The Flying Bones est un duo rock / garage aux multiples inspirations naviguant entre le rock psychédélique fuzz à la Thee oh Sees, le vacarme organisé du math rock de Pneu et le zouk / rock de Francky Goes To Pointe-à-Pitre.

Véritable boulet de canon, le tandem sait délivrer une expérience généreuse bien qu'équipé d'un équipement minimaliste (batterie, guitare, pédales d'effets, ampli guitare et basse ainsi que deux chants).

Obsession, isolation, musculation... Voici en quelques mots la trame de "Muscles" le dernier clip du duo garage-punk-psyché The Flying Bones qui est à découvrir ici

On y découvre un protagoniste se donnant cœur et âme à la musculation et plongeant petit à petit dans la folie. La callisthénie : une obsession comme une autre.

Inspiré par l'humour inquiétant et décalé de Quentin Dupieux, le tout est accompagné par un titre musical répétitif, énergique et dynamique rappelant le mythique Thee oh Ssees ou encore les originaux Snapped Ankles.

Indie pop, le nouvel elpee de Lucie dans le ciel, « Sauvage et Vivante », est à la fois envoûtant, aérien, subversif et contestataire.

Après la parution en novembre 2017 de son premier Ep « Tako Tsubo » sous le pseudonyme Lux’s Dream, elle en un deuxième, intitulé « Three », au printemps 2019. Elle accompagne également, sur scène, les artistes Rosemarie et Erotic Market en tant que claviériste / machiniste.

Aujourd’hui, elle chante principalement en français et c’est pourquoi elle a choisi de se présenter sous un nouveau nom : Lucie dans le ciel ; mais toujours dans ce même univers : onirique, un peu sombre, et cependant diaphane et coloré d’éclats de synthétiseurs.

Soutenue par le label Microcultures, elle sort son premier LP « Ombres » qui prend genèse dans l’exploration de ses propres zones d’ombres en 2022.

« Sauvage et Vivante », son nouveau long playing, aborde des thèmes multivoques, du féminisme à la solitude choisie, du polyamour à l’exaltation des premières rencontres, de l’écologie à notre rapport émotionnel à la nature.

Lucie dans le ciel, telle une sorcière des sons, nous propose ici une indie pop toujours aérienne et psychédélique contrastée par une énergie plus brute, une délicieuse potion inspirée par des artistes tels que PJ Harvey, Chris Clark, Hania Rani, Dominique A, Halo Maud. Sur cet elpee, Lucie dans le ciel marque à nouveau son chemin d’une nouvelle formule musicale où elle ne se prive de rien, ne se censure pas, où elle est définitivement sauvage et vivante.

Le clip consacré à « Mâle dominant » est disponible là

Dixième album et retour en grâce pour Arman Méliès, l'un des acteurs les plus discrets de la chanson française.

Après Obake (2023), double album maximaliste aux volutes synthétiques saluées par la critique, il nous propose un nouvel opus épuré et littéraire, où le folk astral de ses débuts, patiné par le temps, n'aura jamais été si incarné et si ardent. Irradié de poésie, « Ambrosia » fait la part belle aux guitares acoustiques et aux textes. Emily Dickinson et Andrée Chedid notamment, ont été de véritables sources d'inspiration pour ce disque, en emmenant Arman dans des territoires d'écritures plus lumineux, où les paysages pastoraux se sont imposés comme l'arrière-fond de ce disque.

Épaulé par le batteur-percussionniste américain Adam Bradley-Schreiber, qui milite notamment au sein de Timber Timbre, et par la violoniste Pauline Denise, Arman a donc enregistré seul, entre Detroit, Paris et la campagne gâtinaise, cet « Ambrosia » épuré et lumineux, avant de confier le tout aux mains expertes de Yann Arnaud (Dominique A, Camille, Air, Syd Matters, Alex Beaupain...)

Le résultat : une liturgie païenne qui n'est pas sans évoquer Jean-Louis Murat ou le spleen habité de Feu Chatterton, pleine de soleil et de questions à mi-chemin entre les balades patraques de Tom Waits et les incantations apaisées de Nick Cave.

Le clip de « Requiem pour un Pou » est disponible ici

Influencée par des artistes comme Damien Rice, Daughter et Phoebe, Bridgers Benni est une auteure-compositrice-interprète belge dont l’univers folk libère des émotions à fleur de peau.

Finaliste du Concours Circuit en 2020, elle s’impose rapidement sur scène en ouvrant pour Cœur de Pirate, November Ultra ou encore Clara Ysé, et en se produisant dans des lieux emblématiques tels que le Cirque Royal, le Botanique et les Francofolies de Spa.

