Il y a environ deux ans, les Anglo-australiens de Cousteau avaient été proclamés ‘nouveaux rois du spleen à la Tindersticks’, leur premier album éponyme ayant fait des émules chez tous les amateurs d'ambiances enfumées et de doudoune au coin du poêle de salon. Cousteau, mieux qu'une bonne tisane de chez grand-mère, mieux que les pantoufles en poils de chameau achetées chez Brantano : vous en reprendrez donc bien une louche, non ? Ca tombe bien, leur deuxième album vient de sortir, en vente chez tous les bons disquaires, entre les Madrugada et les ballades FM de Roxy Music (celles des années 80, avec Bryan Ferry en costume Prada). "Sirena", donc, qu'il s'appelle… Mouais : c'est plutôt le chant du cygne pour ces pâles copies de Bowie période Aladdin Sane, tant leurs chansons frisent le ridicule pompier, la romance de gigolo, le Nick Cave à l'eau de rose. Euh… Où est passée la télécommande ?
Dans la catégorie stoner rock seventies revival, nos compatriotes de Cowboys and Aliens n'ont rien à envier aux leaders du genre que sont Spiritual Beggars, Fu Manchu ou autre Monster Magnet. Le son de ce nouvel opus des brugeois gentilshommes est ce que l'on fait de plus brut et du meilleur goût, pour peu que l'on soit sensible à ce type de rock n' roll survitaminé. Une touche Black Sabbath et une grosse louche de Kyuss hantent ces onze nouveaux titres qui nous replongent tantôt dans des ambiances psychédéliques, tantôt dans des atmosphères proches du doom métal. L'excellent "Ghost in My Speaker" ouvre le feu, nous rappelant avec brio ce qu'est exactement un véritable riff de hard rock. "Sabbatical" ne saurait mieux porter son nom, tandis que "Sharp Dressed Man" nous rappelle qu'en son temps, ZZ Top était encore capable de composer des hits à s'en décrocher les vertèbres. Si nos Cowboys de l'enfer n'ont pas inventé la poudre, ils savent sacrément y mettre le feu. Le groupe mérite bien plus que l'estime nationale dont il jouit aujourd'hui. De l'excellent travail !
Né le 21 janvier 1944 à Derby en Angleterre, Kevin Coyne est un personnage tout à fait à part dans le monde artistique. A l'instar de Peter Hammill, Kevin Ayers ou encore David Sylvain, il mériterait d'émarger au Grand Ordre des excentriques anglais. Et pourtant, ces quatre artistes militent dans des styles totalement différents.
Dans le domaine musical, Kevin est surtout inspiré par le blues rural. Par Elmore James, Fred Mc Dowell et Muddy Waters, en particulier. Ce qui ne l'a pas empêché d'être approché, à une certaine époque, pour remplacer feu Jim Morrison, au sein des Doors. A cause de ses qualités de showman, tout d'abord. Et puis de sa voix très caractéristique, nasillarde et poignante, d'une nervosité électrisante, particulièrement adaptée à toutes les formes de blues. Une invitation qu'il a cependant réfutée, par souci d'éthique. Du succès commercial, il n'en a guère rencontré au cours de sa longue carrière. Peut-être en 1978, lors de la sortie de l'incontournable " Millionnaire and Teddy Bears ". Devenu depuis un classique de l'histoire du rock. Johnny Rotten l'a un jour cité comme une des influences majeures des Sex Pistols. Un fameux compliment ! Depuis 1989, il s'est établi en Allemagne. Il se consacre de plus en plus à la peinture et à la poésie. Entre expositions et publication de recueils de poèmes, il lui arrive aussi de participer à des spectacles de théâtre. Et puis épisodiquement d'enregistrer un album. Comme ce " Carnival ". Sur lequel il a notamment reçu le concours de son fils, Robert. Qui y joue de la guitare et des claviers ; mais s'est également impliqué dans la composition.
Un disque sur lequel on retrouve deux blues favoris de Kevin : " Rolling and tumbling " de Muddy Waters et le traditionnel " Sugar mama ", tous deux mis à la sauce contemporaine. C'est d'ailleurs souvent le traitement que subissent les compositions de cet opus. Le blues rural de Coyne s'est donc adapté à la technologie moderne. Pas trop, ni trop peu. Sauf peut-être sur le très synthétique " Party, party, party ". Et le résultat me paraît fort intéressant ; et pas seulement à cause des lyrics toujours aussi profonds et ironiques. Malheureusement, ce disque risque fort de ne satisfaire ni les inconditionnels du blues, ni ceux qui sont perpétuellement à la recherche de nouveaux créneaux. En fait, il est beaucoup trop intemporel. C'est une grande qualité artistique, mais une énorme carence commerciale…
Trois titres sur cet EP de Crescent, un quartet issu de la région de Liverpool qui pratique une forme de britpop héritée en ligne droite de La's et de Cast. La's lorsque leur musique embrasse un profil acoustique, à l'instar de " One to another ". Cast, dès que l'électricité vivifiante, rafraîchissante, est polarisée par les deux six cordes. C'est tout à fait évident sur le titre maître et sur " Highly likely ", nonobstant le tempo new wave et le filet de claviers. Même le timbre vocal de Wayne Whitfield campe un timbre fort proche de celui de John Power…
Vous avez toujours la nostalgie des La's? Vous regrettez la nouvelle orientation musicale de Cast ? Et bien, The Crescent devrait répondre à vos aspirations les plus profondes. C'est en tout cas, la sensation que m'a laissée l'écoute du premier opus de ce quartet, issu de la région de Liverpool. Tout d'abord à cause de la voix de Wayne Whitefield, dont le timbre est fort proche de celui de John Power. Avec moins de trémolo, il faut le reconnaître. Et puis de ce style britpop si rafraîchissant, au cours duquel les deux guitares, tantôt acoustiques, tantôt semi-acoustiques, tantôt électriques, tantôt semi-électriques, pétillent, carillonnent, cinglent, jacassent ou scintillent. Avec beaucoup de bonheur, il faut le reconnaître. Et si toutes les chansons sont de la même valeur, j'ai quand même davantage flashé sur " On the run ", qui adresse un clin d'œil aux Who. L'hymnique " Test of time ", également. Le psyche/garage "Parallel", écumé par un harmonica poussiéreux et un clavier pourri. Et puis surtout le mélancolique " Another day ". Un superbe fragment dont la solution sonore est subtilement raffinée de légers arrangements symphoniques. Un chouette album !
