Jim est un solide guitariste de la banlieue de Dallas. Un spécialiste de la slide. Il compte déjà plusieurs albums à son actif : "Radio Mojo" en 93 et "Shake" en 95 ; sans oublier deux œuvres issues de collaborations différentes. La première menée sur "Let the dogs run", en compagnie de Mike Morgan. Et tout dernièrement celle qu'il a réalisée avec Alan Haynes, sur "Live at Blue Cat Blues". Il est également devenu, depuis plusieurs années, le 2ème guitariste des Destroyers de George Thorogood. Il a d'ailleurs participé au "Live in '99". Et cela s'entend !
La production est signée Jim Gaines. Suhler débute par "Deja Blue". La présence de l'accordéon de Tim Alexander, invité de marque, lui confère un son très tex-mex. Dopée par une rythmique qui porte le tout, ce titre fait mouche. "Don't do it" donne un coup d'accélérateur. Tim est passé au piano prodiguant des accents boogie à cette solide composition. La rythmique du Monkey Beat est en acier. Paul Hollis, qui a joué dans le Crawl de Mike Morgan, est aux drums, et Carlton Powell (un ancien du Smokin' Joe Kubek Band) est à la basse. "Bad stretch of road" manifeste une même intensité de rythme. Jim a enfin sorti son bottleneck. La slide commence à rugir. Sa manière de jouer la slide est assez violente, le plus souvent sur un rythme élevé. Son chant dialogue avec les glissements du bottleneck. Une technique qui me rappelle le regretté Irlandais Rory Gallagher, et qu'il applique sur "Restless soul". Je n'ai donc pas été surpris de voir mentionner que cette plage est effectivement dédiée à la mémoire de Rory, sur les notes de pochette. Tout au long de "Scattergun", la slide arrache. Primaire, elle dégage tout sur son passage, rappelant au passage le grand Hound Dog Taylor. Un exercice de style parfaitement réussi ! Jim a réalisé un album varié. Le côté tex-mex se rappelle à notre bon souvenir sur "Evangeline". Il est aussi capable de ralentir son tempo. Comme sur la ballade "Prayin' for rain" et surtout sur le superbe blues lent, "Sure as the sun rises". Un titre mené à la manière du Stevie Ray Vaughan des grands jours. Cet opus s'aventure également dans la rock music. Notamment sur le percutant "Lover's curse" qui, trempé dans l'orgue Hammond, ne navigue pas tellement loin du monde de Carlos Santana. "Bad Juju" se referme par "I.O.U". Un blues acoustique typiquement delta. Jim Suhler vient de commettre, à ce jour, son meilleur album. Et rien que sa maîtrise à la slide sur "Under the gun", vaut le détour ! Aux dernières nouvelles, il aurait mis en boîte un album acoustique…
Quel philanthrope ce Mike Muir ! Voilà donc sa conception d'une compile : une dizaine de titres de ses différents projets (Suicidal bien sûr, Infectious Groove, Sarsipius), complétés par 10 autres plages partagées entre d'obscurs groupes, se réclamant d'une manière ou l'autre de Suicidal Tendencies et de ses dissidences. Au risque de me faire fusiller par Muir, on ne m'enlèvera pas de la tête l'inutilité d'une telle démarche (tout au moins avec ce résultat). En effet, Suicidal ne nous réserve qu'un seul véritable inédit ; le reste ayant été puisé au sein de travaux antérieurs. Quant à ceux qui partagent l'affiche, aucun ne sort concrètement du lot (Missil Gul Scoot, Zen Vodou, My head, Creeper). A l'évidence le punk énergique de Suicidal inspire différemment tout ces artistes, chacun abordant un style de musique différent (punk, ska, indus…). Mais bon, pas de quoi sauter au plafond. On préférera donc nettement les originaux.
Tout comme R.E.M., les B52's et Magnapop, Summer Hymns nous vient d'Athens, en Georgie. Un quintette responsable d'une musique fort originale, vaguement psychédélique, fruit d'un subtil mélange de pop, de jazz, de folk, de country, de rock, de gospel, de garage et de muzak. Imaginez un peu un Grandaddy qui aurait beaucoup écouté " Ruth is stranger than Richard " de Robert Wyatt, " Harvest " de Neil Young et " Another green world " de Brian Eno. La voix de Zachary Greshan possède même un timbre aussi plaintif et sudiste que celui de Jason Lytle. En outre, les deux formations manifestent un feeling rural typiquement yankee. " A celebratory arm gesture ", constitue le deuxième opus de Sumer Hymns. Un disque à la beauté austère et à la magie brumeuse, dont les mélodies tissées dans une instrumentation luxuriante (xylophone, trombone, clarinette, banjo, violon, flûte, lap steel, harmonica, piano, claviers aux sonorités pourries, guitare électrique et acoustique, basse, drums, percussions, samples, synthés, etc.) et raffinées par les arrangements impeccables, ondoient et tourbillonnent sans fin… Superbe !
James ‘Super Chikan’ Johnson est âgé de 50 ans. Il est né dans le Mississippi et y vit toujours. A Clarksdale, très exactement. Il a toujours été fasciné par les poules que ses parents élevaient. C'est ainsi qu'il fut baptisé Chikan Boy. Il réserva la plus grosse partie de son existence à conduire des taxis, des camions et à labourer les champs sur un tracteur. Aujourd'hui, James chante, joue de la guitare, du piano, de l'harmonica, et puis surtout compose avec beaucoup d'humour, des chansons dont les lyrics traitent le plus souvent de ses chères poules. Il est accompagné par Dione et Harvell Thomas des Fighting Cocks, à la section rythmique.
