Le mythique duo britannique Everything But The Girl, fondé en 1982 par Tracey Thorn et Ben Watt, officialise la parution de son onzième et dernier opus studio. Intitulé Blue Reservoir, ce long playing paraîtra le 19 février 2027 sous l'égide de Buzzin' Fly et Virgin Music Group. Afin de faire patienter le public, la formation partage dès à présent le premier single « Young and Dumb », dont le clip officiel est visible là
Ce projet s'inspire directement d'un retour inattendu sur les planches opéré en 2025. Délaissant l'électronique tranchante qui caractérisait leur disque de reformation Fuse en 2023, le tandem choisit de s'appuyer sur ses influences fondamentales. Le déclic créatif s'est produit en janvier 2026 lorsque Ben Watt a fait l'acquisition d'une guitare espagnole à cordes en nylon, un instrument devenu le véritable tremplin émotionnel de ce renouveau musical. Les dix compositions originales de l'elpee, principalement captées en direct aux RAK Studios de Londres durant l'été 2026, mêlent ainsi improvisation folk-blues britannique, lyrisme teinté d'influences latines et narration soignée.
Les textes croisent les regards vers le passé et l'avenir, portés par la voix automnale unique de Tracey Thorn, le contrepoint subtil de son partenaire et des harmonies épurées. Pour ce baroud d'honneur, le duo s'est entouré de ses collaborateurs de longue date, Rex Horan à la contrebasse et Evan Jenkins à la batterie, rejoints par le percussionniste Fabio de Oliveira. Le propre fils des musiciens, Blake Watt, intervient également sur deux titres. Écrit, arrangé et produit par le combo lui-même, ce disque bénéficie du savoir-faire de l'ingénieur Bruno Ellingham au mixage et de Miles Showell pour le mastering à Abbey Road. Une ultime pièce chaleureuse venant clore en beauté la trajectoire de cette signature majeure de la pop anglophone.
Le nouvel album des Flaming Lips, « The Teardrop Throbs », paraîtra le vendredi 22 janvier 2027. Ce nouvel opus a été produit par la formation, les Flaming Lips, Taylor Johnson, Dave Fridmann et Scott Booker, avec la participation de Jon Fridmann et Mike Fridmann à la production. L’opus est précédé par la sortie du premier single, « God Will Control The Werewolves ».
’God Will Control The Werewolves » est né d’une petite histoire mettant en scène mes deux fils (Bloom et Rex) et moi-même, jouant à cache-cache dans un parc alors que la nuit tombait’, explique Wayne Coyne, leader et fondateur des Flaming Lips. ‘Nous étions tous devenus très sensibles aux cycles lunaires lors d’un séjour dans un Airbnb avec vue sur l’océan, environ un mois auparavant. La pleine lune avait aspiré toute l’eau de cette crique, et nous avions marché un quart de mile sur le fond marin, observant d’étranges créatures marines accrochées aux rochers… Alors que nous jouions à cache-cache, Bloom m’a demandé si, pendant que lui et Rex se cachaient, les loups-garous allaient les attraper (ils avaient aussi regardé quelques films de loups-garous et savaient que la pleine lune était le moment où les loups-garous sortaient), et je lui ai dit que Dieu contrôlerait les loups-garous pendant un petit moment pendant que nous jouions à cache-cache… La façon dont j'imaginais cette chanson (dans ma tête), ça faisait un peu penser à « Dark Side of the Moon » de Pink Floyd, MAIS avec Syd Barrett toujours dans le groupe’.
Fondé à Oklahoma City, dans l'Oklahoma, en 1983, le groupe The Flaming Lips est depuis devenu l'une des forces les plus influentes, imprévisibles et dynamiques du rock alternatif américain. Au cours de leur carrière, The Flaming Lips ont établi puis battu d’innombrables records, créé des événements audiovisuels interactifs spectaculaires désormais considérés comme légendaires, fait d’innombrables apparitions dans des émissions de télévision de fin de soirée, contribué à plusieurs bandes originales de films emblématiques et collaboré avec un large éventail de fans et d’autres artistes, notamment Miley Cyrus, Chris Martin, Kacey Musgraves, Yoko Ono, Tame Impala et bien d’autres encore.
En 2026, l’album classique des Flaming Lips, « At War With The Mystics », a été célébré avec une édition Deluxe 20e anniversaire disponible chez Rhino / Warner Records. Sorti à l’origine en 2006, « At War With The Mystics » a marqué l’un des moments les plus riches en créativité de la remarquable carrière des Flaming Lips. Sur cet elpee, le combo a continué à faire évoluer sa musique dans des directions inattendues, en combinant expérimentation psychédélique, textures électroniques, couleurs orchestrales et mélodies pop grandioses avec cette écriture surréaliste et chargée d’émotion qui était devenue sa marque de fabrique.
Même après avoir sorti au total 22 long playings studio, 16 singles, 11 compilations, 11 EP et 11 œuvres expérimentales collaboratives atypiques autoproduites, les Flaming Lips restent au sommet d’une créativité sans limites. Ils sont ainsi devenus un véritable trésor national américain et ont créé un genre qui leur est propre.
Pour écouter le nouveau single « God Will Control The Werewolves », c’est ici
Les Tindersticks publieront leur nouvel album, « Dog Roses », le 12 mars 2027. En attendant, ils ont partagé le single, « Loving, leaving ».
‘Avec notre dernier album, « Soft tissue » sorti en 2024, nous avions l’impression de jeter un œil par-dessus la clôture vers un nouveau paysage, voire de nous pencher par-dessus. Au fil de nos 15 albums, nous avons appris que parfois, on avance pas à pas, et parfois, on fait des bonds en avant. « Soft tissue » était un grand pas en avant, mais il était temps d’essayer de franchir cette clôture d’un bond.
« Dog Roses » est né d’un nouveau studio, de nouvelles façons de travailler, de nouvelles envies, voire d’une nouvelle confiance en nous. Nous avons quitté notre studio bien-aimé, qui nous avait accueillis pendant les vingt dernières années – un lieu à l’ambiance particulière, presque une église – pour emménager dans un espace souterrain et caché. Un véritable choc. Un endroit où les anciennes méthodes ne semblaient plus fonctionner et où il fallait trouver de nouvelles solutions.
La plupart des choses que j’avais apprises, que je croyais savoir sur la création d’albums, se sont avérées peu utiles lors de la réalisation de « Dog Roses ». J’ai toujours eu un sens aigu du temps et du lieu dans mon écriture, mais parfois, en travaillant sur cet album, j’avais l’impression d’essayer de capturer uniquement un parfum ou la sensation d’un nœud dans l’estomac, ou encore d’apercevoir mon reflet dans un miroir, ces mille questions, pensées et émotions que l’on peut ressentir en un instant’.
Produit et enregistré par Stuart Staples, « Dog Roses » a été composé et enregistré entre décembre 2025 et août 2026. Le son reste le fruit de la musicalité unique de chaque membre : le jeu fluide d’Earl Harvin à la batterie, la basse toujours audacieuse de Dan McKinna, les touches et les choix inattendus de David Boulter, ainsi que la guitare de Neil Fraser, qui repousse sans cesse les limites des morceaux.
‘Pour « Dog Roses », nous avons été rejoints par des invités exceptionnels : Dave Okumu à la guitare électrique et Julian Siegel au saxophone. Et, bien sûr, les cordes sont mises à l’honneur sur deux morceaux, sous la houlette de notre collaboratrice de longue date, Lucy Wilkins’.
Le nouveau single, « Loving, leaving », est en écoute ici
Hot Chip vient d’annoncer la sortie de son neuvième album, « A Long Way From Kansas ». Prévu pour le 8 janvier 2027, cet opus montre le groupe sous son jour le plus primitif. En paraphrasant « Le Magicien d’Oz », le titre est un clin d’œil à Dorothy, à son chien et à la distance qu’ils ont dû parcourir pour rentrer chez eux et retrouver un semblant de normalité.
