En 1993, Deacon Blue splittait Un quintette écossais qui jusque là avait pourtant acquis une notoriété phénoménale aux Iles Britanniques. Il est certain que peu de groupes anglais peuvent se vanter d'avoir réussi à rester plus de six ans sur le haut du pavé de la pop britannique, décrochant ainsi plus de dix-sept hit singles et vendant chacun de ses quatre albums à plus de 500.000 exemplaires. Mais Ricky Ross, le chanteur et véritable leader du groupe n'arrivait plus à s'épanouir complètement au niveau musical. C'est pourquoi, il a aujourd'hui décidé de faire cavalier seul. Et ce " What you are " en est la première réalisation. Enregistré aux States sous la houlette des Frères Robr (Lemonheads, Buffalo Tom), la musique s'est totalement américanisée. Et ce n'est pas un hasard si Ricky a décidé de placer " Good evening Philadelphia " en ouverture du CD. Un ironique et très intelligent pied de nez à la presse anglaise ultra protectionniste et de moins en moins crédible. Seule la voix rauque, fragile, un peu cassée n'a pas changé. Une voix qui s'est moulée dans un mélange de guitares crépitantes, torturées voire crazyhorsiennes, d'accès de basse sinueux et de rythmes déchaînés. La température a manifestement grimpé. Plus rien à voir à voir avec l'époque glaciaire d'antan. Mais ce changement climatique nous a séduits. Reste à savoir si tout cela ne cache pas quelques perturbations atmosphériques… ou médiatiques.
Album extrêmement intéressant, mais difficile à analyser pour ce quatuor new-yorkais. En fait, la formation donne l'impression de vouloir goûter une multitude de saveurs underground. Et en particulier celles qui ont inspiré PJ Harvey, Fall, Sonic Youth et Lone Justice. Un album qui peut se révéler tantôt sauvagement électrique, soumis aux percussions tribales ou imprimé sur un tempo hypnotique. Mais qui accorde une place importante à la sensibilité mélodique. Faut dire que Run On possède en la personne de Sue une remarquable vocaliste. Capable d'élever sa voix au registre de Maria McKee ou d'adopter un timbre proche de Polly Harvey. Une oeuvre qui peut également épouser un ton minimaliste. Comme sur "A to Z". Mais un minimalisme dans l'esprit de Cure. C'est à dire réduit au xylophone, à la guitare sèche et à la voix. Mais Run On atteint le sommet de son art sur les deux chansons qui ont le mieux dirigé leurs influences. D'abord le contagieux "Doesn't anybody love the dark" et ensuite le cuivré "Xmas trip". Un disque qui recèle en outre une composition qui aurait tout aussi bien pu figurer sur le dernier opus de Boss Hog, "Tried", et une autre sur celui de Stereolab, "Surprise". Une bonne surprise, c'est le cas de le dire!
Six titres sur le nouvel Ep ou mini-album si vous préférez, de ce trio new-yorkais. Et pas de grands changements par rapport à son premier elpee " Laughing gallery ", puisqu'on y retrouve le même power pop injecté de punk et d'électricité. Parfois on pense à l'énergie de Green Day, de Rancid ou d'Offspring, mais qui aurait été raffinée par une sensibilité mélodique à fleur de peau...
Voici le nouvel album des Rage Against the Machine: "Evil Empire". Un album dont l'intérieur du booklet témoigne de la vision très caractéristique qu'ils portent sur le monde. Une photographie d'une dizaine de bouquins éparpillés, et dont le contenu ne cache certainement pas leur couleur politique. Des noms? Jean-Paul Sartre, Henry Miller et même Che Guevara! Faut dire que le groupe a plutôt le cœur à gauche et ne se prive pas de le faire savoir. Il se dit d'ailleurs influencé par les doctrines de Marx. Quant à ses chansons, elles parlent de sujets aussi brûlants que les problèmes multiraciaux vécus aux States ou encore des inégalités sociales rencontrées à Los Angeles, leur ville natale. Pour eux, le rock doit non seulement dénoncer la société comme elle est, mais également la changer. Côté musical, "Evil Empire" semble sorti du même moule que le premier elpee. Seul changement, le producteur; Brendan O' Brien succédant à Garth Richardson. Un style hérité à la fois de Run DMC, Led Zep, Red Hot et Public Enemy; et décrit à la croisée des chemins du funk, du heavy metal, du hardcore, du punk et du hip hop. Avec à la pointe du combat, Zack De La Rocha, vocaliste qui imperturbablement, impitoyablement vocifère ses slogans...
