Ce chanteur/guitariste anglais a eu son heure de gloire au début des années 80, lorsqu'il drivait Samson, un trio spécialisé dans le hard rock assez métallique. A l'époque le groupe avait déjà commis une petite dizaine d'album. Samson se reforme régulièrement et a notamment sorti, il y a peu, "Live in London 2000", toujours chez Mystic. Ce nouvel opus réunit des témoignages 'live' de Paul Samson opérés dans un registre bluesy. Comme ce musicien manifeste une prédisposition pour le hard, l'elpee privilégie le rockin' blues électrique, un style susceptible d'intéresser les vieux adeptes du british blues.

L'album réunit des plages tirées de quatre différents concerts qui se sont déroulés entre 95 et 97. Tout d'abord à Croydon, près de Londres. En juin 95. A l'affiche : les Breakers. Un groupe drivé par l'ancien batteur de Ten Years After, Ric Lee, et secondé par le bassiste/chanteur Ian Ellis, un musicien qui transita naguère chez le Savoy Brown. En panne de guitariste à l'époque, les Breakers avaient invité l'ami Samson. Qui avait rappliqué alors en deux temps trois mouvements. On le retrouve ici sur quatre plages, dont une reprise pas mal ficelée du "Reconsider baby" de Lowell Fulson. "Sweet home Chicago" est devenu un titre éculé tant il a été repris. Et que dire du fameux "Crossroads" de Robert Johnson? Il est exécuté à la manière d'Eric Clapton, lorsqu'il sévissait chez le Cream, à la fin des années 60 ; mais en moins bon. Car si Samson n'est pas Clapton, Ellis et Lee ne sont ni Jack Bruce ni Ginger Baker.

Le deuxième concert est consacré au Peter Green Tribute Show, accordé à Londres en octobre 95. Il est de notoriété publique que dans chaque guitariste anglais sommeille un Peter Green en puissance. Mais n'est pas Peter qui le veut! Steve Robinson chante plutôt bien le superbe blues "Love that burns". Pete Brown, promoteur de ces concert-hommages, est aux percussions. Paul tient la guitare. Mais la version de "Black magic woman" est assez pénible. Car les vocaux sont assurés par… Paul Samson.

Le troisième concert a été immortalisé en compagnie du groupe chicagolais, le Richard Black Project. En juillet 96. Dans le Colorado. Une fois encore, l'ami Samson fut appelé pour remplacer au pied levé un musicien… empêché. Ce n'est pas vraiment du blues, mais la section américaine possède plus de groove et le chanteur n'est pas inintéressant. "Hot girls" et "The city burns" passent le cap. Signé Jimi Hendrix, "Cherokee mist" nous restitue Samson dans un élément plus familier.

Enfin, le quatrième concert épingle Samson au sein de son propre combo. Paul est épaulé par une section rythmique pour interpréter "A fool for your stockings" du ZZ Top, ainsi que "Voodoo chile" de Jimi Hendrix. Le traitement infligé à un fragment baptisé "Louise", me semble un peu lourd. Un fragment composé à l'époque par une formation de pub blues qui répondait au nom de Sam Apple Pie, et que j'adorais à l'époque. Mais qui se souvient encore de cette formation? Un document, sans plus.

C'est le premier album du producteur et Dj Matthew Chicoine, et c'est une déception : en ayant voulu étaler son savoir-faire, l'homme de Détroit s'est perdu en chemin. Ses compositions s'étirent péniblement, laissant l'auditeur perplexe et, surtout, assoupi sur le bord du dancefloor. Car sa tech-house, loin de donner des fourmis dans les jambes, fait l'effet d'un somnifère. Pas que les onze titres de ce " Cardiology " soient vraiment mauvais, mais ils sont seulement trop longs : sept minutes en moyenne, sans jamais de virage mélodique ou de carambolages de beats. On aurait préféré plus de variations, et pas seulement sur le même thème (la deep house un peu techno). Il y a bien de-ci de-là du dub (" Absence of One "), de l'electro (" Permutations "), des percus (" Get There Tonight "), mais c'est comme chercher une aiguille dans une botte de foin. " Cardiology ", c'est pas justement une affaire d'aiguilles qui s'affolent, de tension qui monte ? Pas ici, en tout cas.

Christopher Anton Rea est né en mars 1951. A Middlesbrough, en Angleterre. Ses débuts à la guitare sont inspirés par Joe Walsh et Ry Cooder. Il fonde son premier groupe en 1973 : Magdalene. Un combo au sein duquel le futur Deep Purple, David Coverdale, est préposé au chant. Il embrasse ensuite une carrière solo.