Le premier single extrait de l’elpee s’intitule « Random Violence », un hommage majestueux à Keith McIvor d’Optimo, qui donne le ton de l’opus. Socialiste passionné, Keith (alias JD Twitch) était DJ, programmateur et l’un des promoteurs les plus avant-gardistes du pays, un homme qui inspirait la force de la positivité chez ceux avec qui il travaillait et pour qui il jouait.
Sur « Random Violence », Goddard chante : « And your friends will tell their stories / About a man who spent his life / Sending songs out into the world / Tall ships in the wind », avant qu’Alexis Taylor ne se joigne à lui pour proclamer : « Tu m’as donné quelque chose en quoi croire ».
Réalisé par Jack Cole, le clip de « Random Violence » met en scène la troupe entièrement féminine de morris dance progressive, Boss Morris, et constitue une magnifique célébration de la solidarité, de la musique, de la résistance, de l’amour et d’une vie bien vécue. « Nous avons invité des esprits des bois, des animaux maudits et des danseurs déchaînés à se joindre à nous pour célébrer l’humanité, la mémoire et la résistance. L’idée nous est venue des soirées d’Halloween Optimo Espookio auxquelles nous avions participé au Sub Club, et nous voulions retranscrire cette ambiance dans le clip. C’était tout aussi amusant que ça en a l’air, c’est-à-dire que nous nous sommes vraiment éclatés. » Al Doyle.
Le monde semble tourner de plus en plus vite, son histoire devient de plus en plus difficile à déchiffrer. Des morts, des guerres sans raison, la catastrophe climatique qui ravage les saisons. En réaction à toute cette morosité, et en y faisant écho à travers la distorsion et la décadence, le nouveau long playing de Hot Chip, « A Long Way From Kansas », trouve sa propre façon de célébrer la vie alors même que tout autour de lui part en fumée.
Le groupe de musique électronique visionnaire Hot Chip s’est formé en 2000, alors que chaque membre se délectait de la chaleur des lueurs du nouveau millénaire. Au cours des jours, des mois et des années qui ont suivi, Alexis Taylor, Joe Goddard, Owen Clarke, Al Doyle et Felix Martin ont canalisé l’amour et l’harmonie à travers leur art, créant ainsi une œuvre comprenant huit albums qui allie raison, cœur et corps.
Alexis Taylor : « A Long Way From Kansas » reflète le sentiment général selon lequel le monde dans lequel nous vivons est particulièrement dur, discordant, violent et déprimant. Ce n’est peut-être pas nouveau, et cela ne signifie pas que chaque chanson parle du monde, de la politique ou du génocide, mais c’était une toile de fond incontournable lors de la création de cette musique. La distorsion est en quelque sorte devenue le mot d’ordre de tout l’album. »
D’une tonalité sombre et d’une sonorité extatique, plus étrange, plus bruyant, plus insolite et meilleur, « A Long Way From Kansas » montre que Hot Chip sait retrouver le chemin de la maison.
Pour découvrir le clip du nouveau single, « Random Violence », c’est là
Feu !Chaterton dévoile « Toi ou la mer »
Fort du succès de Labyrinthe (certifié or en France) et d'une immense tournée de Zéniths & Arenas, Feu! Chatterton dévoile aujourd'hui Toi ou la mer, premier extrait d'une réédition à venir le 4 décembre 2026.
Un titre qui prolonge la fièvre d'Allons voir (single or) et résonne comme une étincelle de joie et d'espoir face au vertige contemporain.
Le clip est à découvrir ici.
Le deuxième album de sundots marque une avancée extraordinaire pour ce groupe de rock indépendant du Connecticut. "On the Quay" est à la fois onirique, contemplatif et chargé d’une texture émotionnelle, rappelant des influences aussi variées que la pop guitare brumeuse de Duster, Galaxie 500 et Red House Painters, ou encore l’emo tortueux et d’une complexité trompeuse de groupes phares tels que Karate.
Une grande partie de "On the Quay" a vu le jour lors d’un week-end marathon placé sous le signe de l’inspiration créative, dans un Airbnb isolé du Vermont fin 2025, où le groupe s’était retiré avec un seul objectif : composer et enregistrer des démos d’autant de morceaux que possible.
À l’abri des distractions et immergés dans les montagnes, les cinq membres sont ressortis avec les bases de l’album avant de faire appel à Kevin S. McMahon (Real Estate, Widowspeak, Swans) pour produire, enregistrer et mixer les douze titres.
En étroite collaboration avec le groupe, McMahon a contribué à transposer l’immédiateté et l’alchimie des performances live de sundots dans un album à la fois aérien et profondément authentique, tout en préservant la spontanéité qui est devenue au cœur de l’identité du groupe.
Pour découvrir le clip de "Grassy Lawn", cliquez ici.
Lude & les métamorphoses, composé de Lude Vial, Zach Ruegg, Pierre Ferrand et Laurie Fabre (prod.Valentin Perroud /Pylone) est un projet musical électro-pop et performatif, basé à Bruxelles.
En jouant avec différents contes et symboles, Lude s'inspire de sa transition de genre, du monde de l’enfance, du rêve et de la culture pop, qu'elle vient revisiter.
Mêlant textes intimes, références visuelles, groove et sensualité, le projet cherche ainsi à mettre en lumière certains vécus et émotions à travers la mise en scène de la musique.
Premier EP du groupe Lude & les métamorphoses, MASCARADES est conçu comme un petit album, dévoilant morceau après morceau les facettes d’un paysage intérieur coloré et éclectique.
À partir de différentes influences, de la ballade, à une dream pop indé ou un glam-rock electronica, Lude et ses acolytes cherchent leur vérités rêvées avec surprise, mélodrame, douceur et originalité.
Un extrait ici.
Diego Annuitti présente son nouvel EP, AND THE CRADLE STILL ROCKS, disponible dès maintenant en version numérique et sur les plateformes de streaming.
Avec AND THE CRADLE STILL ROCKS, le musicien et compositeur uruguayen Diego Annuitti s'est lancé un défi : secouer les fondations du rock pour découvrir si celui-ci est toujours vivant dans son expression la plus essentielle.
Pour ce nouvel EP, Diego délaisse les influences folk et psychédéliques de son premier album solo, Love Is Our Way, et se tourne vers le rock de la fin des années 1980 et du début des années 1990, une période particulièrement fertile pour le genre.
Une époque où l'efficacité d'un morceau reposait avant tout sur la force de son refrain : qu'il s'agisse d'un titre de rock énergique ou d'une grande power ballad, la mélodie devait marquer les esprits.
L'idée était de remettre cette recette à l'épreuve du temps et de voir si elle pouvait toujours fonctionner aujourd'hui, avec un son et une production contemporains.
Avec AND THE CRADLE STILL ROCKS, Diego Annuitti propose ainsi un retour à l'essence du rock, entre énergie, mélodies fédératrices et sonorités modernes.
Un extrait ici.
Christophe Willem faisait son grand retour avec « Systaime ».
Après l'annonce de son 7e album "Es-tu libre ?", le single « CDI » est un hymne à l’amour inspiré par une épreuve, celle de la mort qui l’a frôlé d’un peu trop près. Et qui rappelle, sur un groove lumineux, que la vraie vie se joue dans le hors-champ, que les belles histoires se construisent dans le temps, dans la joie comme dans les combats.
Il sera en tournée avec notamment 3 dates en Belgique : le 14 avril 2027 au Forum de Liège, le 15 avril 2027 au Théâtre Royal de Mons et le 2 décembre 2027 à Forest National.
Un extrait ici.
Monolyth est né de la rencontre entre Théo Roland et Gaëtan Heymans au sein d’une école de cinéma, où ils étudiaient tous les deux l’image tout en développant parallèlement une pratique musicale.