Son premier Ep, « Bleeding Colours », paru chez PiaS, est une immersion dans un monde sensible où sa synesthésie donne une teinte unique à chaque note et émotion. À travers sept titres intenses, Benni transforme une histoire d’amour tumultueuse en une fresque sonore poignante, de la déclaration passionnée (« You ») à la rupture (« September 20 »), jusqu’au deuil musical de « Queen of Cove ».

De sa voix captivante et grâce à une sincérité brute, Benni trace sa route avec détermination et poésie, laissant derrière elle des morceaux d’émotion pure qui résonnent bien au-delà des notes

« September 20 » est en écoute ici

« basho basho basho » constitue le troisième et dernier single de marcel, avant la sortie de son deuxième album « ô fornaiz ».

A la base de ce morceau de noise-punk un peu primitif, il y a cette ligne de basse insistante, obsédante, qui fait écho à une image : un trou noir, symbole de création et de destruction, de permanence et de changement à la fois. Une image qui rend fou. La source de chaleur par excellence, qui glace le sang des humains lorsqu’ils tentent d’en aborder le mystère. L’incarnation du mystère-même, tellement énorme qu’il en devient presque hilarant.

Dérision du savoir, de la certitude et de tous les dogmes fondateurs, le trou noir est ainsi mis en perspective avec le concept de basho (場所), découvert dans un livre d’initiation ‘à la phénoménologie japonaise’ de l’école philosophique de Kyoto, qui tentait de concilier la tradition du bouddhisme zen avec les travaux d’Heidegger sur l’ontologie.

Haha ! Attendez, la suite est encore plus trépidante. 

Ce que marcel en a retenu vaut bien une messe : c’est à dire rien de bien folichon. Mis à part que le monde et la conscience proviennent du néant absolu et aspirent à y retourner. En gros. Entre le départ et l’arrivée, un ensemble de mues, plus ou moins consenties, agitent l’individu qui déterre une version différente et semblable de lui-même chaque fois qu’il se réveille dans son lit, tout cela sans jamais comprendre pourquoi il se sent poussé à se déterrer chaque jour, même lorsqu’il prend le temps de lire un livre d'initiation à la phénoménologie japonaise. On tâtonne, on lève les sourcils en émettant des ‘hmm...hmm...’ Tout cela ne nous protège même pas du fascisme. Autant lire un manuel de pêche sur l’amorçage pratique, c’est plus rigolo. Quoique.

Le clip consacré à « basho basho basho » est à voir et écouter là

Au travers d'un rock alternatif décalé, Felancolie vous fait rêver d'un bonheur approximatif. Et le problème avec le bonheur, c'est qu'on n'en a jamais assez. C'est pourquoi son nouvel Ep, « Terne Gris Bleu », nous réserve un nouveau regard sur sa soif d'émancipation. Deux singles sont déjà parus, dont « Ciel Bleu », accompagné d’un clip enjôleur. Bien plus qu'une simple envie de fermer les yeux, ces chansons explorent la quête de la joie dans un monde désillusionné.

Entouré de David à la basse, Carlos à la batterie et Sarah au saxophone, le groupe poursuit son exploration d'un rock alternatif belge, qui puise son inspiration chez Philippe Katerine, The Velvet Underground, Odezenne, teinté d'humour et de poésie.

Le clip de « Ciel bleu » est disponible ici

Après avoir électrisé les Transmusicales, TVOD annonce la sortie de son deuxième album, « Party Time » qui paraîtra ce 9 mai chez Mothland.

En attendant, il a partagé un single/clip vidéo intitulé "Uniform". Le band de Brooklyn déploie ici un titre dystopique et saturé mis en images avec ce même esprit. S'en échappent un jeu de fuzz acharné et des guitares alarmantes menées par la diction claire de Tyler Wright pour nous parler de ce monde qui s'écroule. 

Si le titre de l'elpee suggère une certaine légèreté, "Party Time" est plutôt porteur d'une écriture introspective, racontant les réalités douces-amères de la scène underground new-yorkaise et son lot de trahisons, addictions et désenchantements.

Probablement l'œuvre la plus organique du groupe à ce jour, "Party Time" a été enregistré live off-the-floor en célébration de la camaraderie qui lie les musicien.ne.s, entre Brooklyn et Montréal en compagnie de Félix Belisle (La Sécurité, Choses Sauvages) et Samuel Gemme au Gamma Recording Studio (Corridor, Population II, La Sécurité).