Son 1er album remonte à 1997. Il est sorti sur Rooster Blues, et s'intitulait "Blues come home to roost". Le second, "What you see" est paru en 2000, sur Fat Possum. Les compositions sont imprimées sur un rythme obsessionnel. James chante d'une voix bien assise et distille des phrases découpées au couteau. Sans être trop amplifiée, la guitare possède suffisamment d'écho et de réverbération. Elle donne d'excellents résultats sur "Guilty man" et "Don't mess with the blues". "Mennonite blues" concède une 1ère pause dans le rythme. Un blues lent assez déroutant. "Bus-train-rain" n'est pas vraiment un blues. La batterie reproduit le tempo du train. Les interventions de guitare sont assez surprenantes. Le rythme hypnotique, légèrement funky, envahit "Staingy wid it". Les petits motifs gallinacés reviennent régulièrement. A l'instar de "Could have been me" ou de "Junky trunk". Super Chikan passe au piano sur "Marry me". Un changement judicieux qui traduit la variété de l'album. Il chante ainsi le rock'n'roll boogie, seul devant son piano, à la manière d'un Jerry Lee Lewis. Pour aborder "Wrong to sing the blues", il souffle dans son harmonica. La basse dessine un motif simple. Elle soutient la guitare qui peut ainsi libérer des motifs très bien construits. L'album se referme par plus de 8' de boogie. C'est également la plage titulaire…
A l'instar de Guided By Voices, Superchunk est probablement une des formations les plus brillantes et les plus méconnues de la scène indépendante yankee. Ce qui ne l'a pas empêché d'enregistrer la bagatelle de huit albums ainsi qu'une flopée de singles et d'Eps, en onze années d'existence. Pour produire ce " Here's to shutting up ", le groupe de Chapel Hill (NYC) a eu la bonne idée de rappeler Brian Paulson (Uncle Tupelo, Wilco, Jayhawks); c'est à dire le même personnage qui avait mis en forme " Foolish " en 1993. Une œuvre qui coïncidait justement avec leur changement d'orientation musicale. Sans pour autant tomber dans la country (hormis peut être " Phone sex ", sur lequel John Neff de Japancakes vient donner un coup de pedal steel), il est parvenu à donner un feeling beaucoup plus acoustique à ce disque, tout en apportant davantage de soin aux arrangements. Et la présence de Heather McIntosh (également de Japancakes) au violoncelle et de la violoniste de White Light, Anna Balka, y sont également pour quelque chose. Sans oublier les claviers qui créent une véritable toile de fond à cette tapisserie sonore assez complexe, où s'entremêlent fils mélodiques et sensibilité pop contagieuse, entretenue par le timbre vocal limpide de Mc McCaughan. Indispensable si vous aimez Grandaddy, Yo La Tengo et bien sûr Guided By Voices…
Si vous êtes un nostalgique de la musique des eighties ; et en particulier de sa new wave électronique qui a donné naissance aux Human League, Duran Duran, Ultravox, Depeche Mode, Scritti Politti, New Musik et consorts, vous apprécierez le deuxième opus de ce sextuor danois, de Skive pour ne rien vous cacher. Un album qui fait la part belle aux synthés analogiques, aux mélodies accrocheuses et aux beats imparables ; le tout dominé par la voix haut perchée de Thomas Troelsen. Certaines compositions incorporent même des accès d'électricité bien saignants, presque noisy, histoire de donner encore davantage de tonus à cette néo new wave plutôt kitsch mais tellement rafraîchissante…
Un titre d'album pareil est une aubaine pour le critique blasé qui trouve que les punks font toujours la même chanson : en deux phrases bien torchées, le tour est joué, et les Supersuckers sont relégués au fond du bac à soldes, puisque leurs chansons " se ressemblent toutes ", et n'ont donc aucun intérêt. Seulement voilà : les Supersuckers n'ont rien d'un groupe à la formule facile, copiant leurs aînés Sex Pistols et Buzzcocks en changeant deux ou trois accords pour le principe. En lorgnant parfois du côté du hard rock eighties un peu bourrin mais fort jouissif, ils arrivent ainsi à tenir tête à Lemmy et à sa bande, dont ils reprennent d'ailleurs ici le faramineux " Sex & Outrage ". Mais là où ils surprennent tout le monde, c'est en donnant leur version rageuse et décalée du " Burnin'Up " de… Madonna, le silicone en moins mais la testostérone plein les poches. Les Supersuckers n'ont donc aucun scrupule, et cela fait plus de dix ans que ça dure. Ce CD contient en fait les premières démos du groupe, sorties à l'époque (circa 1990) sur différents petits labels et aujourd'hui rassemblées sur une seule galette, pour notre plus grand plaisir. On y décèle déjà les ingrédients qui ont fait leur succès à travers les années 90 ; c'est à dire du son bien garage aux mélodies accrocheuses. Seul bémol à cette entreprise de réévaluation (en attendant leur live, " Must've Been Live ") : le dernier morceau, " Razzmanazz ", se résume à une longue suite de larsens susceptible de dégoûter même les fans du " Metal Machine Music " de Lou Reed. C'est peu dire !