Monolyth s’est donc construit naturellement à la croisée de leurs deux univers : le cinéma, l’image et la musique, à partir d’une rencontre et d’une envie commune de créer.
Les influences allant de Massive Attack, Portishead, à Justin Timberlake et Coldplay.
HABESHA, leur premier EP, raconte en six morceaux le parcours d’une histoire d’amour, de la rencontre à l’acceptation, en passant par l’euphorie, le doute, la désillusion et la rupture.
Entièrement composé et produit dans leur propre studio, le projet de Théo Roland et Gaëtan Heymans est pensé comme un film: une progression émotionnelle, un univers sonore et une identité visuelle construits comme un seul récit.
En prélude, le band annonce le single ‘Those Habesha Eyes’. Cette chanson parle de la seconde étape de la relation amoureuse: la découverte. Le chanteur se questionne sur la sincérité de la personne en face.
Les intentions restent floues, mais l’attirance et la curiosité sont trop fortes et, malgré l’incertitude, il a fait le choix de plonger.
Le morceau est à découvrir ici.
Steven Wilson : "Requiem for a Village", un film pour les oreilles ?
Dans son neuvième album solo, Steven Wilson invite l'auditeur à découvrir un village britannique imaginaire, entre folklore inquiétant, expérimentations sonores et souvenirs d'un monde disparu. Une œuvre qui revendique l'écoute intégrale et célèbre, à rebours de la perfection numérique, les vertus de l'imprévu.
Steven Wilson n'a jamais été un musicien particulièrement enclin à se laisser enfermer dans une case. Sur "Requiem for a Village", il pousse cette liberté un peu plus loin encore. Après l'ampleur cosmique de "The Overview", paru en 2025, le musicien britannique délaisse les immensités célestes pour se rapprocher d'un lieu beaucoup plus intime : un village de campagne qui semble exister en marge du temps, quelque part dans les brumes de l'imaginaire britannique.
L'opus compte douze parties et se présente comme une œuvre continue d'environ 54 minutes. Une construction délibérée, qui correspond à la manière dont Wilson envisage la musique : non comme une succession de titres indépendants, mais comme un parcours à traverser dans son ensemble.
"J'aime faire des films pour les oreilles", explique-t-il lors de ses interviews. La formule peut sembler ambitieuse mais elle résume son intention. Il souhaite que l'auditeur s'installe, prenne le temps d'écouter et se laisse entraîner du début à la fin.
Le décor de "Requiem for a Village" emprunte autant au paysage rural anglais qu'à ses légendes les plus obscures. On pense naturellement au 'folk horror', et notamment à "The Wicker Man", mais aussi à Tim Burton. Dans cet univers, les apparences paisibles peuvent dissimuler une menace diffuse ; le familier se trouble et le quotidien semble obéir à des règles anciennes, jamais tout à fait explicables.
La narration participe pleinement à cette construction. Le texte a été écrit par Andy Partridge, le fondateur de XTC, tandis que l'acteur David Tennant, connu surtout pour son rôle en tant que Dr Who, lui prête sa voix de conteur. Cette présence parlée renforce la dimension cinématographique de l'ensemble : plutôt qu'un elpee traditionnel auquel on aurait ajouté quelques éléments narratifs, "Requiem for a Village" entend créer un monde sonore habité, avec ses personnages, ses mystères et ses zones d'ombre.
Musicalement, le village de Steven Wilson est loin d'être un endroit tranquille. Il revendique un album qui va "dans tous les sens", et est difficile à catégoriser. Ainsi, la plage titulaire permet la rencontre entre rythmiques asymétriques, riffs métalliques, passages ambient et éléments 'singer-songwriter'.
À l'échelle du disque, le spectre s'élargit encore : folk, psychédélisme, électronique, rock et musique 'ambient' s'y croisent sans chercher à former un mélange parfaitement homogène.
"Same River Twice" s'ouvre sur un piano bastringue pour s'envoler au son du mellotron vers un univers fantasmagorique où s'entremêlent le chant de Wilson, le clapotis de la rivière et la voix du conteur. Sans transition, "Now Departing" emporte l'auditeur ailleurs, à la faveur d'un riff au piano évoquant Happy The Man. S'ensuit une longue et magistrale composition dans le plus pur style prog de l'artiste anglais.
Après l'intermède apaisant de "Hiraeth", s’épanouit "On Chapel Slope", une longue litanie hypnotique hantée par une guitare 'bluesy'. "Murmuration" prends le relais pour emmener l'auditeur vers ce qui peut être considéré comme le point culminant de l'œuvre. Les arpèges à la guitare acoustique et le chant s'inscrivent dans la grande tradition de Wilson et de Porcupine Tree. Mais ici, l'instrumentation est baroque, et les bruitages, énigmatiques. On distingue aussi la voix de Katherine Priddy.
"Cursus Fingerprint" prolonge l'impression que l'on visite un cabinet de curiosités soniques. A la flûte du mellotron répond la voix de 'falsetto' de Wilson, inquiétante à souhait, avant que des coups de butoir ne retentissent, renforçant le côté hautement filmique de l'ensemble.
Parcourue par des séquences typiquement "hackettiennes", la composition suivante, "A Basket Of Bees", flirte par instant avec "Blood On The Rooftop" de Genesis mais reprend bien vite la structure syncopée post-metal qui est une des (multiples) signatures de Wilson.
"Great Green Map" et "Wheel" guident enfin le visiteur sans extravagance vers le chapitre final, "The Old God Is Buried". Ici, on y retrouve l'atmosphère lourde et inquiétante qui constitue le fil rouge du long playing, qui se clôture dans un chœur dissonant d'une centaine de voix, comme si tout le village se précipitait vers un précipice apocalyptique. Un final abrupt qui donne toute sa signification, terrifiante, au titre de l'album.
En un mot comme en cent, cet opus est "kaléidoscopique". Il peut apparaître comme un fourre-tout plus que comme un ensemble cohérent. L'approche s'apparente davantage à un collage, ou à un "cut-up", comme le pratiquaient les dadaïstes et William S. Burroughs. On pense tour à tour à King Crimson, période "21st Century Schizoid Man", à Jethro Tull, Genesis, Pink Floyd, Radiohead, ... La liste des références est longue et si "The Overview" était une tentative de créer un deuxième "The Dark Side of The Moon", on pourrait imaginer que "Requiem For A Village" s'inscrit dans la lignée de "Ummagumma", l'elpee le plus expérimental, le plus déconstruit, du Floyd.
C'est précisément cette déconstruction, ce refus de l'homogénéité qui intéresse Wilson. Il souhaite surprendre l'auditeur, déjouer ses attentes et proposer une musique qui échappe aux catégories habituelles.
Après plus de trente-cinq ans de carrière discographique, l’artiste connaît parfaitement son territoire et ses réflexes d'écriture. Au commencement de chaque nouveau projet, il cherche une idée suffisamment stimulante pour l'accompagner jusqu'au bout. La question est toujours la même : qu'est-ce qu'il n'a pas encore essayé ? Qu'est-ce qu'il peut apporter à une discographie qu'il qualifie lui-même, non sans humour, de déjà "bien encombrée" ?
La réponse émane, en partie, de son studio. Entouré d'instruments divers et accompagné par le multi-instrumentiste Randy McStine et le batteur Russell Holzman, Wilson a suivi un processus intuitif, presque ludique : saisir un instrument, chercher un son, suivre une idée sans trop réfléchir à sa destination. Un harmonica, un hautbois ou un synthétiseur étant susceptibles de devenir le point de départ d'une composition.
Sur "Requiem for a Village", cette curiosité l'a conduit à jouer lui-même du violon et de la batterie, alors qu'il ne prétend maîtriser aucun de ces instruments. Il a également adopté une règle inhabituelle : jouer les instruments tels qu'il les trouve. Là où un guitariste accorderait spontanément son instrument avant de commencer, Wilson a parfois choisi de conserver un léger désaccord.