Paru en 1978, son 1er album "Fool" ne recueille qu'un succès plutôt discret. Depuis, Chris a commis, presque chaque année, un nouvel elpee. Dont "Road to hell" en 1983 et "Auberge" en 1991 décrocheront la première place dans les charts. Son dernier album, "King of the beach", remonte à 2000. Chris Rea est surtout célèbre pour la beauté naturelle de son chant et son jeu à la slide ; mais manifestement, il est plus apprécié dans les milieux pop/rock que blues. Il serait cependant dommage que ces derniers boudent ce "Stony Road", car il est sculpté dans le Delta blues du Mississippi. Chris a composé toutes les plages. Il a reçu le concours de Martin Ditcham aux drums, Sylvin Marc à la basse, Robert Ahwai à la guitare, Ed Hession à l'accordéon et Gerry O'Connor au banjo.

"Changing times" ouvre le feu. Chris actionne un bottleneck électrique au son poussiéreux. Les musiciens trament la toile sonore du rythme ; et en particulier l'accordéon qui reste toujours en retrait. Authentique, dépouillé à l'extrême, "Easy rider" est très impressionnant. Après quelques notes de dobro, le banjo paresseux commence à distiller quelques petites grappes de notes. Le timbre vocal chaud et graveleux est très présent. Lorsqu'elle se libère, la slide métallique vous flanque un sacré frisson dans le dos. A fleur de peau, minimaliste, l'atmosphère se maintient tout au long de la plage générique. La section rythmique est très effacée. Seule la slide se permet des diversions au sein de ce décor lugubre et fantomatique. Nonchalante et laidback la voix exerce des ravages dans ce style. Mr Rea s'inspire surtout des anciens maîtres du Delta, tels que Charley Patton et Blind Willie Johnson. Sur "Dancing the blues away", Chris injecte du tonus à son blues. Davantage allègre, le rythme autorise l'accordéon et les percussions à participer au festin sonore. Tout au long de "Burning feet", caractérisé par un dobro chargé bourré de feeling, Chris observe un chant personnel, très laidback, qui me rappelle JJ Cale. Un harmonica sautillant introduit le rythme de "Mississippi 2", cette rivière qui coule dans ses veines. Tempéré dans le son et l'énergie, ce boogie est rondement mené. Faut dire que Rea n'est pas un extraverti. Un piano pourri, sorti tout droit d'un barrelhouse, annonce "Slow dance". Une danse pour le R&B. Une plage enjouée, au cours de laquelle l'accordéon et la slide sont distillés goutte à goutte. Le ton devient grave lorsque Chris aborde "When the good Lord talked to Jesus". C'est la parole du père à son fils. Une tristesse infinie nous envahit. La lumière diffuse nous éclaire à peine. Un piano sourd et un accordéon particulièrement sobre entretiennent ce climat tout en retenue instrumentale. Seule la voix rocailleuse se fraie un chemin pour aboutir à la clarté de "Heading for the city". "So lonely", nous ramène au chœur du Delta. La slide se complait au cœur de cet espace volontairement dramatique et toujours aussi dépouillé. Chris est à cet instant tellement proche de ces songsters d'une autre époque. Le diable serait-il à nouveau à la rencontre de carrefours mythiques (Crossroads)? Au cours des dernier mois, Chris a traversé des moments difficiles. De sérieux problèmes de santé ont même miné son moral. Pourtant, il fait preuve d'optimisme mais sans esquisser le moindre sourire, lorsqu'il chante "Someday my peace will come". Le banjo et l'harmonica donnent la réplique à son timbre vocal empreint de douceur, tout au long de "The hustler". Pour achever cette œuvre, Rea se mue en poète ; et à l'instar d'un Leonard Cohen, il murmure d'une voix grave "Give that girl a diamond". Non seulement cet opus est excellent, mais en outre, il constituera une véritable révélation pour les aficionados de blues. Et franchement, je lui souhaite bon vent dans cette nouvelle direction qu'il vient d'embrasser. D'ailleurs, n'a-t-il pas déjà vendu, au cours de ces vingt dernières années, plus de trente millions d'albums ?

