Avec Stick to Your Guns et Static Dress en invités spéciaux
Un concert de Paleface Swiss n’est pas un simple spectacle, c’est un véritable coup de poing. Ceux qui étaient présents lors du Graspop Metal Meeting se souviennent probablement encore des circle pits et de l’adrénaline.
Le groupe de metalcore était de retour.
Depuis sa création en 2017 à Zurich autour du chanteur Marc ‘Zelli’ Zellweger, Paleface Swiss renverse tout sur son passage grâce à un mélange de deathcore, beatdown et hardcore. Sur leur dernier album, ‘Cursed’ (2025), ils poursuivent dans cette voie. Ce disque prolonge la brutalité de ‘Fear & Dagger’ (2022), mais avec des thèmes comme la douleur, la trahison et la lutte intérieure, il est encore plus lourd et sombre. Armé de ce nouveau matériel, Paleface Swiss est prêt à reconquérir les salles.
Concert : Coproduction entre Ancienne Belgique, Biebob et Live Nation.
(Source : Live Nation/AB)
N’hésitez pas à jeter un œil aux photos :
Paleface Swiss
https://www.musiczine.net/index.php/nl/component/phocagallery/category/8987-static-dress-20-01-2026
(Org : Live Nation + Biebob + Ancienne Belgique, Bruxelles)
Avez-vous déjà eu cette sensation, en vous réveillant un matin, d’avoir le cœur rempli, les sanglots dans la gorge, comme si vous aviez repris dans vos bras quelqu’un qui vous manque depuis très longtemps ? Le souvenir du rêve est très furtif, il vous échappe quand vous essayez de l’attraper… alors vous tentez sans relâche de retrouver le chemin, chaque nuit, comme un ‘shifter’, sur les traces de votre fantôme.
Caïman aime les sensations fortes, les forêts hantées, passer par les petites routes, raconter des histoires et ne jamais s'accorder pareil. Dans le chorus dense de sa guitare électrique, les mots de l'autrice-compositrice et interprète Chloé Serme-Morin tissent des incantations libérées et mystiques. Parfois comparée à une Patti Smith lyonnaise qui aurait fusionné avec Marika Hackman ou avec Liz Fraser des Cocteau Twins, Caïman dessine une aquarelle amplifiée à l’image des créatures qu'elle invoque : sombre, tendre, sincère, traversée par des récits de métamorphose, d'insurrection, de magie et de fantômes.
Trois ans après la sortie de son premier album, Caïman dévoile « Dreams are ways to see dead people again », premier single et clip de son prochain album à paraître à l’automne. Un voyage dream-folk psychédélique au pays des rêves, guidé par une voix sensible et énigmatique.
Le clip de « Dreams are ways to see dead people again » est disponible ici
Il figure également dans le Podcast # 95 de l’émission Inaudible
https://shows.acast.com/inaudible/episodes/inaudible-220725
Ou alors
https://open.spotify.com/show/2f3XFKYz2vuBgR4oVgeSF1
https://www.deezer.com/fr/show/1001021432
https://www.amazon.in/Inaudible/dp/B0D7C7G5FQ (mais vous devez être connecté sur votre compte)
C’est le retour d’un artiste tellement culte que sa légende est devenue notre vérité. Avec « Sexcetera », sa première composition depuis six ans dans un monde qui a tant changé, et « Tu n’m’entends pas », son nouveau single au son d’ivoires inimitable, forgé par des années de conservatoire, Michel Polnareff démontre que sa voix, reconnaissable entre toutes et restée intacte, le place à la fois hors du temps et dans une modernité éclatante. Plaisir d’entendre cette voix préservée, de capter ses antennes toujours ouvertes : il est de notre époque, et son génie mélodique, une fois de plus, plie le ‘game’.
Son ultime album, « Un Temps Pour Elles », sera défendu lors d’une dernière tournée. Les influences pop y côtoieront Debussy et la Californie, pour notre plus grand bonheur. Somme toute, Polnareff, c’est un peu de France en Amérique.
L’artiste est un homme de défis, en perpétuelle remise en question, avec pour mission de nous rassembler. Populaire, certes, mais exigeant, toujours. Le public se reconnaît en Michel Polnareff, quelle que soit sa sensibilité, car il est authentique, ne triche jamais et ne concède rien. Ce nouveau son, c’est lui.
« Mais on est où ? » Chut, on ne ‘spoile’ pas ! Pour les diseurs de Polnaventure, la fête continue.
Michel Polnareff bouleverse par la profondeur de son âme et son universalisme. Entendons-le : il habite nos solitudes, c’est un diamant brut.
Pour sa tournée d'adieu, Michel Polnareff fera escale à Bruxelles le 17 mai 2025, à Forest National. On t’attend, Capitaine !
Malgré son âge respectable, Polnareff reste l’un des derniers piliers et une valeur sûre de la chanson française !
Le clip consacré au single « Sexcetera » est disponible ici
et la ‘lyric vidéo’ de l’autre single « Tu n’m’entends pas » est en écoute là
Faïence, c’est la réunion de deux musiciens aux parcours déjà riches, Médéric Gontier (Tahiti 80) et Julien Bouchard. Ces deux-là se connaissaient déjà à travers le travail de l’autre pour lequel ils avaient le plus grand respect. Mais il a fallu une véritable rencontre pour que se nouent une vraie amitié et un projet musical qui se concrétise désormais
Ce premier disque emprunte son nom à un premier single entêtant, intitulé « J’ai tendance ». Le chant nonchalant de Julien ou la diction plus incisive de Med répètent à l’envi combien en toutes circonstances ils ont ‘tendance à [s]e perdre’, mais si l’on aime l’âge d’or des 90s, les singles power rock de Blur ou les Dandy Warhols, on se repère très vite ! Ou plutôt on se ‘re-perd’ dans ce titre immédiat qui appelle vite la touche replay…
Le clip de « J'ai tendance » est à découvrir là
Salah Khaïli a sorti son second elpee, « Out Of The Blues », ce 17 janvier 2025. Enregistré en Belgique par le producteur Rudy Coclet (Jet Studio Brussels), ce nouvel album confirme le talent de ce batteur au groove inimitable sur neuf titres naviguant entre blues et rock. Eric D Larsen met en lumière le talent de cet artiste aux multiples facettes : batteur, auteur, compositeur, interprète et producteur.
Né à Saintes, il s’installe à Paris en 1990 pour matérialiser ses aspirations artistiques. Dans un premier temps, ce batteur à la technique impressionnante expérimente un vaste spectre de styles qui oscille du jazz au blues en passant par la soul et la world.