De ce point de vue, cet opus s’affiche comme résolument "anti-IA". Wilson a déclaré que tout ce qui pouvait ne fût-ce qu'évoquer l'artificialité policée de l'IA avait été immédiatement écarté. Drôle d'époque : les artistes se sentent aujourd'hui dans l'obligation de rechercher l'imperfection pour échapper au diktat perfectionniste (et normalisant) de l'informatique.
"Requiem for a Village" ne cherche pas à démontrer une thèse ni à conduire l'auditeur vers une conclusion parfaitement balisée. Il propose plutôt une traversée, une succession de paysages et de sensations qui se répondent. Il reflète une conception exigeante mais accessible de l'écoute : prendre le temps, accepter de ne pas tout comprendre immédiatement et laisser une œuvre déployer son propre langage. Le résultat promet moins une promenade rassurante qu'une exploration des frontières entre mémoire, inspiration et mystère.
Pour commander, c'est ici.
Pour écouter les 3 titres déjà dévoilés, c'est là.
La dopamine est une hormone clé pour la motivation, le système de récompense et le contrôle de la motricité. Souvent qualifiée de « molécule du plaisir », elle ne procure pas ce dernier de façon directe, mais suscite le désir d'obtenir une récompense. Ce n'est pourtant pas cet aspect que la formation irlandaise a souhaité souligner dans le titre de son cinquième opus. « La chambre à dopamine » symbolise ici la décharge neuronale reçue par quiconque s'isole face à un écran, captivé par le défilement infini des réseaux sociaux.
Sous la houlette de James Ford (The Klaxons, The Last Shadow Puppets), Grian Chatten et son band s'éloignent, dans cet elpee, du post-punk de leurs débuts. Ils proposent un alliage de dark wave, de cold wave et de synth wave qui évoque tour à tour The Cure, Depeche Mode, Clan of Xymox, The Church ou encore le Fischer-Z de l'époque « Battalions of Strangers ». Ce disque s'avère très varié et d'une excellente facture du début à la fin, bénéficiant d'un agencement intelligent des différentes plages.
Tout commence par « Six Shot Morning », un morceau rythmé et percutant qui rappelle Joy Division. Vient ensuite le premier single, « Marianne » : une pièce à la mélodie magnifique que l'on écoute en boucle, subjugué par la voix de Grian soutenue par des synthétiseurs irrésistibles. « Mimesis » évolue à mi-chemin entre le Cure de « Charlotte Sometimes » et Clan of Xymox ; le titre se révèle particulièrement entraînant grâce à une ligne mélodique accrocheuse et des guitares qui dictent le tempo. Le combo plonge pleinement dans la cold wave sur « Happy for You », qui relate les douleurs d'une rupture amoureuse. La plage « Demolition », quant à elle, convoque l'esprit de « Battalions of Strangers » par sa rythmique soutenue et sa mélodie entêtante.
« Tongue » s’impose sans doute comme le morceau le plus singulier de ce long-playing, affichant des couplets très répétitifs et un refrain en rupture mélodique ; deux ou trois écoutes s'avèrent nécessaires pour l'apprivoiser. « One Man » se révèle plus calme et lancinant. Sur « Where Is Gone », Grian accueille l'auteure-compositrice-interprète, actrice et productrice espagnole ROSALÍA. Cette dernière s'illustre d'ordinaire par des compositions mêlant le flamenco et la pop, tout en raffinement. Sa voix, unie ici à celle de Grian pour une jolie ballade, scelle une vraie réussite. « You Miss Me » ramène les auditeurs sur un terrain plus familier : une ballade presque acoustique qui évoque le célèbre « Under the Milky Way » de The Church. « Japan » » constitue probablement le moment le moins inspiré de l'ensemble, restant une ballade sympathique, sans plus. Enfin, « Intimate » clôt l’opus en force. Aux côtés de « Six Shot Morning », cette composition est sans doute celle qui rappelle le plus les précédents disques du quintette.
En résumé, cet elpee bien balancé bousculera peut-être les fans de la première heure et en décevra quelques-uns, mais il s'avère idéal pour découvrir un collectif qui n'a pas fini de faire couler de l'encre. Le quintette cartonne d'ailleurs un peu partout en Europe et, bien sûr, en Grande-Bretagne.
The band : Grian Chatten (vocals + guitars), Carlos O'Connell (guitars + synths), Connor Curley (guitars), Connor Deegan (bass guitar) and Tom Coll (drums and percussion)
Produced by James Ford
Il y a des chansons qui naissent en plein été, portées par la chaleur du moment. Vue Panoramique est née à l'envers : en novembre, sous la pluie, quand l'été n'était plus qu'un souvenir lointain, mais que l'envie, elle, était toujours là. L'idée a émergé de cette dissonance : parler de nostalgie estivale au cœur de l'automne, écrire depuis le manque plutôt que depuis le soleil. Ce décalage temporel infuse tout le morceau, qui joue la prolongation de l'été bien après que celui-ci ait officiellement pris fin.
Le titre lui-même vient d'une ligne clé du texte : une chambre à la vue la plus spectaculaire ne fait jamais moins penser à la personne qui manque. C'est une chanson sur la distance, pas seulement géographique, mais aussi cette distance qu'on installe malgré soi entre deux personnes, entre deux vies qui continuent chacune de leur côté. On y retrouve l'imaginaire habituel de Joshuwa (l'errance sentimentale, un spleen doux-amer), mais teinté ici d'une lumière plus estivale, presque nostalgique d'un soleil qu'on sait déjà en train de partir.
Le featuring avec Tuks, moitié de 39bermuda, n'est pas né de nulle part. Les deux artistes s'étaient déjà croisés par le passé : Tuks avait posé sa voix en featuring sur un titre, 3duMat, de Colver, le précédent groupe de Thomas Ejzyn. La mélancolie pop de Joshuwa vient percuter le flow de Tuks, deux voix qui ne se ressemblent pas mais qui, sur ce morceau, se répondent naturellement.
Sorti plusieurs mois après Mélancologie, ce single occupe une place particulière dans la trajectoire de Joshuwa : à la fois un peu à part — par sa tonalité plus solaire, son featuring, sa genèse hors-saison — et pourtant le vrai point de départ d'un second chapitre, celui d'un projet à paraître en 2027.
Le nouveau single de Diego Straz « Les Corps qui tanguent » est sorti en cette fin d’octobre 2026
Diego Straz est un musicien belge, auteur- compositeur- interprète, multi-instrumentiste.
Il débute son parcours musical comme bassiste, ce qui lui permet de découvrir l'écriture et la composition via le chant.
Fin des années 90, il fonde le groupe pop-rock Tena signé chez Sony Music, où il occupe plusieurs rôles : guitariste, bassiste, auteur, compositeur et producteur.
En parallèle, Diego développe un projet solo singulier et puissant, et compte déjà 4 albums à son actif.
Découvrez le clip ici.
Depuis le mitan des années 1990, le compositeur britannique Matt Elliott explore les textures et les frontières sonores.
Bristol tout d'abord, où il joue au sein des groupes Movietone et Flying Saucer Attack ; il fonde ensuite son propre projet The Third Eye Foundation, enregistre un premier album (Semtex, 1996) avant d'être signé chez le label anglais Domino avec lequel il publie trois opus. Post-rock ? Électronique sombre et hantée ? Trip hop baroque ? Les étiquettes, les catégories et les chapelles ne siéent pas aux atmosphères ténébreuses et tourmentées du musicien. Un « rock fantôme » comme celui-ci pourrait lui-même le définir ?
Nancy ensuite, où l'auteur s'installe et signe sous son nom depuis l'orée des années 2000, et en collaboration avec le label Ici D'Ailleurs, des albums à la beauté envoûtante. La musique de Matt Elliott n'a pas de frontière, elle brasse les peuples, les pays et les continents. On perçoit le blues du delta, le jazz noir des sous-sols, l'âme vibrante du fado portugais, les chants rébétiques grecs, les sonorités festives et poignantes de la musique des Balkans et bien d'autres cultures.