De Within Temptation à Gathering, les groupes apparentés 'Métal' impliquant une chanteuse ont le vent en poupe. La formation scandinave 'Crest' s'inscrit dans ce courant et y mérite d'emblée une place de choix. D'abord pour son côté métal symphonique soft assez réussi, entre interventions musclées mais économes des guitares et arrangements parfois somptueux des claviers. Ensuite pour le talent de sa chanteuse, Nell, dont le timbre est sans doute plus fragile que celui des groupes précités ; mais maîtrisant bien ses limites il est fort judicieusement mis en avant. Cependant, confiner Crest dans ce carcan serait trop réducteur. Le groupe possède une facette très 'pop', qui parfois le rapproche plus d'un groupe comme Garbage. Plusieurs morceaux sont de (bons) singles potentiels (« Childhood's End », par exemple). Bien que Kristian Aeon (claviers, programmes et guitare) soit le seul compositeur, l'album est riche et varié en inspiration, sonorités et atmosphères ; et de plus il très bien produit. Il mérite vraiment une belle carrière.
Sa voix est un mélange de murmures mutins à la Björk, de gloussements à la Louise Rhodes (Lamb) et de rage à la Saffron (Republica), avec parfois un phrasé rappelant Alanis Morrisette… Un cocktail si détonnant ne pouvait que servir une musique coquine, parfois capricieuse, souvent séduisante. Malheureusement, rien de bien neuf derrière ce mix pop-rock acidulé : Garbage a déjà raflé la mise, même Tori Amos et Madonna (dernière cuvée) sont passées par là. Restent quelques mélodies bien ficelées (" Cry ", " Disappear ", " Gloria ") et un joli minois, celui de Yukari f, tigresse asiatique qui ne mâche pas ses mots, mais s'y croit un peu trop. Cribabi ? Cribabide.
Don Croissant est surtout connu sous le sobriquet de Little Jimmy. Ce vieux briscard joue de la guitare depuis la fin des années 50. Il a donc touché plusieurs générations de rockers. Il a tout d'abord milité chez Little Jimmy and the Robots. Patronyme réduit en Robots, avant de devenir les Sharks. Ce band a eu le privilège d'ouvrir les concerts de monuments tels que les Who, les Kinks, le Spencer Davis Group et même les Rolling Stones, lors une fabuleuse soirée de 1966 au Palais des Sports. Don comptait trois albums à son actif : "Live at the Club", "Loaded with extras" sur Rowyna, et un mini 33tours intitulé "Boogie with the Bluestiger", paru également sur le même label. Le zèbre s'était même mué en tigre pour notre plus grand plaisir. Et puis lors d'un séjour en vacances, en Crête très exactement, au cours duquel il avait emmené sa guitare acoustique, sa vieille Silvertone, un minidisc recorder et un micro, il s'est mis à enregistrer dans sa chambre d'hôtel. Et à première écoute, il est bien joyeux notre Don. Il est vrai que le soleil est à la porte, et la Méditerranée à deux pas. Il agite les percussions, siffle à tue-tête et crie son blues comme un tigre. Pas pour rien que le morceau de divertissement est intitulé "Bluestiger"!
Son exercice sur "Me and the devil" est le plus réjouissant. La voix demeure menaçante, la guitare respire comme elle peut devant l'agression continue. Et cet hotel boogie se fait John Lee en cours de route! Don tape furieusement dans sa caisse de guitare, alors qu'il étreint une "Love makin' woman". Les cordes plient mais ne rompent pas. Il est là devant nous, assis sur son lit. Les cordes vous giclent à la figure, les oreilles frémissent. "Crazy 'bout bennies" est un blues offensif et tellement dur. Son rythme fort et percussif devient quasi hypnotique sur "Wicky wacky woman". Don s'emporte et tape furieusement du pied. Il se prend pour Dr Ross voire Joe Hill Louis, sur "Call me on the phone". Les cordes sonnent comme du métal pur. Dans le même style, il embraie par "Boogie with the doctor", un boogie bien offensif dédié à qui de droit. Une nouvelle séance de foot introduit l'amusant et menaçant "He la-bas". Ce sont d'ailleurs les seules paroles qu'il prononce sur ce titre. Pour clôturer l'aventure crêtoise, Mr Croissant reprend "Goin' down south" de R.L Burnside. La voix y est devenue très grave mais tellement authentique. Une aventure menée avec beaucoup de brio par Don!
Ce quintette originaire de l'Est des Pays-Bas se réclame du garage blues band ; un peu comme sa principale source d'inspiration : les Californiens du regretté Lester Butler et de ses Red Devils. Les Cuban Heels sont également des inconditionnels de Kim Wilson et des Fabulous Thunderbirds de la seconde moitié des seventies. Si les Heels tournent beaucoup dans leur pays, ils passent régulièrement par la Belgique. Ils avaient déjà commis un elpee chez Cool Buzz en 2001 : "Sweet and lowdown".
Le line up du combo est constitué de Jan Hidding au chant, d'Ernst Ferkenius à harmonica, de Rico Gerfen à la guitare, d'Arnoud Vanden Berg à la basse et de Chiel ten Vaarwerk aux drums. La première plage, "I need love (Let's get down on the floor)", nous plonge immédiatement au sein de l'univers de Lester Butler. Assez lourde et diffuse, la section rythmique supporte le poids des partenaires qui s'agitent en front de scène. Statique face à son micro, Jan chante. Ernst souffle dans son harmonica poussiéreux, pendant que la guitare se fraie progressivement son chemin, avant de se mettre en exergue. Signé Bas Flesseman de Sugarcane, "Deal goes south" pousse encore plus loin cette introspection au cœur de cette atmosphère blafarde. Une atmosphère qui trahit le mal vivre d'une génération. La section rythmique soutient l'ensemble. La voix monocorde, fantomatique transparaît. Particulièrement réverbérée, ténébreuse, la guitare entre en convulsion et entretient un son franchement pourri. Ce ton volontairement primaire contamine la plage suivante : "Let me ride with you". Le rythme est très en avant. Les solistes se querellent pour tirer leur épingle du jeu. Pour la circonstance, c'est Rico Gerfen qui se libère avant les autres. Après un faux départ, les Heels foncent tête baissée pour interpréter "I want you (Love song)". Imperturbable, Jan récite son texte ; et ce nonobstant l'arrivée en quasi dérapage contrôlé d'Ernst et de la fureur de la section rythmique qui se trame en toile de fond. La présence de Hidding devient parfois hypnotique. Il embrasse le micro comme pouvait le faire Jim Morrison, au sommet de son art. C'est tellement vrai sur l'effrayant "Another man's done gone". Rico alourdit volontairement son jeu. Les cordes sortent progressivement de cette torpeur, mêlant rythmique et rivalité en compagnie de son compatriote Mischa den Haring, gratteur chez T-99. Hidding récite a cappella "No more trouble", à l'instar d'une bête maintenue en cage. Les Cuban Heels entretiennent ce climat de transe qui les ravit. Jan chante toujours comme s'il était au bout du rouleau. La voix s'étire paresseusement devant l'outil rythmique, très soudé derrière lui. Cette formule est reproduite à la perfection sur "Craving you". L'adaptation hypnotique du "Stranger blues" d'Elmore James est déterminante. La voix s'évade de l'au-delà face au travail sourd et percutant de la basse et des percussions. L'harmonica se détache de cet enchaînement avec une souplesse inaccoutumée. Impressionnant ! Cet opus s'achève par "Gonna move". Un shuffle d'enfer à la rythmique de plomb, au cours duquel Ferkenius prend plaisir à imprimer ses notes sur l'harmo, et que Gerfen déchire, lacère les sons de ses cordes, avant de tirer une salve finale. Incontournable !