Depuis ses débuts, son appétit insatiable de rythmes et d'échanges l'amène à se produire en concert sans répit, autant dans de prestigieux festivals que dans des salles de spectacles ou dans les émissions de télé et de radio. On a pu le découvrir aux côtés d'artistes comme Etienne Daho, Elli Medeiros, Tchéky Karyo, Axel Bauer, Sapho, Lucky Peterson, Richard Bona et bien d'autres…
Au chant, Eric D Larsen pose sa voix et impose son charisme avec justesse et sûreté, accompagné d'Emmanuel Sunee à la basse, de Christophe ‘Tito’r Taddei à la guitare et de Fred Lafage à la réalisation.
Tout au long de cet opus, Salah Khaïli parle de sujets de société qui lui tiennent à cœur comme l'exil et la précarité, maniant parfois l'ironie, sans jamais se départir de sa grande sensibilité.
Issus du long playing, « Dolly », qui évoque le revival fifties telle une renaissance du passé sous des formes nouvelles, et « No Borders », ont été clippés
Le premier titre est disponible ici et le second, là
Originaire de Vancouver, Bloom Effect est un trio responsable d’un shoegaze aux paysages sonores introspectifs et fuzzés
La fusion de voix éthérées, de batterie explosive ainsi que de guitares imprégnées de synthés et de réverbération, a donné naissance à quelque chose de neuf. Le lyrisme qui combine l’espagnol et l’anglais et les influences reflètent une nouvelle vision de ce mouvement.
Son premier Ep, « Portent », paraîtra ce 3 janvier 2025. Il fera suite à 4 singles, dont le mélancolique mais puissant, « Presente », réunis sur cet Ep.
Envoûtante, cette compo nostalgique se caractérise par des harmonies vocales luxuriantes, des nappes de guitares rêveuses et une profondeur émotionnelle, s’inspirant des années 90 et 2000.
« Presente » est en écoute ici
Podcast # 59 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)
Maxïmo Park publiera son nouvel elpee « Stream Of Life », ce 27 septembre 2024. L’information du huitième album studio du groupe arrive en même temps que la sortie du premier single, « Your Own Worst Enemy ».
Pour préparer » Stream Of Life », la formation s'est à nouveau associée à Ben Allen (Gnarls Barkley, Animal Collective), producteur lauréat d'un Grammy pour le long playing « Nature Always Wins », en 2021, ainsi qu'au producteur Burke Reid (Courtney Barnett, Julia Jacklin, Sports Team). En conséquence, c'est la première fois qu'ils se retrouvent tous ensemble dans un studio pour enregistre un LP, depuis 2016.
Le band se trouve dans l'état le plus réfléchi qu'il ait jamais connu. Le chanteur Paul Smith a emprunté le titre de l'album à une nouvelle de l'écrivaine brésilienne d'origine ukrainienne, Clarice Lispector, inspiré à la fois par son style de flux de conscience et par la façon dont il incite à la réflexion sur les mécanismes internes de l'esprit des gens. Elle pose la question de savoir pourquoi ils font ce qu'ils font, même si cela peut sembler contre-intuitif pour un observateur extérieur. Il y a un flux intérieur dans chaque individu ; un courant de vie.
La forme et le concept s'intègrent parfaitement à la façon dont « Stream Of Life » a été créé : enregistrement rapide, prises de décisions rapides, pas de montage excessif. « Your Own Worst Enemy » examine les choses que nous nous cachons à nous-mêmes, et aux autres, afin de maintenir un certain équilibre intérieur.
À propos de ce single, le chanteur Paul Smith déclare : ‘Your Own Worst Enemy’ est différent de tout ce que nous avons fait jusqu'à présent. C'est une chanson souple et légère, mais toujours aussi rock ! Ce morceau parle de ce sentiment horrible où l'on réalise soudain que l'on a commis une erreur familière et aussi des mensonges que l'on se raconte tous les jours pour éviter la confrontation ou la tourmente.’
À propos de l’opus, il ajoute : ‘Nous avons toujours essayé de décrire le monde qui nous entoure à chaque étape de notre vie, tout en faisant subtilement avancer la musique à chaque fois. Aussi, cet album poursuit cette mission. Travailler avec Ben à Atlanta et Burke à Byker a été plus stimulant que jamais, et je pense que nous avons su capter cette énergie. Sur le plan thématique, l'album traite de la passion, de la politique et des privilèges, entre autres sujets’.
Le clip de « Your Own Worst Enemy » est disponible là
Formation post/punk parisienne, Two Trains Left a sorti son premier Ep, "Sorry & Pathetic", en 2018.
Durant l'été 2021, il embraie par un deuxième Ep, intitulé "As Safe As Yesterday". Ce disque marque le début d'une nouvelle ère pour le groupe dont le style baigne dans une ambiance plus douce, entrainant sa musique au sein d’une toute nouvelle atmosphère.
Après avoir commis plusieurs singles, en 2023 ("Lack of Sleep", "Feeling Fine" et "Comfort Zone"), il nous en propose un nouveau, "Alone", dont l’ambiance mélancolique alimentée par des guitares accrocheuses et des paroles introspectives, incarne un voyage à travers l'incertitude et le désir ardent.
Dans ce morceau, le groupe explore les complexités des relations et la peur de la solitude, le tout enveloppé au sein d’un climat à la fois nostalgique et apaisant.
Le clip agrège des images de vie du groupe : en concert, sur la route, sur scène, en studio, et est disponible ici
« Follow » constitue le second elpee d’Aïtone, un album qui fait suite à un éponyme, paru en 2018. Selon sa propre bio, cet artiste d’origine corse puiserait son inspiration chez Radiohead, Arcade Fire et Pink Floyd (excusez du peu !) mais aussi chez des artistes hexagonaux comme Ben Mazué ou Bashung.
De son véritable nom Antoine, il nourrit sa musique de britpop, de folk et de rock progressif… il met donc logiquement les claviers et les guitares en exergue. Le résultat est convainquant et le lyrisme rock assumé est transporté par une voix en tous points remarquable. Toutefois l’ensemble est, en général, trop lisse, même s’il rappelle les plus belles heures des autrefois stars d’Aaron. Du rock ‘anthémique’ de belle qualité donc à qui il manque toutefois –selon votre chroniqueur– ce supplément de folie qui fait la différence…
Droïd Fantôm est le projet solo de Mickael Montaroux, le guitariste de Flèche. Il vient de graver son premier album. Pour la circonstance, il a reçu le concours de Loic Salmon, le drummer de Flèche. « Emptiness Takes Time » a été composé et enregistré et joué chez lui, seul, à l'exception de la batterie et de quelques overdubs réalisés en compagnie d’Alexandre Mazarguil au studio UFO. La musique y est clairement influencée par la scène indie des années 90, du grunge au shoegaze, avec une touche emo : des refrains clairs contre des refrains lourds et des breaks surprenants.... Avec beaucoup de fuzz…
Issu de « Emptiness Takes Time », « Far and Fast » est paru en single et il est disponible sous forme de clip là
« Far & Fast » est une chanson sur la solitude mais avec quelqu'un d'autre, l'isolement dans un espace vide, la perte de souffle parce que vous ne pouvez pas partir. Vous avez besoin d'être ici, mais vous ne pouvez pas le supporter. Tu aimes celui ou celle qui t'entoure dans cette situation, mais tu ne peux pas t'empêcher de te sentir coupable et seul. Et le fait d'être ici rend l'autre si seul... Cette chanson a été écrite lors du premier confinement à la suite de la COVID...