Susperia n'est autre que le groupe de l'ancien batteur de Dimmu Borgir. Une référence qui aura incontestablement un certain poids sur sa carte de visite. "Predominance" s'inscrit donc en toute logique dans la tradition des groupes de black métal mélodiques et symphoniques. Ici, comme sur le dernier Dimmu Borgir, l'alternance entre les parties brutales et mélancoliques se fait sans le moindre heurt ; et plus encore, apparaît d'un naturel incontestable. On pense souvent également à Immortal ou à Satyricon. Alors que le groupe alterne vocaux hurlés et chant clair dans un contexte où le break est prédominant, des riffs inhabituels surgissent quelquefois au beau milieu de cette furie black métal. Discrètes, les interventions de claviers donnent une petite touche moderne au son de l'ensemble, renforçant le côté mélodique des dix compositions qui méritent d'être saluées, sans pour autant détenir le potentiel réservé aux classiques du genre. "Predominance" sort d'une certaine convention par une furieuse envie de convaincre, mais est loin d'être absolument indispensable. Un bon album tout simplement.
Drivé par le chanteur/harmoniciste Wally ‘Sweet Daddy’ Greaney, ce quartette implique également le guitariste Mark Easton, le bassiste Lee Kullkowski, et le drummer Barry Easton. Greaney a joué en compagnie de Matt ‘Guitar’ Murphy et au sein du John Kay & Friends (NDR : dont le leader n'était autre que le célèbre vocaliste de Steppenwolf).
Cet elpee a été enregistré live au Theodore's Night Club de Springfield, dans le Maryland. Le 26 août 2000. L'harmonica mène le tempo devant une section rythmique qui libère une fameuse dose de groove. Wally avoue pour références James Cotton et Paul Butterfield. Heureux choix! Et il ne fait guère de doute qu'il soit également un fervent admirateur de Rod Piazza. Ce qui explique ainsi pourquoi il ouvre le feu par "Chicken Boogie", du même Piazza. Composé par Kim Wilson, "Don't bite the hand that feeds you" dégage beaucoup d'énergie. La voix n'est pas charismatique, mais s'inscrit dans le style propre au Cool Breeze, qui enchaîne par une bonne version du classique "Crosscut saw". Ce groupe comptait déjà deux albums à son actif : "Don't pass me fly" paru en 1993, et très curieusement, un "Live in France" (NDR : enregistré à Poitiers et Cahors), en 97. Le rythme ralentit pour aborder "Evil". Un blues lent signé Muddy Waters. Il vire ensuite au funk dès "Somebody" de …Rod Piazza, au cours duquel les cordes de Mark s'échauffent. Le guitariste semble bien à point pour engager "Teach me how to love you". Le rythme persiste tout au long de "Boogie man" de Leon Russell. L'inspiration sait aussi se faire proche de Chicago. A l'instar de "Hook", de "Party all alone" et de la finale, " Cross my heart", une reprise funky de la composition de Sonny Boy Williamson.
Du line up initial, il ne reste apparemment plus que David Freel, chanteur, compositeur, guitariste et par la force des choses multi-instrumentiste. Pour enregistrer " Everybody wants to know ", il a bien reçu le concours d'un drummer, mais uniquement sur quelques morceaux. Ce sixième opus de Swell est bourré de contrastes. D'abord, il est beaucoup plus électrique. Pas que la guitare acoustique ait été négligée, mais elle est moins présente ; et puis elle n'est plus la seule à sculpter les mélodies, comme à l'époque de " 41 ", dont l'empreinte slo fi était devenue une référence, mais également l'antidote du mouvement grunge. Une bonne moitié des fragments du nouvel opus produisent un groove lancinant, obsessionnel. Et en particulier " Try me ", qui ne dépareillerait pas dans le répertoire d'un combo de néo baggy. " Feed " également. Pulsant, hanté par l'esprit de Dylan (NDR : et son " Lay lady lay ", en particulier) et gorgé de boucles et de samples, il est surtout terriblement excitant. Mais dans le style, c'est " …a velvet sun " qui demeure à mes oreilles le fragment le plus efficace. A cause des injections particulièrement savoureuses de piano sonore et de claviers fluides administrées dans un funk hypnotique digne de MC 900Ft Jesus. Swell n'a cependant pas perdu son art à traduire la complexité de la mélancolie dans une certaine élégance déchiquetée. Et puis de nous envoûter par ses sonorités étranges, ténébreuses, rampantes, brumeuses, écorchées par le timbre vocal de David, capable d'osciller du sardonique au dérangé en passant par le limpide et le fatigué, sonorités qui vagabondent au rythme du battement de cœur…
Combien de groupes peuvent se vanter de faire entrer à nouveau leur excellent premier album (1998) dans les charts à la sortie du deuxième ? Peu. System of a down l'a fait. Tant de monde était passé à côté en son temps ? Ou SOAD est-il réellement la ‘next big thing’ ? Il y a fort à parier. Partant de l'adage : ‘on ne change pas une équipe qui gagne’, " Toxicity " est de nouveau produit par Rick Rubin ; mixé par Andy Wallace, le tout supervisé par Daron Malakian, guitariste de son état et par Serj Tankian, chanteur du combo. Résultat des courses, SOAD vient peut-être de commettre l'attentat bactériologique tant craint. En tout cas toujours engagé politiquement, " Toxicity " est hautement contagieux : pas un moment faible (allez, si : " Chop suey " et j'apprends que c'est un single) ; vocaux toujours aussi délirants, alternants furie, lyrisme et mélodie rendent au final cette plaque exemplaire en de nombreux points. Que se soit au niveau de la cohérence et de l'imprévisibilité des morceaux ou dans une intensité jamais mise en défaut. La plaque coule, harmonieuse, d'une traite. Et que ceux qui les attendaient au tournant aillent se rhabiller, non seulement SOAD confirme sa (son) (in)différence au genre (néo-je sais plus quoi en l'occurrence), mais en profite également pour affirmer la paternité de son style propre. Bref, pour tout ceux qui découvrent : à écouter à plein tubes ; pour les autres, la touche repeat s'use certainement déjà. ‘Jump, pogo…’ ! Hop, Cd de la semaine.