Nick Curran est une des figures de proue du nouveau blues texan. Nouveau n'est pas vraiment le terme adéquat, puisque ce jeune citoyen de Dallas puise manifestement ses racines au cœur d'un passé, sans doute riche et glorieux, mais qui date quand même de près d'un demi-siècle. Nick porte donc un regard très remarqué et surtout remarquable sur le blues et le R&B d'autrefois.
Pour enregistrer " Fixin' your head ", il s'est entouré d'une section rythmique, d'un piano et de deux saxophones. Nick est aussi habile sur les cordes que talentueux au chant. Son style est affûté, largement inspiré par Roy Brown, Amos Milburn et Johnny ‘Guitar’ Watson. L'énergie dispensée Nick est considérable. L'atmosphère et la tonalité manifestées tout au long de cet opus nous replongent à la fin des années 40, à l'époque où Louis Jordan, Wynonie Harris et consorts faisaient salle comble. Ce qui est franchement une performance !
Et on peut facilement s'en rendre compte dès les premières notes de "Women and Cadillacs". Nick force le ton de sa voix largement éraillée. Ses musiciens lui répondent. Au piano, Matt Farrell frétille de tous ses membres. Le remuant "Boogie with my baby" continue dans le même registre. Le piano sautille devant les deux cuivres. Un moment impressionnant d'authenticité ! Lorsque le répertoire se fait plus blues, l'artiste est au sommet de son art. A l'instar de "Just love me baby". Une composition signée Roscoe Gordon qui me fait immédiatement penser aux enregistrements de Magic Sam, opérés pour le label Cobra, dans les 50's. Son exercice de style accompli sur "I want to love you d'"Otis Rush est bien plus impressionnant encore (Ndr : un Otis Rush de la même époque, bien sûr). Tout y est : le chant, la guitare et le son. Curran se fait shouter lors de la reprise du "Good rockin' man" de Roy Brown. Il est tout aussi saisissant de l'entendre sur un "Lonely nights", plus Watson que Johnny "Guitar" lui-même. Sa voix cassée passe très bien le cap. Il utilise la même guitare que Watson se réservait, lorsqu'il jouait "Cuttin in". Nick aborde le rock'n'rollesque "She's mine", avec cette même facilité déconcertante. Sa voix approche étrangement celle du Genius, Little Richard. Elle peut, au besoin, évoluer dans le même registre que les pionniers du rock'n'roll. Et je pense tout particulièrement à Eddie Cochran ou à Gene Vincent pour "Loose lip Mama". En finale, Curran se pose en leader de big band pour chanter un blues lent, très vieillot, intitulé "I'm waiting for your call". Nous ne sommes ici plus tellement loin des débuts opérés par BB King à Memphis. Très parcimonieux aux cordes, il dispense un solo digne de T-Bone Walker. Le style pratiqué par Nick Curran me rappelle, à la limite, parfois celui de notre ami Dave Gonzales des Paladins. Et c'est tout à fait évident chez "Straighten up". Un album qui mérite vraiment le détour, surtout à cause du superbe travail opéré sur le son…
Derrière Custom, géant aux doigts verts qui joue tous les instruments, se cache Duane Lavold. Il aime le rock, le rap, le métal, le funk et l'électro. Sa musique, de fait, s'en ressent : mille-feuilles détonant parfait en toutes circonstances, elle plaira tant au fan de rock FM (" Hey Mister " et sa rengaine sautillante) que de ballades douce-amères (" Skate ", " May 26 "), pour autant qu'on est âgé entre 16 et 20 ans, cible émouvante de ce dadet au grand cœur. C'est justement là le problème : à l'heure où les " kids " préfèrent pogoter sur Limp Bizkit et P.O.D., Custom risque de ne pas trouver son public. Trop fouillées pour les ados streetwear, trop insouciantes et puériles pour les autres, les ritournelles pop-rock de Custom devraient passer plutôt inaperçues, du moins de ce côté-ci de l'Atlantique. Dommage, parce que ce " Fast " contient son lot de tubes en puissance, dégainés à l'allure d'un Speedy Gonzales par un bonhomme attachant et plein de fougue. Pas de chance, si Duane Lavold avait sorti son disque à l'époque glorieuse des Bran Van 3000, Fun Lovin' Criminals, Bloodhound Gang, Cake et Eels, bref il y a cinq ans, sûr qu'il aurait fait un carton. Question d'air du temps, sans doute… Il n'empêche : ce " Fast " est un bon disque, frais, gai et amusant. Il serait donc bien stupide de passer l'éponge sur des titres comme " Streets " ou " Morning Spank ", sous prétexte qu'ils dénotent dans le paysage nu-métal 2002. Un tiens (Custom) vaut toujours mieux que d'eux (Papa Roach, Puddle of Mud, Sum 41, etc.) tu l'auras.