Trois ans après "Californication", album de la maturité et de la consécration, les RHCP nous reviennent plus en verve que jamais, les singeries métal une fois pour toutes au placard et le calepin pop encore plus bourré d'idées et de mélodies sublimes. Pourtant, l'album démarre en trombe rock'n'roll, la basse de Flea martelant le chant vocodorisé d'un Kiedis surchauffé, toujours en lutte avec ses démons intérieurs… "By The Way" roulerait-il des mécaniques, comme au temps des fusions de "Blood Sugar Sex Magic", le disque fondateur du nu-métal ? Pas du tout : depuis "Californication", les RHCP ont préféré troquer leurs haltères contre l'intégrale des Beach Boys - le retour de John Frusciante, le guitariste prodige, y étant sûrement pour quelque chose… Dès le deuxième titre ("Universally Speaking"), les Californiens reprennent donc les mélodies colorées et les harmonies douces-amères là où ils les avaient laissées ; bref en haut des hit-parades et dans nos cœurs d'éternels adolescents. "Dosed", "Don't Forget Me",… que des hits en puissance, sans parler de ce "This is the place" rédempteur, hommage honnête aux junkies de la terre, dont Frusciante a fait longtemps partie… Heureusement pour nous, le guitariste s'est débarrassé de ses caprices d'héroïnomane, reprenant le manche et décidant du cap à emprunter par le groupe, direction le pays des rêves pop et des ballades crépusculaires. Au bout du voyage, après quelques virages funky ("Can't Stop", "Throw Away Your Television") et plusieurs escales sympathiques en "terra incognita" (l'air mariachi de "Cabron", la new-wave de "Warm Tape, qu'on croirait échappée du dernier album solo de Frusciante), les RHCP peuvent contempler le chemin parcouru, le superbe "Venice Queen" (deux chansons pour le prix d'une) en parfait épilogue, et se dire qu'ils ont, encore une fois, enfanté un chef-d'œuvre.

Depuis qu'il a commencé à enregistrer, c'est à dire au début des 50's, cet artiste a commis un nombre incalculable d'albums. De son vrai nom, Iverson Minter, il est né en mars 1932. A Vicksburg, dans le Mississippi. Il a vécu une enfance assez misérable. Sa mère est décédée d'une pneumonie, une semaine après sa naissance. Son père a été massacré par le Ku Klux Klan. Après avoir été recueilli quelque temps par sa grand-mère, il a été ensuite hébergé chez sa tante Corrine Drive. Mais son compagnon détestait et battait Iverson. Résultat des courses, il sera placé à l'orphelinat. Mais le sort ne l'épargne toujours pas. En 1972, il perd sa première femme, Ealase, atteinte d'un cancer.

Depuis 1981, il vit en Allemagne. Où il s'est déjà produit sous divers patronymes : Cryin' Red, Elmore James Jr, Guitar Red, Playboy Fuller, Rockin' Red et bien d'autres. Mais en mars 2001, Louisiana Red se voit remettre les clés de la cité de Woodstock. A l'instar de Muddy Waters, de nombreuses années auparavant. En août de la même année, notre homme se retrouve dans la même cité. Dans les studios "Levon's Barn" de l'ancien batteur du Band, Levon Helm. Il bénéficie alors de la production des guitaristes Brian Bisesi et Jimmy Vivino.

Sous-titré "The Woodstock sessions", l'album démarre d'une manière surprenante par "Take your time". Une plage funky, balayée de cuivres. Et lorsque David Raynor s'en extrait, c'est pour livrer un superbe solo sur son saxophone. Et je m'en voudrais en omettant de mettre en exergue le brio du guitariste Brian Bisesi. "Lou Jean" est imprimé sur un tempo très rapide. Louisiana Red chante à la manière d'un shouter, devant la section de cuivres au grand complet. Le piano de David Maxwell est très présent. La guitare, manifestement à l'aide dans ce contexte, opère une heureuse sortie. Red possède une voix éraillée, puissante, tellement belle dans son style. Elle crie, gémit sans douleur. Le registre s'avère cependant inhabituel pour interpréter "Alabama train", une ballade assez rock, très sudiste dans la démarche. Implacable, la rythmique est assurée par Steve Gomes à la basse et Levon Helm à la batterie. Le tempo décélère quelque peu pour permettre à Red de sortir enfin sa slide et chanter "I had a dream". Le son de la slide est relativement pourri, mais colle parfaitement à l'expression sonore. Sa voix est capable d'opérer des exercices de style et les cordes libèrent leur intensité sur le fil du rasoir. Il chante de manière inimitable, avec tellement de vécu, "Blue evening". Un fragment qui bénéficie de la participation du saxophone de Garth Hudson, un autre musicien du Band. "Blues 2001" est une nouvelle plage funky. Red joue avec sa voix. Benjie Porecki est à l'orgue. Les saxes sont présents. Tout comme les guitares bien électriques assumées par Vivino et Bisesi. Signée Sandy Jones Jr, "Laundromat blues" est une cover bien roots. Red chante et joue de la guitare. Levon Helm est à l'harmonica. Jimmy Vivino se réserve la mandoline. David Maxwell, le piano. Une pause acoustique opportune qui se prolonge sur "Philippa". "Lightning bug" sonne le retour intégral des cuivres. Un fragment qui met une nouvelle fois en évidence les dons de chanteur de l'artiste, dont le timbre se module à l'infini. "Where's my friends" campe un sublime blues classique. La slide électrique, le piano et les drums se conjuguent pour libérer une solide dose d'émotions. L'opus s'achève par une jolie ballade, illuminée par un solo de sax : "Sleep Little Robert". Un chouette album !