Stef Kamil Carlens & The Gates of Eden
Le 24 mai 2021, dans le cadre du 80ème anniversaire de Bob Dylan, Stef Kamil Carlens a diffusé en streaming un concert préenregistré au sein de son studio à Hoboken. Pour ce set, il avait réuni un solide backing group afin d’interpréter des compos, pour la plupart, méconnues du Zim. C’est cette session ‘live’ qui figure sur le premier cédé de cet opus. Dans la foulée, le team est parti en tournée et a remis le couvert, mais en public ; et ce sont des enregistrements immortalisés à De Roma (Anvers), Merz (Breda) et au Tivoli (Utrecht) qui figurent sur le second compact disc.
Stef a toujours été un grand fan de Dylan. Mais ici, il ne se contente pas de reproduire ses chansons. D’abord, le collectif se les réapproprie, les rafraîchit, alors que Carlens les chante, sans jamais calquer sa voix sur celle de son idole.
Un bel exercice de style en 17 versions, consacré à une partie du répertoire, trop souvent ignoré, d’un monstre sacré de l’histoire du rock…
Big Thief présente son nouveau single, « Vampire Empire », extrait de son prochain 7", « Vampire Empire » / « Born For Loving You », qui sortira le 20 octobre.
Enregistrée et produite par Dom Monks au Teatre de cal Eril Studio de Guissona, en Espagne, lors d'une récente tournée, "Vampire Empire" parle de la belle complexité de l'identité sexuelle et de la rupture des cycles internes destructeurs.
Adrianne Lenker ajoute : ‘Pour moi, il s'agit de sortir de schémas internes toxiques. De quitter l'empire des drains énergétiques qui obscurcissent l'essence pure, d'apprendre ce que sont les limites saines et de trouver le pouvoir de les mettre en œuvre pour avoir la possibilité de donner et de recevoir (intérieurement et extérieurement) un Amour ininterrompu et infini.’
« Vampire Empire » est en écoute ici
Aïtone publiera son second elpee, « Follow », ce 21 avril 2023.
Inspiré entre autres par Radiohead et Pink Floyd, Aïtone donne enfin une suite à son premier album sortie en 2018. La Corse ancrée sous la peau, aimanté par le folk, la Britpop, et le rock progressif, Antoine, auteur-compositeur et musicien que l'on découvre sous le patronyme d’Aïtone, nous emporte avec sa musique, ode à l’enfance, à notre innocence, à nos rêves, à nos peurs et à nos vérités. Intensément lyriques, et flamboyants, les titres d'Aïtone sont profondément enraciné dans le rock, celui de Thom Yorke, des Beatles et d'Arcade Fire pour ne citer que trois références parmi le rock anglo-saxon dont Aïtone se réclame, sans oublier des influences françaises, de Bashung à Ben Mazué.
La voix charismatique d’Aïtone plane sur les guitares et les nappes de synthés. Il s’offre le luxe par moments de pointes aiguës donnant à son interprétation un style unique et immédiatement reconnaissable.
Pour l'enregistrement de « Follow », Aïtone a fait appel à François Poitou, arrangeur aux sonorités originellement plutôt tournées vers le jazz, et qui apporte aux compositions un souffle et une ampleur nouvelles. Nous retrouvons aussi sur le disque Benjamin Colin et Quentin Gouraud à la batterie et aux guitares, et François Poitou à la basse.
Après avoir dévoilé le clip d’« Inner Child » en décembre, Aïtone sort son nouveau single « Nightmare » accompagné d'une vidéo acoustique. De quoi plonger dans ses plus beaux cauchemars. Aïtone l'a composé quand il avait dix-sept ans. Ce titre évoque les doutes et cauchemars de son adolescence. A découvrir de toute urgence.
Le clip de « Nightmare » est à découvrir là
Le guitariste légendaire Jeff Beck est décédé ce 10 janvier 2023, des suites d’une méningite bactérienne. De son véritable nom Geoffrey Arnold Beck, il est né le 24 juin 1944 dans la banlieue sud de Londres, à Wallington très exactement. Il a étudié l’art à l’université de Wimbledon.
Il s’est d’abord produit dans des petits clubs au sein de formations de rhythm’n’blues comme Nightshift, le Johnny Howard Band et les Crescents, avant d’embrasser une carrière professionnelle dès 1963, en rejoignant les Tridents qui accompagnaient l’excentrique Lord Sutch, en tournée. Mais en 1965, il remplace Eric Clapton chez les Yardbirds, parti rejoindre les Bluesbreakers de John Mayall. C’est Jimmy Page qui avait été sollicité. Mais ce dernier recommande Beck, avant de le suppléer en 1966, après s’être côtoyés quelques mois au sein du line up.
Il entame ensuite une carrière solo puis fonde le Jeff Beck Group, notamment en compagnie de Rod Stewart, du pianiste Nicky Hopkins et du bassiste Ron Wood, la formation consommant plusieurs drummers. Mais suite à une mésentente (NDR : ce qui va forcer le band à déclarer forfait pour le festival de Woodstock, en 1969), Rod Stewart et Ron Wood partent fonder les Faces, cédant alors le relais à la section rythmique de Vanilla Fudge. En 1973, ils vont d’ailleurs former un trio sous le patronyme de Beck, Bogert & Appice.
Il décroche son premier succès en 1967, grâce à l’instrumental « Beck’s Bolero », un morceau auquel participent les futurs membres de Led Zeppelin, Jimmy Page et John Paul Jones, ainsi que le futur batteur du Who, Keith Moon.
L’histoire de Jeff Beck est très riche en rencontres et en collaborations, mais au cours de sa carrière, il n’a jamais cessé d’expérimenter, se frottant au blues, au hard rock, au classique, au funk, au jazz/rock, à la soul, à la techno et même à l’opéra.
Il était réputé pour son style instinctif, spontané et nerveux, la plupart du temps, uniquement à l’aide de ses doigts, sans se servir du plectre.
Jeff Beck appartient au panthéon des guitaristes rock de la fin des sixties, à l’instar d’Eric Clapton, de Jimmy Page ou de Jimi Hendrix. Il a été intronisé à deux reprises au Rock and roll Hall of Fame ; d’abord au sein des Yardbirds en 1992, puis comme artiste solo en 2009. Il a été classé cinquième dans la liste des 100 plus grands guitaristes de tous les temps par le magazine Rolling Stone.