L'originalité de ce trio berlinois procède essentiellement de la présence d'une chanteuse exceptionnelle : Katharina Franck ; son timbre éthéré, pur, cristallin butinant tout à tour ceux de Lisa Gerrard (Dead Can Dance), de Mary Hopkins et de Beth Gibbons (Portishead). Excusez du peu ! Pour le reste, on reste (c'est le cas de le dire !) sur notre faim, les Rainbirds se contentant de dispenser une pop mièvre, sans grand relief, légèrement teintée de jazz ou de rythm'n blues, née d'une rencontre fortuite entre arrangements symphoniques et instrumentation électronique. Sur ce morceau de plastique, seuls " Give me a kiss ", subtilement texturé dans le piano électrique et injecté de cordes de guitare imperceptiblement reverb, à la manière de " Do it again " du Steely Dan, une " Education of soul " par les percussions et une nouvelle adaptation de " Memories ", composition de Hugh Hopper du Soft machine, immortalisée il y a un peu plus d'un quart de siècle par Robert Wyatt, tentent de sauver la mise. Mais sur treize fragments, c'est un peu maigre pour mériter de rester graver dans une quelconque mémoire…
Eddi Reader était la chanteuse de la formation insulaire Fairground Attraction, ensemble qui, souvenez-vous, avait décroché un hit single en 1988 avec " Perfect ". Depuis, elle a embrassé une carrière solo. Tournée essentiellement vers une forme de pop folk qui s'adresse paradoxalement davantage à la sensibilité américaine qu'à celle des Britanniques. Bien que bénéficiant du concours de Calum McColl, multi-instrumentiste dans le sens le plus celtique du terme, " Candyfloss and medecine " ne s'écarte guère de la ligne de conduite empruntée sur les morceaux de plastique précédents. Il y a bien quelques traces de psychédélisme, d'ambient ou de music-hall, mais en général, les compositions mettent surtout en exergue la limpidité angélique du timbre vocal d'Eddi...
En écrivant les chansons de ce "Songs for a blue guitar", Mark Kozelek avait l'intention d'enregistrer un nouvel opus solo. Mais après avoir battu le rappel de ses potes, il s'est rendu compte que ce serait sans doute une erreur. Aussi, Mark a finalement opté pour un nouvel épisode de Red House Painters. Le cinquième, pour lequel il a également reçu le concours de Ric Ocasek, leader du mythique et défunt Cars. Pas à la production, mais au mixing. Un disque dont le titre maître est un véritable morceau d'anthologie. Plus de douze minutes de garage crazyhorsien hanté par le spectre de Mark Eitzel d'American Music Club. Tout un programme! D'autant plus que Kozelek y partage le chant avec une voix féminine, tout en ayant recours à la steel guitar, un peu à la manière de Cowboy Junkies. Pour le reste de cette œuvre, Mark s'éclaire à la lueur de la nostalgie; et de sa voix résignée, chargée de tristesse et de mélancolie il tente de préserver ce qui lui reste comme étincelle de vie. Un opus beau et triste à la fois, impliquant deux covers. Une des Wings de McCartney, "Silly love songs ". L'autre de Yes, " Long distance runaround ". Mais nous vous souhaitons bonne chance pour les reconnaître! Un must!
