonnant aujourd'hui, lorsqu'on sait que le niveau instrumental est de très bonne qualité. Le blues canadien pète décidément de santé !
Au Canada, on chasse l'élan et le phoque pour en faire des sacs à main et des moufles. Mais il existe encore des gens qui chérissent la nature et lui rendent hommage. En chansons, par exemple. Chez Royal City (un quatuor de Toronto), on retrouve sans doute des membres de WWF ou de Greenpeace, tant la musique qu'on y entend reflète un état d'âme 100 % écolo : ce chant détaché et serein, ces instruments en bois, ces ambiances de feu de camp, … Y a pas à dire : cette country-pop aérienne a fait amie-amie avec Dame Nature. D'entrée, " Bad Luck " nous met la pêche (au saumon ?) : pas question ici de malchance, puisqu'on fredonne déjà cette mélodie sympa, entre Wilco et St Thomas. Puis c'est le banjo (" Under a Hollow Tree ") et l'harmonica (" My Brother is the Meatman ") qui se joignent à la fête, comme si Neil Young et Bobby Bare Jr jouaient à cache-cache avec Will Oldham dans les bois de sapin du Grand Nord. Le morceau suivant, " Spacy Basement ", dévale les terrains lisses de la pop marshmallow à dos de caribou… Yahoo ! ! ! Voilà une chanson entraînante (traîneau ?) qui vous met de bonne humeur ! L'ambiance se calme ensuite et laisse la place à quelques titres plus sombres : c'est l'hiver, les ours hibernent, les bûches crépitent dans la cheminée. Dans le poste radio, ce lent mais chaleureux (à la Songs : Ohia) " Rum Tobacco " nous précipite dans un sommeil réparateur. Un piano égrène alors quelques notes de berceuse (" And Miriam Took a Timbrel in her Hand "), mais il est passé minuit : tout le monde dort. A l'extérieur, les loups hurlent à la lune, affamés et grelottants. La nuit est noire, la neige est tenace. Mais sous l'édredon, l'homme fait de beaux rêves, en musique. Grâce à Royal City, son hiver passera plus vite.
Troisième Cd pour ce combo allemand né des cendres de l'excellent mais éphémère Violet District. Un opus qui marche sur les traces de ses deux prédécesseurs, donc sur celles du grand Pink Floyd. Avec conviction, respect, passion et efficacité. Contrairement à 'Trying to kiss the Sun', commis en 2002, 'Stock' semble cependant se moquer éperdument du formatage FM et de toute autre forme de concession. Outre la (brillante) reprise de 'Opel', une composition écrite par Syd Barrett, RPWL semble ici être parvenu à restituer 'l'esprit' floydien, sans toutefois que l'on puisse établir la moindre relation directe entre l'une des plages et sa 'source' dans le répertoire de son aîné. Les amateurs de musique à la fois psychédélique et planante seront ravis par cet album recelant quelques perles. Les mélodies sont superbes et les arrangements somptueux. Les musiciens ont un souci croissant du détail et leur interprétation gagne en finesse à chaque album. La voix de Yogi Lang est un pur bonheur et la production est tout simplement magique. Gage de qualité: le CD s'écoute volontiers d'une traite. Si vous êtes en deuil du Floyd, il n'y a donc pas lieu d'hésiter: RPWL se montre tout à fait digne de son maître. Et si ce n'est pas votre cas, intéressez-vous à cet opus pour ce qu'il est, à savoir un bien bel album de Progressif mélodique, accessible et attachant. Les plus rapides bénéficieront de l'édition limitée ; c'est à dire la version SURROUND 5.1 en cadeau. Et dans ce cas-ci, ce n'est vraiment pas un gadget!