En quatre albums, la musique de cet ensemble insulaire s'est profondément métamorphosée. En outre, le line up du combo est passé d'un quatuor à un quintette. Disparues les références à New Order, Pulp et Mink Deville. Digérées les influences exercées par Scritti Politti, Style Council et les Smiths. Avec pour résultat un nouvel opus essentiellement constitué de ballades mélancoliques, empreintes de quiétude et de tendresse. Des chansons parfois légèrement teintées de soul, de jazz ou de bossa nova, soulignées par le vocal limpide, mais un peu mièvre de Shirley Lee. Seuls les allègres " Scottish pop " et " Julie Chrisitie ", ainsi que le très électrique " The Flaming Lips " (NDR : un hommage ?), démontrent que le groupe n'a pas totalement perdu son dynamisme. Pour enregistrer " A different lifetime ", Spearmint a reçu le concours de Pete Hofman (Gene, Black Box Recorder) à la production. Il est également responsable des arrangements de cordes. Des arrangements qui accentuent la charge émotionnelle des mélodies, dont la nature semble naviguer à la croisée des chemins du Travis contemporain, de l'Everything But The Girl originel et de Trash Can Sinatras…
Patrick Delabie n'en est pas à sa première plaque, bien au contraire : The Acorns, Diablos Innocentos, Bad Influence, sont autant de groupes à inscrire sur son cv de musicien multi-instrumentiste. Roulant sa bille dans le circuit alternatif hollandais depuis une quinzaine d'années, il sort cette fois-ci un album solo, où ses talents de guitariste, batteur et producteur s'entremêlent dans un joyeux capharnaüm digne des artistes les plus fêlés du ciboulot (John Frusciante, Stephen Jones, Syd Barrett, ce genre). Son titre, évidemment, annonce la couleur : on est ici en terrain punk accidenté, entre les déflagrations sonores de Minutemen et les grosses gueulantes de Black Flag. Mais bien plus qu'un simple album à réminiscences " No future ", " I Wanna Be Your Dog " emprunte aussi des chemins de traverse, louchant parfois vers la pop (à la Hüsker Dü) et le planant, et tout cela avec seulement deux bras et deux jambes. Une chose est sûre : cet Hollandais volant est un spécimen rare.
Le trio hollandais Speedboat FC nous donne envie d'haïr le sampler : sur la dernière plage de leur nouveau CD, on est surpris de croiser cette vieille canaille de Bukowski au détour de quelques bleeps pourris, salissant l'aura du grand Buk et sa voix rocailleuse d'outre-tombe. En réactualisant des artistes oubliés par ses méthodes d'emprunt et de citation, le sampling a toujours été un fabuleux travail de mémoire… Sauf qu'ici, le résultat (sans doute parti d'une bonne intention) est pitoyable, non pas en raison de l'utilisation d'un poème de Bukowski, mais en raison de son intégration dans une trame musicale plus que faiblarde. Du début à la fin, cet album pue le renfermé. Les membres du groupe aiment dire qu'ils font de la " sample-pop ". On y voit seulement du bric et du broc. Les titres s'enchaînent et se ressemblent, collent tous à la même étiquette de produit périmé, bon pour la poubelle. Sans doute pourrait-on y voir un symbole de la culture lo-fi ou " DIY ", prônant la création à la maison, avec les moyens du bord. Mais peut-être que les Speedboat FC auraient dû sortir de leur cuisine pour nous épargner cette déconfiture. " Leur donneriez-vous de la viande faisandée qu'ils (les jeunes) se jetteraient dessus ! " nous dit Bukowski dans son journal intime, à propos de la musique de ‘djeunes’. S'il parle de Speedboat FC, il a foutrement raison. Sauf en ce qui concerne la deuxième partie de la phrase.
Présent au Pukkelpop, Spineshank a démontré ses indéniables qualités scéniques. Proche de System of a Down ou de Static X, cette nouvelle bombe néo-métal est le fruit d'une production particulièrement brutale signée Gart Richardson et Scott Humphrey, connus pour leurs méfaits commis sur les plaques de Rob Zombie et de Rage Against The Machine. Enregistré au Mushroom studio de Vancouver, ces onze nouveaux titres possèdent la rage d'un Fear Factory, mais manquent cruellement de véritables innovations et de cette petite touche qui ont fait de "Follow the Leader" ou de "Evil Empire" des classiques du genre. Des titres tels que "Asthmatic" ou "Full Circle" possèdent bien des atouts, mais la plaque dans son ensemble fini par lasser, tout en laissant un sérieux arrière-goût de déjà entendu.