Une chose est sûre, ce quintette de Chicago voue une grande admiration à l'œuvre des Stones. Et en particulier à "Exile on Main Street". Faut même croire que si la bande à Jagger avait un jour imaginé une suite à cet opus indispensable, elle aurait accouché d'un elpee dans le style de ce "Bunny gets paid". Pas côté vocal, bien sûr. Le chant de Tim Rutilli campant plutôt un timbre guttural proche de Kevin Weatherill, leader d'Immaculate Fools. Si Red Red Meat s'autorise d'ailleurs quelque incursions dans la lo-fi semi acoustique, accomplissant dans ce domaine des performances assez remarquables, il s'illustre surtout par une musique filandreuse, sordide, claustrophobe, aux pulsations nerveuses, âpres, qui prennent une véritable dimension au fil de l'écoute. Une sorte d'urban blues déstructuré, ravagé par l'émotion et la colère, destiné à soulever des thèmes aussi brûlants que la sexualité, la solitude, le nihilisme, la faim ou l'asphyxie des métropoles (New-York notamment).
Après sa trilogie morbide consacrée aux mégalopoles ("New York"), à l'artiste ("Songs for Drella") et à l'esprit ("Magic & loss"), Lou Reed revient à la réalité contemporaine. Celle de New York. Urbaine, encore et toujours ("NYC man"). Il en profite aussi pour dénoncer l'hypocrisie de la droite américaine ("Sex with your parents - Motherfucker- part II"). Et puis pour épancher ses sentiments profonds. Pour parler d'amour, quoi! De sa passion qu'il partage avec Laurie Anderson, à qui il dédie cet album. Enfin presque. Réservant "Finish line", en hommage à feu Sterling Morrison. Mais ce qui frappe surtout sur ce disque, c'est ce retour aux sonorités basiques de l'instrumentation. A la limite du minimalisme. Fernando Saunders à la basse, Tony ‘Thunder’ Smith aux drums et Lou au chant ainsi qu'à la guitare se partagent l'essentiel de l'espace sonore. Laurie Anderson aux backing vocaux, Roy Butter E Street et de très rares musiciens de studio complétant le décor. Lou a en outre utilisé une nouvelle technique de studio pour rendre le son plus "live", plus glauque. Un environnement qui convient parfaitement à ce spécialiste inégalable de l'énergie qu'il sous-entend de sa voix, metal-glace, faussement cynique, constamment à la recherche de ces phrases qui claquent, de ces mots qui cinglent. "Set the twilight reeling" implique en outre un titre qui figure sur la bande originale de "Brooklyn Boogie", dernier film de Paul Auster ("Egg Cream"); ainsi qu'en final un remarquable titre maître, réminiscent de "Rock 'n roll animal". Un must!
Apparemment, ce réfrigérateur est californien, et garantit un bien meilleur pouvoir de conservation à cet "Anchors of bleed" que celui qu'il avait accordé à son précédent opus. Un album qui nous avait d'ailleurs laissé de glace. Découpé en treize morceaux, cet "Anchors of bleed" alimente de chouettes mélodies tantôt trempées dans la lo-fi de Sebadoh ou de Swell, tantôt dans le garage épuré de Giant Sand. Une forme de minimalisme limitée à la guitare acoustique ou électrifiée, aux drums et aux harmonies vocales, parfois austères parfois luxuriantes accordées par les frangins Allen et Dennis Callaci. Le tout épisodiquement pulvérisé de bouffées de claviers. Le disque est en outre ponctué d'une superbe composition "Gold" (NDR: valant donc son pesant d'or!), qui ne dépareillerait pas le répertoire de Vic Chesnutt...
On ne peut pas dire que le style de ce Quest For Rescue soit particulièrement original. Une sorte de choucroute garnie de grunge (Soundgarden), de grebo (Ned's Atomic Dustbin), de punk pop (Therapy ?), de noisecore (Sugar, Hüsker Dü, Green Day) de punkcore (Offspring) et même de heavy metal (Alice in Chains). Faut dire que le quatuor est allemand. Issu d'Erkrath, près de Leverkusen très exactement. "Asparagus" constitue son premier album. Un disque qui reste, nonobstant ces réserves, de bonne facture. Rythmique puissante, mécanique, ligne de basse glacée, énigmatique, riffs de guitares acérés, grinçants, sursaturés, distordus, procurent aux mélodies douces-amères une intensité constante et une énergie juvénile. On vous a quand même décelé une pointe de personnalité chez ce QFR, l'absence de morceau caché, formule qui, il est vrai, commence franchement à nous agacer...