‘We are not the grand revolutionaries. We are seekers and walkers, seeking the answers’ ; les nu-métalleux de .calibre prennent le taureau capitaliste par les cornes et cherchent à communiquer, par des riffs abrasifs et une rage bouillonnante, leur envie de changer les mentalités. " If music is a medium, we are the operators ! ", lancent-ils à la face des consommateurs de musique, ceux qui voient en Limp Bizkit et P.O.D. le renouveau du rock. Un rock pourtant acquis à la cause du dieu dollar, bien loin de ses racines de medium contestataire. " Kill The Logo ", le titre de l'album, apparaît donc comme un faire-part, celui de l'enterrement du rock le plus putassier, sponsorisé par MTV et des marques de training. En ce sens, .calibre est proche de Rage Against The Machine, la voix de Daniel Mies rappelant d'ailleurs celle de Zack de la Rocha, mais avec un chat dans la gorge et encore davantage de tigre dans le moteur. Avec cet album, .calibre se présente comme l'antidote idéal au métal le plus lisse, comblant ainsi le trou laissé béant par la disparition prématurée de Channel Zero. Solide !
Terry Callier est un des trop nombreux héros méconnus de la black music. Naviguant au sein des eaux tourmentées du monde de la musique depuis plus de trente ans, il appartient à cette catégorie d'artistes qui n'utilisent que des arrangements musicaux dépouillés (une guitare, une basse et quelques percussions) et leur voix afin d'exprimer leurs émotions, observations et réflexions sur la nature humaine, ainsi que sur l'état du monde dans lequel nous vivons. Son destin artistique torturé, faute de label, est à l'image du regard qu'il porte sur la vie : lucide mais empreint de sagesse et d'optimisme (" Imagine a nation "). Cet auteur/compositeur/interprète mélange délicatement le blues, le folk et la soul, afin de concocter des mélodies légères et enjouées, appuyées par une voix posée et expérimentée. Terry Callier pourrait être considéré comme le précurseur d'une vague d'artistes sur laquelle surfe Cunnie Williams, MoSolidgold ou Dee Dee Bridgetwater. Son nouvel opus, " Speak your peace ", ne déroge pas à cette ambiance connue des passionnés de la soul. Le duo " Brother to brother ", commis en compagnie de Paul Weller, pourrait servir de référence aux esprits ouverts qui ne connaîtraient pas encore Terry Callier. A cet égard, nous aurons l'occasion de le découvrir sur scène en Belgique, dès septembre prochain au Botanique.
Jackson Browne n'et pas un néophyte. Il est né en Allemagne de l'Ouest le 9 octobre 1949. Son paternel était pianiste de jazz auprès de Django Reinhardt. En baignant dans la musique depuis sa tendre enfance, le fiston ne pouvait qu'être contaminé par son virus. Jacskon émigre à New-York en 1967. Il y rencontre Tim Buckley, qui le recommande à Nico. Résultat des courses, il lui écrit trois chansons pour l'elpee " Chelsea girl ". Il compose comme il respire, et notamment pour Tom Rush, les Byrds, Linda Ronstadt, les Eagles et Bonnie Raitt. Mais aussi pour lui. Il enregistre donc régulièrement depuis 1971. Et à ce jour il a vendu quelques millions d'exemplaires de ses disques. Dans un style country/folk/rock engagé qui plait beaucoup à l'Amérique et aux Américains. Pas trop en Europe. Enfin, jusqu'en 1996, lorsqu'il commet " Looking east ". Non seulement le style est revenu au goût du jour, surtout lorsqu'il est plus électrifié ; mais en plus, le public du Vieux Continent commence à s'intéresser à la nature de ses lyrics.
" The naked ride home " confirme son retour à l'avant plan. Rien de neuf à l'horizon. Un zeste de reggae (" For taking the trouble "), de funk (sur l'excellent " Walking town "), de gospel, mais surtout des mélodies qui s'épanouissent et fleurissent, révélant lentement chaque nuance avec un maximum de feeling. Et puis des textes toujours aussi pertinents. Des commentaires sociaux ou des réflexions personnelles sur la perte de l'innocence… Enfin, à travers " Sergio Leone ", un hommage au célèbre réalisateur italien de longs métrages.
On connaissait davantage Carla Bruni pour ses mensurations que pour ses chansons : avec ce " Quelqu'un m'a dit " (lui aussi) de toute beauté, on sait maintenant qu'il faudra d'abord compter sur elle en tant qu'artiste-songwriter de talent. Finis les défilés et les couvertures de Vogue : Bruni ne piétinera plus à présent que les scènes et fera désormais la une des mensuels rock. Pas que sa musique se conjugue aux grosses guitares ou à l'elektroklash, pour plaire, comme Vive La Fête, à Lagerfeld… Non : les chansons de Carla sont douces, raffinées, sans artifices. Une guitare acoustique (Bertignac, ex-Téléphone, à la production), une voix : tout est là. Pas d'esbroufe, pas de jeu d'apparence. Carla se livre à nous nue, mais sans (trop) titiller nos fantasmes. On tombe rapidement sous le charme. Pourtant, ces mélodies surannées, entre Françoise Hardy et Keren Ann, dénotent un peu dans le paysage musical actuel… Carla Bruni chante d'une voix un peu rauque (elle est Italienne) des mots doux aux rimes tout en sensualité. Ce magnifique " Quelqu'un m'a dit " permet ici à la chanson française de retrouver toutes ses couleurs. En nous chuchotant ses confidences amoureuses, en nous caressant les tympans de son folk délicat, Carla provoque chez nous le plus beau des frissons. Que ce soit en reprenant Gainsbourg (" La noyée "), en s'amusant de son statut de top-modèle (" Le plus beau du quartier ") ou en jouant au chat et à la souris avec nos sentiments (le reste), Carla nous enchante et gagne, haut la main, notre amour et notre admiration. Un véritable coup de foudre !
Burns demeure l'une des dernières gloires vivantes du Detroit Blues, dont le maître incontesté et incontestable a été, bien entendu, John Lee Hooker. Il est né en 1928 à Belzoni, dans le Mississippi. Sous l'influence de John Lee "Sonny Boy I" Williamson, il apprend tout d'abord à jouer de l'harmonica. Après la guerre, il monte vers le Nord et aboutit à Detroit où il devient rapidement un ami proche de John Lee Hooker. Inspiré par John Lee, Arthur Crudup et Tommy McClennan, il passe tout naturellement à la guitare. Entre les années 50 et le début des 60's, Burns aligne une série de singles. Il entre ensuite en studio, en compagnie de Hooker, pour commettre l'elpee "The Real Folk blues". Un vinyle qui sort alors sur Chess. Au début des 70s, il enregistre deux albums en Angleterre, pour Big Bear : "Detroit black bottom" et "Bottle up & go". Il tourne alors en compagnie des American Blues Legends. En 75, très exactement.
