Comment aborder le second ouvrage d’une formation décrite par certains critiques anglais comme ‘le groupe le plus fade jamais entendu’ ? Une chose est certaine, il ne s’agit pas ici d’une énième hype. Loin de là. Mais à l’écoute de ce « Instant Coffee Baby », on ne peut s’empêcher de penser que nos amis britons peuvent parfois manifester une sacrée mauvaise foi, quand ils le veulent. Bien qu’il ne risque pas d’établir des records de vente ou de marquer les annales, ce recueil titille gentiment les tympans de ses mélodies simples et abouties. Le genre de ritournelles qui s’écoutent au bureau en bruit de fond, certes, mais qui ont également le potentiel d’abonnir l’exécution du labeur le plus assommant. Le folk bluesy de The Wave Pictures, influencé par The Smiths ou Hefner, évoque, par séquences, les premiers travaux d’Adam Green et Herman Düne ou encore ceux de Stanley Brinks (ex-Herman Düne !) et The Mountain Goats.

« Instant Coffee Baby » n’est pas le type d’album qui subsistera longtemps dans la pile des ‘albums à écouter en boucle’ mais l’harmonie et l’ingénuité des treize morceaux de la galette sont tout simplement irrésistibles.

Mist est un duo originaire d’Amsterdam. Il propose ici « Period », son troisième opus. Ecrit et enregistré entre 2005 et 2008, « Period » fait suite à des « We Should Have Been Stars » et « Bye Bye » passé inaperçus hors de la frontière linguistique. Il est triste de constater que ce nouvel ouvrage, à l’écoute de son contenu en demi-teinte, risque fort de connaître la même destinée. Des morceaux tels que « Born In The Summer Of Love », « Escape Lane », « Going On » et « Grand And Humble » attestent de la recherche d’authenticité et de la volonté de la formation de sortir des sentiers battus. Mais la majorité de ce « Period » se fond inexorablement dans la masse et les influences évidentes et convenues (Radiohead, Coldplay et consorts) de Mist s’étalent de long en large au sein de la plaque. Les quatre morceaux précités valent assurément le détour. Dommage que le reste ne suive pas…

The Old Haunts est au rock ce que Judith Godrèche est au cinéma français : une potiche fadasse et anecdotique, jouant constamment de la même manière. « Poisonous Times » est une œuvre irritante ; et même une écoute ultra rapide n’y change rien. De plus, les tentatives flagrantes de Craig Extine d’interpréter ses écrits de la même manière que Jack White sont, au bout de quelques morceaux, tout à fait risibles. Seules les ballades (« Sunshine », « Hung Up On The Down Side », « In Revolt » et un « Dressed As Thieves » à la Babyshambles) donnent du cachet à l’ensemble, évitant ainsi la nausée à l’auditeur réfractaire. En bref, « Poisonous Times » est un de ces recueils qui finiront par encombrer le fond des bacs de soldes…

Les illustrations de certaines pochettes sont parfois très trompeuses. Les apparences font alors naître des appréhensions qui se révèlent, par la suite, tout à fait absurdes. Et « Entanglements » en est le plus beau témoignage. Le troisième ouvrage de Parenthetical Girls nous rappelle gentiment à l’ordre. Et pour cause, on imaginait, de prime abord, que sa musique allait osciller entre noise et autres expérimentations. L’habit ne fait pas le moine. Les Washingtoniens le prouvent en réunissant onze titres entremêlant l’ingéniosité des travaux de Beirut ou Final Fantasy et l’élégance d’un Rufus Wainwright ou d’un Divine Comedy.

Quelques notes au piano, quelques accords de violons, une voix plaintive –mais pas trop– et Parenthetical Girls parvient à amadouer l’auditeur en quête de délicatesse, même si l’impression d’avoir déjà entendu telle ou telle mélodie de cet « Entanglements » continue de vous poursuivre, toute la durée de la plaque. Ce qui n’empêchera pas le mélomane d’apprécier pleinement la beauté des arrangements du quatuor et plus particulièrement ceux d’un « Unmentionables » agréablement jazzy et de « Windmills Of Your Mind », très jolie adaptation des « Moulins de mon cœur » de Michel Legrand. « Entaglements » démontre en un peu plus d’une demi-heure que derrière les pochettes les plus laides peuvent parfois se cacher de bien belles surprises…

Il faut le reconnaître, Dido, de son vrai nom Florian Cloud De Bounevialle Armstrong, ne profiterait peut-être pas du même succès que celui dont elle jouit actuellement si ce n’était pour les petits pistons qui l’ont amenée là où elle en est aujourd’hui. Après avoir fait ses premières armes en compagnie de son frangin, Rollo, au sein de Faithless en 1995, l’Anglaise cède un sample de son titre « Thankyou » à Eminem en 2000. Celui-ci en fera tellement bon usage sur le méga-carton « Stan » que les ventes de « No Angel », le premier ouvrage de la demoiselle publié en 1999, décollent du jour au lendemain. Quelques nouvelles collaborations avec Faithless plus tard, elle publie « Life For Rent » qui connaîtra à peu près le même succès que son précédent elpee.

Cinq ans plus tard, Dido publie « Safe Trip Home » dont le mot clé est manifestement « Safe ». Bien qu’elle se soit entourée de pointures (Brian Eno, Jon Brion, Citizen Cope, Mike Fleetwood), la blondinette ne surprend pas. Les onze extraits de ce nouvel opus s’inscrivent dans la droite lignée de ses travaux précédents. Malgré une production ultra bien léchée, « Safe Trip Home » souffre d’un manque de soubresauts, si bien que l’on aimerait secouer l’interprète, lui coller une gratte à la main et la forcer à se lancer dans un Heavy Metal de derrière les fagots.

