Depuis plus de trois ans, on était sans nouvelles des Girls Against Boys (si ce n'est via la BO de " Series 7 "). Sans doute trop occupé à vouloir redorer son blason suite au bide de " Freak*On*Ica ", le groupe de Scott McCloud était donné pour mort, mangé tout cru par l'industrie du disque. Et voilà qu'il est de retour, plus en forme que jamais : finis les détours électro de ce " Freak " assez tiède, envolés les doutes existentiels et les remises en question (major oblige), Girls Against Boys est reparti pour un tour en première division de l'Internationale noisy. Produit par Ted Niceley, déjà responsable du son ravageur de leur " House of GvsB ", " You Can't Fight What You Can't See " sonne monstrueux : les deux basses de Johnny Temple et d'Eli Janney martèlent des lignes d'enfer (" Basstation ") et la voix de Scott est toujours aussi sexy… " Pussycat, what's new ? ", chante-t-il sur " All The Rage " : ce qui change ici, c'est justement ce retour aux sources, cette marche-arrière des influences que l'on aurait redouté chez les autres mais que l'on accueille avec joie chez les GvsB. Car leur rock écorché, hypnotique et moite n'a jamais mieux sonné que dépouillé de toute production trop léchée, comme c'était malheureusement le cas avec " Freak*On*Ica ". Ici, on retrouve le GvsB des guitares folles, pétant de jeunesse sonique et de mélodies magiques (" Kicking The Lights " et ses chœurs à la Pixies, le langoureux " Let It Breathe ", " Tweaker " et ses rythmes affolés). Parrain de toute une génération abonnée aux montées d'adrénaline (Mogwai, Six By Seven,…), Girls Against Boys ranime encore une fois la flamme d'un rock mature mais sans concession. Grand!
Ginger Ale, c'est l'histoire de Stéphane Bertrand et Jonathan Chaoul, deux producteurs français qui emboîtent le pas d'Air et maintenant de Cassius, à savoir écrire de vraies chansons sous influence électronique. Finis les morceaux instrumentaux, retour au format plus classique (et résolument en vogue) du single chanté par un invité de marque : ici Sondre Lerche (Röysopp n'est pas loin), Etienne Daho, Matthieu Malon (Laudanum), Johan Asherton et l'inconnue (plus pour longtemps) Angèle David-Guillou, alias Klima. Album de producteurs à la Playgroup, " Laid Back Galerie ", comme son titre l'indique, retourne aux prémices eighties de la house et de l'électro, les voix en plus. Au final, un beau voyage dans le temps, de Siouxsie (la reprise sautillante de " Happy Hour ") à Manchester, avec une brève escale à Rome (" If ", sorte de " Week-end à Rome " revisité, avec en guest-star… Daho lui-même). Mais malgré ses détours et ses virages en épingle, " Laid Back Galerie " surprend par sa cohérence, et semble montrer la voie que devait emprunter l'électro française si elle veut sortir de son ornière - privilégier plutôt le format de la chanson pop que celui des dance-floors. En ce sens, l'album de Ginger Ale est une belle réussite, et le signe avant-coureur d'un renouveau de la scène électro française.
Né au Brésil, à Rio de Janeiro très exactement, Big Gilson es âgé de 43 ans. Il a drivé le groupe local Big Allanbik, responsable de 4 albums au cours de son existence. " Live at the Blue note NY " constitue son 3ème opus solo. Il fait suite à "Yellow mojo blues", commis en compagnie d'Alan Ghreen" et "Car driver blues", déjà paru chez Topcat. Ce petit dernier a été enregistré live, en février 2000, dans le plus grand club de jazz au monde : le Blue Note de New York.
Big Gilson a toujours été inspiré par Johnny Winter et d'une manière plus générale par le Texas blues. Il est ici entouré par les Solid Senders. Marty Bauman est à la guitare, Steve Shaw à la basse et Bob Berberich aux drums. Ils sont épaulés par l'harmoniciste de Washington DC, Bruce Ewan.
L'elpee s'ouvre par "Tribute to Roy Buchanan". Un hommage appuyé au formidable guitariste disparu. Toujours pas repu, il reprend également "Messiah will come again" du même Buchanan. Un blues très lent et d'excellente facture. La présence de l'harmoniciste Bruce Ewan est un plus pour les Solid Senders. C'est en outre une collaboration cinq étoiles sur "Cab driver blues", même s'il faut oublier la voix passablement faible de Gilson. Heureusement, la slide de ce dernier fait facilement passer cette carence. La bonne impression laissée par Ewan subsiste sur "Ghreen's boogie", un boogie très participatif au cours duquel il se révèle percutant, doué d'un phrasé clair, habile dans les tons jazz. C'est avec un certain soulagement que Big G cède le relais vocal à son ami Bruce qui entame aussitôt deux compositions de Little Walter : "Blue and lonesome" et "I got to go". En harmonie complète avec la slide gouailleuse, la première est majestueuse. Elle est jouée sur l'instrument chromatique, avec beaucoup de passion et de feeling. Ewan accelère à fond sur l'harmo diatonique pour amorcer le second. L'intervention de Gilson sur cette plage est tout à fait brillante. Ewan est à nouveau mis en évidence sur "Judgment day" de Snooky Pryor". Une redoutable version, dont il respecte le style. Pour aborder "Shake your moneymaker", le célèbre tube d'Elmore James, les Senders bénéficient de la participation d'un autre guitariste : le très doué Bobby Radcliff. Pourtant, on ne l'entend plus guère depuis quelques années. Elève de Magic Sam Bobby, ce musicien de Washington compte quatre albums sur le label Black Top, à son actif. Mais son dernier, "Live at the Rynborn", date déjà de cinq ans ! Son intervention est nerveuse et sans bottleneck, Big Gilson se réservant la slide. La dernière plage est encore une cover d'Elmore J : "Drivin' wheel". Rampe de lancement idéale pour le décollage final de ce guitariste brésilien doué, elle s'étend ici sur plus de neuf minutes. L'opus recèle également "Hey doc", un blues original, très enlevé, marqué par les éclats d'Ewan à l'harmo. Un musicien à suivre, c'est une certitude...