"Snake eyes" a été enregistré à Chicago, en septembre 2001. Un disque pour lequel il a reçu le concours de Jimmy Burns, à la guitare. Son frère cadet ! Jimmy avait alors déjà commis deux opus pour Delmark : "Leaving here walking" et "Night time again". L'album s'ouvre par "Snake eyes". Un blues proche des racines ; très downhome. Eddie chante de sa voix plaintive. Epaulé par le piano de Roosevelt Purifoy, il joue de la guitare acoustique. "Your cash ain't nothin' but trash" est une plage nerveuse. Eddie est à l'harmonica. Le frangin gratte les cordes et reprend les cœurs à l'unisson. "Lonely man plea" est un blues lent nonchalant semblant sortir tout droit de Baton Rouge. Sa voix paresseuse correspond parfaitement à ce style. "Night shift", nous le ramène dans le Chicago blues : le riff curieusement proche de Muddy Waters et toujours cette voix si personnelle. Burns apporte beaucoup d'énergie et de conviction pour un Detroit boogie intitulé "Papa likes to boogie". Un fragment qu'il attaque à l'harmo, pendant que Purifoy se déchaîne au piano. Sur cet opus, l'amateur de blues pur, simple et même primaire, prendra son pied à l'écoute de plages lentes telles que "Jail time" ou "Goin' to New Orleans". La combinaison opérée entre l'harmonica, la guitare et le piano fonctionne à merveille. Le trop plein de sensibilité est atteint lors de la reprise du "Lent me your love" de Memphis Sim. La voix frêle est appuyée par la guitare acoustique. Très beau! Et le scénario se reproduit tout au long d'"Hello Miss Jessie Lee". Eddie nous y souffle des phrases d'harmo, avec un aplomb digne de Sonny Boy Williamson I. "Hastings street special" adresse un clin d'œil instrumental à la plus célèbre "rue du blues" de la Motor City. Cet opus de bonne facture s'achève par "Don't let money change you", un blues bien rythmé négocié par une voix qui semble bien plus assurée.
Cet opus nous replonge sur la Côte Ouest, au cours de la tournée opérée par R.L Burnside, en janvier 2001. R.L est ici au cœur de son élément de prédilection : la scène. Huit des douze plages ont été immortalisées sur les planches du Crystal Ballroom de Portland, dans l'Oregon. A Burnside Street, très exactement. Ce qui explique le titre de cet album. Le reste a été enregistré au Great American Music Hall de San Francisco, en Californie. Histoire de perpétuer le fameux son Fat Possum, il a reçu le concours de son petit fils Cedric Burnside à la batterie et de son ‘Fils adoptif’, Kenny Brown, à la slide. Un instrument qu'il pratique avec fidélité depuis trente années.
R.L chante le blues en s'accompagnant d'une guitare. Le blues des collines du Nord du Mississippi. Celui qui se distille dans les sombres juke joints ou dans les salles à manger de tout un chacun. Il est manifestement inspiré par la musique des grands bluesmen que sont Fred McDowell, Muddy Waters, Lightnin' Hopkins et John Lee Hooker. Chez Fat Possum, l'absence de basse est habituelle. Le rythme hypnotique est produit par la superposition des percussions et des lignes tissées par la slide de Brown. Une recette qui marche à tout coup. La musique suscite le mouvement. Personne ne peut rester insensible à cette machine que rien n'arrête. Pas de fioriture ni de finesse ; le tout s'emboîte tellement bien qu'aucun muscle ne peut rester insensible.
La machine lancée, ce parcours répétitif nous flanque le frisson ; même lorsque les sonorités sont trempées directement dans le Delta. A l'instar des classiques "Rollin' & tumblin" et "Walkin' blues". Des moments d'une sensibilité unique ! Les échanges opérés entre la voix rauque et passablement ravagée du vieux bluesman et la slide dépouillée et métallique de Brown dégagent une authenticité rare. L'émotion et l'intensité sont à leur paroxysme sur "Bad luck and trouble". Un fragment tellement proche de John Lee Hooker. Et quand le trio hausse le rythme, c'est pour libérer la slide de Brown. Elle se met alors à flâner dans cet espace devenu soudainement libre. Le bonheur ! L'ouverture à elle seule est un parfait résumé de ce son Fat Possum. La reprise de "Shake 'em on down" est de la pure dynamite. La slide de Brown est insatiable. Elle maintient la pression tout au long de "Skinny woman". Rien ne semble pouvoir retenir l'ensemble qui s'emballe dans le rythme pour se fondre dans "Miss Maybelle". Et je m'en voudrais de ne pas épingler "Long haired doney", "Jumper on the line" et l'atmosphérique "Goin' down south". Recommandé !
