Enregistré dans le superbe complexe 013 de Tilburg (Hollande), une des meilleures salles de concerts d'Europe, ce premier live des anglais de My Dying Bride est le témoignage parfait de sa dernière tournée, opérée dans le cadre de la Peacefest. Toujours aussi doom, la formation nous livre en l'espace d'un mois, non seulement un album public, mais aussi un DVD enregistré en 1996 à Cracovie. Faut-il évoquer également les deux compilations, "Meisterwerk 1 et 2" sorties en 2001? L'actualité de ce groupe hors du commun est donc bel et bien chargée ; et le fan ne sait plus où donner du portefeuille. Live ou best-of supplémentaire? Toujours est-il que cette technique de marketing n'enlève rien à la grande qualité de la superbe musique dépressive de ce géant du métal des ténèbres. Les "She's in the Dark", "The Cry of Mankind", et autre "Your River" sont toujours aussi beaux à pleurer, mais on regrettera néanmoins l'absence du violoniste Martin Powell, dont un simple coup d'archet suffisait pour briser la monotonie de certaines plages. Une des faiblesses de l'elpee, je le concède ! Ce qui n'empêchera pas les fans de le considérer comme indispensable. Quant aux néophytes, ils se rabattront sur l'indispensable "Like Gods of the Sun", un sommet du genre.
Figure de proue légendaire du blues blanc, Charlie est né en 1944 à Kosciusko, dans le Mississippi ; mais il a vécu plusieurs années à Memphis, dans le Tennessee. Il s'était établi à Chicago en 1962, où il a écumé les clubs, l'harmonica en poche et la guitare en bandoulière. Son premier album, "Stand back! Here comes Charlie Musselwhite's Southside Blues Band" était paru en 1966, sur Vanguard. Depuis, il s'est fixé en Californie et a sorti un nombre impressionnant d'elpees. Son dernier, "Continental drifter", remonte à 1999. Un disque remarquable, paru chez Pointblank. Une œuvre au cours de laquelle, il était parvenu à réaliser une fusion originale entre son blues et la musique traditionnelle cubaine. Cette nouvelle plaque opère un changement radical !
La première plage, "Trail of tears", plante le décor : nous sommes bien à Memphis, au carrefour du blues, du country et du rock'n'roll. La voix de Charlie se mêle à celles de Kelly Willis et de Christine Ohlman, pendant que les guitares de G.E Smith et Robben Ford se partagent les soli. Ecrit par le pianiste Ivory Joe Hunter, "Cold grey light of dawn" baigne au sein d'un climat parfaitement country. Sans aucun doute un des meilleurs moments de l'album ! Memphis Charlie se rappelle sa jeunesse. Cet album, dit-il, est une réflexion sur ses expériences que j'ai menées à Memphis, au cours des années 40 et 50. "Blues overtook me" est une composition autobiographique. Elle retrace la manière dont le blues l'accosta naguère à Memphis. Les guitares de G.E Smith et Robben Ford le suivent à la trace, alors que Robben sort un solo très rock'n'roll qui sied parfaitement à ce climat. "In a town this size" est clairement country. Authentique spécialiste de country et de bluegrass, Marty Stuart est à la guitare. La voix cristalline de la citoyenne d'Austin, Kelly Willis, accompagne parfaitement celle du vieux Charlie. Rehaussé par la présence de la chanteuse Christine Ohlman, "Walking alone" est une plage légèrement rythmée, assez différente de ce que nous avait habitué Charlie. Illuminée par la guitare de G.E Smith et la mandoline de Stuart, mais également balayée par l'harmonica, "Rank strangers to me" est une ballade très lente, proche des canons de la country et du blues. La reprise du "One time one night" de David Hidalgo et Louie Perez de Los Lobos est imprimée sur un rythme rock'n'roll. Tout fan de Charlie Musselwhite aime le retrouver dans l'exercice du blues authentique. Epaulé par la seule basse de T-Bone Wolk, il le pratique sur le grave "In your darkest hour". Et puis également chez le très très lent, enrichi par la voix de Miss Ohlman , "Ain't it time?". Charlie est aussi resté un vieux fan de Johnny Cash. Il le croisait régulièrement à Memphis, à l'époque des enregistrements Sun. Il reprend avec beaucoup de respect son "Big river". G.E Smith s'y révèle très à l'aise aux cordes. Soutenu par les guitares de G.E et de Robben Ford, la fin d'album est plus classique. Mais en même temps, Charlie retrouve toute sa verve à l'harmonica. A l'instar de son "I'll meet you over there" et du célèbre "Ain't that lovin' you baby", de Jimmy Reed ; une finale au cours de laquelle l'intervention de Ford est particulièrement brillante. Ce retour aux sources d'inspiration de l'artiste décontenancera sans doute le fan qui avait apprécié l'album précédent qui, je le rappelle, était le fruit de la rencontre du blues moderne et de la fusion cubaine.
Le chanteur de cette formation de Leeds possède une voix exceptionnelle. Son nom ? Rob Harvey ! Et son timbre campe un hybride entre Perry Farrell et Grace Slick. S'il n'y avait les notes de la pochette, j'aurais presque juré qu'il s'agissait d'une femme, tant son falsetto éthéré, gémissant, est saisissant. The Music n'a pas encore sorti d'album, mais trois EP. Constitué de quatre titres " You might as well try to fuck me " baigne dans un univers psychédélique à l'intensité noisy. A cet égard, le titre maître de ce disque est un petit bijou d'intensité électrique. Beaucoup plus atmosphériques, nonobstant une forme dance héritée probablement des Stone Roses, les trois autres fragments nous replongent dans l'univers visionnaire, halluciné, tourmenté de The Verve, lorsque le cerveau de Richard Ashcroft était encore balayé par " A storm in heaven ". Un futur grand groupe est probablement occupé de naître…
Franchement, après avoir écouté cet album pour la première fois, je suis resté sur le cul. Un disque à ne pas mettre entre les oreilles du premier venu, il faut l'avouer. Pourtant, si le mélomane est branché, il vous remerciera plus de cent fois. Mais s'il est largué, il risque fort de péter un plomb, voire le circuit. Je m'explique. Sur les dix fragments qui composent le premier opus de ce quatuor de Leeds, peu d'espace a été réservé à la récupération. Le flux sonore, dévastateur, tumultueux, viscéral est une constante. Rien de tel pour opérer un lavage complet (NDR : et efficace !) de votre matière grise. Mais quels sont les paramètres qui permettent un tel phénomène. Tout d'abord la voix de Robert Harvey. Et quelle voix ! Haut perchée, stridente, sauvage, elle met littéralement le feu à la musique. Un peu à la manière de Robert Plant, lorsqu'il sévissait chez Led Zeppelin.