La voix enchanteresse de Portishead, rappelons-le quand même, en vacances depuis maintenant près de 5 longues années, ressurgit aujourd'hui (encore et toujours) parée de ses plus beaux atours. Fer de lance du mouvement trip hop, flanqué de Massive Attack et/ou de Morcheeba, Portishead a durablement marqué les esprits à la recherche de spleen et de pathos à l'extrême. Suintant d'une émotion rarement autant exprimée par une voix, et soutenue d'une manière aussi pertinente par une musique parfaitement équilibrée entre sample et rock, la formation de Bristol nous a gratifiés de 2 albums désormais élevés parmi mes classiques. Et je ne suis pas le seul à le penser. Je rappelle une nouvelle fois que le groupe ne donne plus signe de vie sous cette configuration. Alors comme mise en bouche et comme pour mieux raviver cette empreinte, Beth Gibbons s'offre une petite gourmandise, en compagnie de Rusty Man. Si des comparaisons doivent absolument être établies, il faut franchement reconnaître que tout au long de cet " Out of season ", sa voix n'a jamais été aussi soul, aussi ‘mûre’. En résumé, Gibbons chante plus qu'elle ne gémit ! Si, si ! Force est de constater que la tentative se solde par une réussite complète. Musicalement, Rusty Man la joue plutôt acoustique, paisible, tranquille sous un arbre. Limite démodé. Cette plaque existe de façon autonome. Définitivement. Les fans de Portishead y trouveront leur compte, d'autres pas ; certains découvriront, d'autres passeront à côté. Ainsi va la vie…
Cet opus pourrait bien être le dernier de Giant Sand. En fait, vu son succès, Calexico exige de plus en plus de dépense d'énergie au tandem Convertino/Burns. Résultat des courses, il ne dispose plus assez de temps pour épauler Howe Gelb. Ce dernier va donc devoir, plus que probablement, se concentrer sur sa carrière solo.
Pour fêter le 20ème anniversaire du groupe, le trio est quand même parvenu à se réunir, le temps d'enregistrer cet opus. Un disque presque exclusivement constitué de reprises, qui a bénéficié du concours de leurs meilleurs amis. Et tout d'abord de Polly Jean Harvey. Sur la cover aride, fiévreuse du " Johnny hit and run Pauline " de X. Aux backing vocaux. Ou plus exactement aux gémissements sanglants. Matt Ward ensuite. Aux chœurs et au piano. Pour la version énigmatique, méconnaissable, cuivrée, du célèbre " Iron man " de Black Sabbath. On frôle même parfois ici l'univers du jazz moderne. Neko Case et Kelly Hogan, encore. Toujours aux backing vocaux. Sur le blues lo fi signé Johnny Cash " Wayfaring stranger/Fly me to the moon ", dramatisé à la manière de Will Oldham. Jim Fairchild, le guitariste de Grandaddy, enfin. Chez le crazyhorsien " Blue marble girl ". Une compo de Gelb interprétée 'live' à Oslo. Le disque épingle encore deux enregistrements immortalisés en public. Et en particulier le classique de concert " The inner flame ". Un morceau signé par feu Rainer Ptacek, un pote de Gelb disparu en 1997. Sans oublier l'adaptation du célèbre " The beat goes on " de Sonny & Cher. Qui bénéficie ici de deux versions sculptées dans la rumba. Une live : la dernière de l'elpee. Et une autre en studio, qu'il partage en duo avec Sofia, son épouse. Les autres covers épinglent encore le folk sinistre " Red right hand " de Nick Cave ; le lugubre " Human/lovely head " de Goldfrapp, dont l'atmosphère oscille entre jazz et trip hop ; une interprétation très libre du classique de jazz " King of the road " ; la cover bluesy du " Plants and rags " de PJ Harvey (NDR : encore !) ; " I'm leaving now (Adios) " de Johhny Cash, une adaptation de country jazz que ce même Cash aurait pu jouer s'il s'était mis à écouter Chuck Berry ; et enfin, " El paso/Out of the week end ", un medley qui s'ébroue dans le tex mex, ou si vous préférez le mariachi, avant de virer assez rapidement vers une superbe adaptation d'" Out of the week end " de Neil Young, plage qui figurait sur l'incontournable " Harvest ". La sélection de toutes les plages de cette œuvre varie en style et en genre ; démontrant ainsi que Gelb possède parfaitement l'art d'assortir une cover avec l'invité approprié…
A part leur nom à coucher dehors, ces deux Limbourgeois ont tout pour plaire, du moins si l'on est fan d'EBM et de métal indus : riffs bien crades et acérés, beats tectoniques, voix électrifiées, refrains rentre-dedans. Découverts avec " Blow Your Cover ", ils reviennent en pleine forme avec ce " God = Pushin' " féroce, rappelant les heures de gloire de Front 242 et des Young Gods, voire de Prodigy (" Motion Thrills ") ou de Stabbing Westward (" Sold Out ! "). Tout cela pourrait sonner un peu " vintage ", ce genre de fusion techno-métal-industriel n'ayant plus forcément la cote auprès des jeunes, plus friands de Faithless et de Nickelback… Pourtant, mettez-les sur un ring avec Maxi Jazz, et ils vous le plient en deux d'un tour de main (voir la pochette). A force d'être arrogant (" Pushin' "), dieu ne sera plus alors DJ, et Faithless d'atterrir dans les bacs à soldes, sa véritable destinée. Faut pas pousser ces Limbourgeois, sinon ils se fâchent. A bon entendeur…
‘De la country !’, s'exclame le néophyte, la peur au ventre et les mains sur les oreilles. Certes, la country évoque pour nous les stetsons élimés, les étoiles de sheriffs, Willie Nelson et Kris Kristofferson chevauchant leur guitare comme un yankee son taureau dans l'arène. A l'écoute de l'album de Mary Gauthier, tous ces stéréotypes, heureusement, volent en éclats : son " Filth & Fire " prend aux tripes - et toutes nos railleries préparées pour l'occasion d'être reléguées au placard. Cet album est un album de country, mais il est accessible à tous, du rockeur fan de Ben Harper au néo-folkeux n'écoutant que Palace et Lambchop. On y retrouve tous les ingrédients de la country, la hargne en plus : c'est que Mary Gauthier n'a pas eu la vie facile (junkie, fugueuse, SDF, …), et sait merveilleusement nous en chanter le récit. Ses paroles sont tétanisantes, on reste pendue à ses lèvres du début à la fin, et pourtant ce n'est pas gai. En s'érigeant porte-parole des laissés-pour-compte de l'Amérique profonde, Mary reprend le flambeau d'Emmylou Harris, l'une de ses idoles, pour mieux la surpasser. Révélée il y a un an avec " Drag Queens in Limousines " (fameux titre pour un album country), Mary Gauthier devrait devenir énorme.
Cet elpee fait figure d'OVNI dans le paysage prog de l'an de grâce 2002. Franc-tireur anachronique et singulier, Galahad n'en est pas moins l'auteur d'une œuvre 'originale', séduisante et captivante. Comment oser qualifier d'" original " un album qui, telle la madeleine de Proust, évoque tant de souvenirs ? Il est indéniable que ses concepteurs ont beaucoup écouté des groupes aussi variés que Yes, Asia, Porcupine Tree, Hawkwind, Tangerine Dream et j'en passe… Mais il faut saluer leur capacité à réinventer la syntaxe d'un vocabulaire emprunté, à assembler des mots antagonistes en alexandrins chatoyants, puis en poèmes puissants et longs en bouche.