Ce n'est pas notre genre de parler de la Star Ac', surtout en bien. A vrai dire, on se fout un peu de ces pauvres gamins transformés en bêtes de foire du show business FM : n'avaient qu'à pas s'inscrire à tout ce cirque en croyant naïvement devenir de vrais artistes. La plupart, c'est une certitude, ne sont pas bien malins. Leurs disques, heureusement, sont vite oubliés par le public lambda, une fois la saison finie et de nouveaux cobayes enfermés dans le château. Olivia, par exemple. Qui se souvient encore d'elle ? Une petite brune mignonne, qui sortait avec le pseudo-cultureux de la bande, Fabrice (si, si, souvenez-vous), le type avec ses cheveux savamment coiffés en pétard et qui aujourd'hui, faute de savoir chanter, se retrouve figurant dans ‘Sous le soleil’… Olivia, donc. Eh bien ! Olivia, Ruiz de son nom (parce que ces gens ont des vrais noms), pourrait bien mettre à sac tous nos préjugés de mélomanes avertis avec cet EP, euh, hum,… fort bien fait. La Star Ac' ne serait donc pas qu'une infâme machine à fric suçant le sang de jeunes fans de karaoké prêts à tout pour passer chez Arthur. Elle cachait bien son jeu, la garce. Olivia. Peut-être qu'après tout, elle n'était pas si bête. Parce qu'il faut bien dire que ces 5 chansons plaisent, même si derrière tout ça se cache sans doute un marketing hyper balèze, réfléchi des mois durant par une armada de consultants d'Universal, payés des milliards pour faire de cette gentille fille la ‘parfaite antithèse de Jennifer : rock, saltimbanque, au parfum suranné à la Piaf, bref un truc chiadé pour redorer le blason de la téléréalité, parce que jusqu'ici on s'en est trop pris plein la gueule’. Ouaip, Olivia : une gentille fille, au look et au répertoire singulier par rapport à ses potes (‘Mais pas trop non plus, faudrait pas choquer le bourgeois’). Une survivante. Epaulée ici par Weepers Circus, Juliette (Victoires de la Musique 97), Chet et le tandem Iso/Mitch, metteurs en son du dernier Rita Mitsouko. Justement, ces 5 titres sonnent un peu comme du Rita, en plus lisse, en plus vulgarisé. De l'accordéon, du tuba, de la clarinette, voire du theremin : dès " Qui sommes-nous ? ", le cadre est installé - ça se veut jazzy, cabaret, années 30/40… ‘Il faut faire voyager la ménagère de 60 ans, lui rappeler sa jeunesse ! Et puis regarde, la Bruni, elle a bien vendu 800.000 albums avec trois fois rien, mais c'est son univers, mon vieux, son univers, qui plaît à l'acheteur de disques ! Voilà les clés du succès : un son original, bien huilé mais pas trop ; un son que le fan de Nolwenn n'a pas l'habitude d'entendre !’. D'où la fanfare à l'ancienne (" Le Tango du Qui "), l'atmosphère à la Dietrich et tout le toutim. De toute façon, Olivia se fout bien du quand dira-t-on, elle est ‘sortie grandie de ce conte’, elle ‘a sauvé son âme’, elle ‘s'est enfuie de la fable’ (" Petite Fable "). C'est vrai ma chérie, et comme tu le chantes si bien sur ‘Le Tango du Qui’ : ‘Quel beau métier, la vie d'artiste’…
Sûr que Quasi ne va pas révolutionner le monde de la pop : ses mélodies un peu branques, sans cesse sur le point de se prendre une gamelle, n'ont pas l'ambition de devenir de gros tubes à siffloter sous la douche. Encore faudrait-il parvenir à les chantonner, tant leur structure part en couilles au moindre semblant de couplet-refrain… A cet égard, Quasi porte bien son nom : c'est quasi de la pop, mais c'est trop désaccordé pour concourir à ce genre d'étiquette. Et quand on entend la voix de Sam Coomes, c'est quasi comme si on se trouvait à côté de Wayne Coyne… Quasi : les Flaming Lips du pauvre ? " Seven Years Gone ", " White Devil Dreams " et " Lullaby Pt.2 " en donnent l'impression fugace. Cet univers dissonant mais sympathique, ces mélodies mineures mais sincères, ces instrumentations foireuses mais généreuses : voilà ce qui rapproche Quasi de la joyeuse bande à Wayne. Quasi. Parce qu'évidemment, Quasi restera toujours un groupe de série B, alors que les Flaming Lips, malgré leur attirail de série Z (costumes, peluches et confettis), font aujourd'hui partie de la cour des grands. Quasi, à côté, c'est un peu du pipeau. C'est chouette, mais sans conséquences. Genre Quasi-Modo de la pop indie. D'accord, c'est un peu méchant de l'écrire… Enfin… Quasi.