Brett Gurewitz de retour, la formation californienne compte aujourd'hui trois guitaristes. Autre changement, Bobby Schayer a cédé ses baguettes à l'ex Suicidal Tendencies, ex Vandals, Brooks Wackerman. "The process of belief " constitue le 12ème album de Bad Religion. Un disque qui renoue avec le style dispensé sur ses premiers elpees. Encore qu'il soit nécessaire de bien connaître le parcours du combo, pour pouvoir faire la différence ; car leur musique est toujours aussi rapide, pour ne pas dire fulgurante. Une musique balayée d'harmonies vocales 'brianwilsonesques' qui laisse une place importante aux lyrics. A l'instar de " Materialist ", " Epipany " ou encore " Destined for nothing " qui se penchent, comme dans le passé, sur la religion, ou encore de " Kyoto now ! ", véritable manifeste environnemental. Pas de sermons politiques cependant, mais des réflexions philosophiques relatives à la nature humaine. S'il n'y avait la pertinence des messages, je dois avouer que je ne porterais guère d'intérêt à cette formation. Encore que lorsqu'elle prend le temps de ralentir quelque peu l'allure (NDR : à l'instar de " Broken " ou d'" Epiphany "), elle frôle l'univers de Weezer. Ce que j'apprécie davantage…
Quelques mois seulement après la BO d'" About A Boy ", une simple gageure pour un artiste prolifique comme Damon Cough, le deuxième album du jeune prodige mancunien sort sans tambours ni trompettes, et comme d'habitude - déjà - c'est un petit chef-d'œuvre. Tout commence par un instrumental apéritif, sorte de générique déglingué d'un album haut en couleurs, au cours duquel se croisent rock parfois balourd, ballades mélancoliques, funk, soul, les Beatles, Frank Sinatra et Kurt Cobain, des trompettes, des choristes, et plein d'autres choses encore. " Have You Fed The Fish ? ", la chanson-titre, sonne le glas du rock primaire qui pollue nos ondes en osant singer Bruce Springsteen, le temps d'un refrain pompier mais attachant. " Born Again " et " 40 Days 40 Fights " louvoient du côté romantique, puis " All Possibilities " sonne presque Motown - de la soul trempée dans une pop brinquebalante, cousue main mais avec des mains d'orfèvre. Le clou de l'album réside en un duo de chansons magnifiques : " You Were Right ", ou comment Damon gère amour et célébrité en invitant les fantômes de John Lennon et de Jeff Buckley ; et surtout " How ? ", deux mélodies en une, pleines de cuivres et d'aller-retour pop-rock : un BDB, et ça repart. " The Further I Slide " nous emmène en Jamaïque, pour un reggae-folk bein chaloupé, tandis que " Unsing Your Feet " invite des chœurs féminins et des guitares baladeuses pour une fiesta funky sans pareil. Vers la fin, les lumières s'éteignent, l'ambiance se fait plus feutrée, sauf pour ce " Tickets To What You Need " et son piano déjanté, sorte d'hommage décalé aux Beatles - figures tutélaires, avec Springsteen, d'un Damon Cough farceur et doué. A quand l'intronisation au Rock'n'Roll Hall of Fame ?
Damon Cough (alias Badly Drawn Boy) peut se féliciter d'avoir réussi l'exercice périlleux de la bande originale de film, et en même temps, du deuxième album. Car bien loin de n'être qu'une collection sans grand intérêt de chansons-fonds de tiroirs, cette BO pourrait bien devenir un vrai petit classique de musique de film, à ranger entre le " Virgin Suicides " de Air et le " Ghost Dog " de RZA, tout en servant de digne successeur au fameux " The Hour of the Bewilderbeast ". Les splendides morceaux que sont " Silent Sigh, Something To Talk About " et " Donna & Blitzen " (et même les instrumentaux) prouvent une fois pour toutes que Damon Cough est un grand songwriter, aussi prolifique et talentueux pour des œuvres de commande (c'est le cas ici) que pour celles plus personnelles. De toute manière, Nick Hornby n'aurait pas pu choisir meilleur compositeur que Badly Drawn Boy pour l'adaptation de son livre sur disque ; lui qui ne cesse de dépeindre, un peu comme le Mancunien, les tendres obsessions de trentenaires célibataires, dont la vie oscille entre la ‘wasserette’ du coin, le stade de foot et la collection de disques classée de A à Z ou par fréquentation (" Haute Fidélité ", " Carton Jaune "). A la fois chanteur à l'amour transi, grand fan de musique, ami au cœur tendre de ceux et celles qui ont flashé sur son bonnet tricoté (sa manie à lui) et ses mélodies imparables, Badly Drawn Boy représente donc un peu tous les personnages de l'ami Nick… Et comme eux, une fois qu'on le connaît, on n'a plus envie de le lâcher. C'est çà l'effet Damon Cough. Et avec Nick Hornby, ça nous fait un sacré tandem.
Band of Holy Joy s'est formé en 1984, à Londres. Drivé par le chanteur Johny Brown, ce groupe acoustique inclut un tromboniste, un batteur, un pianiste, un contrebassiste, un violoniste, un accordéoniste et enfin un joueur de banjo. Son folk urbain, unique en son genre, libre de toute guitare, évolue parfois même à la limite de l'expérimental. A l'instar de " Refugee ", sur cet opus. Mais la force de BOHJ procède de ses textes. Tout au long de " Love never fails " ils caricaturent à merveille le mode de vie britannique ou les personnages anglais célèbres (" Hugh Grant "). Mais à l'image du folk urbain politisé, les écrits de Brown restent néanmoins optimistes. Certains morceaux sont plus torturés et tortueux, que d'autres mais la mise en forme est impeccable. Même la plage instrumentale ne détonne pas dans l'ensemble. Les arrangements musicaux sont aussi soignés que chez Pulp ; mais le vocal est beaucoup moins efféminé et l'accent anglais (style : patate chaude dans la bouche) marqué. L'atmosphère dégagée est forcément anglaise et nous replonge dans celle déjantée de " Trainspotting "; d'ailleurs le chanté-parlé de Johny Brown rappelle celui qu'utilisait Ewan Macgregor, dans plusieurs de ses films (" A life less ordinary ", " Moulin rouge "). Adorant particulièrement l'accent british, j'écoute ce disque en boucle des journées entières ; aussi bien à domicile qu'en voiture, rendant dingue…une certaine personne. Les adeptes de la culture anglaise vont savourer et les tolérants vont même pouvoir apprécier (?!?!?)…
Tandis que se distille lentement une atmosphère pesante pendant l'écoute du bien nommé " Ay Distress ", voilà-t-y pas qu'une sonnerie de GSM vient interrompre le morceau, et Chris Flemmons, le chanteur, de péter un câble, sa guitare, et le reste. Hilarant ou flippant, selon l'humeur, mais difficile en tout cas de rester indifférent. Le reste, est à l'avenant : mélodies brinquebalantes enregistrées sur un deux-pistes, voix aigrelette possédée par le démon, guitares vieilles de cent ans résonnant comme l'écho d'une maison abandonnée… Ces chansons font froid dans le dos, comme si le disque avait été enregistré dans la forêt de Blair Witch en compagnie des fantômes de Woody Guthrie et de Ian Curtis. A cet égard, des plages comme " On A Wheel " et " Burning " foutent vraiment la pétoche. Antifolk éthylique, country industriel, rock d'outre-tombe, peu importe : " No Silver/No Gold " s'écoute à la bougie, enroulé dans une couverture avec, à portée de main, un crucifix, du whisky et les livres de Poe ou de Lovecraft. Tétanisant.