Après une introduction composée d'errements électroniques espiègles, la deuxième plage lance les hostilités avec panache. La magistrale combinaison d'une rythmique irrésistible et de riffs synthétiques superbement distribués nous plonge dans un espace sonore immense. Et même si la suite n'est pas intégralement à la hauteur, elle réserve suffisamment de moments de bravoure pour mériter une mention spéciale. En fait, la référence la plus évidente, dans l'architecture d'ensemble, consacre Alan Parsons Project, dont Galahad conserve aussi la prédilection pour les morceaux chantés à tempo lent et richement orchestrés. Mais l'APP des meilleurs jours, avant qu'il ne devienne insipide. Et avec cette réserve que Galahad ménage quelques ponctuations très énergiques, transitions facétieuses et cassures pertinentes telles qu'on n'en a jamais entendu chez APP. Par ailleurs, le CD offre de longs soupirs romantiques ou expérimentaux aux notes de synthé aussi capricieuses que le vol d'un papillon. Le chanteur possède une voix fragile mais bien expressive. A deux reprises, il reçoit l'aide d'un John Wetton en colère. Les sonorités sont variées : du hautbois à la trompette, de l'orgue d'église à la flûte, sans oublier les bidouillages électroniques très nombreux. Le souci du détail ainsi qu'une production valorisante finalisent cet ouvrage comme une dentelle de Bruges. Galahad a ainsi le mérite de parcourir de vieux sentiers peu fréquentés, leur restituant une bonne praticabilité grâce aux techniques modernes et un brin d'ambition personnelle, mais sans en trahir le décor naturel. Il ne manque vraiment qu'un morceau phare pour que cet album soit absolument incontournable. N'empêche, on en redemande !
Roy Gaines avait commis, il y a peu, "New Frontier lover". Un superbe album paru sur le label Severn, au cours duquel il se révélait comme un brillant successeur de T-Bone Walker. Roy a été élevé à Houston, au Texas. Ce qui explique, sans doute, sa vénération pour T-Bone. A l'instar de ce dernier, il a aussi émigré vers la Côte Ouest, du côté de Los Angeles. Il est ici entouré de sa formation californienne.
"Standing up for women's rights" s'ouvre par un riff de guitare que n'aurait pas renié un artiste rock. Il y milite pour les droits de la femme, à travers un R&B puissant, appuyé par la ligne de cuivres composée, il est vrai, de fameux musiciens : George Pandis à la trompette, Troy Jennings au sax baryton et le plus que célèbre Johnny Viau au sax ténor. Cette assise est parfaite et idéale pour libérer les cordes inspirées de Gaines. Roy est aussi doué d'une voix puissante, forgée dans la lignée des shouters du blues. Elle est très inspirée sur le rythmé "Wolfman", au cours duquel sa guitare au son métallique, soutenue par le travail au piano de Neil Wauchope, ne demande qu'à s'évader. Gaines a la réputation d'être un parfait showman. Une bête de scène. Il n'hésite pas à utiliser tout un arsenal de "pyrotechnies", et de se servir de son manche à gratter dans toutes les positions. Parfois empruntée au style cher à Carlos Santana, la partie de guitare sur "Hind ends and elbows" est divine. Troy Jennings y prend son ticket au baryton. Introduit par la trompette de Pandis, "I got my thang on you" laisse ici le champ libre à la guitare, dont les cordes sont parcourues à la manière de T-Bone. Un blues au tempo semi-lent et au feeling jazz. Une longue plage rondement menée au cours de laquelle chaque musicien est mis en exergue. Et c'est ici qu'on se rend compte que le pianiste et les saxophonistes sont habitués de jouer ensemble (NDR : écoutez-les sur des albums de Jimmy Morello, de Kris Wiley, de Richard Boals ou de Candye Kane). J'adore la tonalité de la voix de Roy sur le blues coloré "Lucille works for me". Les cuivres y sont intenables et le travail en dentelles, exercé par la guitare, sur la trame de base de T-Bone, est remarquable. Faut dire que le gratteur est génial ! Imprimé sur un rythme enlevé, "Too many men" est une autre composition maison. Roy éclabousse une nouvelle fois le public par son incontestable talent. Le travail accompli au piano par Neil Wauchope sur "Rag blues" baigne dans le swing jazz. Les cuivres nous y font vibrer comme à la meilleure époque du ragtime et du dixieland façon New Orleans. "Petrol for your tank" marque le retour au R&B façon Stax. Les musiciens sont décidément à l'aise sur tous les terrains! "W.C Handy sang the blues" campe un tout bon blues imprimé sur un tempo modéré. Introduit par un riff que n'auraient pas renié les Rolling Stones, " Southern women " renoue avec le bonheur de goûter à l'immersion d'une guitare au cœur des cuivres. Un excellent album qui s'achève dans la douceur veloutée qui berce la Crescent City : "New Orleans". Nous quittons alors ce festival de blues qui s'est déroulé à Lucerne ce 9 novembre 1991, le cœur léger, heureux d'avoir pu goûter à ces exercices de style aussi remarquables…
Honnêtement, j'ai l'impression que l'Archange a dû traverser des moments très difficiles pour enregistrer une œuvre aussi sombre. Une sorte de concept album au cours duquel, sur plus de la moitié des morceaux, il pose des réflexions sur la séparation, la mort et la douleur qu'elle engendre ; même si régulièrement il laisse une place à l'espoir.