Fondamentalement, The Music a d'ailleurs hérité de la passion volcanique et de la conviction électrique cultivée chez le célèbre dirigeable, qu'il manifeste à travers un mélange de heavy métal sulfureux et de blues fougueux. Enfin, à la base. Car ce cocktail explosif laisse la porte ouverte à bien d'autres courants musicaux. Le psychédélisme tout d'abord. Celui de The Verve (NDR : ses deux premiers elpees !) et des Spiritualized Electric Mainline. Le funk et la house ensuite. Héritée en ligne droite des Stone Roses. Le tout raffiné par un zeste de technologie moderne, histoire de ne pas oublier que nous vivons en 2002. Un assortiment tempétueux, tentaculaire, au cours duquel The Music libère ses passions, ses frustrations, ses colères, mais également laisse la place à ses espoirs. Un must ? C'est une certitude ! Mais un must au sein duquel une flopée de remixeurs pourrait facilement trouver matière à travailler. Espérons simplement qu'ils soient de la trempe d'Underworld ou de Prodigy.
Deux plaques sur le nouvel opus de ce trio insulaire. La première est consacrée à une sélection de faces B de singles enregistrés entre mars 99 et octobre 2001. La deuxième immortalise un digest des deux concerts accordés au Zénith de Paris les 28 et 29 octobre 2001. Ceux qui n'ont jamais eu le loisir de les applaudir sur scène, pourront ainsi se rendre compte de l'énergie et de l'intensité dispensés par Muse tout au long d'un concert. Et puis du registre vocal phénoménal manifesté par Matt Bellamy. Pas pour rien que sa voix soit souvent comparée à celle de Jeff Buckley. Ce double Cd sort au même moment qu'un DVD consacré à ce set live. Si c'est de la même qualité, je vous invite à vous le procurer. Mais, faudra peut-être aussi vous fendre d'un lecteur Dvd, si vous souhaitez le visionner…
"Soul surfing" constitue le 22ème elpee de ce chanteur/poète/romancier yankee, exilé à Paris depuis de nombreuses années. Ce qui ne l'a pas empêché de s'entourer de ses musiciens new-yorkais préférés. En l'occurrence Ernie Brooks (ex Modern Lovers), le claviériste/accordéoniste Kenny Margolis (ex Mink DeVille) et le drummer Danny Montgomery, un autre expatrié américain qui a notamment joué pour Percy Sledge et Concrete Blonde. Sans oublier l'ex guitariste de Little Bob, Olivier Durand. Un disque dominé par l'instrumentation acoustique. Mais un peu comme chez Bob Dylan. C'est à dire quelque part entre folk, blues, country et rock'n roll. Exceptions qui confirment la règle, " Strangers on a train " trempe dans la bossa nova, alors que " Dragon " porte des accents soul/jazz. Parfois épaulé par une voix féminine, le chant d'Elliott se révèle tendre, profond, empruntant même parfois les inflexions de Willy DeVille, parfois celles du Zim, parfois celles de Bruce Springsteen ; alors que la conjugaison des six cordes acoustiques (l'une grattée, l'autre en picking) est un véritable régal. En parlant de cet opus, Elliott a déclaré : ‘Nous avons utilisé des guitares sèches, parce qu'elles sonnent presque humaines, parce qu'elles sont sculptées comme le corps d'une femme…’ On peut ainsi imaginer toute la sensualité qui transpire de ses mélodies à la fois touchantes et belles, mais également des instants empreints de poésie qu'il enrichit de ses lyrics chargés de mélancolie douce…
C'est vrai que cet album est sombre, très sombre. Mais qu'est-ce que c'est bien fait. Mieux encore : pas trop bien fait. Les compositions soignées de Murat conservent un côté artisanal, qui les place largement au-dessus de la moyenne radiophonique. Au fil de l'écoute, on s'est même surpris à songer aux périodes acoustiques de Neil Young, à cette même capacité à introduire une fêlure dans des mélodies imparables. Ecoutez la guitare râpeuse et les notes d'harmonica du tubesque "L'au-delà " ou le bluesy " Molly " pour vous en convaincre. La même analyse vaut pour les paroles. Murat, le poète, n'a pas peur de balancer soudainement un ‘nom de Dieu’ pour changer de registre. Du grand art ! Et pourtant, a priori, je ne suis pas un fan de Murat.
Et maintenant une petite devinette : d'où viennent les Mummy The Peepshow ? Hein ? Hein ? Allez, un indice : le titre ! School ! Girl ! Pop ! Non, rien ? Un autre pour brouiller les pistes cette fois : un tee-shirt de foot américain (attention !) pour le haut, une jupe écossaise (attention !) pour le bas, des bas rayés bicolore type guêpe dessous (trop tard)... Alors, reconnaissez-vous dans quel pays cette mode peut déchaîner les foules ? J'en vois qui commencent à décrypter l'énigme. D'accord, le suspense n'a que trop duré : je lâche le morceau, vous êtes intraitables : Osaka, au Japon !!! Mais oui, c'était pourtant pas compliqué ! Pourtant, certains sont capable de me rétorquer : "mais bien sûr". Toutes ces (légères) considérations mises à part, il faut quand même admettre que les éléments "surprise" et "exotisme" répondent aux abonnés absents. Il est vrai que MTP sème quasiment plus de titres sur des compiles estampillées "girlsbands made in japan" que sur ses propres albums. Mais formé depuis maintenant 1994, il se démarque musicalement trop peu (NDR : un titre à la Piaf quand même) pour frapper les esprits et créer ainsi des mouvements de foule hystérique, des débordements en tout genre qui nécessiterait l'intervention des forces de l'ordre. Sur cet album tout au moins. D'autant plus que le radicalisme musical existe chez Melt Banana ou que le côté kitsch est totalement assumé par les Ex-girl ; pour ne citer qu'eux.
Parmi les formations contemporaines excentriques les plus connues, figurent Gorky's Zygotic Mynci et Super Furry Animals. Deux ensembles gallois qui ont plus que probablement eu une influence sur Mull Historical Society. Un combo écossais, pas gallois, derrière lequel se cache Colin Mc Intyre. Un chanteur/compositeur/multi-instrumentiste qui fait à peu près tout chez MHS. Faut dire qu'à l'origine, le line up de sa formation se résumait à Colin et à son ‘quatre pistes’ portable. Depuis, il a engagé un véritable groupe pour accomplir ses tournées ; et puis a reçu le concours de quelques musiciens de studio lors de l'enregistrement de son premier elpee, " Loss ". A la fois pastorales et baroques (NDR : question de célébrer la rencontre entre les Gorky's et les Super Furry Animals), les compositions de Mc Intyre flirtent également avec le sens mélodique de Supergrass. Sans l'exubérance. Mais avec le même soin pour les harmonies vocales. Qu'il duplique au lieu de les conjuguer. En les enrobant parfois de chœurs exécutés par une chorale enfantine. Si chacune de ses chansons semble véhiculer sa propre histoire, son propre mélodrame, c'est parce que les lyrics sont écrits avec le même esprit oblique et la même intelligence que chez Morrissey. Des lyrics dont les aspects sombres agitent son imagination déchirée entre le sublime, le ridicule et le contagieux. Bref, un opus fort intéressant, mais qui exige une certaine tournure d'esprit, pour être apprécié à sa juste valeur…
Andy Carthy aime bien jongler avec tous les styles : house, jazz, soul, disco, funk, rock,… Ses albums sont souvent d'inénarrables fourre-tout, à ne pas mettre entre toutes les oreilles sous peine de méchant tournis. Encore une fois, " Trouser Jazz " ne faillit pas à cette règle : il y a sur ce disque à boire et à manger. L'avantage de ce genre de dédale musical : tout le monde y trouvera bien son compte. L'inconvénient : jusqu'à s'y perdre et ne plus entrevoir la sortie. A force de vouloir tout mettre dans son mixer, Mr Scruff en met plein les murs, et c'est fort dommage. Un bon torchon et un seau d'eau auraient bien fait l'affaire pour nettoyer cet album de quelques impuretés encombrantes : à tort, on emploiera la touche ‘accéléré’.