Il ne s’est jamais pris pour une star, préférant l’ombre à la lumière et multipliant les jam sessions sur les planches, au cours desquelles ce virtuose de la six-cordes excellait. Dernièrement, il était monté sur scène en compagnie de Johnny Depp.
Sa carrière n’a jamais atteint des sommets commerciaux. Perfectionniste, il préférait enregistrer des disques instrumentaux…
RIP
Chanteuse, actrice, danseuse, circassienne, Aloïse Sauvage a plus d'un tour dans son sac. Son premier Ep, « Jimi », confirmait en 2019 tout le bien qu’on pensait d’elle et a littéralement fait le buzz... Dans la foulée, son premier elpee, « Dévorantes », était paru fin février 2020, juste avant le confinement. Pas de chance, les ventes de cet opus se sont arrêtées et elle a dû annuler plus de 50 concerts. Elle vient de publier son second LP, « Sauvage ».
À bientôt 30 ans, Aloïse a compris que la vulnérabilité était une force. Elle questionne celle qu’elle était et qu’elle reste. Dans ses oreilles, Kanye West, Noga Erez, Stromae, Orelsan, Justin Bieber. Dans son regard, Oeeping Tom, Vimala Pons, James Thierrée, Wim Vandekeybus. Elle conjure les tabous, scande la rue, la nature, la sensualité, le courage d’être soi et fait don au public de son inépuisable vitalité.
Le concert qui va se dérouler ce soir, était prévu depuis 3 ans. Il avait été reporté à 3 reprises. L’Orangerie du Botanique est pleine à craquer…
Le supporting act est assuré par Simia. Un jeune rappeur originaire du 13ème arrondissement de Paris, qui a vécu une partie de sa vie au Canada. C’est la première fois qu’il se produit en Belgique.
L’artiste a commencé à sortir des clips en 2016, mais ce n’est qu’aujourd’hui qu’il commence à récolter les fruits d’un travail de longue haleine en proposant une musique hybride oscillant entre hip hop et rock. Tour à tour chantée ou rappée, elle lui ressemble furieusement. Et pourtant, il reconnaît comme influences majeures, les Strokes, Arctic Monkeys, Oxmo Puccino, Népal, Radiohead, Pixies, The Cure, Joy Division et Nirvana. Son dernier Ep, « Trop tard », est paru en mai dernier, un essai produit par PHAZZ (Orelsan, Oxmo Puccino, SCH) qui dépeint la vie de Simia, ses sentiments, ses épreuves. Et son premier elpee, « Spécial », remonte au mois d’octobre 2019.
Sur scène, il est uniquement soutenu par Renaud à la guitare. Un PC est placé à la gauche de ce dernier qui lui permet de lancer les samples de percus et les beats. On comprend alors encore mieux ses chansons, sorte de post punk à l’énergie viscérale, délicieusement mélodique, mais dont le groove entêtant est hérité du hip-hop.
Tout au long de l’entraînant, « Trop Tard », le titre maître de l’Ep, tout le monde saute sur place, tant sur les planches que dans la fosse et particulièrement au sein du public très jeune… et féminin. Lors des morceaux interprétés en piano/voix, la voix de Simia évoque celle de Jean-Louis Bertignac. A l’instar de « Elle te Hante ». « Doucement » fait craquer les cœurs des minettes. Les paroles parlent de la vie, de ses joies, de ses désespoirs et de ses perspectives. Dans la dernière chanson de son set, il revisite « Je ne sais pas danser » de Pomme, dans un style mi-rap, mi-rock.
Le gaillard a de l’avenir sur les planches, il est généreux, sympa, humble et sait mettre de l’ambiance…
Trois estrades ont été installées sur le podium de l’Orangerie. Une pour accueillir le drummer Mathieu Épaillard (un pote à Roméo Elvis, dixit ses parents, postés à côté de votre serviteur), une pour Aloïse (NDR : of course, au centre) et une dernière pour le claviériste Victorien Morlet.
Aloïse débarque. Elle est vêtue d’un body noir et d’un pantalon mauve (NDR : un survêtement de sport !) Le set d’ouvre par « Montagnes russes », la première plage de l’album « Sauvage ». Une chanson criante de criant de vérité car vécue par l’artiste. Chaleureuse, interactive, telle une amie, elle confie ses joies, ses humeurs, ses malheurs et ses émotions à son public. La voix est vocodée et semble sortir d’un cyborg. Et pourtant, il s’agit bien d’Aloïse. Dans « Soulage », elle demande de pouvoir décoller dans sa carrière. Elle se regarde dans un miroir et se livre, à travers sa poésie. « XXL » apporte un peu de douceur.
Suivant les morceaux, Eloïse s’assied sur le bord de l’estrade ou danse le hip hop. La chorégraphie est superbement exécutée.
Issu de l’elpee « Dévorantes », « Si On S’Aime » parle d’amour et de déception amoureuse.
Résolument hip hop, « M’Envoler » reflète la fragilité de l’artiste. Elle joindra le geste à la parole et s’envolera dans les airs. Elle rappelle sa présence à Forest Naional, le 22 décembre, en première partie d’Angèle (NDR : elles sont amies). ‘Depuis minus on est focus’, scande-t-elle dans son nouveau single « Focus », où elle se libère de liens qui l’entravent et où elle souligne son insatiable appétit artistique et son refus de l’hypocrisie. Un r’n’b abordé dans l’esprit de Juicy.
Aloïse Sauvage a des convictions et les clame haut et fort. Elle dédie notamment plusieurs titres de « Dévorantes » à la lutte contre l’homophobie, et tout particulièrement « Jimy » et « Omowi », presque considéré aujourd’hui comme un chant militant. Ces deux titres associés à « A l’horizonale », associés en medley, ce sont 3 hits, au cours desquels, c’est le souk dans la salle, surtout pour ce dernier morceau. L’artiste sert sa lutte par ses propos, mais aussi par le débit effréné avec lequel elle déclame chacun de ses mots. Chaque phrase percute de plein fouet…
Lors du premier rappel, elle nous réserve « Toute La vie ». Mais le public est très chaud et en réclame encore ; à tel point qu’elle reviendra encore, à deux reprises.
Le rap est l’avenir et le renouveau de la chanson française et Aloïse Sauvage en est manifestement devenue un de ses brillants fers de lance…
Setlist : « Montagnes Russes », « Soulages », « XXL », « Si On S’Aime », « M’Envoler », Pépite », « Joli Danger », « Fumée », « Focus », Medley : « Jimy -Omowi - A L’Horizontale », « L’Orage », « Crop Top », « Love », « Unique », « Paradis ».
Rappel : « Toute La Vie ».
(Organisation : Le Botanique)
Un accord de piano lève le voile sur une mélodie épurée, Sïan Able erre dans une rue bruxelloise éclairée à la lueur des réverbères.