Hormis le récréatif et funkysant " The Barry Williams show ", réminiscence de " Sledgehammer ", on ne rigole pas beaucoup à l'écoute d'" Up ". Certaines plages ne manquent pourtant pas de mordant. Et je pense tout particulièrement à " Growing up " et à " More than this ", deux morceaux électro-tribaux. Le premier 'björkien', boosté par un groove de basse viscéral. Le second, truffé de samples. Ou encore du semi post industriel, semi atmosphérique, " Darkness ". Mais au fil de l'écoute, une profonde mélancolie commence à vous envahir ; le ton particulièrement intimiste et pessimiste des chansons accentuant cette impression. Depuis " Sky blue ", qui bénéficie pourtant du concours des choristes du Blind Boys of Alabama et surtout de l'omniprésence de Daniel Lanois ( percus, machines, guitare et bidouillages) à " The drop " (NDR : tout au long duquel il se la joue à la Peter Hammil, en accompagnant sa voix de son seul piano, avant de sauter dans le vide), en passant par la prière filmique (Ennio Morricone ?) " No way out ", l'éthéré, 'wyattien' " My head sounds like that " (falsetto, cuivres et mellotron y compris), et deux symphonies contemporaines, prog rock. Tout d'abord " I grieve ". Mais surtout " Signal to noise ". Une compo qu'il avait conçue et jouée 'live', en compagnie de Nusrat Fateh Ali Khan, mais également de Youssou N'Dour. NFAK participe à cette nouvelle mouture, mais également le London Session Orchestra. Sans oublier les percus de The Dohl Foundation. Le tout pour un fragment bouleversant de mélancolie. Beau à pleurer ! Comme d'hab, le Gab s'est entouré d'une pléiade de musiciens de studio, parmi lesquels on retrouve les incontournables Manu Katche, Tony Levin et David Rhodes. Mais faudra vraiment être un inconditionnel de Gabriel pour apprécier cette œuvre, car nonobstant l'intensité phénoménale qu'elle libère, elle n'est plus dans l'air du temps ; et surtout, elle m'a foutu le bourdon. Là dessus je m'en vais remettre Manu Chao dans mon lecteur Cd…
Robert Pollard sort des disques comme Lucky Luke dégaine son colt : plus vite que son ombre. Presque tous les ans, lui et ses potes se rappellent ainsi à notre bon souvenir, par des albums souvent pleins à craquer de chansons foutraques mais attachantes. Cette fois-ci encore, Guided By Voices a donc mis les petits plats (des titres courts) dans les grands (beaucoup de titres), même si quantité ne rime pas forcément avec qualité. C'est en effet là que réside le gros problème de Guided By Voices : à force de vouloir remplir son quota de vingt chansons par galette, l'inspiration se dilue, et notre patience avec. D'autant plus que Pollard, comme à l'accoutumée, n'a guère pensé à terminer ses chansons… Résultat : des demi-tubes, des hits étouffés dans l'œuf, des impressions de refrains mais jamais des certitudes. " Vite fait bien fait " semble avoir toujours été la devise de Pollard. Cette fois-ci c'est bonbon, tant le goût d'inachevé reste en travers de la gorge. M'enfin, c'est pas si grave… Rendez-vous l'année prochaine !
Miss Mandeville Greeson est une chanteuse blanche de blues. Une Chicagolaise d'adoption qui compte déjà plus de vingt ans de route à son compteur ; et dont la voix langoureuse est capable de s'étaler langoureusement sur pas moins de quatre octaves. Elle a également une plume facile. Pas pour rien qu'elle a écrit l'intégralité des chansons de cet album. Liz s’est déjà produite chez nous. Lors d'un set dont le charisme naturel nous avait éblouis.
Son 1er album "Look at me" était sorti en 96. Il a été suivi par "Ready to cheat" en 99. Elle a aussi participé à la collection " Red Hot Mamas", parue en 97, sur le label Blue Chicago. En compagnie du George Baze Blues Band. Elle remet donc le couvert pour ce troisième album. Un disque plus personnel, plus introspectif, plus relax, mais très réussi.
Sa voix se fond naturellement au cœur d'un tapis sonore élaboré par ses nombreux musiciens et invités. Elle a composé des superbes ballades, qui adoptent un profil assez Memphis Soul. Elle les chante remarquablement. A l'instar de l'ouverture, "Soul tender", abordée par Liz à la guitare acoustique. La voix, une force innée, disserte avec passion et bonheur. Un solo de honky sax accordé par Sonny Seals brûle tout au long de "The night thing". "All my love" s'étend paresseusement sur des parties instrumentales de classe concédées par le piano de Phil Baron et les cuivres des Chicago Fire Horns. Le timbre vocal de Liz se fait voluptueux sur le doux "All alone". Le réputé harmoniciste Billy Branch collabore sur trois titres avec brio. Lorsque Liz élève la voix, elle me rappelle la grande Janis Joplin. C'est évident sur le blues assez classique "Juicehead man", et sur le merveilleux et plus rythmé "Back in love again". Les guitares crépitent de joie, surtout celle de Mike Gibb. Billy est toujours présent pour le real blues, "Johnny and me". Un fragment aux accents plus roots, au cours duquel on retrouve Allen Batts au piano. "Broken hearted fool" est un tout bon blues lent enrichi par le piano de Batts, les cordes de Mark Wydra et les chœurs émouvants. Une telle richesse vocale illumine des plages franchement gospel, telles que "Face the music" ainsi que la finale "Shine clear with joy", caractérisée par un échange de voix a capella. Excellent !
Tout comme son frère yankee Delmark, le sous-label United immortalise régulièrement des témoignages du temps passé. Robert Anderson, les Staple Singers et les Caravans, avaient déjà eu le privilège de cette consécration. Moins connus, ces quatre autres exemples remontent au début des années 50. Soucieux d'améliorer leur qualité d'existence et surtout de trouver du travail, un grand nombre d'afro-américains quittèrent les Etats du Sud pour se rendre dans les villes bordant la région des grands lacs : Chicago, Detroit et Cleveland. Avec pour conséquence indirecte, une multiplication des quartets. En 1951 Leonard Allen fonde United, un label qui va tenir la route jusqu'en 57 ; s'illustrant par la sortie de merveilleuses sessions de jazz, de blues, de gospel et de R&B. Celles consacrées au gospel commencèrent en 52.
L'album s'ouvre sur quatre plages interprétées par les Joiner's Five Trumpets, un groupe formé au début des années 40. A Gary, dans l'Indiana. Les voix sont superbes. Elles se manifestent a capella à travers toutes les tonalités, atteignant le sommet de leur art sur les merveilleux "The changing world" et "Freedom after awhile".
Les Chicagolais Southern Tornadoes on transité, pour la plupart, chez les Veteran Singers. Pas moins de huit gospels leur sont consacrés. Ils chantent, le plus souvent, suivant un mode traditionnel ; ou plus exactement sous une forme questions/réponses. A l'instar de "Toll the bell easy", "How about you" ou encore "Precious memories". "When they ring the golden bells" et "Satisfied" bénéficient de la présence d'une guitare. Le chanteur soliste possède un timbre fort proche d'Elvis Presley (NDR : le King a aussi chanté le gospel, quelques années plus tard).
Les Veterans se sont formés sous la houlette du Reverend Glover, juste avant que n'éclate la 2ème guerre mondiale. Six plages, ma foi fort classiques, leur sont réservées. Dont le très bluesy "Glory to his name" et "How much more", parcouru par un piano délicieux. Tout au long de "He'll never let go" et du titre maître de l'opus, les voix sont véritablement remarquables.