Tout au long de ce premier album, Mr. Lif nous narre l'histoire d'un pauvre type tué par balles, qui ressuscite (par la musique) pour sauver l'Amérique de sa morgue patriotique… jusqu'à son réveil, direction le boulot et toutes ses injustices. Un rêve ? Peu importe, le B-boy décide de prendre le taureau capitaliste par les cornes : Bush n'a qu'à bien se tenir, et avec lui tous les symboles écrasants de l'impérialisme sauvage et du consumérisme ravageur (argent, religion, travail, médias, drogues, justice,…). Mr. Lif, rappeur érudit qui n'a pas sa langue dans la poche (sorte de cousin de Mos Def et de Tribe Called Quest), tire à boulets rouges sur tout ce qui gangrène l'Amérique, loin de toute démagogie et avec un talent certain. Chroniqueur hors pair qui veut amener la population occidentale à une prise de conscience (tout n'est pas noir, mais il y a du pain sur la planche), Mr. Lif se pose donc en digne descendant de KRS-One et de Chuck D, avec toutefois moins de virulence et plus de discernement. Et quand la musique est bonne (à la production, El-P, Fakts One, NASA, Edan et Insight, bref la crème du hip hop underground le plus fascinant), ça nous donne un concentré de beats, de flow et de samples supérieurs à la moyenne. " I Phantom " dépeint les démons d'un homme en prise avec son environnement immédiat, cette Amérique 'post 11 septembre' toujours groggy, aveuglée par la haine de l'autre et la soif de vengeance. A la fin du disque, c'est la menace d'une guerre nucléaire qui pointe même à l'horizon, avec " Earthcrusher " et " Post Mortem ", constats désabusés d'une société pourrie qui court vers son anéantissement. On n'a pas fini de mesurer les secousses sismiques enclenchées par l'effondrement des Twin Towers… ce disque en est la preuve. Effrayant, mais important.
Deux filles et trois kids constituent le line up de cet ensemble bruxellois. Une formation qui avait commis un premier album en 1998 (" Blue sky maybe "), pour lequel elle avait reçu la collaboration de Kylie Statham (Fuck) ; et un EP en 1995, enregistré sous la houlette de Pierre Vervloesem, le producteur du premier elpee de dEus. Pour la mise en forme de " Broken fantasy ", Moxie a fait appel à Jim Putman, leader de Radar Bros, auquel le groupe voue une grande admiration. Un personnage qui ne se contente cependant pas de driver son groupe, puisqu'il produit également ses disques. Pas étonnant qu'à première écoute, l'influence du combo américain est très palpable. Tout comme celles de Pavement, de Blonde Redhead et de Sonic Youth. Surtout pour les guitares. C'est tout à fait évident sur l'excellent " The beat of your heart ". Mais en général, la forme est beaucoup plus minimaliste. Au fil de l'écoute, ces références s'estompent pour laisser place à une solution sonore intimiste, délicate, envoûtante, à la fragilité bouleversante. Une pop paradoxalement à la fois contagieuse et glacée, recouverte d'harmonies vocales vaporeuses, infiltrée sobrement de collages et d'effets spéciaux, que balaie furtivement, ponctuellement, et dans l'esprit d'un Stereolab, un clavier à quatre sous. A l'instar d' " Early morning " et de " Secret ", probablement les deux meilleures compositions de l'opus. Ou encore de " Happy buzz ", rehaussé par la présence d'une slide, du kitsch " I.C.U. ", bâti sur un jeu de mots (" I see you "), et de l'incantatoire " Love life ". Personnellement, je dois avouer que la surprise (NDR : ce " Broken fantasy", bien sûr) est d'autant plus agréable, qu'elle était totalement inattendue…
Mousse T est l'auteur heureux de deux méga-hits, " Horny " et " Sex Bomb " (avec Tom Jones), qui ont ébranlé la planète dance il y a deux ou trois ans. Alors qu'il aurait pu décliner la même formule pour empocher d'autres pactoles, Mousse T a préféré se mettre en danger, préférant se montrer, avec ce premier album, sous un jour moins festif et dragueur. " Gourmet de funk’ propose ainsi une house apaisée aux teintes jazzy surprenantes, bien loin finalement de ses hymnes ‘jump up’ un peu balourds qui donnaient plus des maux de ventre que des fourmis dans les jambes. Des relectures ‘swing’ de " Sex Bomb " et ‘jazz’ de " Horny " vont d'ailleurs dans ce sens, avec réussite. Si la formule downtempo s'essouffle vers la fin (les deux-trois derniers titres sont dispensables), on peut dire que Mousse T a passé l'examen casse-gueule du premier album avec brio.
Leur boogie rock incandescent donne le vertige, leurs envolées fusionnelles le tournis et leurs slows vaporeux une trique d'enfer. La langue bien pendue, ces Mother Tongue aiment jouer avec le feu, jonglant avec les notes et les riffs comme des acrobates sur la corde raide, toujours prêts à sauter dans le vide, les nerfs à vif et la tension au maximum. Après plusieurs années d'absence, leur nouvel album, produit par Mario Caldato Jr (Beastie Boys), montre enfin les crocs, tel un Boogie Man enfermé dans le placard pendant trop longtemps : rythmiques haletantes, vocaux surhumains, refrains détonants, les Mother Tongue allient le meilleur des Red Hot avec le son roots du blues, voire de la soul. A les entendre rugir, on les imagine sans peine bêtes de scène… Mother Tonghe is back, et ça va faire mal.
Au cours des 50's, le label United privilégiait les groupes vocaux, et en particulier les quartets gospels, sans pour autant négliger d'autres styles moins sacrés. Ce recueil réunit des enregistrements opérés par quatre groupes qui ont sévi entre 53 et 55. Un phénomène qui allait ouvrir la voie au doowop. La collection "Cho Chop Boom" était réservée au label States. Elle sera donc limitée à United! Les Moroccos appartenaient à la Communauté Englewood du South Side de Chicago. Drivés par Ralph Vernon, ils s'appelaient à l'origine, les Four Chimes. Un line up qui allait passer à un quintet, lors de l'engagement du ténor Sollie MeElroy. Les Moroccos se taillent la part du lion sur l'album. Et pour cause, douze titres leurs sont consacrés.