‘Je ne suis pas indispensable, je serai même compensable’, susurre Qvoice en fin de ce disque aux allures fin de siècle : chez Quark les mots (maux) cinglent et les guitares éructent. C'est la bérézina des bons sentiments, la chasse aux clichés romantiques. Quark ne ‘se sent pas prêt pour ce monde parfait’ (" Perfect World ") : à la dérive d'une pop française qui porte aux nues Kyo et Superbus, ce trio volubile ne mâche pas sa colère. " Noir, c'est noir ", comme gueulerait Johnny ; sauf qu'ici on crache dans toute cette soupe, puis on renverse le tout par terre, dans un accès de rage. " Sombre extase " se fiche de la pop music : son Dada, c'est la poésie maudite, le commentaire situ, le slogan rebelle. On n'est pas là pour s'amuser : plutôt pour constater l'effondrement du monde, la perte des valeurs, le vide des émotions. Pas commode… Et pourtant : cette musique, tendue comme un fil à couper le beurre (et l'argent du beurre), est loin d'être barbante ou trop blessante (on n'est pas chez Programme). Au contraire : il y a du rythme, des refrains à murmurer (cette basse à la Simon Gallup sur la chanson titre), des boîtes à rythmes disloquées, (" Complainte du Monstre "), du dub (" Disco Sono "), des murs de bruits (" Jerry "), des empreintes world (les chœurs de " La Chute "). La musique verbeuse, nerveuse et chercheuse de Quark s'apprécie comme un bon livre : sur la longueur, avec patience… Dans le glossaire, on retrouvera sans doute des références à Gomm, Daniel Darc, Autour de Lucie, Holden… Mais c'est au sommaire qu'il faut coincer son marque-page, parce qu'à chaque écoute, c'est une nouvelle énigme. Quark ne se dévoile qu'en filigranes : à vous de creuser et d'y trouver (ré)confort. Le bonheur (auditif) est à ce prix.
De leur premier disque éponyme sorti l'année passée, on avait dit qu'il fleurait bon cette " odeur de décadence mêlée de suavité " que l'on retrouvait dans les cabarets des années trente et à la fin des années soixante, comme du " Kurt Weill mâtiné de Doors avec les Bad Seeds en backing band ". Pour ce deuxième album, rien n'a changé ou presque : l'ambiance est encore plus tamisée… Plus lourde aussi : les Bad Seeds ont été jetés dehors par les brutes de Black Sabbath, et Jim Morrison tient une sale biture. Andrew Rothbard (le chanteur) s'en serait lui aussi pris sur la gueule qu'on ne s'étonnerait pas : du début à la fin, sa voix reste noyée sous une chape de reverbs, comme filtrée à travers un syphon d'évier de cuisine… La gueule de bois ! Pour le reste, c'est toujours ce rock psyché un peu garage (les riffs acérés de " White Mare ", " Draws on 8 ", " This is the Zodiac Speaking ", " Axis Exalt "), un peu boogie (le piano et l'harmonium, omniprésents), un peu répétitif. Le retour de l'acid rock n'est pas loin : après The Warlocks, BRMC et The Polyphonic Spree, Pleasure Forever pourrait bien ramener le Summer of Love dans nos chaumières, et faire péter les tympans de grand-mère… En plus, ils sont la 666ème sortie du label Sub Pop : ça ne s'invente pas. Allez, ressortez vos pattes d'eph', et roulez jeunesse (ou plutôt vieillesse) !
Sur ce nouvel album, Stefan Betke ose un peu transgresser les règles électrodub minimaliste qu'il s'était bâtie au fil des années et des albums (la trilogie " 1-2-3 "), jusqu'à s'enfermer dans une tour d'ivoire au sommet de laquelle il était bien seul. Maître autoproclamé du genre, maintes fois copié mais rarement égalé, Betke n'est aujourd'hui plus si aphone et pusillanime : entouré cette fois d'un rappeur (Fat Jon des Five Deez), d'un contrebassiste et d'un saxophoniste, Betke étoffe sa palette de sons et d'influences, troquant ses ‘glitchs’ devenus presque clichés pour des ambiances plus organiques et léchées, en cela plus proches du dub/reggae dont il est l'un des plus fervents tripatouilleurs. Si les quelques titres en solo ressemblent encore à du Pole pur jus, " à l'ancienne ", ceux que chantent Fat Jon révèlent un groove insoupçonné pour qui ne voit en Betke qu'un chipoteur de souris voué aux prises de tête stériles et, tant qu'à faire, anecdotiques. Les fans de Pole apprécieront ce virage jazz et rap, les autres en profiteront pour se refaire une opinion, bonne si possible. A l'écoute de " Green is not green-yellow " et " Back Home ", il ne devrait de toute manière pas en être autrement. Si ça continue, on en surprendra même à taper du pied.