Sa voix contrastée accompagne la mélodie qui s'intensifie au fil des refrains, c'est frissonnant et envoûtant.
« The Ones Who Don't Sleep » est une ode aux artistes et à l’insomnie.
Inhérentes au processus créatif, les insomnies sont aussi sombres que lumineuses, révélatrices que destructrices.
Pour certains, le sommeil est une évidence, pour d’autres, c’est la quête d’une vie.
Dans ce nouveau single hors de l'espace et du temps, on découvre une Sïan plus transparente, plus sombre, dont le regard se perd dans les abysses de l'irrésolu.
Le morceau est livré avec un clip truffé de références cinématographiques et picturales, qui se révèlent à l'œil au fur et à mesure des visionnages.
En invitant le fantôme de Nina Simone à se saisir de ce titre onirique et mélancolique, Sïan Able plante définitivement le décor de son album à venir.
Laissez-vous bercer par ‘The Ones Who Don't Sleep’ ici
Derrière Zaïmoon se cache Simon Rakovsky, conteur bruxellois et anthropologue musical de sa cité. Amoureux éperdu de Bruxelles, il promène son enregistreur dans la capitale comme Björk capte chaque soubresaut d'un volcan.
Son terrain de jeu à lui, son terreau, son ‘nouveau western’, ce sont les Marolles, c'est le Parvis de Saint-Gilles, c'est Flagey, c'est Sainte-Catherine. Il capte les sons du métro, des night shops, des passants, des ruelles du centre, et réalise dans ses textes une photographie sonore de ce qu'il vit, ressent, transpire.
Le single "Deux hivers", sorti le 15 septembre, est une histoire d'amour entre deux amants qui s'aimèrent deux hivers, mais seulement un printemps. C'est aussi une histoire de rap, de rumba et de Duvel, le genre d'histoires qu'on croise dans les rues de Bruxelles.
Et cette pulsion a été retranscrite visuellement par deux réalisatrices françaises Mariane et Jule, habituées des clips de la scène rap parisienne et qui se sont immergées à Bruxelles pour en tirer l'urgence nocturne.
Le clip de "Deux hivers", qui ouvre l'album "Aprem Typique", est à découvrir ici
Under the Reefs Orchestra est un power trio naviguant entre post rock hypnotique et jazz tempétueux. Sa musique ne semble trouver son rythme de croisière que dans la tempête et le chambardement permanent.
Etabli à Bruxelles et drivé par le guitariste Clément Nourry, le groupe implique également le saxophoniste Marti Melia et le batteur Jakob Warmenbol, qu'on a pu voir notamment chez Don Kapot.
Après avoir sorti un premier album éponyme en 2020, Under The Reefs Orchestra nous propose donc son second, « Sakurajima ». Il sortira ce 23 septembre 2022.
La musique d'Under The Reefs n'en est pas pour un simple commentaire sur le monde : dénuée de paroles, plus visuelle que véritablement discursive, elle en appelle autant au voyage qu'elle nous ramène à la réalité concrète à laquelle on se heurte.
Peu importe alors que l’on croise autant des échos de Jim O'Rourke que de la musique de chambre française du 19e siècle ou que les premières amours classiques de Nourry se heurtent à son goût adolescent pour Soundgarden, King Crimson ou encore Morphine, dans la musique d'Under The Reefs Orchestra, seule semble compter l'instantanéité de l'action, et la liberté offerte à l'auditeur de se saisir de cette profusion d'humeurs et d'affects comme bon lui semble.
Le titre maître bénéficie d’un clip vidéo, et il est disponible là
En concert ce mercredi 14 septembre au Botanique de Bruxelles. Pour plus d’infos voir ici
Leftfield vient d'annoncer la sortie de son nouvel opus "This Is What We Do". Il paraîtra ce 2 décembre. Après une longue pause de près de sept années, ce sera le quatrième en 28 ans d'histoire pour un des groupes considérés comme pionnier de la musique électronique anglaise.
"Pulse" est le premier titre qui en est extrait. ‘Je voulais que "Pulse" soit la première déclaration du nouvel album. C'était fort. Une piste de danse. Humain. Positif. Et j'adore la basse. C'est Leftfield’, a déclaré Neil Barnes.
Le clip est disponible là
Le fidèle ingénieur du son, Adam Wren, s’est chargé de la mise en forme. En outre, l’elpee a reçu le concours de quelques invités, dont Grian Chatten, le frontman de Fontaines D.C.
Leftfield a été à la pointe de la musique dance au début des eighties, publiant des long playings qui sont devenus, pour certains, une influence majeure, sur de nombreuses formations électro. Son premier LP, "Leftism", est d’ailleurs considéré comme l'un des albums électroniques les plus avant-gardistes jamais publiés.
Après avoir sorti "It wasn't your fault" (toujours disponible en clip là, un premier single très touchant traitant des traumas, des violences physiques et psychologiques faites aux femmes, du patriarcat et de la force d’avancer, Sïan Able publiera son second, "The choice is yours", le 10 juin prochain.
Ce deuxième single constitue un hymne à la vie, un hymne à l’action et à la force de décision.
Inspiré du philosophe et écrivain Dr Wayne Dyer, ce morceau invite un chœur d’enfant pour incarner la force vitale, et se conclut divinement sur un gospel.
Sur une musique qu’elle compose,
Influencée par la néo-soul et le classique, Sïan Able chante d'une douce voix des textes empreints de sincère, magnétique et instinctifs. C’est également elle qui signe la composition et l’écriture de ses chansons.
Et la sortie de son deuxième Ep, "Vini Vidi Sensi", est prévue pour septembre.
Maïté Merlin chuchote, scande et chante de véritables hymnes à la liberté, au romantisme, à l’espoir.
‘Dis, et si on passait notre vie, à s’offrir comme présents, des souvenirs précieux, dans un écrin banal ?’
Poétesse combattante, Maïté Merlin décroche de précis uppercuts en un battement de cil.
Si la poésie de ses mots se loge au fond d’un gant de boxe, la puissance de sa présence sur scène tient aussi à sa voix.
Cette voix solide et sincère, qui s’envole avec aisance pour faire trembler les étoiles et revient avec délicatesse, comme les épines d’une rose sur du velours ancien.
Inspirée par le rock français des années 2000 mais aussi par la finesse de la chanson française, Maïté est portée par 3 musiciens complices, sur scène comme en studio.