Seul maître à bord depuis qu'il a viré Mike Money, Damon Reece et Sean Cook (NDR : ils ont fondé depuis Lupine Howl), Jason Pierce a entièrement écrit et co-produit le nouvel opus de Spiritualized. Un disque pour lequel il a reçu le concours d'une bonne centaine de musiciens, dont des choristes gospel et un orchestre symphonique. Excusez du peu ! Sans oublier les arrangements panoramiques (NDR : ça rime !). Ce qui donne une envergure particulièrement vertigineuse, majestueuse, aux onze fragments de ce " Let it come down ". Et s'il subsiste l'une ou l'autre envolée torturée, hallucinatoire, pour ne pas dire psychédélique, elles se fondent totalement dans l'expression sonore. Encore que le frénétique " The twelve steps " constitue l'exception qui confirme la règle. Peu ou pas d'artifices électroniques sur cette plaque, mais un perfectionnisme ambient qui, parfois, prend une forme filmique, voire cartoonesque. Pourtant, les mélodies manifestent un feeling fondamentalement pop. Des mélodies puissantes, limpides, contagieuses, qui valent leur pesant de rêve et de fascination. Un bien bel album !
Si le sens mélodique des compositions de Spoon est aussi coriace, aride, intense et effilé que celui des Pixies circa " Surfer Rosa ", il est loin de manifester la même férocité (NDR : même pas au niveau de la voix) ; en outre, il évite soigneusement les brisures de rythmes caractéristiques chez le défunt groupe de Frank Black. Sur son dernier EP, la formation texane (d'Austin très exactement) s'est même autorisé quelques écarts de conduite. A l'instar de " Chips and dip ". Une composition ‘lennonesque’ alimentée d'accords de piano profonds et voilée d'arrangements psychédéliques. De " Figures of art ", dont les riffs de guitare funkysants, sont abordés dans l'esprit de Keith Richards. Du boogie " I did'nt come to here. Ou encore de "Jealousy", aussi sucré et contagieux qu'une chanson des Buzzcoks. Reste " Change my life ", titre lo fi qui correspond davantage au style pratiqué par le trio texan…
Bien que formé en 1997, Stache n'a adopté son line up définitif qu'en 1999. Et c'est sous cette forme que la formation d'Opwijk, un patelin perdu quelque part entre Bruxelles et Dendermonde, vient d'enregistrer son premier album. Un disque qui réunit compositions studio et quelques prises ‘live’ ; douze titres découpés dans des mélodies torturées, sombres, écorchées par la voix déclamatoire de Gunther Verspecht, dont le timbre est aussi éraillé que celui de Tom Waits, voire du chanteur de Gomez, Ben Ottewell. Pas étonnant dès lors que la musique de Stache navigue dans des eaux aussi troubles. Mais sous une forme plus lo fi que jazz ou r&b. Ce qui n'empêche pas la section rythmique d'avoir son mot à dire ou Gunther d'injecter, de temps à autre, une bonne dose d'électricité. Et dans le style, il faut reconnaître que ce " Grow up to be just like you " ne manque pas d'allure. Un groupe à suivre, c'est une certitude !
Starfalm, anagramme de ‘malfrats’, est issu des cendres du groupe Malfrats Linguistiques. Après avoir commis un premier album en 1998, disque qui les avait propulsés à la tête de la scène hip hop belge, ils nous reviennent avec un deuxième album, " Survivant ". Dès la première écoute, deux impressions se dégagent. D'abord, le hip hop pratiqué est de bonne qualité. Ensuite, les 17 titres d'une durée moyenne de 4 minutes me permettent de déduire que cette plaque affiche un timing respectable. Les deux DJ's qui sévissent au sein du groupe sont soutenus par une instrumentation variée. L'homogénéité n'exclut pas les influences un peu salsa (" De Frente ", " La Sonora "). Les titres old-school ou hardcore sont marqués de l'empreinte Starflam. Côté lyrics, les thèmes sont hétéroclites. En général engagés, ils se penchent sur les problèmes de la mondialisation, reflètent leur attitude face aux maisons de disques, ou encore relatent leur vision de la vie ou de leur quotidien. A l'instar des compos " Le vice ", " Mentalité de resquilleur " ou " Soir de dèche ". Et lorsqu'on sait que l'opus a bénéficié de quelques featurings respectables, parmi lesquels figurent Zap Mama, Arno et Shyrock, il n'est pas étonnant que " Survivant " constitue un des disques les plus frais et sincères qu'a pu enregistrer un artiste de rap francophone, ces derniers temps…
Derrière Solex se cache Elisabeth Esselinck, un petit bout de femme dont l'imagination débordante lui permet de développer de nouvelles idées musicales. Une Néerlandaise responsable de trois opus solo à ce jour ; " Low kick and hard bop " constituant son troisième. Et il faut le reconnaître, elle est encore parvenue à étonner. En faisant cohabiter au sein de sa trip hop très personnelle, lo fi, jazz, garage, pop, blues, rockabilly, funk, électronique et une multitude d'autres styles musicaux. Une trip hop que nous pourrions situer à la croisée des chemins de Tricky, Ween et Cibo Matto. Mais une trip hop contaminée par un humour kitsch qui tient autant du surréalisme que de la bouffonnerie. Rien ne l'arrête au sein de son alchimie sonore. Même pas la rencontre de rythmes négligés et de vocaux maladroits, de boucles et de cuivres, de percussions tribales et de piano spectral. Et la liste des fusions périlleuses ou contre nature est loin d'être exhaustive. Sur " Good comrades go to heaven ", elle est même parvenue à marier percussions mariachi et kazoo! Un goût de l'expérimentation qu'elle cultive sans jamais négliger l'aspect mélodique de ses compositions. Et la mayonnaise prend à tous les coups. Déconcertant !