Iggy Pop siège sur son trône de parrain rock'n'roll depuis plus de trois décennies, toisant tous ces jeunes blancs-becs qui ne jurent que par " Fun House " découvert un jour dans la discothèque de leur grand frère. Quand ceux-ci faisaient encore pipi dans leur Pampers en chialant pour leur tutute, L'Iguane rockait, encore et toujours. Il rockait, il rocke, il rockera, en témoigne ce nouvel opus d'une violence renversante, qui nous ramènerait presque au temps béni des Stooges, quand de jeunes types osaient encore se foutre du business et vivre dans l'excès en se tartinant de beurre de cacahuètes. Oui, les Stooges : une vieille histoire, qui resurgit du passé sans crier gare, depuis que les frères Asheton ont décidé l'année dernière de ressortir leur vieux blouson et de jammer avec Mike Watt et Jay Mascis, en souvenir du bon vieux temps. Iggy, sans doute étonné que ses anciens potes tiennent encore sur leurs guiboles, n'aura pas attendu bien longtemps pour rameuter la troupe. Résultat : quatre titres des Stooges, ‘les’ Stooges. Et pas des moindres : " Little Electric Chair ", le morceau d'ouverture, balaie de ses riffs énormes trente ans d'attente et de frustration, comme si nos trois amis ne s'étaient jamais vraiment quittés. Le deuxième titre du lot, " Skull Ring ", surprend lui aussi par son énergie viscérale, même s'il ressemble au " Peter Gunn " d'Emerson, Lake et Palmer, cette scie musicale à nouveau " fashion " depuis le bootleg des 2 Many DJ's (NDR : avec Basement Jaxx, sur " " As Heard On Radio… "). Dire que ces types ont 160 ans à eux trois ! Quant aux deux autres titres co-signés par Iggy et les frères Asheton (" Dead Rock Star " et " Loser "), ils dégagent aussi pas mal dans le genre " sex, drugs and rock'n'roll ". Le plus surprenant, pourtant, est encore à venir : parce qu'après " Beat' Em Up ", album couillon au possible, on donnait peu cher de la peau de l'Iguane et de ses musiciens, tronçonneurs hardeux d'une grossièreté atterrante. Eh bien non ! Les six titres estampillés " Iggy & The Trolls " n'ont pas à rougir, miracle, de la concurrence stoogienne : " Perverts In The Sun ", " Whatever " (un rien Pixies) ou le menaçant " Inferiority Complex " dépotent grave, et cette fois sans stéroïdes de gros bouseux abonnés à la pipelette. Autre surprise, et de taille : les " djeunes " de Sum 41 et de Green Day, sans doute invités comme caution marketing, et qui assurent correctement les arrières de notre homme d'Ann Arbor, ni plus ni moins (dommage que les accords du sympathique " Private Hell " ressemblent à s'y méprendre à ceux de… " Lust For Life "). Reste encore la reprise du " Rock Show " de Peaches avec la folle en personne, également présente sur un " Motor Inn " décapant, et ce blues dépouillé avec un Iggy seul à la guitare, hululant sa haine du music business comme un vieux pensionnaire de Fat Possum (son label préféré). Autant vous dire que ce disque est une petite tuerie, le meilleur d'Iggy depuis des lustres, et la preuve incontestable qu'on peut vieillir et continuer à vociférer du rock sans passer pour un vieux schnock.
Ana est bien décidée à se faire un nom au sein des milieux blues et blues/rock de ce début du 21ème siècle. Cette tigresse slave a découvert le blues en 91, après avoir écouté un disque d'Elmore James. Un elpee issu de la collection de son paternel, il faut le préciser. Ceux de Roy Rogers, John Mooney, Johnny Winter, Sonny Landreth et de quelques autres lui donnent alors l'envie d'apprendre à jouer de la slide… En 1995, elle fonde son propre groupe : Hush. A Belgrade. Quatre ans plus tard, la formation commet "Hometown", un album dont l'édition restera limitée. En 2000, elle s'installe aux Pays-Bas. Bernard Allison la découvre et la présente à Thomas Ruf. Ce dernier l'emmène à Memphis pour enregistrer un nouvel opus : "Hush". Sous la houlette de Jim Gaines. Armée de sa slide, elle ne manque pas d'atouts. Avouons-le, surtout extérieurs. Féline et légère, elle est pourtant capable de mordre. En décrochant le WC Handy Award de nouvelle artiste, elle a déjà réussi la création d'un axe Belgrade Memphis. Elle n'a encore que 27 ans et peut donc voir venir.