L'opus s'ouvre par "Bang goes my heart", un fragment rehaussé par la présence d'une guitare surprenante. Le piano s'emporte sur le sémillant et rythmé "The hex" pendant que Red Holloway actionne son sax ténor, avec beaucoup de bonheur. Les Answers ont participé aux sessions finales de United. En 1957. Ils sont inconnus au bataillon, mais signent ici deux plages dont une face jump : "Keeps me worried all the time"et le rapide "Have no fear", qui bénéficie du concours du Lefty Bates Trio et à nouveau de Red Halloway au saxophone. Les Sheppards étaient issus du South Side de Chicago. Un quintet ici responsable de deux faces jump : "Just let me love you" et "Pretty little girl". Elles datent de 1956. On y retrouve les mêmes collaborateurs. C'est à dire Horace Palm au piano et Red Holloway et Mac Easton aux saxophones ; mais le lead vocal est assuré par le ténor John Pruitt. Les Pastels sont également issus de Chicago. Ils ont commis deux sessions pour United, en 1956. Six plages dont un " Boom De Boom " parcouru par l'excellente guitare jump du leader Lefty Bates. Bates partage la vedette de ces sessions avec avec Red Halloway. Il accorde quelques petits bijoux de soli sur "Goodbye", et donne un merveilleux exemple de doowop sur "My little girl". Le nombre de formations auditionnées à l'époque était très important. Parfois elles disparaissaient sans laisser de traces, sans même qu'un disque ne vienne témoigner de leur existence. A l'instar du Mystery Group, qui interprète les deux dernières plages de cette collection. Ce sont des illustres inconnus dont l'interprétation de la fort jolie ballade "Tender love" est renforcée par des chœurs! Dommage qu'à l'issue de cette fin mouvante des fifties, ce style allait progressivement disparaître, pour laisser la place à la folie du rock'n'roll…
Alanis a un fameux caractère. En quelques mois elle est parvenue à virer son fidèle collaborateur, Glen Ballard, s'est brouillée avec Madonna, qui n'est autre que la patronne du label sur lequel elle est signée, et a défrayé la chronique en se payant un flirt avec Jessica Parker, au beau milieu de la série télé " Sex in the city ". En outre, cette Canadienne n'en rate pas une pour se payer la tête des machos ou de tailler le portrait de l'homme idéal. A travers les lyrics de ses chansons, notamment. Et c'est encore le cas sur " Under rug swept ". Son quatrième opus. En particulier sur " Flinch ", " So unsexy " et " A man ". Ce qui ne l'a pas empêchée de recevoir le concours de collaborateurs mâles. Et pas n'importe qui, puisqu'on y retrouve Flea (Red Hot Chili Peppers), Dean De Leo (Stone Temple Pilots) ou encore Eric Avery (ex Janes's Addiction). Les braves types ! Et pour démontrer qu'elle est capable de se débrouiller toute seule, elle a assuré la production de son opus. Si Alanis possède toujours ce timbre vocal falsetto fiévreux, grondant, son elpee nous a laissé sur notre faim. Hormis les trois premiers fragments, les chansons se fourvoient progressivement dans la ballade fromatée. Et ce n'est pas l'apport de boucles ou de rythmes hip hop qui y change quelque chose. Dommage, car l'hypnotique " Narcissus ", le contagieux " Hands clean " et le percutant " 21 things I want in a lover " ont une pêche d'enfer…
La dernière fois qu'on avait croisé Morcheeba, c'était avec leur tube FM "Rome wasn't build in a day", une incartade pop trop sucrée qui nous avait donné la nausée. Dégoûté par tant de mièvrerie, le public délaissa un moment le joli minois de Skye, certain qu'elle et ses deux amis avaient viré leur cuti trip-hop pour le compromis lounge-mainstream, ce cocktail parfait pour danser les bras en l'air et la tête au frais, mais sans l'entrain d'antan, qui faisait de "Big Calm" et de "Who Can You Trust ?" ces albums à chérir tendrement, au coin du feu. On n'avait donc plus trop confiance en Morcheeba, jusqu'à l'arrivée impromptue de ce " Charango ", splendide retour au bercail trip-folk de leurs débuts. Dès "Slow Down", on se dit donc qu'on a eu tort de les maudire tout un temps, la voix de Skye et les beats langoureux de Paul Godfrey nous rappelant que Morcheeba n'a finalement jamais vraiment rimé avec lambada. Et quand Kurt Wagner de Lambchop ramène sa country tranquille sur "What New York Couples Fight About", on s'étonne que l'alchimie fonctionne, en tout cas le choix fut risqué - rien que pour cela, chapeau bas. Avec ses mélodies ouatées, ses refrains tout en caresses et ses ambiances délétères, "Charango" fera chavirer nos tympans pendant encore longtemps.
John Mooney est newyorkais. Au cours de sa jeunesse, il a appris à jouer de la guitare. Il avait à peine assimilé la technique, qu'il se convertissait déjà au blues. A 16 ans, il fait la connaissance d'un de ses voisins : Ed ‘Son’ House, le légendaire bluesman du Delta qui aurait été le professeur du mythique Robert Johnson. John commence à tourner aux USA et lorsqu'il descend à New-Orléans, il rencontre celui qui sera une autre influence majeure : le maître du piano local, Professor Longhair.
Son 1er album, "Comin' your way" (Blind Pig), date de 1979. Depuis 81, il tourne avec sa formation, le Bluesiana Band. D'autres albums ont suivi : "Telephone king" en 83, "Sideways in paradise", commis en duo avec Jimmy Thackery en 85, "Late last night" en 90, "Travelin' on", un live immortalisé à Brême (Crosscut) en 91, "Testimony" en 92, "Against the wall" (House of Blues) en 95, "Dealing with the devil" (Ruf) en 96 et "Gone to hell" (Blind Pig) en 2000.
"All I want" constitue donc le petit dernier. John est entouré de trois musiciens : Alfred Roberts aux percussions, Bernard Johnson aux drums et Jeff Sarli à la basse. Mooney ouvre par le titre maître de l'opus. Une plage imprimée sur le rythme du chemin de fer qui lui permet déjà d'étaler toute sa dextérité sur le manche. Marqué par la voix graveleuse et partiellement ravagée de Mr Mooney, "Baby please" est du pur Delta Blues. La National Steel répond du tac au tac au chant du maître. Toujours seul, il remet le métier sur son ouvrage en abordant "Buried treasure" et un blues traditionnel mené avec autorité intitulé "Future blues". Au passage, John nous rappelle que l'une de ses influences favorites, c'est également la musique de New Orleans, façon Professor Longhair. Il le démontre sur "She ain't no good". Un fragment joué en trio. La rythmique est d'acier, sûre et sans faille. Le son de sa slide découpé au couteau. Mooney est un maître du style. Il reprend d'ailleurs "Hey little girl" de Henry Byrd, alias Professor Longhair. Il l'attaque avec une voix pas possible. Le bonheur ! Il est tout aussi convaincant dans le domaine du Mississippi blues amplifié. Sa slide communique toujours cette intensité métallique. A l'instar de "Feel like hollerin, un fragment dur, abrupt, sans concession. Il libère un son hawaiien de cette slide, pour prodiguer l'exotique "Tell me who". La musique pourtant complexe semble couler de source. La plénitude est de retour. La prouesse conjugue à la fois la technique et le feeling. "Son's blues" a été écrit il y a bien longtemps par Son House. Sa reprise très fidèle est un vibrant hommage au maître. L'émotion transpire tout au long des cordes d'acier. Il poursuit par "You got to move ", sans doute la composition la plus connue d'un autre seigneur légendaire de la slide : Mr Fred McDowell. Il la traite avec une attitude empreinte de beaucoup de respect vis à vis du maître. Il referme cet opus par une version chargée d'émotion d' "If you love me" de Ted Hawkins. Une fois de plus, Mr Mooney a signé un bon album !