Nasville, USA, temple de la country : Bobby Bare Jr et sa troupe promènent leur nonchalance sur les routes poussiéreuses qui mènent à la reconnaissance, celles que viennent d'emprunter le génial Kurt Wagner et toute sa clique (Lambchop) avec " Is A Woman ". Les deux bandes se sont d'ailleurs déjà rencontrées à l'un des carrefours qui parsèment ce chemin difficile mais au bout duquel se trouve la fortune : la preuve en est que Paul Burch, Tony Crow et Paul Niehaus ont choisi de diviser leur emploi du temps pour pouvoir se consacrer aux deux chanteurs-compositeurs. Pourtant, la country de Bobby Bare Jr est bien plus rock que celle de Lambchop : sans doute que son père y est pour quelque chose, lui qui s'est déjà montré un as dans le domaine. En auto-stop avec The Jayhawks, Uncle Tupelo et Steve Earle, Bobby Bare Jr devrait donc sans problème arriver à destination, là où l'attend le succès, la gloire : sûr qu'avec cet album, c'est la lumière (des projecteurs) au bout du tunnel. " I'll Be Around ", " The Monk At The Disco " (très Jim White) et une reprise excellente de " What Difference Does It Make " des Smiths en boucle sur l'autoradio, le voyage devrait lui paraître en tout cas rapide et agréable. A nous de l'accueillir avec tous les honneurs, un " Bobby, we love you ! " griffonné sur une pancarte, le collier à fleurs autour du cou. La country n'est pas morte, vive Bobby : hip hip hip, yippie !
Barrelhouse constitue une des plus anciennes formations hollandaises de blues, encore en activité. Le combo s'est formé en 1974. Et au cours des dix années qui ont suivi, ils ont commis pas moins de dix albums. Ils ont eu même l'opportunité de tourner et d'enregistrer avec le maître de la Telecaster : Mr Albert Collins, en personne. De cette collaboration opérée en 1978, est d'ailleurs né un elpee, toujours disponible en CD : "Albert Collins live with the Barrelhouse live". Barrelhouse a toujours été drivé par une femme. Par une chanteuse, plus exactement : Tineke Shoemaker. La formation a même suspendu ses activités en 1986, lorsque Tineke a fondé One Two. Mais il devait y avoir une suite, car Barrelhouse est réapparu en 1993. Depuis, il s'est illustré à travers deux elpees : "Fortune changes" en 1994, et "Time frames" en 1998.
La sonorité de Barrelhouse a toujours été plus proche du british blues que des groupes américains. A cause de la section rythmique. Et on s'en rend compte dès les premiers accords de la plage titulaire, dont le motif est imprimé par la basse de Johnny LaPorte. Tineke est bien en voix, forte et plaintive à la fois. Les guitares des deux frères javanais sont retenues. Guus et Johnny doublent les instruments à 4 et 6 cordes. La célèbre composition de Little Walter, "Last night (I lost the best friend I ever had)", est reprise à la sauce hollandaise. Sans harmonica, mais avec le piano du redoutable vétéran Han van Dam. Un véritable bonheur, car il est un des rares musiciens européens à avoir assimilé le style du maître Otis Spann. Cette approche des touches est unique ; dommage qu'on ne l'entende pas davantage sur cette nouvelle œuvre. "Hang on to the things you do" épouse un style percutant, assez hard, un rockin' blues érigé sur le riff des guitares. "Country road" est une douce ballade country. Reprise ici à la sauce batave, elle bénéficie du concours de l'accordéoniste Jan Willem Sligting. Instrumental, "Far East" nous invite à goûter le son bien gras de la Gibson Les Paul, plongé au sein d'un climat très intimiste ! Intimiste est bien le maître mot de cet opus, car est découpé en chansons que sculpté dans le blues. Tineke interprète "Parting glasses" a capella. Elle s'appuie tout d'abord, avec délicatesse, sur la tristesse infinie de l'accordéon, avant que la section rythmique, puis les claviers ne viennent s'agiter à l'avant-plan. Mais quelle justesse et quelle clarté dans le chant! Deuxième reprise, "Last night (I heard you crying in your sleep)" n'est plus signée Little Walter, mais Hank Williams. Une version dépouillée, au cours de laquelle la voix est épaulée par le piano de Han et le dobro bien métallique et ensorceleur de Gary Lucas, un musicien qui joua jadis dans le Magic Band de Captain Beefheart. Ce "Last night" est superbe et superbement produit. "Like you did before" est un nouveau rockin' blues rythmé, contaminé par un piano électrique, un peu dans le style que les Faces affichaient naguère, lorsqu'ils étaient aux ordres de Rod Stewart. "Dark as a dungeon" navigue entre blues dépouillé et ballade country. Sa densité musicale est accentuée par le tuba basse de Patrick Votrian, le saxophone ténor de Roland Brunt et la trompette de Wouter van Bemmel. "Hard feelings" conclut a capella avec. Album très personnel et bien réalisé, " Walking in time " risque fort de laisser les fans de blues sur leur faim, car les exploits instrumentaux du piano et des guitares demeurent un peu trop sur leur réserve.
Intouchable Bashung. Vénéré par la plupart des amateurs de rock qui accordent quelques concessions à la chanson française, il trône sur son piédestal. Je les comprends : Bashung est en recherche perpétuelle. Il ne sert jamais deux fois le même plat. Et surtout, lorsque ce plat a connu un franc succès. Il ne formate jamais une chanson pour en faire un single. Et pourtant, il y parvient avec des compositions improbables comme " Osez Joséphine " ou " Ma petite entreprise ", qu'évincerait tout responsable de marketing. Respect donc. Mais écoute critique, tout de même. Et là, " L'imprudence ", désolé, je n'accroche pas. Le climat - qui, chez Bashung, prime depuis longtemps sur la chanson - noie ici toute référence. C'est incroyablement sombre. Trop sombre pour y plonger. D'autant que les textes, plus elliptiques que jamais, déconnectés de toute logique immédiatement compréhensible, ne pourront servir de bouée.