En une bonne dizaine d'année d'existence, Les Sidemen ont commis quatre albums : "The sidemen" en 92, "When the sun goes down", produit par Joe Louis Walker, en 95, "Dig in" en 99 et ce petit dernier, produit par l'un des plus célèbres bluesmen canadiens, Colin Linden. Paul Reddick en est le leader, le chanteur et l'harmoniciste. Il écrit ses propres chansons, dans l'esprit du blues rural des années 30, de Sleepy John Estes, de Fred McDowell et d'Alan Lomax lorsqu'il consacrait ses enregistrements pour la Librairie du Congrès.

Paul est flanqué de Kyle Ferguson aux guitares, de Greg Marshak à la basse et de Vince Maccarone à la batterie. La production de Colin Linden est excellente. Le son est assez sale. Solide et soudée la section rythmique est bien en avant. L'introduction laisse augurer une excellente plaque. Un fragment assez court, intitulé "P.r Jubilee", chanté comme une work song. Les premières plages sont très électriques. Hommage au vieux country bluesman, "Sleepy John Estes" est en réalité un boogie pur et dur, propagé sans le moindre compromis. Une entrée en matière très heureuse mais féroce, au cours de laquelle l'harmo est déjà bien allumé. Le funky "Pinegum" trempe dans une ambiance Memphis soul. Paul souffle puissamment dans l'harmonica pour introduire le mélodique "King o' the zig-zag". La guitare est très aventureuse. "One way trip" est superbe. Chanté divinement il est imprimé sur un rythme à la "Wang dang doodle", alors que l'harmonica ne demande qu'à décoller! A partir de la sixième plage ("Pearl river blues") l'opus amorce un virage acoustique. Signée Colin Linden, "Blind river bound" est une roots song bien relax, balisée par le dobro de Linden et l'orgue de Richard Bell. Linden s'assied et empoigne la mandoline pour aborder "Trouble again", dans l'esprit d'un passé lointain. "Scufflewood" marque un retour au hard blues. La voix bien graveleuse de Paul rappelle celle de Billy Gibbons. Le riff de guitare peut également nous faire penser au trio texan, alors que le piano vient donner une touche plus personnelle. Cette référence à ZZ Top réapparaît régulièrement, mais avec bonheur, sur "I'm a criminal" ; notamment au niveau du chant. Imprimée sur un rythme hypnotique, cette assez longue plage laisse libre champ au guitariste Ferguson. Le dobro, l'orgue et la section rythmique funky alimentent un étrange "Dreamin' dreamin" à l'ambiance roots, très dépouillée. La plage titulaire est un shuffle à la texane. Le rythme est bien imprimé par la guitare. Elle suit à la trace basse et drums, pendant que l'harmonica s'évade de cette puissante trame pour atteindre les sommets. Court intermède instrumental, au cours duquel l'harmo est dupliqué avec un maximum d'écho et de réverbération, "06/19" introduit "Smokehouse". Une plage vive, imprimée sur le rythme du chemin de fer. L'harmonica apaisé et l'orgue paresseux entretiennent le très laidback "Tumblin' down", une finale qui respire la quiétude... Je recommande tout particulièrement cet excellent album. Un disque dont la démarche est très originale ; hard blues for modern times, comme ils le clament eux-mêmes...

