Pas de supporting act ce soir au Cirque Royal : le légendaire groupe de Ian Anderson occupe la scène d’entrée de jeu. Pour votre serviteur, il s’agit d’une toute première rencontre en direct avec Jethro Tull. On sait que Ian Anderson, figure de proue du groupe, n’hésite pas à critiquer certains comportements du public, en particulier l’usage intempestif des téléphones portables et les interruptions sonores déplacées. Force est de constater que son vœu est respecté à 98 %. Le concert s’inscrit dans la tournée ‘The Seven Decades : The World Tour’, une célébration de 58 années de musique et d’histoire, portée par l’énergie intacte d’Anderson et de ses musiciens.
Fondé en 1967 autour de son frontman et flûtiste écossais Ian Anderson, Jethro Tull demeure un ovni incontournable du rock britannique après près de sept décennies d’existence. Anderson est le premier à avoir intégré la flûte dans un univers dominé par les guitares saturées, et il en fait encore aujourd’hui son arme de scène, grâce à un chant saisissant et une présence toujours aussi théâtrale. Alors que nombre de groupes historiques se reposent sur leur gloire passée, Jethro Tull, désormais concentré autour de la vision d’Anderson, reste d’une activité remarquable. Ces dernières années, le groupe a enchaîné trois albums : « The Zealot Gene », « RökFlöte » et le tout récent « The Curious Ruminant ». Tous figurent dans la setlist actuelle, même si, naturellement, ils s’inclinent face aux monuments intemporels du répertoire que sont « Aqualung » et « Thick As A Brick ». La discographie regorge de classiques que le public réclame sans relâche et que le combo délivre généreusement. Au-delà de ces hommages au passé, Ian Anderson a tenu à mettre en avant « The Curious Ruminant », dernier chapitre de la saga Tull. Le long playing, qui réunit 9 titres oscillant entre 2 minutes et près de 17 minutes, mêle folk rock, textures acoustiques et réminiscences progressives. Une manière de renouer avec l’héritage foisonnant des années 1970, tout en affirmant que Jethro Tull est loin d’avoir dit son dernier mot. Aujourd’hui encore, à 78 ans, Ian Anderson assure toujours le spectacle. Il tire toujours parti de son style vocal particulier et de ses performances impressionnantes. Il n’a aucunement perdu la voix : elle demeure presque identique à celle de ses débuts.
Le concert commence légèrement en retard, dans une salle comble. Le groupe est en pleine forme et semble prendre autant de plaisir que le public. Jethro Tull a de quoi remplir une soirée entière de classiques, d’« Aqualung » (qui sera le rappel, où tout le monde pourra filmer et prendre des photos souvenirs) à « Thick As A Brick ». C’est exactement ce que les spectateurs attendaient, et la formation tient ses promesses.
Les musiciens prennent place. Le seul changement notable est le remplacement du guitariste Joe Parrish par le nouveau venu Jack Clark. Pour le reste, le line up demeure inchangé depuis la reformation de 2017. Soit Dave Goodier à la basse et John O’Hara aux claviers – tous deux présents depuis 2007 – ainsi que Scott Hammond aux drums. Ensemble, ils soutiennent avec constance et virtuosité l’inimitable Ian Anderson. Certes, sa voix n’a plus l’amplitude d’antan et ses facéties scéniques se sont un peu assagies, mais il reste fascinant à regarder. Vif, excentrique et étrangement charmeur, flûte en main, il mène la charge avec ce grain de folie qui fait sa marque de fabrique. Par moments, il s’accompagne aussi d’une petite guitare semi-acoustique, ajoutant une touche d’intimité à l’ensemble. La folie typiquement anglaise d’Anderson est, bien sûr, le point central, mais la véritable star du spectacle est la musique elle-même. Les chansons de Tull sont complexes et exigeantes, mais le combo actuel leur rend justice. Leur jeu est détendu sans jamais être relâché, précis sans paraître stérile. Si l’on a un reproche à faire – et l’on en a toujours – c’est que ce spectacle est encore une fois exclusivement assis, ce qui donne plus l’impression d’une soirée au théâtre que d’un concert de rock. Certains morceaux sont vraiment rock, beaucoup sont très dansants, et même les morceaux folk incitent à bouger. On aurait aimé pouvoir se lever et se déhancher un peu. Mais vu que l’âge médian du public était probablement égal, voire supérieur, à celui des membres du groupe (et que certains spectateurs étaient même assez jeunes), une configuration debout aurait peut-être présenté des risques médicaux.
Le show se déroule en deux parties. La première s’ouvre par « Beggar's Farm », issu du premier album This Was (1968). Très marqué par le blues, teinté de rock et d’expérimentations qui paraissaient audacieuses à l’époque mais semblent aujourd’hui presque convenues, le morceau prend vie grâce à la flûte de Ian Anderson, magistralement exécutée tandis qu’il arpente la scène avec son énergie caractéristique. Du même elpee, vient ensuite « Some Day the Sun Won't Shine for You » : Anderson, touche-à-tout éclectique, insuffle au morceau un parfum de folk-blues où la flûte, parfois approximative mais toujours audacieuse, trouve toute sa place. L’harmonica complète l’ambiance, ancrant le blues au cœur du concert. Le public est ensuite emporté vers « A Song for Jeffrey », toujours tiré de « This Was ». Les visuels projetés en arrière-plan enrichissent l’atmosphère et plongent la salle dans l’univers de chaque chanson. Puis le monumental « Thick as a Brick », extrait de l’album éponyme de 1972, véritable concept-album de rock progressif, embraie. Plus complexe et éclectique que les œuvres précédentes, il demeure proche, dans l’esprit, d’« Aqualung ». Véritable pierre angulaire du groupe, ce morceau phare confirme le statut de « Thick as a Brick » comme l’un des chefs-d’œuvre incontournables de Jethro Tull.