This World Is No Place for Children, (sortie le 13 novembre) est le dixième album studio de Matt Elliott. Il explore les zones d'ombre les plus sombres de l'humanité : l'avidité sans limite ou notre défaillance collective vis-à-vis de la jeunesse. Et pourtant, comme souvent chez le musicien, une indicible lumière perce des ténèbres. Les compositions sont à la fois des lamentations, des prières païennes et une invitation au réconfort. La musique ici s'adresse aux sens.
This World Is No Place for Children est en écoute ici.
Le nouveau single d’Elephant, « About You », se révèle être une chanson douce-amère
évoquant une époque où l’amour et la vie semblaient plus simples. Cette nostalgie imprègne le son, fortement inspiré par les années 90. Le morceau a été enregistré aux Rockfield Studios au Pays de Galles par l’ingénieur Nick Brine, qui officiait déjà derrière les manettes du mythique Morning Glory (What’s the Story) d’Oasis trente ans plus tôt. Sur ce titre, Elephant affirme pleinement son identité musicale. Les éléments signatures de la formation demeurent : chaleur, mélodies et voix décontractées. Une urgence nouvelle s'y ajoute, offrant un rendu plus ample, précis et organique.
Ce quatuor de Rotterdam, figure du rock indie néerlandais, avait façonné son univers sur un premier opus salué, Big Thing (2022), mêlant guitares mélodiques et voix feutrées sur fond de mélancolie sous-jacente. Sur le disque III paru en 2025, les musiciens ont intensifié leur son pour investir des podiums majeurs tels que Lowlands, Pinkpop et Best Kept Secret.
Une tournée européenne partagée en compagnie des icônes indie Nada Surf a débouché sur une invitation du producteur Ian Laughton (Nada Surf, Ash). Ce dernier s'est associé à Nick Brine (Oasis, The Stone Roses) pour aider le combo à capturer son essence authentique à Rockfield. Le résultat est visible dans le clip officiel d'« About You », qui illustre parfaitement cette évolution vers un son puissant et direct.
Le clip d’« About you » est disponible là
Le quatuor punk de Sacramento, Destroy Boys, sortira son cinquième opus, FOIE GRAS, le 5 mars 2027. Cet elpee, façonné par le producteur Zach Tuch (Knocked Loose, Touché Amoré), bénéficie des contributions de Frank Iero, guitariste de My Chemical Romance. Pour en dévoiler l'univers, la formation propose le single « Hysteria », illustré par une vidéo officielle (à découvrir ici)
Né d'improvisations frénétiques, ce morceau mue la colère de la classe ouvrière en un hymne fédérateur aux refrains entêtants. Si les fondations punk demeurent, une trajectoire alternative s'y affirme. Co-réalisé par la guitariste Violet Mayugba en compagnie de Vince Lopez, le clip puise son esthétique cauchemardesque dans l'« analog horror » (The Mandela Catalogue, Backrooms) et le film Shining.
Cette nouveauté pousse le band au-delà des structures pop habituelles pour explorer un territoire indiscipliné où s'entremêlent guitares grunge, éclats hardcore, rythmiques post-punk, incursions britpop, breakbeats et bossa nova. Cette rupture musicale épouse la tension des textes d’Alexia Roditis, où le chaos intime rejoint les crises politiques mondiales. Choisis lors d’une tournée européenne, le titre et la métaphore du gavage dénoncent ce que la société ingère de force : désinformation, surconsommation et récits politiques aliénants.
Formé en 2015, le combo a évolué des clubs underground aux grands festivals comme Coachella ou Rock en Seine. Dix ans plus tard, Destroy Boys préfère réinventer son art plutôt que de s'enfermer dans un mouvement figé.
« Hollywood Porn Stars » font leur retour très attendu avec « Bad Film », le premier single d’Endless Age, leur troisième album, prévu pour le 6 novembre 2026 via Le Formés à Liège en 2002, « Hollywood Porn Stars » se sont rapidement imposés comme l’un des principaux groupes de rock indépendant belges, jouant plus de 300 concerts, sortant deux albums chez Naïve, et partageant la scène avec Iggy Pop, Patti Smith, Sonic Youth et Primal Scream.
Après une longue pause et un retour sur scène très acclamé en 2025, le groupe ouvre un nouveau chapitre avec Endless Age, leur troisième album et le premier en vingt ans.
Le premier single, « Bad Movie », capture cette étrange sensation de voir la réalité se dérouler sans retenue, comme un public piégé dans un mauvais film dont le scénario ne semble capable d’arrêter.
Un morceau tendu et immédiat où l’ironie cache à peine un profond sentiment de désillusion.
Le clip accompagnant le single a été réalisé par Guillaume Van Ngoc. Écrit en seulement quinze jours et enregistré en cinq, Endless Age retrouve l’urgence, l’énergie brute et les guitares tranchantes qui ont toujours défini le groupe, sans jamais se retourner.
Les stars du porno hollywoodiennes sont de retour. Un nouveau chapitre. La même intensité.
Bad Movie en extrait ici.
Le quintette belge Absynthe Minded a signé chez V2 Records et sortira son neuvième opus, Slightly Included, le 19 mars 2027. Pour accompagner cette annonce, la formation dévoile « Tower of Joking », un premier single énergique capturé en direct en studio par Laurens Smagghe, Sergej Van Bouwel, Jan Duthoy et Laurens Dierickx. Ce morceau d'ouverture, co-produit par le leader Bert Ostyn et Alex Callier (Hooverphonic), donne le ton en mêlant une rythmique ludique à une pointe d'ironie. Le combo défendra ce nouveau répertoire sur les planches de De Roma à Anvers le 9 avril.
Face au tumulte de notre époque — entre bouleversements climatiques, essor de l'intelligence artificielle et flux continu d'informations —, ce disque laisse filtrer le malaise contemporain tout en célébrant ce qui sublime l'existence : l'amour, l'imagination, la nature et le simple plaisir d'être ensemble. Il en résulte un instantané captivant de 12 titres oscillant entre un rock musclé, des refrains pop accrocheurs et des grooves teintés de jazz. Un ensemble de cordes composé de 16 musiciens, dont les arrangements ont été confiés à Alex Callier, apporte une dimension grandiose au son familier du band, témoignant d'une complicité retrouvée pour ce qui s'avère leur travail le plus instinctif depuis des années.
Le titre de l'elpee s’inspire de la gemmologie : Very Very Slightly Included désigne les infimes imperfections d'une pierre précieuse. Bert Ostyn utilise cette métaphore pour mener une réflexion sur nos propres fêlures et ce que nous choisissons de valoriser. Fidèle à une philosophie proche de Sartre, le chanteur invite à l'action et au partage. Acteur incontournable de la scène belge depuis 2002, fort de quatre Music Industry Awards et de classiques comme « My Heroics, Part One » ou « Envoi », Absynthe Minded prouve après 25 ans d'existence que son ambition artistique reste intacte.
« Tower of Joking » est en écoute ici
Rosie Stuart partage son nouveau single « Carpe Diem », premier extrait d'un EP à paraître début 2027 sur l’écurie LABELMAN. Après avoir remporté les tremplins phares De Nieuwe Lichting (Studio Brussel) et Sound Track (vi.be), puis enchaîné les festivals estivaux tels que Rock Herk, Rijvers et Rock Zottegem, l'artiste a investi le studio pour concrétiser de nouvelles compositions.
Sur « Carpe Diem », la musicienne accentue la rugosité de son univers. Si le morceau s'impose d'abord comme une pièce rock énergique au rythme entraînant, il dissimule une grande vulnérabilité. Le titre joue sur l'ironie : derrière l'injonction de profiter de l'instant présent se dévoile une introspection sur l'insécurité, la distance affective et le sentiment d'infériorité face à un partenaire qui semble maîtriser son existence. La chanson explore le contraste entre celui qui possède tout sans s'encombrer d'émotions et celle qui ressent tout sous la surface. Loin du simple réquisitoire, le texte interroge sur la richesse intérieure de cette hypersensibilité.