J'avais beaucoup apprécié le dernier album de cette formation de Los Angeles. Intitulé " Once we were trees " cet opus était manifestement bercé par la musique californienne de la fin des sixties et du début des seventies. Et en particulier par Buffalo Springfield, les Flying Burrito Brothers et les Byrds. Oscillant toujours entre country rock classique et psychédélisme brumeux, cet EP six titres intègre davantage d'éléments technologiques. La coproduction de Jimmy Tamborello (Figurine, DNTL) y est sans doute pour quelque chose. Normal puisque ses propres projets font la part belle à l'électronique. Et puis de chœurs. Résultat des courses, ce disque risque de déclencher des réactions diamétralement opposées. Le mélomane réceptif à ce type d'expérimentation trouvera la formule géniale. Les autres estimeront qu'elles affadissent la matière première. Personnellement, suivant mon humeur, l'écoute de ce disque est susceptible de me communiquer ces réactions extrêmes. Une chose est sûre l'expression sonore a un peu trop tendance à se complaire dans une certaine forme d'éther atmosphérique. Pourtant, en écoutant d'une oreille très attentive, on peut y déceler une foule de richesses. Harmonica abyssal, claviers spumeux, cordes de guitare cosmiques, sydbarretiennes, banjo épilé, trament une texture de fond assez riche pour évoquer Mercury Rev, les Flaming Lips ou encore Grandaddy. Il n'y manque sans doute que l'énergie…
La musique californienne de la fin des sixties et du début des seventies doit bercer les rêves de ce quatuor californien. Des songes probablement hantés par les spectres de Buffalo Springfield, de Flying Burrito Brothers et des Byrds. Ce qui s'explique facilement lorsqu'on sait que les musiciens de cette formation sont issus de la Californie profonde. Après avoir transité soit par Further, Strictly Ball Room ou encore les Lilys, ils ont décidé de fonder ces Beachwood Sparks, puis alors commis un premier album éponyme en 1999. Leur deuxième opus a été enregistré dans les studios de John Mascis à Nothampton. John est même venu donner un petit coup de guitare sur deux fragments. Tout au long de ce " Once we were trees ", la musique de ce groupe oscille entre country rock le plus classique (avec violon, harmonica, steel guitar et tout le saint tremblement) et psychédélisme brumeux, parfois épaissi par l'intensité électrique des accords de guitare et les claviers grumeleux. Et à l'instar de son illustre égérie, le combo passe d'un style à l'autre avec une facilité déconcertante. L'opus recèle même une cover du " By your side " de Sade. Mais, il s'agit du titre le plus faible du morceau de plastique. Probablement le seul. Car nonobstant ses connotations revivalistes, ce disque est tout à fait rafraîchissant.
Décidément, Beck ne tient pas en place : après un album funky à souhait (" Midnight Vultures "), le voilà qu'il sort l'orchestre à cordes et nous balance un " Sea Change " voluptueux, à des lieues de ses tubes Grand-Guignol et de ses comptines lo-fi. Beck n'aime sans doute pas la redite, et c'est tant mieux : avec ce " Sea Change " sous haut patronage (Gainsbourg et son " Melody Nelson "), Beck continue son grand bonhomme de chemin. Un sans faute.
Premier album pour ce duo issu de Wight, une petite île perdue au large du sud-ouest de l'Angleterre, qui s'est surtout illustrée, fin des sixties, par ses festivals rock gigantesques. Nonobstant une amitié qui dure depuis une bonne dizaine d'années, Paul Butler et Aaron Fletcher ont décidé, voici peu, d'unir leurs talents et d'enregistrer ce " Sunshine hit me ". Avant d'entamer cette collaboration, les deux musiciens avaient roulé leur bosse au sein de toute une série de formations, en expérimentant un tas de styles : funk, pop, jazz, techno, motown, swamp, etc. ; des aventures ponctuées par l'enregistrement de quelques albums. Treize au crédit de Paul, une demi-douzaine à celui d'Aaron. Mais venons-en à ce " Sunshine hit me ". Un disque qui fait un peu la synthèse de toutes leurs expériences passées. Les mélodies sont ensoleillées, paisibles, élégantes, jazzyfiantes (Robert Wyatt ?), les arrangements minutieux, sophistiqués, luxuriants (Beta Band ?), les harmonies vocales soignées, 'brianwilsonesques', les claviers aquatiques (High Llamas ?). Même les boucles groovy et les rythmes tribaux sont cotonneux. Deux fragments (" No trophy " et " This town ") trempent dans le reggae, alors que " Binnal bay " s'agite pudiquement au rythme d'un carnaval carioca. La formule idéale pour décrocher un hit. D'autant plus que la chanson est terriblement contagieuse. Même Kid Créole et les Coconuts n'y avaient jamais pensé. Un disque cool, relax, à écouter de préférence dans son salon, le casque sur les oreilles, juste avant d'aller dormir…
L'exercice périlleux de la BO de film semble un passage obligé pour bon nombre de groupes pop-rock soucieux de montrer leur savoir-faire ou de remonter la pente. Malheureusement, beaucoup s'y sont cassé les dents, y laissant souvent leur inspiration se noyer entre deux extraits de dialogues. C'est le cas de Belle and Sebastian : à trop vouloir copier-coller leurs ritournelles impressionnistes sur les images de Todd Solondz, Stuart Murdoch et sa bande de joyeux drilles ont oublié leur génie mélodique à la maison. Résultat : un pseudo-album en demi-teinte, limite ennuyeux. Où sont passés les airs d'antan et d'où sort cet instrumental, qu'on croirait chipé aux " Jeux Interdits " de Narciso Yepes ? A part ce " Wandering Alone " très Calexico et ce " Scooby Driver " wilsonien, rappelant les loopings pop de " Rollercoaster Ride ", " Storytelling " est une histoire à dormir debout.
Lorsque Tanya Donnelly quitte les Throwing Muses en 1991, c'est pour fonder Belly. Une formation dont l'existence éphémère (NDR : de 1992 à 1996) sera quand même émaillée par la confection de plusieurs singles, de l'un ou l'autre Ep et de deux albums (" Star " et " King "). Depuis, la demi-sœur de Kristin Hersh a embrassé une carrière solo… Belly séduisait surtout à cause de son style, une popcore rafraîchissante, éthérée, chatoyante, née d'un mélange subtil entre sensibilité acoustique et intensité électrique, dominé par le timbre vocal cristallin, capricieux, mais tellement rafraîchissant de Tanya. Ce recueil n'est pas tout à fait un " best of ", mais un disque qui réunit 9 faces B de singles, un inédit (" Lilith "), une version live de " Dusted ", une autre en français de " Judas mon cœur ", trois remixes ( " Feed the tree ", " Seal my fate " et " Gepetto "), ainsi que l'adaptation d'" Are you experienced ? " de Jimi Hendrixx, qui figurait sur le " Tribute " consacré au guitariste mythique. Seuls quatre fragments figurent ici sous leur forme originale : " Full moon, empty heart ", " Slow dog ", " Now they'll sleep " et " Super-connected ".
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