Sachant que Pain Teens relève de ‘Trance Syndicate’, label de l'ex-Butthole Surfers King Coffey, vous vous doutez certainement que ce "Beast of dreams" s'adresse à un public averti. Disciple de l'underground, le duo se manifeste à travers une musique opulente, étrange, hypnotique. Une musique composée et jouée exclusivement par Scott Ayers. Depuis la guitare aux samplers en passant par les drums, la basse, le violon, le sitar, les percussions et les bruitages. Bliss Blood se réservant les lyrics et le chant. Contant des histoires cauchemardesques peuplées de meurtres, d'épouvante, de troubles psychiques, etc. Des chansons qu'elle chuchote d'une voix à peine audible, insouciante, un peu comme si nous ne pouvions pas savoir. Il règne, en outre, tout au long de cet opus une intensité conflictuelle perverse, presque maladive; un peu comme si Bel Canto et Tuxedomoon voulait filer un hypothétique et impossible amour...
Jules Shear et surtout l'ex-leader des Waterboys, Mike Scott, ont collaboré très activement à l'enregistrement de l'album de cette jeune et jolie californienne. Jules assure la plupart des backing vocaux, alors que Mike cumule piano et guitare, ne partageant le chant que pour le seul "Penny for your thought". Pal a composé toutes les chansons de cet opus. Elle joue également de la guitare. Mais surtout se réserve le lead vocal. Une voix très yankee dont le timbre campe un hybride entre celui de Tanya Donnely (Belly) et de Suzanne Vega. Certaines compositions affichent par ailleurs certaines affinités avec le style de la folkeuse new-yorkaise. Notamment les superbes "Ain't nobody's mistress but my own" et "Wade went wild", ouatées de claviers fluides. Pour le reste, hormis la texture presque garage du final "Sentimental breakdown", "There's a wild thing in the house" essaime country rock ou country folk avec tendresse et mélodicité...
Palace Brothers, Palace Songs, Palace Music et Palace, c'est du pareil au même. Enfin presque. Puisque derrière ces différents patronymes, ce cache un certain Will Oldham, compositeur, guitariste, chanteur et surtout leader de cet ensemble yankee. Du Kentucky. De Louisville, très exactement. Une formation qui pratique, nonobstant le recours aux claviers, à la basse, aux guitares acoustiques ou électrifiées, aux drums et aux percussions, un country rock blues minimaliste. Un style desséché par la mélancolie languissante, désolée, morbide, des lyrics autobiographiques de Will et tourmentés par le falsetto troublant, spectral, dont les inflexions vocales rappellent parfois un certain Robert Wyatt...
Dan Lacksman, ex-Deep Forest, et Frank Michiels constituent la moelle épinière de ce projet qui répond au nom de Pangea. Un concept, dont l'album éponyme, nous entraîne sur les sentiers digitalisés de la culture d'Afrique centrale. Une world music reprofilée par l'ambient où les chants tribaux se fondent dans une symphonie de poly-rythmes. Des expérimentations que nous pourrions rapprocher de celles menées par le tandem Zazou/Bikaye si elles n'avaient pas été contaminées par le virus d'Okarina...
La plage qui ouvre ce nouvel opus de Pantera en dit long sur le contenu global de ce bloc en béton armé. Sauvage, aride et revendicateur, "The great southern trendkill" lamine en cinquante-trois minutes les tympans théoriquement immunisés du headbanger le plus acharné. Si la pochette et le titre constituent un hommage au rock sudiste cher à Blackfoot et Lynyrd Skynyrd, que les amateurs de boogie blues ne se méprennent pas. Le groupe de Phil Anselmo pratique un heavy radical surboosté sans nuances, appuyé par un chant beuglerie-bronchite que ne dédaigneront pas les fans de Fear Factory et de Machine Head. Comme à l'accoutumée en ce qui concerne Pantera, un stiker de censure orne le boîtier du cd... ça peut aider pour vendre des albums. On appelle cela du marketing!