Les Spiritualaires clôturent le recueil. Commis lors d'un radioshow accordé en Caroline du Sud, leurs sept plages sont bien dans la continuité des trois autres. Consacré à la musique gospel, cet album bien agréable épingle 25 plages, dont 17 plages inédites...
Ironiquement estampillés ‘punks d'origine’ (leur disque est faussement daté de 1975), les frères Hanson prouvent encore une fois qu'ils manient l'humour comme un joueur de hockey sa crosse. Normal, ils sont Canadiens et ce sport national est leur deuxième passion après la musique. Ils ont d'ailleurs créé une école de leur sport favori, " The Johnny Hanson Hockey School ", enseignant aux gamins en street wear les vertus du " turtling " marié aux décibels du rock le plus bâtard. Cette combinaison sonne comme une grosse blague, et pourtant… les Hanson Brothers (un hommage aux boutonneux du hit " Doo wap " ?) se la jouent vrais pros du palet et du manche à guitare. " Un, deux, trois, let's go ! " : partis pour marquer un point, aussi bien sur la glace que sur scène, ils rivalisent avec les plus grands, de Gretsky aux Damned. Certes, leurs paroles sont débiles. De l'ode à la défonce (" Give Me Anything ") au couplet répété à l'envi, jusqu'à l'abstraction (" I Know You "). Et leur look grotesque. Mais c'est normal, puisqu'ils aiment les Ramones. Ilôt de sérieux et de retenue dans cet océan de déconnade ras-du-plancher, le vibrant " Joey Had To Go " en est la plus belle démonstration. Le fin mot de l'histoire ? Il n'y en a pas, c'est juste pour rire, et c'est déjà pas mal.
Comme Peter Hammill le précise au sein du booklet, cette compile n'est pas représentative de son œuvre. Elle réunit tout simplement douze ballades que l'artiste de Bath a écrites entre 82 et aujourd'hui. Douze fragments parus sur 9 de ses derniers albums, donc chez le label Fie. Douze plages qui dévoilent une seule des facettes de l'artiste : le romantisme. Car il en possède une multitude. Pas pour rien qu'il est considéré comme un des artistes les plus alternatifs de la musique progressive. En outre, lorsqu'on sait que Hammill a gravé, à ce jour, plus de 30 elpees (si on cumule ceux en solo et en compagnie du Vandergraaf Generator), on comprend mieux sa mise en garde ; d'autant plus qu'hormis " Fool's mate " (NDR : son tout premier !), " Fireships " et " Everyone you hold ", les ballades ne sont pas légion. Deux titres de chacun des deux derniers opus cités ont d'ailleurs été retenus. Pas du premier, puisqu'il remonte à 1972. Une entreprise un peu trop limitée dans le temps à mon goût, mais pas désagréable à écouter. Surtout pour celles ou ceux qui ne connaîtraient pas Peter. Les compositions ont inévitablement été remasterisées, et certaines d'entre elles carrément remixées. Soit par l'incorporation des voix soprano de ses filles, soit par le violon ou les arrangements de cordes de Stuart Gordon…
Réédition (NDR: of course, remasterisée pour la circonstance ; mais par Peter lui-même) du double elpee 'live' " The Margin ", paru en 1985 (NDR : le titre " The second hand " figure sur le deuxième compact disc, mais sous une version différente). Cette œuvre offre un concentré époustouflant du talent insolent de ce 'magnificent loser' ; et propose la synthèse d'un itinéraire exemplaire qui court alors sur quinze années. En vingt et un fragments, pas douze. Puisque la deuxième plaque réunit des versions inédites enregistrées également en public, à la même époque, et sous le même line up. Seule différence, les plages sont en général plus urgentes et agressives. Pas de production gonflée, de soumission aux standards sonores de la FM, de recours aux synthés et boîtes à rythmes, mais un son parfait : musique lancinante de dépouillement qu'Hammill propose dans les combinaisons d'instruments qui lui sont habituellement propres. En virtuose du déroutement, le K Group l'encadre avec une remarquable souplesse. On y retrouve la section rythmique du défunt Vandergraaf Generator : Guy Evans et Nic Potter ainsi que l'ex Vibrator John Ellis à la guitare. Hammill assure évidemment les parties de piano et joue aussi de plusieurs guitares. Mais la caractéristique principale reste avant tout la voix écorchée de cet artiste hors pair. Les morceaux proviennent en partie des albums solos de Peter : " A black box " et " Sitting targets ", mais le K Group s'est laissé aller à des improvisations et à de nouvelles compositions. La recette reste la même : l'ardeur du chant, les ruptures de rythmes, l'austérité de certains passages. Le poète mutant de la rock music fermait ici un parcours jalonné de seize elpees, désormais attachés à la composition d'un opéra inspiré de l'œuvre d'Edgar-Alan Poe…
Au cours des nineties, Neil Halstead a sévi chez Slowdive avant de fonder Mojave 3. Une formation dont il est d'ailleurs toujours le leader. " Sleeping on roads " constitue sa première expérience en solitaire. Un disque dont les mélodies raffinées, délicates, trempent au sein d'un climat paisible, intimiste. Neil Halstead a longtemps été un disciple de My Bloody Valentine. C'était tout à fait évident chez Slowdive. Sous une forme country en compagnie de Mojave 3. De nature plus folk en solo. Enfin, tout au long de ce " Sleeping on roads ". En extrapolant, on pourrait imaginer l'âme de Nick Drake envahir l'imagination d'un Jason Pierce (Spiritualized). Parce que Neil possède l'art d'écrire des chansons complexes avec une simplicité désarmante. Des chansons d'amour tantôt tristes, tantôt douloureuses, mais toujours teintées d'espoir, qu'il nous chuchote au creux de l'oreille d'une voix douce, enchanteresse. Pour commettre cet opus, il s'est quand même entouré de quelques collaborateurs : un pianiste, un drummer, un claviériste, un bassiste, un violoncelliste et même un trompettiste. Pas n'importe qui, puisqu'il s'agit de Mark Arsmstrong. Sur deux titres cependant : " Seasons " et " Driving with Bert ". Et à l'instar des interventions de Neil à la six cordes acoustique (NDR : le plus souvent en picking !) ou électrique, tous ces musiciens apportent leur concours par petites touches, un peu comme s'ils peignaient un tableau sonore impressionniste. Rafraîchissant !