Le clip officiel, réalisé par Lena Nerinckx, met en scène un banquet somptueux qui bascule dans une esthétique grotesque et décadente. Les excès de champagne, de gâteaux gélifiés et d'huîtres s'effondrent dans le chaos, scellant le destin des invités. Rosie Stuart y apparaît transformée en une huître géante, figure aussi séduisante qu'étrange.
Ce concept visuel singulier trouve sa source auprès d'une anecdote survenue lors des Gentse Feesten, où une violente réaction allergique aux huîtres avant de monter sur les planches de la Walter De Buckplein a inspiré ce scénario fiévreux. Le rendu illustre parfaitement la dualité de Rosie Stuart : intimement bruyante et perturbante.
Le clip de « Carpe Diem » est à voir et écouter là
Le blues-rock belge poursuit son évolution. Thomas Frank Hopper propose « Wild Birds », un nouveau single illustré par un clip vidéo, partagé en compagnie de la chanteuse italienne Meri Lu Jacket. Cette collaboration apporte un relief inédit à l'univers musical de ce guitariste et chanteur.
Extrait de Wild Ones Never Die, son troisième long playing, « Wild Birds » illustre la volonté du musicien de dépasser le blues traditionnel pour explorer des horizons plus contemporains. Le croisement de leurs deux voix insuffle une atmosphère singulière à cette composition mêlant sensibilité et influences rock.
Reconnu pour son utilisation de la guitare slide et de la lap steel, Thomas Frank Hopper figure parmi les révélations de la scène blues-rock en Belgique. Inspiré par Led Zeppelin, Ben Harper ou Jack White, l'artiste affirme une identité musicale où se côtoient authenticité, énergie et modernité. Après Bloodstone (2021) et Paradize City (2023), il poursuit sa trajectoire grâce à cet opus qui témoigne de sa maturité créative.
Découvrez les images de cette collaboration engagée en visionnant la vidéo officielle de « Wild Birds » là
Ce clip adopte un ton revendicatif pour dénoncer les dérives de notre société. Il interroge notre rapport au pouvoir, à la surconsommation, à la violence ainsi qu'à la préservation de la planète, en s'appuyant sur des images conçues comme de véritables symboles. La réalisation et le montage sont signés Chloë Chapel, tandis que les dessins ont été exécutés par l'illustrateur Smooz.
Début octobre, Crystal Clear, a dévoilé le septième morceau extrait de Tiny Space, l'album solo de l'artiste américaine paru en mars dernier.
Crystal Clear explore le temps suspendu qui suit la fin d'une relation, lorsque le besoin de comprendre se heurte aux questions, à la confusion et à l'instinct de protection. La clarté n'est pas un point de départ, mais un horizon à atteindre : un territoire instable où les mécanismes de défense peuvent offrir un refuge tout en faisant obstacle à un nouveau départ. Le morceau raconte ainsi la recherche d'un nouvel équilibre entre ce qui a été perdu et la possibilité de renaître.
Réalisé et monté par Georgeanne Kalweit elle-même, le clip transpose cette tension dans un récit visuel intime et ludique. Une boucle de situations surréalistes et absurdes traduit cette impression de temps suspendu et la confusion qui accompagne la fin d'une relation importante, jusqu'à ce qu'une évidence s'impose avec une clarté cristalline : l'histoire est terminée et aucun retour en arrière n'est possible.
Le clip est à voir ici.
Le duo parisien LUX the band, fondé par le guitariste français Sylvain Laforge et la chanteuse & parolière new-yorkaise Angela Randall, propose un savant mélange de folk rock moderne qu’ils aiment qualifier de « Velvet Rock ».
Leur musique joue avec l’héritage intemporel du folk rock anglo-saxon à travers des paroles épurées et des mélodies inspirées. Leurs chansons racontent des histoires vécues ou imaginées, avec le son naturel et organique qui les caractérise.
Après deux EP’s (LUX, 2014 et Before Night Falls, 2024) et deux albums (Super 8, 2019 et Gravity, 2022), tous enregistrés avec Peter Deimel au mythique Studio Black Box, ils ont sorti le single « Infinite Mind » en 2024 et se sont produits à l’International (Paris) à cette occasion.
Depuis, Sylvain et Angela se sont concentrés sur la création de nouvelles chansons pour leur propre groupe ainsi que pour d’autres artistes.
En attendant de rentrer à nouveau en studio avec leur « band » (Amaury Blanchard à la batterie et Julien Boisseau à la basse) pour enregistrer leur nouvel album (début 2027), le duo originel vous invite à découvrir deux chansons inédites (enregistrées par Sylvain luimême, mixées par Etienne Clauzel au Studio Soult et masterisées par Peter Deimel au Studio Black Box), présentées sous la forme d’un 45 tours sobrement intitulé Virtual 45 et dont la sortie digitale est prévue le 12 novembre 2026.
Le single " Heed (America's Got a Gun) est à découvrir ici.
Le quatuor belge West Coast Caravan fait de nouveau rugir les amplis grâce à With Love, Yours Truly. Ce deuxième EP a été présenté officiellement le 13 octobre 2026 sur le podium du De Casino, à Saint-Nicolas. Ce nouveau chapitre musical mêle des riffs acérés, des grooves psychédéliques et des émotions personnelles au cœur d'un cocktail rock énergique.
Originaire de la scène flamande et actif depuis 2018, West Coast Caravan réunit Stijn Hofman (chant et guitare), Kobe Walleghem (basse), Flor Breugelmans (claviers) et Arthur De Bie (batterie). Puisant son inspiration chez The Black Keys, Deep Purple ou encore Queens of the Stone Age, le combo développe un rock garage teinté de blues et de psychédélisme, soutenu par des guitares saturées et un orgue Hammond particulièrement dynamique.
À travers With Love, Yours Truly, les quatre musiciens livrent leur réalisation la plus personnelle à ce jour. Conçu comme une lettre ouverte, cet opus explore les apparences que l'on s'efforce de préserver, la pression sociale de devoir constamment aller bien et les failles qui finissent inévitablement par transparaître. Les singles « Heavy Hearts », « I'm Good », « Hotel of Thoughts » et « Under the Willow » offraient déjà un avant-goût de cette aventure sonore.
Enregistré sous la houlette de Mattias Stynen et Hannes Cuyvers, ce disque confirme les ambitions d'une formation qui entend bien secouer le paysage rock belge. Au programme de cette production : des guitares saturées, des rythmiques entraînantes, le récit de choix de vie discutables et des chansons qui partagent notre quotidien depuis un moment. Désormais, elles appartiennent au public. Une caravane musicale qui n'a pas l'intention de ralentir !
For The Sick est le titre du premier album de Fervents.
Fervents est un trio post-hardcore belge né pendant le confinement, d'un besoin viscéral de s'évader et de reprendre son souffle. À travers des chansons tendues et mélodiques, le groupe explore la santé mentale, les addictions, les injustices sociales et les tensions qui traversent notre époque.
Après plus de 50 concerts en Belgique, aux Pays-Bas et au Royaume-Uni, ainsi que la sortie de deux EPs chez Capitane Records, Fervents s'est envolé pour Oakland, en Californie, afin d'enregistrer son premier album avec Jack Shirley (Deafheaven, Gouge Away, Jeff Rosenstock).
Enregistré en live sur bande magnétique en seulement une semaine au studio The Atomic Garden, Service for the Sick capture ce que le groupe voulait préserver à tout prix : la tension, la vitesse, la spontanéité et cette sensation que tout pourrait basculer à chaque instant. En 10 titres et 30 minutes, l'album navigue entre urgence et mélodie, colère et retenue, tout en abordant des thèmes comme les conflits intérieurs, la crise permanente ou la banalisation de la guerre.