En février 2003, elle revient à Memphis pour mettre en boîte cinq plages. Jim Gaines y signe la production. Deux mois plus tard, elle enregistre six autres titres. David Z (Buddy Guy, Jonni Lang) se charge alors de la mise en forme. Elle a bénéficié de la collaboration de ses musiciens. En l'occurrence Steve Potts aux drums, Dave Smith à la basse et Jack Holder à la guitare rythmique. Ces deux sessions sont sensiblement assez différentes.
Celle qui relève de Gaines débute de manière très électrique par "Don't bear down on me". S'appuyant sur l'efficacité de Jack Holder, l'assise rythmique est solide. Essentiellement rock, la base de cette plage concède de légers accents jazzy. "Love me again" persévère dans le même registre. Un périple dans le rock dont la structure emprunte beaucoup au blues. Contagieuse, cette plage affiche un énorme potentiel. Ana a sorti la slide. Al Gamble est à l'orgue et Jack dessine des arabesques boogie. La reprise du "Sitting on top of the world" de Howlin' Wolf n'est pas très respectueuse de l'original. C'est une certitude ! Mais imprimée sur un tempo assez élevé, elle transpire des effluves blues. La slide disserte allègrement et multiplie les effets sonores. Très propre, trop propre sans doute, exempt du moindre défaut, "Navajo moon" est un instrumental… plutôt insipide. Personnellement, j'estime que "Fool proof" est la meilleure plage de l'opus. Un blues rock assez agressif. La guitare est bien travaillée. Des chœurs féminins et l'harmonica de Lyn Jones renforcent la puissance de l'ensemble. Le titre maître relève de la première session concédée à David Z. Clairement funky, il contamine "Change my mind". L'accent est ici davantage appuyé sur la section rythmique. Bien mise en avant, elle est épaulée par l'orgue de Reese Wynans. Ana joue beaucoup sur les sonorités. Elle a volontiers recours à des artifices et avoue un goût très prononcé pour certaines tonalités jazz. Légèrement funk, "Night by night" est issu de la plume de Steely Dan. Une très belle composition qu'Anna est parvenue à retranscrire à sa manière. Elle use et abuse quelque peu de ses pédales, sans toutefois forcer la dose. Dadid Z aime remplir l'univers sonore. Chaque instrument apporte un élément au décor. "Need the help I can get" en est la plus belle démonstration. Composition bien cool à la balance instrumentale parfaite, "Recall the days" repose sur l'orgue Hammond de Wynans, pendant qu'Ana flirte sur les arpèges jazzy. L'elpee s'achève par "Jaco". Une note atmosphérique, très éthérée, caractérisée par des guitares acoustiques. Un exercice de style qui contraste avec l'ensemble de l'opus, mais qui apporte un petit air de fraîcheur à l'ensemble. Si vous souhaitez vous imprégner de la Popovic music, je vous invite à écouter ce disque à plusieurs reprises. Vous pourrez alors l'apprécier à sa juste valeur…
" In absentia " constitue le premier album distribué par une grosse boîte (Atlantic) pour Porcupine Tree. Et heureusement, il est sans concession. Digne et brillant successeur de 'Lightbulb Sun', cet opus propose les mêmes arguments : mariages saugrenus mais féconds, transitions improbables mais tout aussi imparables, digressions dépaysantes ou ludiques, audaces volontiers espiègles, enthousiasme pop rafraîchissant mais décalé et ambiances aériennes, féeriques et curatives. Jusqu'ici, il n'y eut guère que XTC pour se montrer aussi original et aventureux sans renier l'héritage pop des Beatles. Mais là où XTC pond de 'l 'intéressant' à tour de bras, Porcupine Tree a cette capacité jamais prise en défaut pour créer des morceaux, certes riches et inventifs, mais aussi et surtout beaux et immédiats. La voix de Steve Wilson, fragile et vaporeuse, ainsi que les développements expérimentaux, nous emmènent souvent dans cet univers ouaté et planant, orphelin du grand Floyd. La guitare sèche, très présente, dessine parfois des paysages très bucoliques. Les guitares grasses plus métal et la rythmique aux accents souvent jazz-rock offrent des séquences d'une énergie savoureuse et ébouriffante. Et les harmonies vocales trahissent leur héritage Beatles/Beach Boys. Quoique 'Lips of Ashes', nous bal(l)ade plutôt du côté des étendues chères à Crosby, Stills, Nash and Young. Pourtant, Porcupine Tree est loin de générer la nostalgie, tant son propos est personnel et résolument moderne. La production (en progrès) et l'abondance de trouvailles sonores sont autant de sceaux qui valident le passeport du groupe pour le XXIe siècle, qu'on leur souhaite fructueux. Les fans de prog typé devront se faire une raison : les longs et lents développements dont le groupe nous gratifia jadis sont ici à nouveau absents. Mais cet opus est un vrai bonheur ! Porcupine Tree est devenu l'ambassadeur du prog sous sa facette la plus pop. Et cette métamorphose a été possible, parce que le groupe possède un talent immense…