" Dance hall at louse point " n'est pas un nouvel opus de PJ Harvey mais de Polly Harvey flanquée de son guitariste John Parish. Un guitariste qu'elle a récupéré lors de l'enregistrement de son dernier album, " To bring you my love ", après plusieurs années de séparation. En fait, avant de fonder PJ Harvey, elle avait déjà côtoyé ce partenaire au sein d'Automatic Dalmini. Et l'entente au sein du duo doit être à nouveau au beau fixe, puisque, pour la première fois, Polly s'est uniquement consacrée aux lyrics ; abandonnant la composition de la musique à John. Une formule qui ne change cependant pas grand chose; puisque les chansons du duo se révèlent aussi arides (si pas plus!) et impétueuses que celles du groupe. On y retrouve d'ailleurs cette même impression gothique, étrange, à la limite morbide, qui hante l'œuvre de Nick Cave. Mick Harvey, bassiste du groupe australien, vient d'ailleurs donner un petit coup de claviers et de râpe sur le standard de Peggy Lee, "Is that all there is", seule cover de l'album...
Depuis que les musiciens de Pearl Jam ont enregistré un album en compagnie de Neil Young (" Mirror Ball "); et puis surtout ont suivi le Canadien, l'an dernier, pour mener à bien une tournée mondiale, la presse spécialisée porte un regard totalement différent sur la formation de Seattle. Assimilé, à tort, au mouvement grunge, le quintette réussit même aujourd'hui à défier le temps et la mode. Sur ce " No code ", seuls les popcore " Mankind " (Sugar? Hüsker Dü? Green Day?) et le crazyhorsien " Smile " transpirent des références plus ou moins nettes. Le reste nous entraîne dans un périple âpre, malveillant, angoissant, au sein d’un rock déchiré par la fureur et la passion. Un périple au sein duquel Eddie Vedder, redevenu maître à bord, charge chaque mot, chaque syllabe, chaque phrase d'émotion, d'amertume et de tourment...
Depuis le départ de Bo Lemaître, la musique de cette formation limbourgeoise a pris une orientation plus progressive, plus expérimentale, plus métallique. Ce qui n'est pas rien lorsqu'on sait qu'à l'origine, soit lorsque son patronyme n'avait pas encore été abrégé, le groupe reconnaissait pour influences majeures Frank Zappa, Captain Beefheart et les Residents. Bien sûr, on y retrouve la voix de Genis U, dont le timbre frémissant, agressif, rappelle Johnny Rotten. Mais ses interventions vocales se font plus rares, laissant une place plus importante à des textures instrumentales complexes, atmosphériques, déchirées entre violence et sérénité. Une forme de musique néo progressive, qui mêlant basiquement l'instrumentation ethnique et la technologie moderne, n'hésite pas à incorporer des éléments de funk, de psychédélisme et même de post punk gothique. On y trouve même une composition chantée en latin! Et pour tout savoir, sachez que c'est toujours Kramer qui assure le mixing et la production de ce "For lonely men to jerk off to"...
Comment une formation dépourvue de la moindre originalité peut-elle récolter un tel succès au States? Et vendre autant d'albums? La réponse est simple. Le public yankee, quadragénaire en particulier, est friand de musique progressive et de hard FM. Aussi, faute de Kansas, Kayak ou de REO Speedwagon, il se tourne vers des revivalistes de la trempe de Toto ou de Phish. Dont la caractéristique essentielle est de compter d'excellents instrumentistes. Capables de s'aventurer aussi bien dans le jazz, le rock, le rythm 'n blues que le funk. Et ce "Stash", recueil de morceaux choisis du quartette, en est la plus belle illustration.