Puissant, sincère et profondément vivant, Service for the Sick est le premier album d'un groupe qui transforme l'inquiétude et la frustration en énergie collective.
Un extrait ici.
Certains collectifs se contentent de jouer leurs morceaux, d'autres transforment chaque concert en aventure. Walk Off The Earth appartient clairement à cette seconde catégorie. Ce vendredi 23 octobre, les Canadiens ont investi l’Ancienne Belgique de Bruxelles, animés par une créativité débordante, des instruments insolites et une bonne humeur contagieuse. Révélée en 2012 grâce à sa reprise virale de « Somebody That I Used To Know » de Gotye — interprétée à cinq sur une seule guitare —, la formation a depuis conquis le monde. Malgré deux Juno Awards et des milliards d’écoutes, ce combo conserve sa recette d'origine : un joyeux mélange de pop, rock, folk et d’harmonies vocales, où l’imagination ne connaît aucune limite.
C'est à Crash Adams que revient la mission de lancer les festivités. Originaire de Toronto, le duo canadien cultive une pop lumineuse, nourrie de mélodies immédiates, de refrains fédérateurs et d'une énergie qui rappelle, par certains aspects, les productions les plus enjouées de Maroon 5. La formation s'est notamment fait connaître grâce au titre particulièrement accrocheur « Give Me A Kiss », qui a largement assis sa popularité sur les plateformes musicales et les réseaux sociaux. Disposant d'une demi-heure, Crash Adams doit aller droit au but. Son univers musical semble d'ailleurs parfaitement adapté à cet exercice, caractérisé par des compositions concises, des rythmiques entraînantes et cette volonté permanente de privilégier le plaisir immédiat.
Là où d'autres premières parties peinent à trouver leur place, la proposition du tandem possède tous les ingrédients nécessaires pour instaurer une atmosphère décontractée avant le spectacle principal. La parenté artistique de ce groupe minoritaire avec Walk Off The Earth saute aux yeux : même goût pour les mélodies accessibles, identique volonté de communiquer une énergie positive et même refus de se laisser enfermer dans une conception trop rigide de la pop. Ce projet constitue ainsi un choix particulièrement cohérent pour jalonner cette tournée européenne, offrant à la soirée une couleur résolument festive dès son premier chapitre.
Autre particularité de cette affiche : la présence des Luminati Suns, invités spéciaux dont l'histoire entretient un lien étroit avec Walk Off The Earth. Derrière ce nom se cachent les trois fils de Gianni Luminati et Sarah Blackwood, deux figures essentielles du collectif canadien. Autant dire que la passion musicale se transmet ici en famille. Loin de n'être qu'une anecdote, cette initiative illustre la philosophie qui anime Walk Off The Earth depuis ses débuts. Chez ces artistes, la musique se conçoit avant tout comme une aventure collective, un espace de liberté où chacun apporte sa personnalité, sa créativité et son enthousiasme.
Sous la bannière des Luminati Suns, cette approche prend une dimension supplémentaire. La jeunesse des musiciens, leur proximité avec l'univers artistique de leurs parents et leur intégration à une tournée internationale confèrent au projet une identité singulière. Il y a quelque chose de réjouissant dans cette transmission. À une époque où l'industrie privilégie souvent les productions standardisées, voir une nouvelle génération s'approprier les instruments et développer sa propre expression rappelle que la création reste avant tout une histoire de passion : un joli trait d'union, en parfaite adéquation avec l'esprit convivial de la soirée.
L'atmosphère s'allège après une introduction préenregistrée du mythique combo Queen. Le très mélodique « Superhero » ramène le concert vers des territoires plus émotionnels, avant que l’enchaînement de « On The Road », « Long Way Home » et « Take Me Home » ne fasse souffler un vent de liberté et d’évasion. Ces morceaux traduisent la fascination de la formation pour les voyages, les rencontres et les liens humains — autant de thèmes récurrents dans son univers.
C’est à ce moment précis que se dresse le dispositif tant attendu du "Table Medley". Plus d'une décennie après l'explosion de leur vidéo virale sur Internet, l'incontournable reprise de Gotye, « Somebody That I Used To Know », demeure indissociable de l'identité de Walk Off The Earth. Elle sert ici de point d'ancrage à une traversée musicale particulièrement éclectique autour d'un seul instrument. Le collectif enchaîne les références, glissant de « Anxiety » au classic rock de Kansas avec « Carry On Wayward Son », avant de retrouver les couleurs eighties de « Your Love » (The Outfield). Le voyage se poursuit via « I Can See Clearly Now », s'aventure vers la pop contemporaine de Chappell Roan (« Good Luck, Babe ! », « Pink Pony Club ») et de Taylor Swift (« Anti-Hero »), pour enfin intégrer l'électropop rêveuse de « Fireflies » (Owl City) et la saveur alternative de « Clint Eastwood » (Gorillaz). Les transitions et les harmonies vocales de ce long playing condensé offrent une cohérence totale à ce qui pourrait n'être qu'un juke-box. Le band réinvente ces œuvres et les adapte à sa propre personnalité.
Impossible pourtant de laisser l'effervescence retomber. « Gang Of Rhythm » surgit comme une nouvelle décharge d'énergie, caractérisé par des accents folk-pop et une irrésistible pulsation. Voilà l'une des grandes forces de Walk Off The Earth : proposer une musique immédiatement accessible sans sacrifier l'originalité des arrangements. La séquence « Saxo, Spacedrum Jam » offre ensuite une parenthèse instrumentale captivante. Entre sonorités aériennes et expérimentations rythmiques, le collectif rappelle que sa créativité dépasse le cadre de ses vidéos internet. Derrière l'apparente légèreté du spectacle se cache une solide maîtrise technique, servie par des artistes déterminés à repousser leurs propres limites.
Un changement d'ambiance s'opère avec « I'll Be There », l'une des compositions les plus touchantes de leur répertoire. Là où d'autres morceaux privilégient l'exubérance, celui-ci mise sur l'émotion et la sincérité du propos : une respiration bienvenue dans un show particulièrement dense. « Knock Em Down » remet les pendules à l'heure sous des rythmiques résolument contemporaines. Ce single récent témoigne de la volonté de la formation de continuer à enrichir son catalogue plutôt que de capitaliser uniquement sur son passé.
Le bouquet final confirme ce talent pour l'appropriation. La reprise de « Hey Ya ! » d'OutKast rappelle la faculté du quintette à s'approprier des titres issus d'horizons éloignés du sien. Sous les doigts des Canadiens, le tube conserve son caractère festif tout en trouvant une nouvelle signature. Enfin, « Rule The World » et « Like You A Lot » concluent cette succession de refrains accrocheurs, confirmant l'aisance avec laquelle le groupe navigue entre compositions personnelles et démonstrations scéniques.
Au terme de cette escale bruxelloise, une évidence s'impose : Walk Off The Earth dépasse de loin le simple phénomène éphémère. Ce combo a su transformer son originalité en une identité artistique pérenne, préservant la fraîcheur de ses débuts. Une soirée placée sous le signe du partage et de l'inventivité qui prouve qu'en matière de création, cette formation n'a décidément pas les pieds sur terre.
Setlist Walk Of The Earth
« Red Hands », « Good Company », « Fire In My Soul », « Bet On Me », « Tribal Beat Jam », « Runaway », « Whatever », « Not To Self », « WTN My Song », « Table Medley », « Superhero », On The Road », « Long Way Home, Take Me Home », « Gang Of Rhythm », « Saxo, Spacedrum Jam », « I'll Be There », « Knock Em Down », Hey Ya ! (OutKast cover), « Rule The World », « Knock Em Down », « Like You A Lot ».
« Somebody That I Used to Know » - « Anxiety » - « Carry On My Wayward Son » - « Your Love » - « I Can See Clearly Now » - « Good Luck Babe » - « Anti Hero » - « Fireflies » - « Clint Eastwood » - « Pink Pony Girl ».