Elle nous offre aujourd’hui, avec détermination et sans détour, son premier album « Échappée », dont le titre maître est à voir et écouter là
Deux groupes intéressants, ce soir, au Zik-Zak, en suppporting act, Giac Taylor, le nouveau projet de Giacomo Panarisi (Romano Nervoso), et en tête d’affiche Liar Thief Bandit, un power trio suédois. A son actif, trois elpees : « Gun Shovel Alibi » (2016), « Straight Ahead » (2018) et « Deadlights » (2021). Le combo a publié un nouveau single, « The Art of Losing Battles », ce 4 mars 2022, un titre qui figurera sur son mini album, « Diamonds », dont la sortie est prévue pour cette année. Et pourtant, on ne dénombre qu’une cinquantaine de personnes (des habitués, en général) pour assister aux deux concerts. Mais p*****, il est incompréhensible qu’un si maigre public se déplace pour une telle affiche. La pandémie aurait-elle anesthésié les rockeurs ?
Place donc d’abord à Giac Taylor, le nouveau projet du leader de Romano Nervoso, Giacomo Panarisi. Et c’est Moorad, ex-ingé son du Botanique, qui est derrière les manettes. Giac est un amoureux d’un glam rock, issu d’une relation illégitime entre Mick Jagger et Marc Bolan, consommée lors d’une soirée bien arrosée, dans la Région du Centre.
Avant de grimper sur l’estrade, les haut-parleurs crachent la B.O. du film ‘Le bon, la brute et le truand’, signée, on vous le rappelle, Ennio Morricone. Une manière de confirmer que le western spaghetti est une référence de choix dans la musique de Panarisi.
Giac s’est planté derrière ses drums, dont la grosse caisse porte l’inscription ‘First Of All Fuck You’ (Trad. : ‘Tout d'abord, va te faire foutre’), qui serait le titre du premier futur LP. Le Louviérois se charge également des parties vocales. Ce qui n’est pas surprenant, puisque chez Romano Nervoso, il est le chanteur…
Il est accompagné du bassiste Diego Di Vito (NDR : un gaucher !), du guitariste Mick Torres et d’Angelo Guttadauria aux six cordes et aux synthés.
La set list va privilégier les nouvelles compos sculptées dans un rock bien carré, fruit d’un cocktail entre punk, metal et garage. Pas de temps mort ni de bavardages inutiles entre les morceaux. Pas de reprise ni de plages extraites du répertoire de Romano Nervoso.
Outre les claviers, dont il tapisse généreusement la solution sonore, et la gratte, Mick se consacre également au chant et notamment aux backing vocals.
Brûlot incandescent, « Belgium Is Burning » libère une énergie folle à la manière de John Spencer voire de l’Experimental Tropic Blues Band. Une rythmique hypnotique trame le huileux « This World We Live In », un peu comme chez les Ramones. « I Want YouTo Die » s’ébroue lentement, mais finit par déraper dans l’esprit des New York Dolls, le sixcordiste s’autorisant une intervention à la Slash. Heureusement pas de trace de ‘38 specials’ comme dans la vidéo.
La musique de Giac Taylor se révèle bien plus sauvage que celle de Romano Nervoso. Le loup est peut-être dans la bergerie et semble annoncer une nouvelle orientation pour Giacomo…
Setlist : « Armachair Warrior », « Mister Hollywood », « Belgium Is Burning », « I Want You To Die », « The Witch », « The Circus », « Jesus Loves You », Catatonic States », « Soldier And Outlaw », « Kyuss », This World We Live In », « Little Man »
Place ensuite à Liar Thief Bandit. Des Vikings (dont le guitariste porte une casquette de basketteur et pas un couvre-chef à cornes) qui sont parvenus à fusionner le metal mélodique des 70’s et le garage/punk/rock brut de la fin des 90’s. Et ce soir, ils prennent d’assaut, le Zik-Zak à Ittre…
Le set s’ouvre par le titre éponyme du dernier album (« Deathlights »). Une compo qui oscille ente hard rock mélodique et punk redoutable. Les riffs de guitare flairent la graisse de moteur et la sueur. Les morceaux sont courts, mais véhiculent des thèmes moralisateurs. Jacobson est partout, debout à genoux ou encore brandissant sa guitare au-dessus de la tête. Irrésistible, « Catch And Release » pourrait incarner le chaînon manquant entre les Rolling Stones et AC/DC. Bien rythmé, « Limitations » est dynamisé par la ligne de basse agressive et caoutchouteuse. Pas de trace de « Cept the Truth », cependant !
Punk mélodique, « Good Enough » nous replonge dans les eighties, frôlant même l’univers d’un Offsping qui aurait pris l’air du côté de la Mer Baltique…
« Right From Wrong » vous prend littéralement à la gorge et ne vous lâche qu’à la fin du morceau. Hormis « On my way », plage issue du second LP, « Straight Ahead », et 3 pistes extraites du futur mini album (« Diamonds »), dont le single (« The Art Of Losing Battles »), tous les autres morceaux sont issus de « Deadlight », le dernier long playing.
Le set s’achève par le rock’n’roll musclé et débridé « Feather », un titre sublimé par le refrain et caractérisé par un chant a cappella, chargé de reverb’.
Lors du rappel, Liar Thief Bandit va nous réserver 3 morceaux, clôturant ainsi un concert particulièrement énergique, dans l’esprit de The Hellacopters, Imperial State Electric, Grande Royale voire des Norvégiens de Turbonegro…
Setlist : « Deathlights », « Brand New Day », « Good Enough », « I’Ve Got A Lot Of Morning Comin’In », « Right From Wrong », « Catch And Release », « Limitations », « Peace With Disaster », « On My Way », « Silver Tongue », « Better Days », « The Art Of Losing Battles », « Feather »
(Organisation : Zik-Zak, Rock Nation)
Apres dix ans d’absence, Jef Mercelis nous revient avec un nouvel opus. Un disque qui a bénéficié du concours de Kris Dane à la production. Rompu à la musique de spectacle de danse, de théâtre et de film, il nous livre ici un elpee mélancolique, acoustique, aux rythmes lents et à la voix sensuelle. Deux titres de cette plaque évoquent cependant des mythes de l’histoire du rock’n roll. « Muddy Waters », tout d’abord. Mais à mon humble avis, s’il a voulu rendre un hommage au célèbre bluesman, c’est du bout des doigts de pieds, car ni la musique ni les paroles ne rappellent le légendaire guitariste. A contrario, exécutée exclusivement à la six cordes, la reprise du « That’ll be the day » de Buddy est à la fois de bonne facture et fidèle à la version originelle. Un album sans grand génie que je déconseille vivement aux dépressifs…
Responsable de la production de ses quatre premiers elpees, Terry Date est de retour pour mettre en forme le neuvième opus de Deftones. Intitulé « Ohm » il fait suite à « Gore », paru en 2016.
Bien que fondée en 1988, la formation n’a dû changer de line up qu’à une seule reprise, en 2013. Un cas de force majeure. Victime d’un grave accident de voiture en 2008, Chi Cheng, le bassiste, était tombé dans un coma semi-conscient. Et est décédé 5 ans plus tard. Il avait été remplacé par Sergio Vega, qui militait alors chez Quicksand.