Pour enregistrer leur premier album, ce quintette insulaire (NDR : du Surrey, très exactement) a reçu le concours de Dave Sardy aux manettes, un personnage dont la carte de visite mentionne des collaborations avec Red Hot Chili Peppers, Far et Helmet. Une formation dont le mélange d'émo rock, de post hardcore et de métal rappelle At The Drive In et Rival Schools. La voix du chanteur campe même un timbre fort proche de celui de Walter Schreifels. Beaucoup d'énergie, donc, tout au long de cet opus, énergie vitaminée par les deux guitares cinglantes, tranchantes, vivaces, et dynamisée par une section rythmique imparable. Malheureusement, hormis la chanson plus paisible " Falter ", le nu métal " Gone too far " (NDR : pas ma tasse de thé, cependant !), le semi acoustique " Avalanche ", et puis le splendide et hymnique " Gone too far ", fragment dont la texture oscille entre variations de tempo et de ton, le reste manque singulièrement de relief. Aux States, il y a pléthore de ce style de groupe…
A l'instar de Lock Up, qui rassemble des musiciens de Napalm Death et de Dimmu Borgir, Houwitser est le side-project de quelques membres de Sinister. Un projet dont la musique évolue quelque part entre death brutal et grind core. Outre l'aspect particulièrement grossier de sa solution sonore, piège dans lequel n'est pas tombé Lock Up, le combo pousse le bouchon vraiment très loin dans le style "goût douteux". Il introduit ainsi chacune des plages de cette nouvelle plaque par le speech d'un serial-killer, histoire de mettre l'auditeur au diapason ! C'est gore, sans relief, graveleux, mal produit, et ennuyeux. Tout le monde ne peut pas avoir la classe d'un Morbid Angel ou d'un Hypocrisy.
Apparemment, il s'agit d'une bande originale d'un film de Sonny Weissmuller. Un inconnu au bataillon des cinéastes qui est sans doute sorti tout droit de la cervelle cramoisie de ces punks en salopette. A l'écoute de ce " Destructo Are Go ! ", il est pourtant facile de s'imaginer le film : du gore italien bien seventies avec des bimbos à poil (Argento ? Bava ? Jess Franco ?). Une bleuette pour motards amateurs de gros calibre et de gros seins (Supervixen ?). Un porno soft sur fond d'Easy Rider de série Z (starring Linda Lovelace ?). Tout cela à la fois, bien évidemment… Destructo are go ! Go pour en mettre plein les oreilles, go pour se la jouer sexe, drogues et rock'n'roll, go go go ! 25 minutes avec les turbines à plein régime : The House of Destructo fait rugir le Motör(head), sans jamais lâcher les gaz.
Découpé en 11 morceaux, "Sorry about tomorrow" est un bon petit album dynamique de pop/rock teinté de quelques légers accents punk. Un style que HRC maîtrise relativement bien, même si " Sorry about tomorrow " n'a pas la prétention de revendiquer le statut de l'album de l'année. Un style qui ne brille pas davantage par son originalité, mais qui a au moins le mérite de conjuguer efficacité et simplicité. Un style étiqueté " poppy emo music " versant dans le rock ! Autrement dit : 'poppy' pour son aspect pop et sucré ou encore parce les chansons sont diffusées sur toutes les ondes radios ; 'emo' pour émotions (bien sûr), mais éclaboussées de coloris plus durs, plus rock. Il faut donc déduire que leur musique est légère, joyeuse et riche en émotions ; mais à la différence de NSYNC ou des Backstreet boys, elle a davantage de pêche. Mais bon, nonobstant ces termes grandiloquents, il ne faut tout de même pas s'attendre à une révolution. Il n'y a d'ailleurs pas grand chose à dire sur le troisième elpee de cette bande venue du Connecticut. Ils sont 4 mecs qui se complaisent dans l'adolescence n'aiment pas trop se prendre la tête. Leur musique me fait même parfois penser à celle de Baby Chaos (NDR : encore que ces derniers privilégient l'aspect punk plutôt que pop ; ce qui n'est pas pour me déplaire). Bref, guère innovateur, " Sorry about tomorrow " démontre quand même que ce Hot Rod Circuit possède un certain " goût " musical, pour ne pas employer le terme 'talent'.
En éditant cet Ep 5 titres, les Américains de Hot Hot Heat continuent dans leur lancée eighties, tendance new wave/disco pop. D'une fraîcheur instantanée rappelant à bien des égards (la voix, les mélodies) les Cure du tout début (" Three Imaginary Boys "), leurs chansons tape-à-l'œil feront le bonheur des amateurs de petites ritournelles pop bien enlevées. Robert Smith shooté à la cortisone et ses apparitions (fantômes) se faisant rare, il se pourrait que ces Hot Hot Heat (une référence à " Hot Hot Hot " ?) reprennent le flambeau… mais sans le côté corbeau cher aux curistes de tous bords.
Né à Houston, dans le Texas, Jay est à peine âgé de trente ans. Avant d'entamer sa carrière solo, il a beaucoup tourné dans le backing band de la chanteuse Lavelle White. Son aventure en solitaire a commencé en 1997. Il commet alors l'album "Hooked up", chez Sunburst. Ce qui va attirer l'attention du label hollandais Maskot, pour lequel il sort alors en 2000, l'elpee "Jay Hooks". Pour enregistrer ce nouvel opus, il s'est entouré d'une section rythmique composée de la bassiste Maria Delprete et du batteur Jerry Gaskill. Il a, en outre, reçu le concours de Hadden Sayers à la production. Sur l'elpee précédent, nous avions déjà pu détecter l'influence majeure exercée par Jimi Hendrix. Elle se confirme sur "Red line". Jay joue sur une Gibson de couleur rouge, coloris reproduit sur la pochette de ce CD. On navigue ici au sein d'un rock blues d'une grande pureté ; et la formule du trio est idéale pour la pratique de ce style musical.
Jay entre dans le vif du sujet par "Burnin' up". Un rock shuffle solide. La guitare est saturée d'électricité. L'esprit hendrixien envahit "Last stand". Le travail est bien fait, comme à la belle époque de l'Experience. Mais il ne se limite pas à de la pure copie. Le ton est bluesy. La guitare en pyrotechnie contrôlée. Une plage qui devrait plaire aux fans du blues électrique! Partagé entre la voix sauvage à la Johnny Winter, les riffs lourds des guitares circa Z.Z Top et l'attaque toute en puissance d'un Leslie West à son meilleur niveau (NDR : pensez à "Mississippi queen"), "Once around the moon" libère un rockin' blues à la texane. Lancé à vive allure, "Cold natured thang" campe un boogie métallique. La slide qui remplit l'espace sonore me rappelle une nouvelle fois Winter. "Strong love" consume en son cœur un Memphis blues à la Albert King ; et lorsque la guitare se libère, elle assimile King à la manière d'Hendrix ou de Stevie Ray Vaughan. "Wicked wayward son" est un intermède roots acoustique. La machine repart de plus belle avec "Across the pond". Un morceau très Z.Z Top. A l'instar de "Lowlands". Un boogie mené comme le bon ZZ des années 70. En fin d'album, Hooks se rappelle son maître Hendrix, en sortant son blues lent chargé d'électrons? "Half hell & half voodoo" ressemble furieusement au "Red House blues" du maître. Et la reprise de "Freedom" d'Hendrix achève l'opus. Excellent dans le genre!