Née d'un père polonais, célèbre réalisateur de films, et d'une mère actrice, elle a vécu successivement au nord de l'Amérique, en Europe, en Inde et en Afrique, avant de retourner à New York. C'est ce que la bio nous raconte, laissant planer un doute sur la véritable identité de cette jeune artiste. Probablement la fille de Roman Polansky qui a choisi pour patronyme Poe, par passion pour le livre d'Edgar Alan Poe, "Le masque de la mort rouge". Pour enregistrer cet album, elle a bénéficié de la production de Dave Jerder (Alice in Chains, Jane's Addiction, Rolling Stones) et de R.J. Rice. Un disque qui démarre sur les chapeaux de roues. Avec le titre maître et le single "Trigger happy Jack (Drive by a gogo)". Compositions de pop tranchantes au groove irrésistible, nées d'un subtil mélange de hip hop, de punk, de metal et de swing. Mais, à partir du troisième fragment la solution se dilue progressivement dans l'électronique ou l'acoustique. Les rares éclairs de vitalité sont alors systématiquement rabotés par les arrangements moelleux, légèrement "dance". Reste la voix de Poe. Superbe. Instantanément identifiable. Que nous pourrions glisser entre le timbre de Suzane Vega et celui de Chrissie Hynde. Dommage!
A l'aube de ses 50 piges, James Osterberg ne s'est jamais senti aussi en forme. Le voilà même qui projette de remonter les Stooges en compagnie des frères Asheton, alors que la bande est en bisbille depuis plus de vingt ans. En attendant de voir, et surtout d'entendre, ce que le groupe le plus violent et le plus extrémiste de la fin des sixties a encore dans le ventre, ou du moins ses restes, l'Iguane nous revient avec un album solo. Un disque qui nous met déjà au parfum de ses intentions futures. Non seulement "Pussy walk" et "Knuckelhead" paraissent sortir tout droit de "Raw power", mais le morceau de plastique renoue avec l'urban rock immédiat, hymnique, suffocant de Detroit. Consomme à nouveau cette électricité destructrice, qu'il avait délaissé ces derniers temps pour parfaire les "Blah, blah, blah", "Brick by brick" et autre "American Caesar". Hormis la ritournelle dispensable "Outta my head", et un "Shoeshine girl" sculpté dans les cordes de guitare acoustiques, les huit autres fragments crachent un garage venimeux, rampant, purulent, sauvagement abrasé par le vocal grave, viril, sensuel de Pop...
Ce disque, constitue déjà le quatrième album de cette formation insulaire, au sein de laquelle on retrouve l'ex-claviériste de Japan, Richard Barbieri. Porcupine Tree tente de renouer avec un style musical tombé en désuétude depuis la fin des seventies. Mais il opère cette démarche avec un esprit et des moyens techniques totalement contemporains. En fait, ce quatuor atteint, à l'instar d'Ozric Tentacles, une nouvelle forme de psychédélisme, sans avoir nécessairement recours à la formule basique qui provoque ce phénomène. Sur cet album, il puise, par exemple, à la fois dans la Canterbury school de Caravan, et le syndrome conceptuel floydien circa "Wish you were here", tout en accordant un soin particulier aux arrangements. Pensez un peu à ce qu'Harold Budd est capable de faire à ce niveau, mais en même temps aux moyens technologiques sophistiqués dont disposait Todd Rundgren pour ses expérimentations interactives. Un album, dont les envolées atmosphériques semblent avoir été héritées du célèbre Gong, à l'époque où Daevid Allen et Steve Hillage faisaient encore bon ménage...
Fatigués par une tournée de quatorze mois, tournée nécessitée par la sortie de l'excellent "Frosting", le drummer et le bassiste ont déserté le combo, cédant leur place respectivement à Brian Young et Joe Skyward. Ce qui à première vue ne change pas grand chose, puisque Jon Auer et Ken Stringfellow constituent, depuis le début, l'ossature de la formation... Plus que jamais contaminé par Big Star, les Byrds et les Raspberries, les Posies combinent toujours à la perfection la fragilité mélodique et les caprices de l'électricité. Les harmonies vocales délicates, fruitées et les lyrics ésotériques. Mais la nouvelle section rythmique se montre également à la hauteur de la situation, apportant une nouvelle dynamique à la conjugaison des deux guitares. Libérant un groove irrésistible lorsque l'occasion se présente. Et en particulier sur "Hate song", fragment sur lesquels sont impliqués deux musiciens de Cheap Trick, Robin Zander et Rick Nielsen, et surtout le percutant "Broken record". On y retrouve également des hits potentiels de la trempe de "Dream all day" et de "Coming right along", tels qu' "Everybody's a fucking liar" ou "Daily mutilation", un hommage à l'ex-oublié d'Hüsker Dü, "Grant Hart", un "Throwaway" plus Teenage FanClub que nature et en final deux compositions davantage inspirées par l'Albion. "Song # 1" et "Will you ever ease your mind". Marquées successivement par l'empreinte de Squeeze et de Tears For Fears. Un feeling britannique souligné épisodiquement par des arrangements symphoniques aussi soignés que chez ELO voire le Barclay James Harvest. Et ce n'est pas une critique négative, parce que cet "Amazing disgrace" est excellent!