Le clip est à découvrir là

Après les singles "Don't Hold Me Back" et "Fallin", Attic Birds lève le voile sur "Beyond The Waves", son nouvel Ep. Au programme : six pistes solaires, dans lesquelles indie rock et émotions s'entrelacent dans un voyage introspectif et lumineux.

Attic Birds signe un Ep à fleur de peau, où chaque morceau capture une étape d'un voyage émotionnel entre doutes, espoirs et renaissances. Portés par des guitares électriques organiques et des nappes de synthés envoûtantes, ces nouvelles compos oscillent entre l'énergie solaire et la mélancolie intime.

Né dans un grenier partagé avec des oiseaux – métaphore d'un rock à la fois enraciné et profondément aérien – Attic Birds façonne, depuis 2012, un son vibrant inspiré des grands noms de la scène indie rock internationale, tels que Kings of Leon, Radiohead, Foals ou Editors.

"Fallin" est à voir et à écouter ici

Après la sortie de son premier album « Mascarades », en octobre dernier, Edouard van Praet a commencé 2025 sur les chapeaux de roues, en partant au Québec pour une tournée de 5 dates toutes complètes !

Dans la foulée il a consacré un clip à « L'Allumé », chanson pop/trance aux teintes rappelant les années 2000, qui fait chaque fois rentrer le public dans une transe extrême ! Le titre évoque le tiraillement d'un homme coincé entre l'oubli de soi dans la fête et l'alignement aux normes de la réalité sociale. Entre pop française et dance music, la chanson balance entre un sentiment de liberté totale et les regrets profonds d'une autre vie.

Sur scène, l’énergie est brute, le show sauvage, oscillant entre rock, glam et techno dans un chaos maîtrisé. Affichant des attitudes de crooner damné et de punk maniéré, Edouard impose une signature scénique magnétique qui ne laisse personne indifférent. Le rock flirte avec l'électro, les ballades hantées à la Tom Waits se mélangent à des déflagrations techno fiévreuses. Il brouille les frontières avec une aisance déconcertante.

La vidéo de « L'allumé » est disponible ici

Si les habitués ne seront pas étonnés de croiser au détour d’une nuit filante, un cachalot (« Antilopes »), des écrevisses (le sublime « Carquois »), ou des Mome Raths (l’euphorisant « Canon-Fleur »), ils frissonneront sûrement quand Nesles tombera l’un de ses masques pour se dévoiler à mots découverts. Pour solder quelques comptes au cours d’une autopsie sans concession (« Anatomie/Rien à foutre »). Pour feuilleter des albums de vacances remplis de polaroïds jaunis (« 1976 »). Ou pour marteler son manifeste artistique (« Beckett »).

Coïncidence ? Évidemment non. Beckett a choisi le français contre sa langue maternelle pour mieux s’approcher de l’essentiel. Alors Nesles fait comme le père de Malone. Car s’il chante en français, sa grammaire musicale originelle n’est pas hexagonale. Hanté par les assauts tendus du post-punk, biberonné aux vapeurs éthérées de la dream/cold/new wave, shooté aux accords écorchés des seigneurs du songwriting d’outre-Manche façon Barrett ou Drake, Nesles ne cesse de recommencer pour ne pas se répéter.

Sur cet opus, il décide de revenir aux sources : la chanson. La chanson qui doit tenir toute seule comme une grande, portée par la seule voix du chanteur et quelques accords de piano ou de guitare. La chanson qui pourra ensuite se parer de quelques atours sans perdre son intégrité. Ici, les chœurs célestes de Blaubird (« Carquois », « Anatomie/Rien à foutre ») ou les ondes harmoniques d’un synthé semi-modulaire. Là, le featuring joyeusement décalé de Dominique A (« 1976 ») ou celui vibrant de la comédienne Juliette Plumecocq-Mech (« Agfa Chromes »).

Sur « Barocco », Nesles ouvre une nouvelle brèche dans notre routine apathique et morne. En se recentrant sur ce qui l’habite, il nous invite à le suivre sur une route aussi surréaliste qu’intimiste, familière qu’étonnante. Et si sa gueule est pleine de pensées obscures et obscènes, il le sait : ‘même à la mine quelque chose brille’. Ce quelque chose, c’est souvent une chanson. Comme celles de cet opus à la beauté enivrante, bande-son idéale d’un monde lui-même sacrément baroque.

Le clip de « 1976 » est à voir et écouter là