L'ancien drummer d'Albert Collins a fait son chemin! Originaire de Santa Monica, en Californie, il a aujourd'hui dépassé le cap du demi-siècle. Au début des années 80, il avait sévi chez les BluesBreakers de John Mayall en compagnie d'un autre guitariste devenu célèbre, Walter Trout. Il y est resté une dizaine d'années, avant d'entamer sa carrière personnelle. Son 1er album est paru en 1995 : "Gotta mind to travel". Sur Silvertone. Le suivant, "Ya think I'd know better", est sorti l'année suivante et "Just let go" en 97. Tous deux sur Blind Pig. En 2000, il a décroché un contrat chez Alligator. Pour lequel il a commis, quelques mois plus tard, "Suspicion".
L'opus s'ouvre par "Wish I could be that strong". Un titre blues rock qui flatte l'oreille. Blues modéré, légèrement funky, "Running away from love" a sans doute été inspiré par Albert King. Coco ne perd à aucun moment sa ligne mélodique, permettant ainsi à la guitare de s'égarer de manière divertissante. Il reprend avec beaucoup de bonheur "Something about you", un ancien hit des Four Tops écrit par Holland, Dozier & Holland, l'équipe attitrée de la Tamla Motown. Le backing band assure très bien son rôle ; et notamment Chuck Kirkpatrick à la rythmique et Benny Yee à l'orgue. Montoya est alors libre de délivrer un de ces solos dont il a le secret. "I won't beg" est une ballade rythmée plus soul, sur laquelle il peut mettre en évidence sa voix naturellement puissante et chaude. "Trip, stumble and fall" est une plage tonique, écrite par les texans Stephen Bruton et David Grissom. Constituée de Steve Evans à la basse et de Randy Hayes à la batterie, la section rythmique est d'une solidité soumise à toute épreuve ; une assise qui permet à la guitare de galoper à vive allure. Coco peut enfin aborder "Can't see the streets for my tears", un slow blues conduit de manière fort semblable à celle de son ex patron, John Mayall. "Same old thing" est une composition du maître de la Telecaster, Albert Collins. De toute évidence, il rend un nouvel hommage à celui qui l'a tant aidé à se forger une personnalité, dans les années 70. "Can't look back" est une ballade soul agrémentée de cuivres. Joe Sublett est au sax et Darrel Leonard à la trompette. "Women have a way with a fool" permet de mesurer une nouvelle fois encore l'aisance vocale de Coco dans le R&B. Sa versatilité sur les cordes est assez remarquable. Inspiré une fois encore par le travail qu'il a accompli au sein des Blues Breakers, "Back in a Cadillac" est un blues bien rythmé. En fin d'album, il concède "No longer a part of your dreams", une plage dansante bien agréable enrichie par la guitare slide, le sax de Sublett et l'orgue de Tommy Eyre, un ancien sideman de Joe Cocker. Ce disque de bonne facture s'achève par "Free", une plage très blues rock, assez majestueuse dans le riff. Montoya peut encore y faire respirer sa Stratocaster aux parfums très électriques. Et pour être complet, sachez que la production est signée Jim Gaines.
Enième réédition des vieux albums de Moby (voir autres critiques) : cette fois-ci, il s'agit d'une compilation de remixes et d'extended plays, bref des ersatz de morceaux déjà pas terribles… En général plus dance que les originaux, ses remixes étaient au départ destinés aux dance-floors des clubs du monde entier. ‘Etaient’, car datant pour la plupart de 91-92, ils n'ont évidemment aucune chance d'encore faire danser la ‘club babe’ d'aujourd'hui, davantage fan d'électro-clash et de bootlegs à la Dewaele Brothers que de ce genre d'hymnes pompiers à la défonce, pleins de bruits de sirènes ringards et de boum boum dépassés.
Cette réédition du premier album de Moby a le mérite de rappeler qu'avant d'être une star planétaire aux millions d'albums vendus, le petit Richard Hall essuya quelques vestes : qui se vanterait aujourd'hui d'avoir un de ses albums de la période pré-Play, quand l'arrière-petit-neveu de Melville jouait encore dans la cour des DJ's de troisième zone, écumant les raves sordides à la recherche d'une seule âme pour écouter ses beats de freluquet ? Certes, il y a eu " Go ", gros tube samplant sans vergogne la musique de Twin Peaks, et cette reprise du " James Bond Theme ", sympathique mais sans plus. Cet album de 1993 contient le fameux " Go ", le reste oscillant entre l'acid et l'ambient, avec des pointes de 1015 bpm (" Thousand ", figurant au Livre des Records en tant que " morceau le plus rapide jamais enregistré "). A part ce tour de force qui n'a d'autre intérêt pour Moby que d'avoir un beau cadre du Guinness Book dans ses toilettes, on se demande donc qui peut bien écouter ça en 2002… A écouter pour rigoler, ou si l'on aime la New Beat (ce qui revient au même).
Aujourd'hui, Moby est une star : après avoir écoulé 10 millions de Play, son précédent album, il remet les couverts avec 18, déjà n°1 dans les hits parades. Pourtant, la carrière de Richard Hall (son vrai nom) n'a pas débuté il y a trois ans, loin de là. En 1990, il publiait son premier EP, " Mobility ", dans l'indifférence quasi générale. Cette réédition d'une compilation sortie en 93 reprend tous les travaux de Moby lorsqu'il n'était encore qu'un DJ à peine reconnu dans les raves américaines. Difficile d'y déceler ce qui fera son succès dix ans plus tard, tant on nage ici dans une techno minimaliste, proche de celle des pionniers de Detroit, Derrick May en tête (" Party Time "). Certains titres rappellent également qu'avant d'être un végétarien catho à la limite du sectaire, Moby aimait bien gober des petites pilules au MDMA (" Drug Fits The Face ", " Peace Head ") et faire la fête en s'éclatant la tête. Pas la peine de rajouter que tous ces morceaux datant de 90 et 91 ont salement vieilli ; n'ayant d'intérêt que pour ceux qui sont restés coincés dans un mauvais trip au début de l'acid house. Bref, dans le monde sans cesse mouvant de la techno, il y a une éternité.
Une autre réédition des antiques albums de Moby, avec " Early Underground " et " Moby " (voir autres critiques) : comme son titre l'indique, il s'agit ici de morceaux ambient, à la lisière des premières productions de Plastikman et de tout ce qui se faisait à Detroit en cette période de vaches maigres. Pas terriblement jouissif, cet album s'avère pourtant parfait comme fond sonore, au moment de la vaisselle par exemple. Toutefois, à côté des compiles ambient d'Aphex Twin, cet album frise le ridicule. Moby a fait ce qu'il a pu, nous on baille.