Après avoir pris connaissance de quelques critiques émises par la presse insulaire, je m'attendais à devoir me farcir un album de piètre qualité. C'est vrai que depuis la sortie de " Black Market Music ", cette même presse semble avoir pris Molko en grippe. Faut pas exagérer. Ce " Sleeping with ghosts " n'est certes pas génial, mais il ne mérite pas une telle diatribe. En fait, c'est surtout l'emballage qui est de mauvaise facture. Etonnant, lorsqu'on sait que la mise ne forme a été opérée par Jim Abiss (The Music, Unkle et Dj Shadow). Un emballage qui a l'énorme défaut de recourir un peu trop systématiquement aux arrangements technologiques. Résultat des courses, de nombreuses compositions ressemblent à des remixes avant l'heure. A la limite, faudrait presque demander à un (ou plusieurs) Dj(s) de retravailler le tout. Pas pour en remettre une couche, mais plutôt pour en enlever une ou deux. Les meilleurs fragments sont d'ailleurs les moins surchargés ; ceux qui se rapprochent le plus des deux premiers elpees. A l'instar de l'instrumental vivifiant et âpre " Bulletproof cupid ", du très tempétueux, enlevé mais contagieux " This picture ". Ou encore du punkysant et amer " Second sight ", agité par des cordes de guitare bringuebalantes en fond sonore. J'ai également beaucoup apprécié le dramatique " Protect me from what I want ", une valse mid tempo écorchée par un harmonica distordu ; et puis le final " Centrerfolds ", dont l'univers sonore hanté par un piano spectral, passe progressivement du minimalisme aux orchestrations somptueuses. Mais c'est trop peu ! Plusieurs morceaux en reviennent à la forme gothique. Tantôt proche du précédent opus, " Black market music ", tantôt réminiscente du Cure sous sa forme la plus atmosphérique (NDR : lorsqu'ils ne s'abandonnent pas dans un spleen post Depeche Mode), tantôt sculptés dans la ballade austère, ombrageuse. Des exercices de style trop prévisibles qui cherchent le plus souvent le salut dans l'instrumentation synthétique ou la mélancolie extrême. Côté lyrics, Molko s'exprime à travers un langage autobiographique ambigu, ésotérique. Il est toujours traumatisé par les relations amoureuses qu'il a éprouvées dans le passé. Elles peuplent ses rêves. C'est d'ailleurs le titre maître du quatrième opus de Placebo. Mais plutôt que de dormir avec les fantômes, Molko aurait tout intérêt à revenir à des sentiments plus basiques. Ceux qui lui avaient permis de devenir le meilleur espoir du rock britannique. C'est vrai, c'était en 1997…
Derrière PJDS se cache Pieter-Jan De Smet, artisan saisonnier de l'indie-rock flamand, à qui l'on doit déjà trois albums passés plutôt inaperçus. Avec cette nouvelle livraison, PJDS s'est entouré d'un vrai groupe (Mirko Banovic à la basse, Geoffrey Burton à la guitare et Frederik Van Den Berghe à la batterie), de quoi donner davantage d'envergure et de tenue à ses chansons rock pleines d'allant. Ca commence fort avec " Me " et ses riffs à la Mick Ronson. PJDS, d'ailleurs, y chante comme Bowie… Tout le disque est ainsi teinté d'une couleur seventies, du Thin White Duke à Peter Gabriel. Du rock plutôt classique, certes, mais de qualité : " Light Sleeper ", " Arsonist " et " Truth " pourraient bien devenir, à cet égard, de vrais tubes. Parfois, Pieter-Jan susurre aussi comme Jarvis Cocker (" Killer Cosiness "), ou miaule, tel un baryton dépressif, comme Andrew Eldritch (" Car To Crash "). Toutes ces références n'ont d'autre intérêt que de caser le bonhomme (une obsession de journaliste), mais l'on peut très bien apprécier ce " Suits You " sans ces préliminaires catégoriques, en fin de compte plutôt puérils. C'est d'ailleurs là où on l'attend le moins que PJDS émeut le plus : en plein milieu d'une ballade crépusculaire (" No Surprise " et son violent indolent, le beau " Mood Like Old Paint " en clôture), quand le rocker se fait crooner, les guitares débranchées et la rage des premiers titres noyée dans les vapeurs d'alcool.