Dès les premiers accords de ce nouvel album des Canadiens, le ton est donné : plus lourd que ça tu meurs. Selon le leader du trio, Ken Baluke, ce " Songs Of Worship " " contient les morceaux les plus heavy connus de l'humanité "… Sans doute qu'Ozzy et ses acolytes approuveront, tout comme Chris Goss (Masters of Reality) et Joshua Homme (Queens Of The Stone Age). Mais à la différence de ces derniers, qui font le stoner aujourd'hui, Ken et ses amis se posent davantage comme les ambassadeurs d'un rock psychédélique qui serait inscrit au Guiness Book, dans la catégorie ‘très, très gros son’. En accordant leurs guitares au plus bas, les Sons Of Otis dégagent une puissance dantesque, renvoyant tous les Kyuss du monde au rang de groupes pour midinettes. La quatrième dimension, diront certains à l'écoute de ces riffs, tant leur effet sur l'oreille renvoie aux hallucinations que pourraient nous procurer un voyage dans le vortex, entre spirales bourdonnantes et fractales hypnotiques. Ce n'est plus de la musique, c'est une expérience ‘synesthésique’, un voyage dans l'infini, déroulant ses volutes heavy comme un cordon de Moebius, d'où l'on ne sort pas indemne… Dix batteurs se sont déjà succédés derrière les fûts de ce gang intersidéral : sans doute n'ont-ils pas survécus aux décharges à neutron des guitares les plus heavy du monde, que dis-je de l'univers. Si vous n'avez pas peur de vous perdre dans les univers parallèles du heavy rock (au sens large), plongez dans ce disque sans vous retourner, vous en reviendrez transformé (NDR : l'écoute de Sons Of Otis n'est pas remboursée par la mutuelle).
Cet album ‘live’ réunit des chansons enregistrées le 12 janvier 2001 au Paradisio d'Amsterdam et le lendemain au ‘Singel’ d'Anvers. Huit titres dont une reprise assez personnelle et surtout très réussie du " Jealous guy " de John Lennon. Lors de ces deux sets, Robin Proper-Sheppard était bien entouré de son groupe, mais également d'une section de cordes. Ce qui donne un aspect somptueux à l'interprétation des chansons de cet opus ; et en particulier celle du superbe final " The river song ". Un seul bémol, le ‘happy birthday’ adressé à sa fille de 4 ans. Un moment sans doute privilégié, que l'artiste a sans doute voulu partager avec son public ; mais dont la reproduction sur CD fait un peu tarte…
Du rauque'n roll! Du vrai, du pur, du tatoué ! Dispensé par un quatuor qui nous vient de New York. Et croyez-moi, ce groupe a la pêche ! Un groupe, drivé par un certain Mr Ratcat, dont l'itinéraire de globe-trotter est plutôt impressionnant. De son véritable nom Gilbert Avondet (NDR : pas très yankee comme patronyme !), ce Suisse roule sa bosse dans le monde du rock depuis 79. Après avoir milité chez quelques groupes locaux, il a séjourné en Angleterre de 83 à 84, pour y apprendre la langue de Shakespeare ; puis a émigré à Los Angeles en 88. Il y transitera quelque temps chez Motorcycle Boy, avant de mettre le cap sur New York. Pour y fréquenter une multitude de formations, parmi lesquelles Pillbox, Jeff Dahl et Marky Ramone & The Intruders sont probablement les moins méconnues. A force de rencontrer du monde, il finit par monter son propre groupe. En compagnie de vétérans du cru : Sour Jazz. Le combo compte déjà deux albums à son actif : " No values ", paru en 1999 et " Lost for life " en 2001. Deux disques pratiquement introuvables, aujourd'hui. " Dressed to the left " compile des extraits de ces deux opus. Quatorze fragments enrichis de deux inédits. Une seule cover : " Messin' the kid " des Saints. Ce qui frappe tout d'abord chez Sour Jazz, c'est la voix du chanteur. Son nom ? Lou Paris ! Un vocaliste qui campe un timbre déchiré entre celui d'Iggy Pop et de Fred Schneider (B52's) et dont la tronche, hybride de l'Iguane, de Lux Interior et de Lou Reed, pourrait inspirer les réalisateurs de films d'épouvante, à la recherche d'un nouveau sosie de Frankenstein… Une voix qui colle parfaitement à la musique glauque, viscérale, pulsante, tribale, dégoulinante d'électricité, stoogienne (pensez à leur elpee éponyme paru en 69 !), reedienne (là ce serait plutôt d'inspiration " Rock'n roll animal "), punkysante (bonjour les New York Dolls !), ponctuellement infectée de cuivres sulfureux ou de claviers (voire de synthés) en émulsion. Une voix responsable de lyrics bien évidemment sordides, où règnent la déglingue, le trottoir et autres turpitudes. Et si cet opus n'était pas une compilation, il mériterait le qualificatif d'indispensable.
Une chose est sûre, cette formation a été contaminée par le virus du baggy. C'est à dire le mouvement historique, né à Manchester au milieu des 80's, qui s'est traduit chez des groupes comme Stone Roses ou Happy Mondays à travers des sons répétitifs et hypnotiques de la house. Et qui a enfanté les Charlatans et Oasis (NDR : les temps ont changé depuis…). A l'instar d'UNKLE, South veut faire revivre cette scène. Sous une forme plus contemporaine, moins rigide. En lui donnant une nouvelle dimension, si vous préférez. Les deux groupes ont d'ailleurs travaillé ensemble, tout récemment, pour concocter la bande sonore du premier film de Jonathan Glazer, " Sexy beasts ".