Découpé en 10 plages, « Ohm » joue de nouveau sur les contrastes entre les moments empreints de sérénité entretenus par les claviers éthérés et les envolées métalliques percutantes, impétueuses, grinçantes et tranchantes que s’autorise Stephen Carpenter à la guitare, et dont le rôle de dynamiteur lui correspond bien mieux. Et dans ce contexte, la voix de Chino Moreno, entre murmures et hurlements, épouse parfaitement l’expression sonore. Une voix qui évoque parfois celle de Perry Farrell (Jane's Addiction, Porno for Pyros) mais aussi de Billy Corgan (Smashing Pumpkins). De cet LP très homogène, on épinglera quand même deux pistes. Tout d’abord « This link is dead ». A l’issue de son intro atmosphérico-indus, le morceau libère une intensité électrique digne de Killing Joke. Et puis, en final, l’excellent titre maître. Une plage au cours de laquelle Stephen se sert d’une gratte à 9 cordes. Paru en single, il aurait d’ailleurs pu figurer sur l’album « Siamese Dream » de Smashing Pumpkins.
Fondée en 1976, cette formation considérée comme pionnière dans l’univers du punk avait interprété « Going through the motions » dans le cadre de l’émission de radio de John Peel, un single qui sert de titre pour cet elpee posthume. Avant son split en 1979, elle n’avait jamais sorti d’album. Issue de Birmingham, en Angleterre, elle allait ensuite poursuivre son aventure, mais sous un autre patronyme, The Nightingales. Elle s’était cependant reformée en 2001, pour accorder quelques concerts. Outre le single susvisé, cet opus réunit des prises immortalisées ‘live’, d’autres morceaux destinés à l’émission du célèbre dj britannique, des démos, enregistrements studio restés à l’état de maquettes ou encore autres trouvailles. Bref, si cet LP recèle des morceaux bien punk dans l’esprit des Sex Pistols, de Mekons ou encore Alternative TV, il nous réserve l’une ou l’autre plage plus élaborée, à l’instar du sombre « Bristol road leads to Dachau », qui navigue aux confins des univers sis quelque part entre « The atrocity exhibition » de Joy Division et un Bauhaus déchiqueté. Ou encore du frénétique, peut-être précurseur du hardcore yankee, « Escort girl ». Certaines pistes sont même traversées par un harmonica strident ou un saxophone torturé. Quant au titre maître, imprimé sur un tempo tribal, et caractérisé par sa ligne de basse profonde, il vire parfois au psychédélisme. Un document !
Il y a un peu plus d’un an, la notoriété de Big Thief se limitait à un public plus ou moins averti. Tout a changé depuis les sorties, à quelques mois d’intervalle, de “U.F.O.F” et de “Two Hands”, deux opus qui ont propulsé la formation newyorkaise (de Brooklyn très exactement) sur le devant de la scène. Ainsi, il est rapidement devenu le groupe à suivre en 2019. Ses opus ont d’ailleurs intégré fort logiquement une grande partie des tops 2019. La majorité de ses concerts affiche complet (c’est d’ailleurs le cas ce soir) et il sera à l’affiche des plus grands festivals estivaux tels que Werchter (le 5 juillet en compagnie de System of Down, Michael Kiwanuka, GoGo Penguin, ...)
Il est près de 21h30 lorsque les lumières s’éteignent et que les quatre musiciens montent sur l’estrade. Adrianne Lenker (guitare/voix) prend place sur la gauche, Buck Meek (guitare/chœur) sur la droite, tandis que Max Oleartchik (basse) et James Krivchenia (batterie) se plantent à l’arrière. Dès les premiers morceaux, Big Thief donne le ton. Ce sont les guitares qui mènent la charge. Le son est particulièrement gras et incisif. Adrianne Lenker ne ménage pas son énergie et vit littéralement ses morceaux. Elle nous réserve quelques solos bruitistes dignes de Neil Young. La formation enchaîne ainsi différents tubes issus de ses différents long playings tels que “Masterpiece” ou encore “Not”. Et n’hésite pas à adapter le son aux conditions ‘live’. Les titres défilent. Tout au long de “Real Love”, les musicos affichent toute leur maîtrise. L’intensité et le timing de chaque note sont pesés. Plus que tout, c’est le charisme d’Adrianne Lenker qui éblouit la salle du Grand Mix. La jeune femme mène chaque morceau au gré de ses émotions qu’elle communique au public grâce à des trémolos dans la voix. Lorsqu’elle entame ses chansons les plus mélancoliques telles que “The Toy”, il est difficile de ne pas succomber. Après une heure et demie de concert sans interruption (seulement quelques remerciements), la formation quitte le podium sous des applaudissements mérités. Et l’auditoire quitte la salle conquis. Ce n’est pas tous les jours que l’on peut assister au concert d’une formation aussi pointue que Big Thief et, surtout, de découvrir une artiste aussi charismatique qu’Adrianne Lenker.
(Organisation : Grand Mix)
Lors d’un concert de Kiling Joke en Italie, le duo transalpin Delfore se produisait en supporting act. Séduit par le set de Christian Ceccarelli et Emiliano Di Lodovico, Jaz Coleman a alors envisagé une collaboration. Qui s’est donc soldée par la sortie de cet Ep, « Deflore in the chaos ». Découpé en trois pistes, ce disque nous réserve un morceau instrumental de plus de 8 minutes intitulé « Sunset in the West », une plage cinématographique, qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de la B.O. d’‘Orange mécanique’ et des débuts d’Orbital. Tramée sur une mélodie jouée au piano, elle alterne passages atmosphériques et sonorités de guitares thrash, voire indus. Des riffs qu’on retrouve sur le titre maître ainsi que « Transhuman world ». Sur le premier, la voix de Coleman plane au-dessus de l’expression sonore mêlant synthés, piano, basse, batterie et guitare électrique, une compo hypnotique qui libère un fameux groove. Menaçant, tribal et mystique, le second se distingue par le vocal syncopé et incantatoire de Jaz. Finalement deux morceaux qui auraient bien pu figurer sur l’album « Pandemonium » de Killing Joke. Excellent !
Refugees For Refugees est un collectif qui a l'origine était à géométrie variable. Au fil du temps le line up s'est stabilisé et réunit aujourd'hui les 10 mêmes musiciens. Issus d’horizons différents, ils sont réunis par la musique, mais aussi et le plus souvent, par leur statut de réfugié. Tout d’abord, et ce sont les plus nombreux, de Syrie : Tareq Alsayed Yahuo (oud), Souhad Nayme Tammam (kanun, une lyre orientale), Al Ramadan (flûte) et Fakher Madallal (chant). D’Afghanistan : Mohammad Aman Yusufi (dambura, une sorte de luth à long manche équipé de deux cordes). Du Pakistan : Asad Qizibash (sarod, un luth hybride). Du Tibet : Dolma Renqingi (chant) et Kelsang Hula (luth dramyen, mandoline, chant). Et enfin de Belgique Tristan Driessens (oud) et Simon Leleux (percus).