Quel dommage ! Imaginez une version lugubre des Beatles ! C'est un peu l'impression que laisse cet album des P.Y.S.P.Y.D. A première écoute, on apprécie le fond sonore qui rendait l'ensemble nostalgique ; et pour un instant, on est transporté dans le Liverpool des années soixante, lorsque les enregistrements n'étaient pas encore parfaits. Certes la comparaison et la critique sont plutôt faciles. Mais parfois, lorsqu'on est à court d'arguments, elles nous rendent bien service ! A la deuxième écoute, on trouve que les chansons commencent à se ressembler et qu'au-delà du brin de nostalgie qui nous avait envahis la première fois, il en ressort une fadeur sans précédent. Il faut attendre "Moon River", un très joli morceau interprété au piano, pour sortir de sa torpeur. Une plage qui me rappelle le calme de saloons dans les westerns, avant l'attaque des cow-boys ; un calme mêlé d'une douceur presque romantique. Celle des films muets quand Charlot déclarait sa flamme à Paulette Goddard, sa future femme, dans "Les Temps Modernes". A partir de cet instant, l'album commence à décoller. Légèrement, il faut le préciser. La suite nous réserve ainsi quelques accents électro sympathiques, avant de replonger dans un sinistre fonds d'orgue, qui ne suffit pas, pour autant, à vraiment nous inquiéter. "Individualized Shirts" n'est pas mauvais un mauvais elpee, mais il manque singulièrement de peps, même au bout de l'énième écoute…
Il est loin le temps où Liz Phair faisait la nique aux Rolling Stones. En répondant notamment, titre par titre, au machiste " Exile on main street ". Sur un elpee intitulé " Exile in Guyville ". Un mélange de provocation, de perversion, de sarcasme et de réalisme qui va lui valoir un énorme succès (NDR : plus de 200.000 exemplaires vendus !) ; mais surtout une image de féministe très en vogue au début de nineties. Un féminisme qui n'excluait ni la féminité ni le romantisme. Ce qui lui a valu le titre de reine sexy de la pop indé. C'est elle qui a ainsi ouvert la voie à Alanis Morisette. Si ses albums suivants ont été moins bien accueillis, ils avaient encore au moins une identité, explorant par exemple les côtés les plus obscurs de sa personnalité. A l'instar de l'excellent " Whitechocolatespacegg ", paru en 1998. En consultant les notices de la pochette de son nouvel opus, j'ai fait la grimace : The Matrix y cosigne plusieurs chansons. Résultat des courses, Liz se pose aujourd'hui en sérieuse concurrente à Avril Lavigne ou encore à Natalie Imbruglia. Pas difficile de comprendre pourquoi les compositions formatées rivalisent d'insipidité. A contrario, les très belles photos du booklet rivalisent de sensualité. Mais ici on n'est plus dans l'univers de la musique…
Bizarrement, les Pet Shop Boys ont toujours été sous-estimés : leur pop eighties teintée d'électronique n'a pratiquement jamais été honorée à sa juste valeur - une valeur sûre pour qui écoute aujourd'hui Tiga ou Zoot Woman. Si personne ne remet en cause l'apport musical de New Order, de Human League, de Depeche Mode et de Cabaret Voltaire sur la génération techno… Tout le monde oublie par contre le rôle prépondérant que Neil Tennant et Chris Lowe ont joué dans l'édification d'un courant désormais majeur. Peut-être est-ce dû à leur imagerie parfois ringarde (les chapeaux pointus de l'époque " Very "), à certains de leurs tubes limite FM (" New York City Boy ", rebaptisé ici " Paris City Boy "), à d'autres fautes de goût tendance " Bilingual " (leur pire album, de l'" eurodancepudding ")…