(Organisation : Live Nation)
Florent Marchet publie avec mobil home son septième album studio.
À tout juste cinquante ans, le chanteur (également compositeur pour le cinéma et romancier aux éditions Stock) poursuit un parcours singulier dans le paysage musical français, à la croisée de la chanson, du récit social et d’une recherche sonore en constante évolution.
C’est à La Marsa, dans la banlieue de Tunis, que Florent Marchet a écrit l’intégralité de ces nouvelles chansons, nées d’une bascule à la fois géographique, intime et artistique.
Florent Marchet a également choisi de transformer ses habitudes de studio. Sans renier son goût prononcé pour les cuivres et les envolées mélancoliques, il fait évoluer son approche du son. Sa rencontre avec le producteur belge Xavier de Maere a été déterminante. Ensemble, ils ont repensé la méthode : partir, certes, d’un piano-voix ou d’une guitare-voix, mais déconstruire immédiatement les matières acoustiques afin de privilégier les textures et les expériences sonores plutôt qu’un naturalisme frontal. Des sons filtrés, retravaillés, parfois déstructurés, ont ainsi ouvert un espace plus organique, plus stratifié, où la production devient un véritable partenaire d’écriture.
Si mobil home traverse des thèmes contemporains (exclusion sociale, déclassement, masculinités, adolescence inquiète, menace d’effondrement, la cinquantaine), l’album évite le monochrome du gris.
Avec mobil home, conçu entre Tunis, Paris et Bruxelles, Florent Marchet affirme une liberté artistique sans cesse décentrée. Autant conteur que chanteur, il revendique le désir de donner voix aux figurants du récit collectif.
Un extrait ici.
Cette année, le combo R.E.M. célèbre le quart de siècle de Reveal, son douzième album studio paru en mai 2001. Cet opus lumineux aux multiples facettes renferme des titres emblématiques tels que All the Way to Reno (You’re Gonna Be a Star), I’ll Take the Rain ou encore le célèbre Imitation of Life, dont le clip vidéo innovant, réalisé en boucle continue de vingt secondes, reste gravé dans les mémoires.
Pour fêter cet anniversaire, Craft Recordings publiera le 20 novembre une édition spéciale. Celle-ci enrichit le long playing original de The Black Sessions Revealed, un enregistrement inédit de 17 titres capté pour Radio France à Paris, le 7 mai 2001.
Conçu sous la houlette du producteur Pat McCarthy, ce projet a vu le jour entre Athènes, Vancouver, Dublin et Miami. La formation y marie de vastes mélodies pop à des superpositions de guitares, de claviers et de textures électroniques. "Nous ne cherchions pas à concevoir un elpee estival et enjoué, mais c’est ce qu’il est devenu", se souvient le bassiste Mike Mills dans les notes de pochette. "C’est très joyeux, mais aussi mélancolique. J’ai toujours dit que c’était notre œuvre la plus sous-estimée. Elle capture une ambiance unique." Un disque chaleureux à redécouvrir d'urgence.
Le combo de La Nouvelle-Orléans Twisted Teens s'apprête à publier son nouvel opus, The Holy Cross Tigers, le vendredi 6 novembre 2026 chez Sub Pop. Menée par Caspian et RJ « The Razor » Santos, la formation concrétise ainsi sa signature sur le mythique label. Pour accompagner cette annonce mondiale, le duo propose de découvrir deux vidéos officielles : l'histoire d'amour médiévale à haute tension de « When We First Met », réalisée par Anthony Simpkins, ainsi que le clip de « Stalks » mis en images par Bobbi Rich.
Ce disque marque le troisième projet du band pour la seule année 2026, succédant aux elpees Blame the Clown en janvier et Florida Water Blues en juillet.
Star Moles, le projet d’Emily Moales basé à Philadelphie, annonce avoir signé chez Dead Oceans, qui sortira son nouvel album, « Highway to Hell », pour la première fois en vinyle le 4 décembre, et dévoile un nouveau single accompagné d’un clip, « Born Again ».
L’opus transcendant de Star Moles, « Highway to Hell », est une véritable déclaration d’intention, annonçant l’arrivée d’un talent singulier, prêt à percer. Produit par son collaborateur régulier Kevin Basko (Rubber Band Gun) et avec la participation de membres du collectif créatif Historic NJ Recordings d’Emily et Kevin, notamment Sam Sullivan (guitare) et Jem Seidel (batterie), « Highway to Hell » propose des « morceaux de bedroom pop psychédéliques et décalés » véhiculant « des paroles qui sautent aux oreilles, des mélodies qui restent en tête, et un équilibre parfait entre une familiarité réconfortante et une nouveauté exaltante » (Brooklyn Vegan).
Dans le titre « Born Again » sorti il y a peu, Moales travaille une nouvelle fois en compagnie de Basko, qui a mixé et enregistré la compo dans son studio Historic New Jersey. À propos de ce morceau, elle explique : « Le problème quand on écrit quelque chose de vrai, c’est que ça ne peut pratiquement pas être narratif. Que l’on soit en colère, triste ou amoureux, le sentiment lui-même est une exagération. Essayer de dire la vérité dans une chanson en expliquant « voilà ce qui s’est passé » ne me satisfait pas. « Born Again » est une représentation d’une véritable frustration. La meilleure façon pour moi d’exprimer ce sentiment est d’utiliser une voix puissante et des mots qui mythifient ». La chanson est accompagnée d’un clip vidéo entièrement tourné à South Philly et réalisé par Lucky Marvel.
Depuis qu’elle a enregistré ses premiers morceaux sur bande numérique en 2017, Emily Moales fait ce que tout grand artiste se doit de faire : créer, perfectionner son art et trouver sa voix à son propre rythme, dans un relatif anonymat. Au fil des années, elle a exploré de multiples facettes d’elle-même. Ses précédentes parutions (sept elpees, plusieurs EP et d’innombrables singles) étaient souvent de nature fantastique et conceptuelle, s’inspirant de la littérature et de la mythologie. C’était pour elle une évasion nécessaire lorsqu’elle était adolescente dans la paisible Nouvelle-Angleterre, puis en tant que jeune adulte confrontée à l’angoisse sourde d’une pandémie mondiale.
Elle a aujourd’hui 27 ans et ne sort toujours pas beaucoup, mais ces derniers temps, elle ne ressent plus le besoin d’aller chercher l’inspiration si loin. Elle se découvre une envie de composer une musique qui ressemble à celle qu’elle aime et de chanter sa vie dans la magnifique ville de Philadelphie.
Le clip vidéo de « Born Again » est disponible là
Avec sa reprise du titre « What Shall We Do Now » de Pink Floyd, créé pour le film The Wall en 1982, le groupe bruxellois efface les frontières entre rock industriel, post-metal, prog et darkwave, créant une collision entre l'organique et le synthétique. Entre mélancolie oppressante et dimension viscérale, Thot saisit toute la brutalité et la vulnérabilité de ce morceau troublant. Cette 'cover' est extraite de la compilation « The Dungeon Tapes », publiée le 28 août dernier par le label allemand Pelagic Records et disponible depuis le 11 septembre sur Bandcamp.
Grégoire Fray, de Thot, explique: "Je me souviens de la première fois que j’ai entendu — et compris — cette chanson. J’étais au lycée, dans les années '90. J'ai été fasciné par la puissance et la pertinence intemporelle des paroles de Roger Waters. Écrites au début des années '80, elles semblaient trouver un écho profond dans le monde dans lequel je grandissais.”
La reprise est accompagnée d'une superbe vidéo réalisée par l'artiste. Il précise qu'elle constitua “un exercice intéressant car il fallait créer une œuvre visuelle et narrative à la hauteur des paroles”.
“So, what shall we do now?" Listen to and watch this amazing cover:
Pour plus d'infos, c'est ici.
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