A ce jour, la troupe a publié deux albums, « Amerli » en 2016 et « Amina » en février dernier, un disque qu’elle est venue défendre ce vendredi, à la Ferme du Biéreau de Louvain-la-Neuve.
Organisé par l’ASBL Muziekpublique, une association dynamique qui promeut la world, tant à travers la danse que la musique, le concert est sold out et a attiré une majorité de quadras et de quinquas.
Les 10 musicos de Refugees for Regugees sont tous assis en demi-cercle, sur des sièges, face à l’auditoire. L’hétérogénéité des formations, des cultures, des langues et des histoires, souvent difficiles, exige de chacun un surcroît d’effort et d’attention pour tenter de composer avec les autres. Mohammad Aman Yusufi, grand interprète de dambura, un instrument à long manche équipé de deux cordes, a reçu une formation musicale issue de la culture rom afghane, tandis que le parcours de Tammam Al Ramadan, un flûtiste d’Alep, est plus classique. Ils sont plusieurs à avoir fréquenté les célèbres conservatoires le long de la route de la soie (Damas, Bagdad, Alep) ; d’autres sont des musiciens populaires. Chacun a sa culture différente à défendre et y va de sa petite compo, alors enrichie par les interventions instrumentales ou vocales des autres.
« Punarjanm (Trad. de l’hindi : ’Renouveau’, une valeur hautement défendue par le collectif) ouvre le set. Yusufi chante et joue du dambura et Asad Qizibash, du sarod. Les interventions de Leleux aux percus sont élaborées. Essentiellement instrumental, ce morceau permet au mélomane de plonger dans l’ambiance. Chaque musicien ou chanteur a l’opportunité de prendre son billet de sortie. Le voyage s’opère en douceur et en profondeur. Chacun y participe, sans perdre la magie de son âme tout en faisant abstraction de certaines frontières que le déracinement partagé rend d’autant plus fragiles. Mohamed Aman Yusufi a dû laisser derrière lui sa compagne « Amina » qui donne le titre de l’album. Il a quitté son pays l’Afghanistan, pour errer au Pakistan, en Inde, avant d’aboutir au plat-pays. Dolma Renqingi (NDR : elle est originaire des montagnes de l’Amdo) chante debout. Sa voix est à la fois incantatoire et mystérieuse. Le mantra tibétain est déclamé a capella de manière chamanique et se réchauffe au son des oud, qui introduisent ensuite un chant soufi typiquement syrien. Le percussionniste semble servir de fil rouge. L’expédition nous conduit de la Palestine vers l’Orient. Le périple se poursuit naturellement à travers une intonation hazari afghane. Mais au fil du concert, on se rend compte que c’est Tristan qui sert de fil rouge. C’est d’ailleurs lui qui présente les différents titres. On se balade ensuite dans les campagnes afghanes, grâce au chant troubadour du poète Yusufi qui raconte les récits de vie qui s’y déroulent, à travers « Perahan ». Tristan y intègre ensuite les sonorités de son oud. Magique ! Et direction le soleil. Le chant de Usufi est chargé de mélancolie. Bien que dominée par les tambourins et la flûte, l’instrumentation implique tous les musiciens. La cerise sur le gâteau ! Chacun partage son bagage, ses affinités musicales, et son savoir-faire avec les autres membres du groupe. Cap vers la Syrie, en compagnie de la lyre magique de Souhad Nayme, une lyre colorée par les interventions des oud, des tambourins et de la flûte. La caravane travers le désert sous le soleil brûlant, mais l’oasis n’est plus très loin. Le Moyen-Orient dans toute sa splendeur ! Fakher Madallal se lève de son siège pour exécuter un chant soufi tout en délicatesse. Il invite les spectateurs à frapper des mains en cadence saccadée. Lorsque Dolma Renqingi se place en tailleur au milieu du podium, c’est pour dispenser ses incantations shamaniques en direction des plateaux de l’Himalaya, alors que de nouveau la lyre s’immisce furtivement dans l’ensemble. Et quand Souhad vient épauler la chamane au chant, le résultat est presque divinatoire.
Ce plaisir des oreilles, issu de ce brassage de différentes cultures, finit même par vous flanquer des frissons partout !
(Organisation : La Ferme du Biéreau, UCLouvain Culture et Muziekpublique)
Après avoir écouté cet album de Jefferson and Sons, inévitablement, on pense à Jefferson Airplane ou Starship. Oui, oui, ces groupes légendaires qui ont marqué la fin des sixties et le début des seventies, en pratiquant une musique psychédélique qu’on a aussi taxée d’acid rock. Les plus jeunes évoqueront plutôt Lola Colt, la voix de Josette Seydoux se rapprochant davantage de celle de Gun Overbye que de Grace Slick, même si elle emprunte parfois les inflexions de PJ Harvey voire de Patti Smith.
« The winter » constitue le second elpee de ce quintet suisse, un disque enregistré en analogique et découpé en 11 pistes. Tour à tour bluesy (l’aride « Avril, Orange », « Helsinki » et « Lost », une plage au cours de laquelle une gratte est jouée en slide), languissante (« Les Botanistes », interprété dans la langue de Molière), frénétique (« Laïtak »), angoissante (« Zingueria »), fiévreuse (« First race ») ou tribale (« Hotcha »), elles baignent au sein d’un climat ténébreux. Entretenues par deux guitares, les sonorités sont souvent sales, torturées, mais aussi parfois tintinnabulantes, gémissantes ou vibrantes et peuvent s’adosser à une solide section rythmique… (pour découvrir le clip du titre maître, c'est ici)
Curieux, l’album solo de Paddy McAloon, « I saw the megahertz », sorti en 2003, vient d’être réédité sous le patronyme de son groupe, Prefab Sprout. Opération marketing ? Peut-être, vu que cet opus paraît également en vinyle. Et puis que la musique symphonique contemporaine semble attirer de plus en plus d’adeptes, même dans le clan des mélomanes qui ne jurent que par la pop ou le rock. Un engouement suscité par les Moody Blues, fin des sixties et Barclay James Harvest, début des seventies…
Presque exclusivement instrumentales, les compos mettent en exergue des sections de cordes et de cuivres, dans un style bien plus proche de Ravel voire de Debussy que de Prefab Spourt, dont le chanteur/guitariste/claviériste/compositeur britannique nous avait alors habitués à ce jour.
Pour votre info, sachez que Paddy est occupé d’écrire de nouvelles compos pour un futur opus qui s’intitulera « Femmes mythologiques. Prévu pour septembre, il proposera des chansons qui parleront des femmes célèbres, comme Eve, Hélène de Troie, Cléopâtre ou encore la reine de Saba.
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