Il faut reconnaître cependant que Dido ne déçoit pas. Ses petites pastilles Pop sont toujours les plus impeccables qui soient. De plus, l’écriture est loin des clichés du genre et certains extraits parviennent même à faire taper du pied (« Us 2 Little Gods », le single « Don’t Believe In Love » ou « Let’s Do The Things We Normally Do », proche d’un Psapp). Le résultat se traduit par un « Safe Trip Home » pas désagréable pour un sou et s’écoulant d’une traite sans que l’auditeur ne ressente un quelconque ennui. Une gentille petite plaque, sans prétention, aucune.

Retenu par plusieurs publications et autres webzines comme l’une des meilleures œuvres de l’année 2008, « The Hawk Is Howling », la sixième œuvre de Mogwai, est effectivement de celles que l’on souhaiterait avoir écouté en temps et en heure pour les tops de fin d’année. Une critique dithyrambique s’impose donc. Histoire de se racheter. Précédé par le single « Batcat », mariage retentissant du Post-rock et du Heavy Métal, « The Hawk Is Howling » est une collection de dix morceaux qui marque un retour aux sources. Les Ecossais ont par ailleurs opté pour la production d’Andy Miller qu’ils avaient délaissés durant une bonne décennie. Entre morceaux éthérés et tourmentés, cette nouvelle brochette irréprochable est un cadeau inespéré pour les fans de la première heure. Il concilie en effet la splendeur de « Young Team », l’intensité de « Rock Action » et l’ambition de « Happy Songs For Happy People » tout en se débarrassant des défauts de « Come On Die Young » et des mimiques adoptées sur les plus récents « Mr. Beast » et « Zidane : A 21st Century Portrait ».

Mogwai se réinvente également à travers des morceaux plus singuliers, tels que « The Sun Smells Too Loud », « Daphne And The Brain » ou l’émouvant « Scotland’s Shame ». Une écoute prolongée de « The Hawk Is Howling » révèle une subtilité encore plus prononcée qu’auparavant dans le travail de la formation. Le quintet est parvenu à se surpasser et éradique les pyrrhonismes engendrés par un « Mr. Beast » qui avait divisé fans et critiques. Mogwai a donc recouvré son grade de premier de classe. Une position parfaitement méritée.

Nigérienne exilée en Allemagne, Nneka publie son second ouvrage, « No Longer At Ease », l’album de la révélation. Précédé par l’excellent single « Heartbeat », ce nouveau recueil est une introduction bien fournie (16 morceaux) à un univers mêlant sans complexe Hip Hop, Soul, Rock et l’Afrobeat à la Fela Kuti. Injustement comparée à Lauryn Hill, Nneka fait partie de ces artistes qui gravent leurs travaux d’une évidente passion ainsi que d’une certaine honnêteté. Et originalité, surtout ! Assurément, la jeune femme bouillonne d’inspiration. Elle étale celle-ci tout au long d’un recueil qui fait souvent mouche mais souffre également de ce foisonnement d’idées incontrôlées. Les principales faiblesses de « No Longer At Ease » sont en effet un manque de cohérence et une durée qui peut s’avérer contraignante. D’autant plus que quatre ou cinq extraits de l’ensemble auraient pu en être soustraits sans porter atteinte à l’âme de l’œuvre.

Nneka n’a cependant rien à envier à ses grandes sœurs américaines, Erykah Badù en tête. Car malgré ses longueurs, « No Longer At Ease » est un deuxième recueil fouillé, passionnel et résolument ancré dans les racines africaines de son interprète. Nneka Egbuna est un nom à retenir, si ce n’est déjà fait.

Entre 2003 et 2006, la discographie de Ryan Adams n’a cessé de gonfler. De l’affreux « Rock’n’Roll » au splendide « 29 », le compositeur en aura fait voir de toutes les couleurs à ses fans, révélant plusieurs facettes de sa drôle de personnalité. Après une petite année sans actualité, Adams publiait discrètement « Easy Tiger », à la rentrée 2007. Passée quasiment inaperçue, l’œuvre, pourtant d’assez bonne facture, annonçait un petit passage à vide que l’homme avait mis à profit pour se débarrasser de son amour pour la bouteille. Une désintox plus tard, il revient sur le devant de la scène accompagné pour la troisième fois par ses Cardinals, orchestre composé de Chris Feinstein, Jon Graboff, Brad Pemberton et, surtout, Neal Casal.

« Cardinology » fait donc suite au moyen « Cold Roses » et au bien supérieur « Jacksonville City Nights ». L’œuvre s’ouvre sous les meilleurs auspices. « Born Into A Light » dévoile un Ryan Adams posé et des Cardinals maîtrisant leur Americana à merveille. Trop beau pour être vrai. Suivi par les insipides « Go Easy » et « Fix It », le morceau d’ouverture n’est qu’un faux espoir. Le Californien s’enfonce dans une structure bien trop uniforme. Et les vocalises, calquées sur un certain Bono, confirment le râteau. Il réitère donc ce que les critiques lui reprochaient lors de la publication de « Rock’n’Roll ». Ici, l’obstination ne fonctionne pas et « Cardinology » perd rapidement tout son intérêt. Le résultat ? Une anecdote de plus dans la discographie du jeune homme.