Quelque part entre Auterchre et Mogwai, Hood pratique un electro post rock, qui intègre des éléments dub, jazz, rock, et même folk. Depuis, " Cold house ", faudra ajouter hip hop. A cause de la participation des rappeurs Dose et Why ?, qui dévissent habituellement chez Clouddead. Autrefois constitué d'un quartette, Hood est aujourd'hui réduit à un duo. Les frères Adams. Et si dans leur musique, ils ont encore recours à l'instrumentation basique (guitare électrique et acoustique, piano, drums, cuivres, basse, etc.), il faut reconnaître que la technologie moderne y est plus présente. Bidouillages électroniques, bourdonnements synthétiques, crépitements organiques, arrangements brumeux aboutissent à la confection de mélopées hybrides, filtrées dans les harmonies vocales frêles et cristallines. Des mélopées qui puisent dans la désolation et le dépouillement pour nous projeter dans un univers glacé, propice aux rêveries mélancoliques. Une œuvre qui au fil du temps se veut de plus en plus expérimentale, le tandem de Leeds justifiant ainsi sa volonté, son art et sa capacité à marier les contraires…
Drôle de zigoto que ce Paddy Steer, alias Homelife : en mélangeant allègrement beats funky, cuivres et cordes, pop psychédélique et trip-hop déjanté, ce musicien touche-à-tout (déjà croisé chez Lionrock et Yargo) réussit à concocter un sacré cocktail, certes parfois pesant, mais toujours explosif. On pense alors à Michael Kandel, cet autre hurluberlu à l'origine d'un album tout aussi fourre-tout, sorti il y a de ça cinq ans, sous le pseudo de Tranquility Bass. A l'époque, on n'osait pas trop s'avancer sur l'état de santé de Kandel… Toujours est-il que l'ermite baba-cool semble avoir bel et bien disparu, sans doute emporté par le tourbillon de références (‘Jefferson Airplane meets Wall of sound’, ce genre…) que suscitait à l'esprit l'écoute de son album… On souhaite moins de soucis à Paddy Steer, qui connaît mieux le showbiz et semble un peu moins frappadingue… Reste à voir si cet " Homelife Wonders ", déjà son troisième album (après " Homelife " et " Cho Cho "), sortira du cercle fermé des aficionados de musiques de traverse, d'autant plus que Ninja Tune n'est plus la vitrine promotionnelle d'il y a cinq ans… Cela dit, celui qui prendra la peine d'écouter cet album de bout en bout, malgré ses quelques baisses de régime, devrait rapidement l'adopter. Comme le disait notre ami Jules, ‘Alea Jacta Est’.
Rick Holmstrom est né en 1965. A Fairbanks, dans l'Alaska. A 20 ans, il émigre du côté de Los Angeles. Et se met à écouter Smokey Wilson et Junior Watson. De 85 à 88, il tourne en compagnie de William Clarke. Puis de Johnny Dyer. Avec lequel il enregistre les albums "Listen up!" en 94 et "Shake it!" en 95. Il remplace ensuite le guitariste Alex Schultz, chez les Mighty Flyers. Ce qui ne l'empêche pas d'enregistrer son album solo. Intitulé "Look out!", il paraît chez Black Top en 96.
"Hydraulic groove" est un album très surprenant. Surtout lorsqu'on sait qu'il a été concocté par le guitariste des Mighty Flyers. A cause du recours à la technologie moderne, et en particulier à l'électronique et aux samples. Dès la plage d'ouverture, "These roads", on est d'ailleurs immédiatement mis au parfum. Il faut croire que le dénommé Genome (?) y est pour quelque chose, et même pour beaucoup. Pas parce qu'il assure les parties d'orgue, mais parce qu'il est responsable de la production. Très soignée cependant, il faut le reconnaître. Instrumental balisé par un riff exotique, "Bobo the Hobo" adopte un format reggae. La guitare magique de Rick est épaulée par les drums de Steve Mugalian et la basse de Jeff Turmes, pendant que l'orgue de Genome densifie l'univers sonore de cette plage. "Last to know" adopte une profil plus classique. Le chant de Rick est bien en place. Les percussions de Mugalian sont placées tout en avant de la toile sonore. La prise de son est signée Rob Schnapf, personnage qui a notamment bossé pour Beck, les Foo Fighters ou encore R.L Burnside. Eclatante, la guitare de Holmstrom affiche toujours ce côté vintage omniprésent. La pilule est plus difficile à avaler chez "Pee Wee's nightmare". Un cauchemar instrumental enregistré dans le garage de Mugalian. Exécuté par Turmes, mixé par Schnapf et produit par Genome, il souffre du trafic intense d'une guitare démesurée. Et ils remettent le couvert sur "Shake it". Le fragment démarre par un sample de la voix de Rufus Thomas, piqué lors d'une remise des WC Handy Awards ; et pourtant, croyez-moi, la guitare est de qualité! Rick chante le latino "My Maria", un morceau à la fois séduisant mais encore bien trafiqué. Toujours placées devant les autres instruments, les percussions de Mugalian accueillent "Back it up" dans un ballet de cuivres orchestrés par Jeff Turmes et Ronald Dziubla. La sonorité devient sourde pour introduire les nouveaux gadgets électroniques qui envahissent "Gravy". Cette compo aurait dû être un des sommets de l'album. Ce n'est pas le cas ! Dommage, car la guitare décolle progressivement vers des sommets. "Tell me" est une bonne composition agressive. La guitare est lacérée, hypertendue à l'excès. Le tracklisting de l'album se termine par l'excellent "I'm gone". Un shuffle qui semble sorti tout droit des 50s. Il aurait d'ailleurs pu garnir n'importe quel juke-box de l'époque, s'il n'y avait quelques artifices-maison et une panoplie de gadgets électroniques. Mais ce Cd nous réserve encore des surprises. Car il cache encore quelques bonus tracks. D'une durée de vingt bonnes minutes, s'il vous plait. L'orgue jazz de John Medeski improvise sur une base franchement funky tout au long de "Roll tape", ne cédant le relais qu'au sax très free de Ronald Dziubla. C'est le moment choisi pour relancer le "Shake it Part 2" afin d'abandonner le DJ Logix à son travail de remix. Pourquoi pas? "Knock yourself out" est un autre remix signé Genome. Et pour clôturer le tout, l'elpee s'achève par un fragment de 8 minutes intitulé "Hamp's hump". Honnêtmeent je préférais l'album précédent de Rick Holstrom. Sculpté dans le blues du futur, il est un peu trop expérimental à mon goût. Je vous conseille d'ailleurs de l'écouter avant de l'acheter…