"Play", le dernier album de Moby s'est donc vendu à plus de 10 millions d'exemplaires, à travers le monde. Une fameuse performance pour ce New-yorkais d'adoption qui privilégie le travail sur le statut de star, auquel il pourrait prétendre. Surtout depuis que des grosses pointures lui refilent des compositions à remixer. Mais du vedettariat, Richard Melville n'en a rien à cirer. Il préfère bosser devant son ordinateur. Il est même devenu son ami intime, mais ne le répétez à personne. Bref, vu la mentalité de l'artiste, on devait s'attendre à un nouvel album de toute bonne facture. Surtout après avoir écouté le single " We are all made of stars ", dont la mélodie irrésistible évoque immédiatement Brian Eno (NDR : pensez à " Nerve net ", commis en 92). Malheureusement, on est loin du compte. Il y a bien les intimistes et minimalistes " Great escape " (Eyeless in Gaza ?) et " Sleep alone ". Le titre maître et " Fireworks. Deux instrumentaux romantiques et visionnaires qui pourraient servir de bande sonore de film. Le rythm'n blues " Another woman ", dont le groove viscéral est alimenté par une basse hypnotique (MC900Ft Jesus ?). Le psyché frémissant " Signs of love " (Kurt Ralske ?). " Extreme ways " au refrain contagieux. Et enfin, " Sleep alone ", hanté par le spectre de Ian Curtis, nonobstant une forme davantage éthérée. Mais le reste m'a laissé sur ma faim. Que ce soit " At least we tried ", pâle pastiche du Neil Young le plus 'harvestien', le trop intimiste (NDR : enfin, tout dépend du sens accordé au terme intimiste !) "Harbour", pourtant caractérisé par un duo échangé entre Moby et Sinead O' Connor, ou encore " Street of Philadelphia ", à mon humble avis un peu trop pompé chez Springsteen. Pire encore, six fragments s'égarent dans la soul/gospel. Et c'est sans doute ici que Moby s'est planté. Car ces vocalises ne remplaceront jamais les bonnes vielles voix blues trempées dans le Mississipi (NDR : qui a dit le whiskey ?), qui prévalaient sur " Play ".
La sortie d'un nouvel album de Mississippi Heat suscite toujours une certaine émotion dans nos chaumières belges ; et un petit accès de chauvinisme, difficile à cacher, nous envahit dès que nous pensons à Pierre et Michel Lacocque. Pierre, c'est l'artiste, l'harmoniciste de format international. Michel, le frère, le manager. Qui confesse n'être qu'un spectateur ; mais lors de chaque développement du Heat, son importance est cruciale. Il y a déjà trente ans que nos deux compatriotes ont élu domicile dans la capitale du blues. Depuis, ils ont eu tout le temps nécessaire et indispensable pour assimiler le feeling du blues local!
Mississippi Heat est né en 1981. Avant d'enregistrer " Footprints on the seiling ", il comptait quatre excellents albums à son actif. Le premier, "Straight from the heart", date de 92. Il réalisait déjà cette symbiose entre les éléments noir et blanc, un contraste cultivé par les Lacocque! Côté white, on retrouvait Pierre et l'excellent slider Billy Flynn ; côté black, Robert Covington, Bob Stroger et James Wheeler. "Learned the hard way" est paru en 1994. Il saluait la participation d'une chanteuse noire de talent : Miss Deitra Farr. A l'exception d'Allen Kirk qui avait repris le siège de Covington, les autres musiciens avaient été reconduits. Et en 95, "Thunder in my heart" avait été enregistré sous le même line up. Il faudra attendre près de 4 ans (NDR : donc en 1999) pour voir sortir "Handyman". Sans aucun doute l'elpee le plus accompli. Paru tout d'abord sur le label maison Vanderlinden, il bénéficia l'année suivante d'une distribution internationale : celle de Crosscut. Un disque enrichi de deux titres supplémentaires. Dans l'intervalle, le groupe avait subi quelques remaniements. Katheryne Davis avait pris le relais vocal. Barrelhouse Chuck celui du piano. Ancien gratteur de Junior Wells, George Baze a été, tout un temps, préposé à la guitare; mais il est malheureusement décédé en octobre 1998. Sans oublier les invités de marque parmi lesquels ont transité Billy Boy Arnold et Carl Weathersby.
"Footprints on the ceiling" constitue le cinquième opus de Mississipi Heat. Et il faut avouer que nous n'avons pas le droit d'être déçus. L'intensité du son dispensée tout au long de "Goin' home" est une bonne surprise. Inetta Vistor possède la voix de l'emploi. C'est une digne héritière de Deitra et de Katheryne. Toute l'envergure du style de Pierre est bien présente. Si au départ ses influences incontournables répondaient au nom de Junior Wells et de Big Walter Horton, il s'est forgé aujourd'hui, et de manière indéniable, son style 'Lacocque' que l'on reconnaît immédiatement. Un style qu'il impose sur l'instrumental "Jean's jive", une compo dédiée à une amie de longue date, Miss Jean, malheureusement gravement malade. La puissance mélodieuse, cette faculté à imaginer l'existence de deux paires de poumons, se révèle à son écoute. Chris Winters se met en évidence à la Gibson Les Paul sur "She's got everything", une chanson d'amour écrite pour sa femme et son fils. Roger Weaver l'épaule au piano. Mais quel régal d'écouter la voix de Billy Boy Arnold sur "What kind of man is that?" ! Il s'autorise également un petit solo à l'harmonica sur un titre acoustique au son très vintage. "That ain't love" nous replonge avec le même bonheur au cœur de l'album précédent. Inetta prend bien le rôle de Miss Davis. Le son est épaissi par la présence des cuivres, du piano et de l'orgue. Seule la guitare de Chris se détache. "Blues for George Baze" est un autre instrumental au tempo lent. Réservé à l'harmo, il souffle toute la passion de Pierre, pour faire revivre l'ami disparu qui lui avait encore téléphoné une demi-heure à peine avant de rendre son dernier soupir. "Caribbean sunshine" nous plonge au sein d'une atmosphère des îles, une atmosphère agitée par un rythme très fouillé, latin, communicatif et emprunt de gaieté, une atmosphère que le Heat aime privilégier (NDR : ce qui n'est guère étonnant lorsque l'on sait que Vickie, l'épouse de Pierre, est cubaine). Carl Weathersby chante avec beaucoup de soul dans la voix. Il impose une tonalité incisive à la guitare. Le piano de Pat Bremman roule avec beaucoup de bonheur. Excellent blues lent, "Heartbroken" figurait déjà sur le premier album. Un morceau introduit par Pierre. Inetta chante. L'orgue Hammond de Bremman réchauffe nos cœurs, pousse la slide de Chris Winters avant qu'elle ne cède le relais aux cordes, profilées sur une ligne bien mélodieuse, à Michael Thomas. Terrain fertile pour un duel fraternel entre l'harmo de Pierre et celui de Peter "Madcat" Ruth, " Madcap hop " est un nouvel instrumental qui fait des "Whoopin" à la Sonny Terry. Un interlude très country & western ; ou si vous préférez une invitation à se défouler les jambes. Carl Weathersby chante, avec beaucoup de bonhomie et de paresse dans la voix, " Hobo blues ", pendant que le piano de Roger Weaver imprime un style proche de Fats Domino. "Still havin' a ball" sonne le réveil des troupes. Tous le musiciens sont au sommet de leur art. Carl est au chant. Phil Baron au piano. La guitare est toujours aussi agressive. Pierre décoche un court solo mais terriblement incisif. Billy Boy Arnold opère un retour chaleureux et bienvenu sur "Gonna leave and let her be". L'opus aurait pu s'achever ici, avec un sentiment du devoir accompli. Mais non, un superbe blues lent revient à la surface : "What else can I do" ? "Que puis-je faire d'autre?", chante Inetta avec une formidable dose d'émotion et de sensibilité soutenue. C'est bien cela le blues ! En super forme, le Heat clôt les débats par la plage titulaire : "Footprints on the ceiling". Le groove est total, la puissance au maximum. Un blues qui laisse espérer un monde meilleur, suite aux événements tragiques du 11 septembre 2001. Un superbe album, MM Lacocque!