Produit par le boss du label Mo Wax en personne, James Lavelle, " From here on in " constitue le premier opus du trio. Un disque particulièrement long, découpé en 16 morceaux, dont deux versions d'" All in for nothing ", trois de " Broken head ", quelques instrumentaux, et puis l'une ou l'autre ballade plus tendre, plus mélancolique. Dont un " Southern climbs " courtisé par un violoncelle et caractérisé par des sonorités de guitare acoustiques cristallines. Ou encore " Keep close ", hanté par le fantôme de John Lennon. Mais la musique de South baigne avant tout dans la house. Une house subtile, riche, insidieuse, climatique canalisée par la section rythmique contagieuse, sur laquelle papillonne le timbre vocal laconique, ‘ianbrownesque’ de Joel Cadburry. Une bonne surprise, nonobstant certains fragments qui ont tendance à tirer en longueur…
A l'instar de Red House Painters et du défunt American Music Club, Spain nous plonge dans un univers mélancolique, crépusculaire, peuplé d'histoires de déceptions, de solitude et de ruptures. Pourtant, le ton adopté tout au long d'" I believe " paraît, à première écoute, beaucoup moins sinistre. Une impression causée tout d'abord par le tempo légèrement plus rythmé. Légèrement ! Faut pas croire que le quatuor de LA se soit subitement mis à carburer au rock n’ roll. Simplement, il a abandonné ce profil indolent, lymphatique, qui lui avait valu, à ses débuts, d'être comparé à Low, Codéine, Cowboy Junkies et consorts. Ce qui ne l'empêche pas de libérer une dose considérable d'intensité émotionnelle. Une sensation accentuée par la mise en avant des accords de guitare dispensés par Merlo Podlewski. Des accords limpides, rafraîchissants, qui rencontrent ceux poignants, souples, de la basse de Josh Hayden, pour tisser des mélodies empreintes de charme et de séduction. Claviers satinés, fruités, drums duveteux, chuchotés et arrangements soignés complètent cette toile sonore lustrée par le timbre vocal sensuel et hypnotique de Josh. Un chouette album !
Le monde de Sparklehorse est hanté par l'imagination de Mark Linkous; et nous sommes les spectateurs privilégiés du microcosme de ce génie désespéré. A travers ses chansons fragiles, énigmatiques, baroques, il combine perspicacité lyrique et imagerie gothique typiquement américaine. Des chansons qu'il interprète de sa voix chuchotée, gémissante, parfois triturée mais tellement triste qu'elle ne peut trahir chez son interprète qu'un sentiment d'auto pitié. " It's a wonderful life " constitue son troisième opus. Un disque qui a reçu le concours de John Parrish et surtout de Dave Fridmann à la co-production. Et le talent de Dave, exercé habituellement chez Mercury Rev, est immédiatement perceptible. A l'instar du superbe " Gold day ", profilé sur un orgue à la respiration sifflante ou du luxuriant et électrique " King of nails ". Si Mark joue d'une panoplie d'instruments assez ahurissante ; depuis la guitare aux boîtes à rythmes, en passant par le Wurlitzer, le mellotron, le casio, l'optigan, les sampler, le chamberlin, le piano et autres objets insolites, il a quand même bénéficié de la participation de toute une armada de collaborateurs. Parmi les plus huppés, on y retrouve PJ Harvey ( " Piano fire " et " Eyepennies " ), la vocaliste des Cardigans, Nina Persson, sur le seul morceau véritablement sinistre de l'elpee, " Apple bed ", Tom Waits au chant pour un " Dog door " écorché par le psychédélisme de Kevin Ayers; et puis la fidèle équipe qui l'avait aidé pour enregistrer " Good morning spider ". En l'occurrence la violoncelliste Jane Scarpatoni, la violoniste Joan Wasser et la choriste Sophie Michelitsianos. L'elpee recèle bien évidemment quelques ballades plus intimistes, minimalistes, dont la mélancolie teintée d'amertume et de douceur évoque tantôt Lambchop, tantôt Palace Brothers. Un bien bel album !
Byther est né en 1933 à Monticello, dans le Mississippi. Au cours des années 50, il émigre comme tant d'autres vers Chicago. Il y apprend la guitare en compagnie de son cousin, un certain J.B Lenoir. Il en joue régulièrement au sein des groupes d'Otis Rush, de Junior Wells, de Big Mama Thornton et de George Smith.
"Grits, Tell me how you like it" constitue sa première œuvre personnelle. Elle remonte à 1993. Depuis, il a appris à se faire connaître en gravant des disques pour Bullseye, JSP et surtout Delmark. En l'invitant à enregistrer aux Pays-Bas en compagnie de musiciens locaux, placés sous la houlette du talentueux claviériste Roel Spanjers ; et en mettant l'accent sur les classiques du blues plutôt que sur ses compositions personnelles, Black & Tan a reconduit l'expérience menée pour Percy Strother. Un environnement propice pour interpréter le blues rythmé ; à l'instar de "Little voice", écrit par le sax man A.C Reed. Le jeu de guitare est inspiré par les maîtres du Westside de Chicago ; et tout d'abord par Otis Rush, dont il reprend ici les hits qu'il n'a pas écrits : "So many roads" et "She's a good 'un". Les deux versions sont indiscutables. Même s'il s'agit d'un classique éculé, j'adore sa reprise de "Five long years", du pianiste Eddie Boyd. Il la chante avec un maximum d'autorité. Dans un style proche du meilleur Jimmy Dawkins, il tire des sons écorchés de sa guitare, la sensibilité à fleur de peau. Ses interventions vocales les plus réussies me font penser à Luther Allison. Et c'est bien là la plus belle des qualités. Changement de registre lorsqu'il sort sa slide pour entamer "Your daughter don't want me no more". Il se fait Elmore James pour disserter sur le thème de "Mama talk to your daughter", écrit par son cousin J.B. Un bel hommage ! Byther est aussi capable de laisser respirer sa sensibilité, née dans le Delta. En particulier sur l'acoustique "Same thing on my mind". Il termine par l'interprétation de deux de ses chansons, dont un excellent blues, très proche de B.B King, intitulé "Don't hurt me no more". Ce disque manque peut-être d'originalité, mais dans la réalisation il est d'excellente facture. J'allais oublier d'attribuer une mention spéciale, voire d'excellence, pour les interventions au piano de Roel. C'est fait !