Bien que d'origine américaine (NDR: les musiciens sont issus de l'Alabama, mais vivent depuis un bon bout de temps à Los Angeles), ce quintette pratique une musique dont le feeling est typiquement britannique, britpop si vous préférez. Et nonobstant la production assurée par Jack Joseph Puig (No Doubt, Tricky, Green Day), son troisième opus continue de militer dans la même division. Une division instituée par U2 (NDR : circa " Achtung baby "), Radiohead, Cast et consorts et dominée aujourd'hui par des JJ72, Shed 7, Muse et même Travis. Le chanteur, Cinjun Tate campe même un timbre vocal falsetto à la croisée des chemins de Fran Healy, Loz Hardy (Kingmaker) et de Paul Draper (Mansun). Il faut également savoir qu'avant d'entrer en studio, le groupe avait composé toutes ses chansons à la guitare s sèche. Deux fragments ont même conservé leur texture initiale. Une technique qui permet de conserver intact le feeling de chaque morceau. Mais c'est le fragile équilibre entre cordes de guitares acoustiques élégantes et électriques bringuebalantes qui donne cet aspect si fruité, si pétillant à leur musique. Deux fragments s'écartent cependant de la règle générale. Tout d'abord " Glorious # 1 ". Hymnique, furieux, il parvient à pomper le glam de Marilyn Mansun. " Over the rails & Hollywood high ", ensuite. A cause de ce climat conflictuel, tout à tour menaçant et allègre, qui règne tout au long du fragment…

Ce boucan d'enfer, c'est ‘le bruit que fait le bonheur quand il s'en va’. Il résonne dans la tête de Renaud depuis que Dominique, celle qui était déjà sa ‘gonzesse, celle que j'suis avec’ à l'époque, l'a quitté. Il étale son chagrin tout au long de l'album. Lucide, Renaud ne rejette pas la faute sur son ex, mais bien sur lui-même et ses turpides, décrites avec humour dans " Docteur Renaud et Mister Renard ". Tout amateur de chanson se réjouit de voir Renaud revenir à l'écriture. Le talent est intact, la voix toujours aussi limite et touchante. Mais l'insistance à se pencher sur son nombril tout triste est lassante. Je comprends le besoin d'expression mais je préfère de loin Renaud quand il s'éloigne de ses problèmes personnels pour décliner, avec l'aide magnifique d'Axelle Red, cette belle idée des enfants de Manhattan et de Kaboul, " pulvérisés sur le thème de la violence éternelle " ; pour ironiser sur BHL ? ce ‘philosophe des beaux quartiers qui refait le monde devant une coupe millésimée’ ? et applaudir l'entarteur qui ‘nous a bien vengé de ce Jean-Paul Sartre dévalué’ ; pour défendre les amateurs de nains de jardin, face à ceux qui, pour rire et soi-disant pour les libérer, volent l'unique richesse de ces gens simples.

Chez Rival Schools, on retrouve Walter Schreifels, une des figures de proue de la scène hardcore new-yorkaise. Avant de fonder cette formation, il avait ainsi sévi au sein de toute une série de groupes, dont le plus connu demeure, à ma connaissance, Quicksand. " United by fate " constitue le premier opus de son nouveau projet. Pour lequel il assume toujours le chant. D'un timbre vocal très caractéristique, semi rocailleux/semi écorché qui me fait fort penser à celui de Richard Butler (Psychedelic Furs). Si on s'attache à l'aspect musical, il faut admettre que la première partie de l'opus n'est guère enthousiasmante ; Rival Schools se laissant un peu trop facilement embourber dans les clichés grunge institués par Nirvana. La deuxième partie de l'elpee s'avère, cependant, beaucoup plus intéressante. Parce que les compositions évoluent dans un univers ténébreux, à la croisée des chemins du hardcore expérimental de Fugazi, de la noisy sauvage mais bourrée de feeling de Cell et du rock urbain des Furs. Tour un programme ! Dommage que tout le disque ne soit pas de la même trempe…

Imaginez un peu Mylène Farmer qui aurait reçu la caution d'Amélie Nothomb. Vous avez ainsi une petite idée de l'univers sonore au sein duquel baigne cet opus. L'écrivain belge offre en effet 6 chansons à Robert. Et celle-ci, en échange, lui offre le personnage central de son dernier roman (" Robert des noms propres "). J'avoue cependant n'être ni collectionneur frénétique de l'œuvre intégrale d'Amélie Nothomb, ni surtout un amateur de Mylène Farmer. Aussi, je ne vois pas trop que faire de ce disque.