De son véritable nom George Miles, Buddy Miles est né en 1945. Il sait un peu tout faire : chanter, jouer de la batterie et parfois de la guitare. Il a côtoyé Otis Redding et Wilson Pickett avant de rencontrer le regretté guitariste, Mike Bloomfield. C'était en 1967. De cette entrevue est né l'Electric Flag, un des tous premiers bands de R&B rock. Lorsque Bloomfield quitte le navire, Miles en devient le leader. Il change alors le patronyme du groupe en Buddy Miles Express. Une aventure qui sera ponctuée d'un elpee, "Expressway to your skull", produit par Jimi Hendrix. En 1969, Miles rejoint Hendrix au sein du fameux Band of Gypsys. Après la mort de Jimi, Miles s'est encore illustré à travers de nombreuses nouvelles expériences ; et notamment comme chanteur de Santana, ou encore membre de Parliament-Funkadelic. L'artiste s'est ensuite longuement fait oublier, avant de revenir avec ce "Blues Berries". Un disque commis en 2000. A Austin, au Texas.
Pour enregistrer cet opus, Buddy s'est entouré de beau monde. Tout d'abord la section rythmique de Double Trouble. En l'occurrence Chris Layton aux drums et Tommy Shannoon à la basse. Rocky Athas, ensuite. Un guitariste texan qui fut jadis impliqué chez Black Oak Arkansas. Originaire de Dallas, il a également été un compagnon de classe de Stevie Ray Vaughan.
L'album débute par la reprise classique de "Tobacco road". La voix très caractéristique de Buddy est frappante. Une voix qui paraît tellement frêle, au vu de son important gabarit. "Compassion for the blues" est un blues lent, très lent, classique, comme Buddy en chantait déjà voici plus de trente ans. La voix est bourrée de feeling. La guitare prend tous les plans caractéristiques du genre. L'orgue Hammond de Mark Leach renforce le tableau sonore. "Life is what" est une plage funky, étonnement rapide, enfiévrée par sa guitare. Il en est de même pour "Bayou delate". Un fragment qui, inconsciemment, me fait penser à Sly & the Family. Stone. "Rock & roll" est une excellente composition autobiographique sur laquelle il raconte, d'un ton tellement présent et vécu, son exode du Nebraska à San Francisco ; ainsi que son apparition au Fillmore en compagnie de l'Electric Flag, à l'époque où il pouvait rock'n'roller le blues! La guitare peut bavarder à satiété sur le thème choisi. "Come on back" est une fort jolie ballade au potentiel commercial indéniable. Elle démontre, une nouvelle fois, l'extrême richesse de la voix de Mr Miles et son art à vocaliser. "Texas Cannonball" a été composé en hommage à un grand bluesman texan disparu : Mr Freddie King. On y décèle sans mal des thèmes jadis créés par Mr King. "Miss Sugar' fine" est une plage qui sent bon le parfum d'autrefois. La guitare est bien électrique, plus proche de la rock music que du blues. L'album se referme dans la quiétude de "Down at the Crossroads". Et pour être complet sachez que Jim Gaines en assure la production avec beaucoup de bonheur.
Derrière Nona Mez se cache un certain Geert Maris, 27 ans, songwriter délicat de Leuven qui devrait, en toute logique, récolter tous les suffrages. Logique, car ce " Songs of Leaving " recèle de splendides perles sculptées dans le folk, assez proches de celles de Polar du temps où le Suisse broyait du noir. Car noires, ces morceaux le sont, mais d'un noir éclatant, comme un diamant. S'il y a avait une justice, Geert Maris devrait accéder au rang de songwriter adulé par des hordes de fans transis, pour qui Elliott Smith et Tom McRae sont des grands. Parce que Maris compose et chante aussi bien que ces deux-là, et vient d'ici, alors, m…., pourquoi le bouder ? Piano-guitare-voix : il n'en faut pas plus pour que ce " Songs of Leaving " déroule son tapis rouge étincelant. Noir, rouge : reste le jaune, et c'est la joyeuse entrée assurée de Nona Mez dans le cercle restreint des chanteurs-compositeurs les plus talentueux de notre plat pays (Tom Barman, Joost Zweegers (Novastar), Arno). Le jaune : une couleur lumineuse. Malgré la tristesse apparente qui se dégage de chansons comme " Something That You Say " ou " Twenty-six or Seven ", " Songs of Leaving " brille de mille feux, ne serait-ce que par la finesse de ses arrangements. Pour sûr, on tient là un artiste maison qui vaut le détour. Son album est un trésor, qui nous change un peu du bric-à-brac à la mode anversoise. Nona Mez, c'est d'abord une voix (sensuelle), un piano (charmeur), et c'est à peu près tout. Pourtant, ça suffit. Amplement. ‘Een aanrader’, qu'on appelle ça en flamand. Echt waar.
Robert est né à Aliceville en 1908 ; mais toute sa famille a rapidement émigré à Birmingham, en Alabama. Johnny et Willie Mc Coy, ses deux frères aînés, étaient pianistes. Ils fréquentaient régulièrement ‘Pinetop’ Smith et Cow Cow Davenport. Inévitablement, Robert apprendra également à jouer de l'instrument aux ivoires. Il va même le maîtriser avec un rare bonheur ; ce qui l'amènera à se produire régulièrement dans les ‘rent parties’, des soirées destinées à permettre au responsable de payer son loyer.
Dans les années 30, il enregistre en compagnie de différents musiciens, dont Guitar Slim. Une longue période de dépression s'annonçait, et McCoy allait abandonner le blues jusque dans les années 50. C'est à cette époque qu'il est repéré par Patrick Cather, le producteur d'un label obscur (Vulvac). Il y enregistrera deux 33 tours : "Barrelhouse blues" en 1962, et "Blues and boogie classics" l'année suivante. Robert n'est plus de ce monde depuis 1977. Delmark vient donc de prendre l'excellente initiative de nous faire connaître le blues d'un grand adepte du Barrelhouse piano, mais surtout d'un artiste injustement méconnu.