Sodastream nous vient d'Australie. De Perth très exactement. Réduite à un duo depuis qu'elle a déménagé à Melbourne, la formation vient d'enregistrer son deuxième opus. Karl Smith et à Pete Cohen ont quand même reçu la collaboration de quelques musiciens de studio. Altiste, trompettiste, tromboniste et même drummer sont ainsi venus épauler un tandem responsable d'une musique lo fi. Mais lo fi dans l'esprit de Will Oldham ou de Palace Music (NDR : ce qui revient au même puisque Will Oldham est l'unique musicien de Palace…). Bref, si cet album concède peu de place à l'électricité, il met quand même en exergue les accès ténébreux, frémissants de la contrebasse de Pete. Et puis la voix de Karl. Douloureuse, affectée, amère, elle s'appuie sur une six cordes acoustique, le plus souvent jouée en picking. Parfois aussi sur un piano hantant. Tout un univers sonore minimaliste, mélancolique, capable de briser votre cœur, mais de réchauffer votre âme…
Quatrième album pour ce groupe américain qui voudrait être Dream Theater à la place de Dream Theater. Authentique groupe de prog-metal, Shadow Gallery perpétue la tradition des breaks scientifiques, en développant des solos d'une grande technicité au sein de plages à tiroirs interminables. Les 34'18" du titre "First Light" livrent une somme de riffs et de breaks à faire pâlir de jalousie Yes ou le grand Rush. Certes la technique est irréprochable. Certes les membres de Shadow Gallery ont tous fréquenté un conservatoire. Certes l'organe du chanteur Mike Baker possède bien des atouts. Mais je déplore l'absence d'émotion manifestée par ce "Legacy". Un tantinet trop pompeuse, cette plaque comblera néanmoins de bonheur ceux qui ont craqué sur les derniers Ark, Fates Warning ou Ivory Tower.
La bonne blague de la semaine ! L'Italie ne s’abreuve pas seulement d'Eros Ramazzotti. Personnellement je n'en doutais pas. Mais bon... Tout d'abord, passez outre les quelques paroles en italien qui ne nuisent finalement pas trop; ensuite oubliez que Green Day (les titres punky), Fishbone (les cuivrés) et Skatalites (les skas donc) sont des noms qui reviennent en tête toutes les 3 mesures, et vous tenez là une bonne petite plaque de ska punk. Tout se tient finalement. A noter une reprise à la sauce ska de " Seek and destroy " des 4 de Metallica.
Ce jeune chanteur/guitariste anglais avait enregistré son 1er album en 1994. Intitulé "Touch of your love", il était paru sur Red Lightnin. Pour enregistrer ce nouvel opus, Todd s'est entouré de toute une série d'invités notoires.
L'adaptation du "I can't stop it" de Joe Liggins est un pur boogie woogie. Une ouverture caractérisée par une brillante intervention du pianiste Paddy Milner. Keith Dunn chante sur 7 titres. Un Américain, de Rhode Island très exactement, qui joua naguère chez Roomful of Blues. "Losin' this woman" bénéficie du concours d'une des meilleurs voix du blues anglais. Celle d'Earl Green, pour ne rien vous cacher. Un vocaliste qui sévit aujourd'hui au sein des Kingsnakes de Paul Lamb. "Ordinary fool" est un blues savoureux, inspiré par Guitar Slim. Brillant aux cordes, Todd libère un solo tout en sensibilité face à Eugene "Hideaway" Bridges, préposé au chant. Shuffle très entraînant, "Bird on a wire" est nourri par la présence de deux harmonicistes. On y reconnaît distinctement Paul Lamb. Il ponctue chaque phrase de petites notes qui font mouche à chaque fois. Quant au solo, il est l'œuvre du chanteur, Keith Dunn. Leo Sayer chante le R&B largement cuivré, "I think I'm blind". "Heart and soul" est un long blues lent traversé par le solo dramatique attendu. "Willow" est une plage instrumentale hantée par l'ombre de Carlos Santana. L'ambiance feutrée, latino américaine est omniprésente. Chanté par Earl Green sur un rythme soutenu, "Doghouse" atteint un autre sommet au cours duquel Todd engage un duel de cordes avec Snowy White et la slide de Mick Taylor. Hormis l'ouverture et "Look watcha done" de Magic Sam (NDR : une de ses références), Todd a composé l'intégralité de l'album. Paul Lamb démontre à nouveau toute l'étendue naturelle de son talent, lorsqu'il imprime avec force le rythme sur son harmonica. Il le démontre sur "Ball". L'album s'achève par une ballade douce et mélodique que Sharpville chante en personne. J'ai été agréablement surpris par cet opus. Un disque habillé ( !?!?) d'une superbe pochette. Faut dite que Jane, Amber et Charlotte ne manquent ni de charme, ni de sensualité…
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