Cet album était déjà paru en 1999 ; mais vu le succès récolté l'an dernier par le 'best of' " Your new favourite band ", en Angleterre, Burning Heart a décidé de rééditer ce " Veni Vidi Vicious ". Le deuxième elpee du groupe, puisqu'en 1997, il avait commis " Barely legal ". Les Hives nous viennent de Suède, et non pas de Detroit ou de New York, comme cet opus aurait pu le laisser croire. Parce que leur musique surfe sur la même vague néo/punk/garage que celle des Strokes ou des White Stripes. Hormis le tropical et hawaïen " Find another girl ", les 11 autres fragments déboulent à une cadence infernale. Et ne dépassent jamais les 2'30. Ca déménage. Les refrains sont accrocheurs. L'énergie pure, rafraîchissante, sauvage. Les riffs de guitare abrasifs, décapants, jubilatoires. Mes coups de cœur vont cependant à l'hymnique " Main offender ", à " Hate to say I told you so ", dont la frénésie semble héritée en ligne droite de " Sticky fingers " des Stones, et au plus pop " Statecontrol ", que n'aurait pas renié les Fleshtones. Bref, du revivalisme bien dans l'air du temps…
Voilà un album de soul moderne qui vaut le détour, mais qui s'apprivoise seulement après plusieurs écoutes attentives. La musique d'His Name Is Alive naviguerait ainsi dans les eaux troubles du jazz et du trip-hop les plus aventureux, à contre-courant des dernières tendances lounge et nu-jazz, chimères marketing bonnes pour la poubelle. Pourtant, le précédent opus du groupe, " Someday My Blues Will Cover Your Heart ", en avait laissé plus d'un de marbre, sans doute à cause de sa couleur r'n'b " à poil commercial ", et de la voix de Karin Olivier. Cette fois, Warn Defever s'est adjoint les services de Lovetta Pippen, dont la teinte vocale n'est pas sans rappeler celles des plus grandes divas de la musique noire. " Last Night " charrie ainsi son trop-plein d'âme sur les rives enchanteresses de la soul, avec quelques escapades en terrain jazz (" Someday My Prince Will Come ", " Train "), voire rock (" Storm ", hommage élégant au Voodoo Child). Vous l'aurez compris : difficile de ne pas succomber à ce disque aux charmes lents mais tenaces... Laissez-vous tenter !
Richard Hell est l'une des figures les plus importantes du punk : Television, les Heartbreakers, les Voivoids sont autant de groupes entrés dans la légende grâce à la hargne et au talent de quelques allumés notoires, Hell en tête. Avec ses amis Tom Verlaine et Johnny Thunders, il portera le punk aux nues, puis au pinacle, hérauts d'une " blank generation " érigeant le " no future " en slogan dévastateur mais salvateur. Aujourd'hui, Queen Mum est morte, Johnny Rotten joue au fonctionnaire du show-business et les plus jeunes ne jurent plus que par Blink 182 : le punk est mort, les jeans Carhartt ont remplacé les épingles à nourrice. Heureusement, Hell est toujours là, et s'il ne sort plus de disques, il écrit des romans et des recueils de poésie, avec au centre les mêmes préoccupations qu'il y a 25 ans : le bitume, l'amour, les laissés-pour-compte. Cette double compilation propose des enregistrements inédits de " Chinese Rocks ", " Love Comes In Spurts " (l'une des premières chansons punk, composée avec Verlaine sous l'étiquette des Neon Boys) et des morceaux captés live au CBGB et à Londres en 77 et 78 (dont un duo, " You Gotta Love ", en compagnie d'Elvis Costello). Deux morceaux totalement inédits (" Time " et " Funhunt ") complètent la liste, de quoi faire de ce double CD un achat indispensable pour tout fan de punk qui se respecte. Seul bémol à cette entreprise d'intronisation bien méritée (Hell, LE premier punk) : la qualité exécrable des titres enregistrés au Music Machine de Londres. Mais comme on dit en terrain conquis : on est punk où on ne l'est pas.
Deuxième album pour ce duo constitué du claviériste de Soundrack Of Our Lives et du guitariste des Hellacopters ainsi que de Diamond Dogs. Et à l'instar de leur premier opus, les compositions sont partagées entre écriture personnelle et reprises. Non plus de Lou Reed, de Dylan, ni de Tom Waits, mais de Neil Young, Bob Marley, Kris Kristofferson, Jagger/Richards ; sans oublier la cover exceptionnelle du " Hang on to a dream " de Tim Hardin et une autre paradoxalement apaisante du " Non fun " des Stooges. En fait, les onze chansons de cet opus sont tramées dans la ballade mélancolique. Même les adaptations de titres les plus sauvages. Et le résultat est plutôt réussi. Surtout à cause du talent conjugué par les deux artistes. Martin, au piano. Un piano dont la pureté des sonorités vous donne des frissons dans le dos. Et puis Mattias à la guitare, à l'harmonica, et surtout au chant. Son timbre légèrement voilé, fragile, aux inflexions teintées de gospel et de blues, ne peut laisser indifférent. L'émotion à fleur de peau!
Ce disque fait partie de ceux qu'une fois écouté, on ne quitte plus, persuadé de tenir là le Saint-Graal acoustique, l'œuvre pop ultime. Maximilian Hecker est pourtant un parfait inconnu : il y a deux ans encore, il faisait la manche dans les rues de Berlin, reprenant du Oasis sur sa guitare en bois. Aujourd'hui signé sur le label Kitty-Yo (d'habitude spécialisé en électro bien décalée), il rejoint au firmament pop des songwriters comme Tom McRae et Ed Harcourt, dont l'excellence mélodique n'est plus à prouver. L'album s'intitule " Infinite Love Songs ", et ce n'est pas pour rien : dès les premiers arpèges, on dirait que Maximilian nous susurre à l'oreille des mots d'amour ; sa voix cristalline s'immisçant dans notre cœur pour ne plus le lâcher. A un seul moment (" Cold Wind Blowing "), le vent se lève, et les guitares se fâchent, mais c'est pour mieux savourer l'accalmie qui suit, avec le splendide " Over ". Ce disque d'amour n'est pas à mettre entre toutes les mains : il se doit d'être apprécié à sa juste valeur, lentement, précieusement. Sans doute que seules les âmes au cœur tendre le comprendront, les autres ne prêtant à cette pop acoustique que des vertus lacrymales. Possible. Il ne vous reste dès lors qu'à choisir votre camp.
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