A l'heure où sort ce double best of, il est temps pour beaucoup de virer leur cuti et de reconsidérer le cas Pet Shop Boys : des titres comme " Domino Dancing ", " West and Girls ", " It's a Sin ", It's Alright " n'ont-ils pas droit aux mêmes lauriers que ceux dressés aux autres kadors de l'électro-new wave des années 80 ? Insidieusement, les Pet Shop Boys ont inoculé leur virus mélodique à toute la musique électronique des années 90. Les fans de rock, eux non plus, n'ont pas le droit de bouder leur plaisir. En 1990, le duo anglais changeait de style et signait un des premiers disques importants de la décennie " Behaviour ". Une œuvre qui recèle de grandes chansons que restent " So Hard ", " Jealousy " et surtout " Being Boring ". Après s'être spécialisés dans la dance de qualité, les Pet Shop Boys amorcèrent donc, à l'orée du grunge et de l'alternatif, un virage pop-rock de belle envergure. Puis c'est " Very " (1993) et ses hymnes techno-pop (gay) au visuel Pop Art de McDonald (" Can You Forgive Her ? ", " Go West "). Arrive alors l'impasse créative illustrée par " Sé A Vida E " et " Bilingual " (1996), deux échecs critiques et commerciaux qui leur valurent sans doute cette réputation de grand groupe mineur, mais à l'influence autrement moins cruciale que celle de ses pairs… En 1999, Pet Shop Boys revient avec un très bon album, " Nightlife ", sur lequel Neil Tennant chante davantage les déboires du cœur, et se confesse sans pudeur (les émouvants " I don't know what you want but I can't give it any more " et " You only tell me you love me when you're drunk "). C'est un nouveau départ pour le duo, qui choisit cette fois les larmes aux perles de sueur, l'introspection à l'excentrique. Une option reconduite sur leur dernier album en date, " Release " (2002), dont on retrouve ici " I Get Along " et " Home and Dry ", d'une tonalité plus rock que d'habitude. A l'écoute de ce best of (deux cds + des remixes), difficile en tout cas de prédire l'avenir musical du duo, tant Neil Tennant et Chris Lowe ont su embrasser tous les styles sans jamais (ou presque) se fourvoyer. Une belle leçon d'histoire, qui remet bien des pendules à l'heure.
Cinq jeunes tarés de Londres qui prennent le trip-hop, le funk, le hip hop, le rock, le dub et le ska à contre-courant, en n'oubliant pas d'y rajouter une bonne dose d'humour : à la première écoute, c'est ce que nous inspire Pest. Un groupe poil à gratter, qui se fout bien du quand-dira-t-on, malaxant la dance music comme de la plasticine. " Necessary Measures ", c'est comme une vraie plaine de jeu où tous les coups (foireux) sont permis, avec pour compagnons de bac à sable les hilarants The Avalanches, Kid Koala et Mr Scruff. A qui Pest met de temps en temps une bonne raclée, juste pour rire, eux aussi. Mais derrière ce trip-funk farceur, ce big beat de fanfare, ce jazz-rock qui part en vrille, se cache aussi un sacré savoir-faire : les cinq gars de Pest ont beau se la jouer " gamins de cirque ", ils jonglent avec les instruments comme d'autres clowns avec des torches enflammées. Une sacrée dextérité, et quel courage ! Samples, trombone, violon, platines, guitare, basse, synthé, batterie : Pest connaît par cœur le catalogue des sons qui font danser, sans jamais tomber dans la démonstration facile, genre Foire de la Musique. Nouveaux " Messieurs Loyal " de Ninja Tune, qui n'a plus été à pareille fête depuis des lustres, les cinq gars de Pest déploient leur talent sans filet, sous nos applaudissements les plus fiévreux. Du grand spectacle groovy et funky, dont on guette avec impatience les prochaines représentations.
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