Derrière ce quartet issu de Camden se cachent Phil Savidge et John Best, deux attachés de presse responsables de l'éclosion de Suede et d'Elastica. Deux personnages probablement en passe de récidiver en compagnie de ce Powder. Mais plutôt que de négocier leur découverte comme dans le passé, ils ont préféré jouer leurs propres cartes. En fondant un nouveau label. Parkway. Puis, en se réservant la signature de ce Powder. "MCMXCV" constitue le premier opus de la formation. Un disque découpé en huit fragments dont un final acoustique obscurci de vocaux oppressifs, "Sold out", une cover insidieusement dub trash des Stones, "Memo from Turner", et puis surtout six compositions de ‘britpop’ effrontées, ténébreuses, contagieuses (Menswear, Sleeper), subrepticement punkysantes (Daisy Chainsaw), envenimées par le lyrisme arrogant, lascif de Pearl Love (Transvision Vamp?), dont le vocal craquelé, âpre, rappelle Thalia Zedek (Come)... Et ce n'est pas de la poudre aux yeux!
Douze titres en 21 minutes! Par un calcul rapide, vous aurez rapidement compris que le temps consacré à chacune des chansons est plutôt restreint. Evidemment, pour un groupe punk pur et dur, cette recette n'a strictement rien d'étonnant. D'autant plus que les compositions de ce quintette suédois défilent à plus de 200 à l'heure. Un seul débrayage, "The Soft Song", juste avant d'aborder le virage consacré à China Drum. Pour le reste, "Dripping of the past" consomme un punkcore échevelé, sorte de Green Day survitaminé ou d'Offspring méticuleux (ça existe!) soucieux de la qualité de son carburant mélodique, régulièrement raffiné de cordes de guitares incisives mais aussi capable de déraper dans l'un ou l'autre riff métallique. Idéal pour pogoter !
Dans l'univers post industriel, Nine Inch Nails, Killing Joke et Prong partagent une vision du metal de plus en plus semblable. Précis, sauvage, sombre, implacable, féroce et exempt de tout nombrilisme gratuit. Avec des textes engagés politiquement, souvent à connotations écologique. Faut dire que Paul Raven, ex basiste de Killing Joke, prend de plus en plus de place au sein de Prong. Et que pour enregistrer "Rude awakening", le trio a bénéficié du concours du claviériste et drummer de Nine Inch Nails, Charlie Clouser. Une perspective qui finalement ne diffère que par la qualité de la production. Et dans ce domaine, Tommy Victor, chanteur/guitariste du groupe et Terry Date (White Zombie, Pantera, Soundgarden) ont réussi un tour de force, là où, malheureusement Youth était totalement passé à côté de son sujet pour ciseler "Democracy"...
Fatigué des tournées marathon de la vierge de fer, le guitariste Adam Smith abandonne le vaisseau Iron Maiden en 1989 pour se consacrer à son projet solo A.S.A.P. qui donne le jour à "Silver and gold", un bien piètre album de hard FM. Psycho Motel, premier effort de Smith après un silence radio long de sept ans gomme définitivement cette première escapade en solitaire et nous replonge en pleine vague hard US de la fin des années 80. Si une bonne moitié des compositions évoque le son carré et les mélodies "mainstraim" de Motley Crüe et de White Lion, d'autres fragments apparaissent comme un hommage ou un pied de nez à la tendance grunge. Le hit en puissance "Excuse me" qui conclut l'album ne dépareillerait pas sur le "Jar of flies" d'Alice in Chains. Dans la ballade bluesy "Western Shore", seule tache d'huile sur cet opus, la prestation de Solli (ex Son of Angels) n'est pas sans rappeler les exercices vocaux larmoyants du sieur Jon Bon Jovi lors de ses performances les plus insupportables. Si ce titre sirupeux venait à paraître en single, nul doute que le grand public serait trompé sur la teneur de ce "State of Mind", véritablement heavy dans son ensemble. Une étonnante résurrection!