L'album s'ouvre d'ailleurs par "Bye bye baby", aux accents de piano bien ‘barrelhouse’. L'instrument remplit bien l'espace. Les mains de l'artiste s'embrasent. Robert chante d'une voix sereine, un tantinet chevrotante. Le tempo diminue. Il chante "Let's get together" et "Pratt City special", avec une sensibilité bouleversante, pour délivrer son message. Le désespoir dans la gorge, il reprend "Goin' down slow" de James B. Oden. Robert puise également dans le répertoire de grands pianistes. A l'instar de "Gone mother blues", "You got to reap what you sow" et "Love hides all faults" de Leroy Carr, "Jump steady blues" de Clarence "Pinetop" Smith, et "Rockin' with Red" de Piano Red. Sa voix écorchée vive sied à ravir aux blues lents et désespérés. Il le démontre tout au long de "Straight Alky blues", d' "All in all baby" et surtout du sublime "Louise Louise blues". Les sept dernières plages sont des bonus tracks immortalisés lors de différentes prestations. "Lonesome and blue" et "Mr Freddie blues" datent de la Noël 1958 ; et les 4 derniers titres, interprétés en duo avec le batteur Clarence Curry, ont été ajoutés à titre documentaire ; la prise de son étant un peu limite!
Lee McBee n'est pas texan, mais nous vient du Missouri. De Kansas City, très exactement. Il vit aujourd'hui à Lawrence, dans le Kansas. Au cours de sa jeunesse, il a beaucoup écouté les artistes de honky tonk. Tout d'abord Georges Jones, Patsy Clyne et Buck Owens. Et puis Sam Cooke, Al Green et Otis Redding. Il va donc finir par goûter au blues. Celui de Chicago et de la Louisiane, en particulier. L'harmonica, il le découvre en écoutant tout d'abord Paul Butterfield et puis surtout l'elpee "Turning point" de John Mayall. Georges Smith devient son idole. Avant qu'il ne tombe sous le charme de monstres sacrés, tels que Big Walter, Little Walter, Sonny Boy Williamson ou Junior Wells.
Pour ouvrir ce "Soul deep", les cuivres ouvrent le feu. Les saxes de Kaz Kazanoff et la trompette de Jimmy Shortell sont à l'unisson et le piano de Gene Taylor sautille pour célébrer l'arrivée du seigneur, du shouter blanc à la voix puissante : Mr Lee McBee. Ce "Ride with me" est impérial. Une compo de Long John Hunter, au cours de laquelle la section rythmique, constituée de Johnny Bradley à la basse et de Wes Starr à la batterie, et enrichie de diverses percussions, porte le tout. Les guitares des texans Jon Moeller et de Hash Brown respirent déjà à pleins poumons. Tout ce petit monde avait émerveillé le public du Spring Blues d'Ecaussinnes, l'année dernière. Lee a de la voix, du souffle, du cœur et puis une présence assez extraordinaire. Il possède l'art d'insuffler le feeling aux musiciens qui jouent à leur plus haut niveau. La section rythmique texane exerce une grande importance dans ce contexte. Starr et Bradley militent aujourd'hui au sein des Rockets d'Anson Funderburgh. Starr a déjà côtoyé Marcia Ball, Delbert McClinton et Asleep at the Wheel. Bradley, Mike Morgan & the Crawl! La reprise du "Just a feeling" de Little Walter est le moment choisi par Lee pour dégainer son harmonica. Soutenu par cette même section rythmique et le piano de Gene Taylor, qui élaborent cette plate-forme aux soudures parfaites, ce blues lent est joué de manière tout à fait remarquable. Le ton à l'harmo est naturellement puissant. Les deux guitares se fondent. Lee saisit son instrument chromatique pour attaquer "Twelve hours from you". Sur un rythme de rumba, à la manière de son idole, Georges Smith. Un rythme exotique que l'on retrouve également sur "It's your voodoo working". La plage titulaire est signée Clarence Carter. Une ballade R&B mélodieuse, agrémentée de chœurs féminins qui emprunte au style soul blue. La cover du "Country blues II" de Muddy Waters est une plage roots, inspirée du Delta blues. Un dialogue échangé entre la voix torturée de Lee et le piano, le dobro ou l'harmo. "Gonna find my baby" demeure discrètement le registre roots. La puissance atteint son maximum pour jouer "I don't understand". Le shuffle brûle tout sur son passage. Son souffle est ravageur. Il rappelle même parfois le saisissant Papa George Lightfoot. Les guitares de Jo et Hash impressionnent. J'adore le son paresseux, très swamp blues, de "Your turn to cry". On se croirait revenu à Baton Rouge, à l'époque de Guitar Slim ou d'Earl King. La finale, "Walk" est issu de la plume de Jimmy McCracklin. Elle met en évidence l'indiscutable talent de Kaz Kazanoff. Lee McBee est l'une des plus grandes voix du blues contemporain. Un superbe album.
Producteur de Kyuss et des Screaming Trees mais surtout leader de Masters of Reality, Chris Goss est aussi un ami du producteur Rick Rubin (Slayer, Beastie Boys) et du grand Ginger Baker, batteur de Cream. A mi-chemin entre post-grunge et stoner aux accents pop, sa musique se veut psychédélique, mélodieuse, et plante ses racines chez Led Zep, Humble Pie, Blue Oyster Cult et Hawkwind. Fan de King Crimson et de Soundgarden, Goss et ses ‘Maîtres de la réalité’ n'auront donné naissance qu'à quatre albums seulement en l'espace de douze ans. "Deep in the Hole" est sans aucun doute le plus pointu des quatre coins da la partie carrée des Masters. ‘Quand j'ai entendu pour la première fois Soundgarden, je pouvais sentir que ces gens là avaient eu le même genre d'enfance que moi’, confessait Mister Goss à un journaliste d'Hard Rock Magazine. ‘Mais je préfère les choses plus fantasmagoriques. En 82 les critiques crachaient sur Ozzy Osbourne et Black Sabbath, mais moi, j'ai toujours continué à adorer ça!’. Evoluant à contre-courant, Masters of Reality est le combo intègre par excellence. Il a ainsi signé sur un petit label hollandais, Mascot Records, et créé son propre sous-label, Brownhouse Records. Ce qui lui permet finalement d'évoluer dans une totale liberté artistique. Splendide, ce quatrième opus l'est de la première à la dernière plage et fera l'effet d'une bombe aussi bien dans les milieux alternatifs que heavy métal. Du grand art!
‘La musique n'est que le véhicule des voix, où l'émotion exprime l'unité dans la diversité et où la volonté de s'améliorer est une priorité. Pour M'Source il n'y a pas de frontière, la scène est un recueil où nos différences viennent s'exprimer…’ Cette déclaration digne d'un consultant en Feng Shui résume bien toute la musique de ce groupe toulonnais très lounge, parfaite pour ‘garnir l'espace relaxation’ de votre salon ou le coin pipi de votre bar à tapas. Evidemment, on retrouve ici tout ce qui fait le meilleur de la lounge : sonorités orientales pour le dépaysement, légers beats pour une bonne digestion, voix féminines passe-partout et chaleureuses pour somnoler après la glace coco, le pantalon déboutonné et le regard à moitié vaseux. A côté de ça, Saint-Germain passerait presque pour un génie, et la discothèque du Club Med Ibiza pour l'Haçienda.
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