Ce qui frappe d'abord chez ce quatuor mancunien, c'est la voix de James Mudrizki. Pas tout à fait falsetto, pas vraiment proche de Feargal Sharkey ni de McAlmont. Mais aussi frémissante et féminisée. Une voix qui donne une coloration toute particulière à la musique de Puressence, fondamentalement britpop. Avouant cependant un certain faible pour la cold wave, à l'instar de Whipping Boy. Pensez à Joy Division, mais également aux Chameleons. Une œuvre introspective, volatile, atmosphérique qui a bénéficié, pour la circonstance, de la production de Clive Martin (Flood). Chez ces authentiques stylistes du son, les mélodies rougeoient à l'intérieur de leur propre densité panoramique. Effaçant les frontières entre la matière, l'espace et le temps. L'énergie prend même souvent le pas sur la mélodie. Attention, le sens mélodique n'y est pas absent, même parfois dans une perspective hymnique, mais il épanche une sensibilité aussi cérébrale que passionnelle. Une mélancolie tumultueuse, figée par des lyrics personnels, presque autobiographiques, sombres, auto obsessionnels, exacerbés lorsqu'ils prennent une signification pseudo dramatique. Un superbe exercice de style, mais qui est probablement déjà occupé de flirter avec une nouvelle forme de courant néo progressif...
Curieux nom pour ce groupe étrange (?!?!) au sein duquel on retrouve le chanteur de Butthole Surfers, Gibby Haynes, et puis surtout deux acteurs de cinéma, Johnny Depp et Sal Jenco. Le premier pour y tenir la guitare et le second pour assurer les percussions. L'enregistrement de cet opus a, en outre, bénéficié du concours de quelques grosses pointures. En l'occurrence Steve Jones, guitariste du mythique et défunt (?) Sex Pistols ainsi que Flea, bassiste de Red Hot Chili Peppers. Un disque assez inégal, mais qui recèle heureusement quelques excellentes compositions. En particulier le blues lancinant, sulfureux, "White man sings the blues", la cover d'Abba, "Dancing Queen", l'hommage au chanteur d'REM, Michael Stipe, et surtout "Oklahoma". Un boogie irrésistible, écorché par le vocal de Gibby et lacéré par des éclats de steel guitar, dispensés aussi sauvagement que sur la célèbre et mythique cover du "Who do you love" de Bo Diddley. Mais dans la version de Juicy Lucy. Dommage, d'ailleurs que tout l'album ne soit pas de cette trempe!
Paul, George et Ringo ayant accepté de ‘rebeatlesiser’ quelques démos de John, l'occasion était belle pour Yoko Ono de rompre avec le silence. Et puis surtout de permettre à son fils Sean, de faire son entrée dans le monde musical. Un multi-instrumentiste qui fait ici tout l'étalage de son talent. Yoko chante, bien sûr. Vocalise aussi. Suivant des oscillations très caractéristiques. Pensez à son album "Fly". Elle a également composé les lyrics. Et puis nous réserve, sur la notice de la pochette, un commentaire réaliste et déchirant sur les conséquences de la bombe atomique tombée sur Hiroshima en 1945... "Rising" s'avère finalement plus intéressant que nous l'espérions. Si les chansons de la deuxième partie de l'album se noient dans un relatif anonymat semi-acoustique, les sept premières se révèlent d'excellente facture. Abordant tantôt le punk ("Warzone", "I'm dying") ou le reggae funk ("Ask the dragon"), avec la même virulence que Nina Hagen, tantôt le minimaliste lo-fi ("Wouldnit" et "Talking to the universe") et même le garage ("New York woman"). Une excellente surprise!
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