Retour ensuite à « Aqualung » (1971) à travers « Mother Goose ». Premier disque où le groupe affirme pleinement son identité rock-folk-hard-progressive, « Aqualung » alterne entre pièces acoustiques délicates, proches de Cat Stevens ou de « Led Zeppelin III », et morceaux plus puissants tels que le titre éponyme » ou « Locomotive Breath ». C’est l’un des long playings les plus aboutis et emblématiques du band. Le voyage se poursuit par « Songs from the Wood » (1977), titre éponyme du long playing où Tull revient au folk-rock, riche en sonorités bucoliques et en arrangements progressifs. La première partie s’achève sur « Bourrée in E Minor », adaptation virtuose de Bach devenue l’un des classiques de la formation.
Après une pause de vingt minutes, la reprise s’effectue par « My God » (« Aqualung »), porté par un blues habité et des chœurs épiques. S’ensuit un petit instrumental inédit, puis le public découvre « The Zealot Gene », extrait du dernier opus paru cette année. Jethro Tull y démontre qu’il sait se renouveler sans jamais renier ses racines.
Enfin, le final explose lors des incontournables « Budapest », « Aqualung » et, en rappel, l’inévitable « Locomotive Breath ». Une claque musicale qui rappelle que Jethro Tull, à l’instar de Yes ou de Pink Floyd, reste un groupe intemporel, traversant les âges sans perdre ni son ingéniosité ni sa puissance créative.
Setlist :
Première partie
« Beggar's Farm », « Some Day The Sun Won't Shine for You », « A Song For Jeffrey », « Thick As A Brick », « Mother Goose », « Songs From The Wood », « Weathercock », « The Navigators », « Curious Ruminant », « Bourrée In E minor » (Johann Sebastian Bach cover).
Deuxième partie
« My God », « The Donkey and the Drum », « The Zealot Gene », « Over Jerusalem », « Budapest », « Aquadiddley », « Aqualung ».
Rappel : « Locomotive Breath »
(Organisation : Greenhouse Talent)
Comme le clament The Stands au début de leur concert, ils sont de Liverpool. Ca se voit… et ça s'entend. Leur single 'Here she comes again' ne reflète que partiellement les influences et le style du groupe. Pour en savoir davantage, il est donc préférable d'écouter le premier opus. Croisement parfait entre les La's et Love, leur musique est teintée de psychédélisme 60's. Leurs morceaux sont parsemés de longs solos de guitare. Ce soir, ils achevaient leur tournée en première partie de Jet. Ils se sont surpassés en essayant de nous replonger jusqu'aux racines du rock. En apothéose, ils ont dispensé pour dernière chanson de leur set : « The way she does ». Ils reviennent au Bota le 5 avril, en supporting act des Shins.
Jusque dimanche, Jet se résumait à 'Are you gonna be my girl', un single qui nous a réchauffés tout cet hiver. J'avais écouté le cd d'une oreille distraite. Et j'étais passée à côté d'un vrai groupe rock, dans le sens le plus noble du terme. Ces Australiens sont incroyablement énergiques sur scène. Ils sautent, hurlent, incitent le public à se déhancher. Le groupe enchaîne les titres plus rageurs les uns que les autres… Tiens, on dirait ACDC sur 'Roll over DJ', tandis que pour 'Move on' le groupe affiche davantage de douceur. Et même dans ces moments là, le concert reste intense. Ce qui frappe le plus en les découvrant, outre leurs mélodies électriques? Leur jeunesse. Ils semblent ne pas avoir franchi le cap de l'adolescence. Leur rage aussi. Et puis leur façon de transformer la moindre note en un véritable choc électrique. Pour eux également, ce soir constituait la dernière date de leur tournée. Pour célébrer l'événement, le batteur chantera le premier rappel en solo. Une performance fabuleuse. A l'image du reste de la soirée d'ailleurs…
En 2004, The Van Jets remportait le Humo Rock Rally. Depuis, on peut affirmer que le quatuor ostendais a fait du chemin. Son cinquième elpee, « Future primitives », est paru en octobre dernier. Mais on se souviendra surtout de son tube, « The future », qui a littéralement squatté les ondes de Studio Brussel, au cours de l’année 2010. Un véritable hymne pour toute une génération issue du Nord de la Belgique.
Le supporting act est assuré par The Equal Idiots, un duo qui pratique du rock/garage énergique, à la croisée des chemins de The Experimental Tropic Blues Band, Mountain Bike et Black Box Revelation. Originaire de Hoogstraten, il a gravé son premier opus, « Eagle Castle BBQ », en juin dernier. Il implique le chanteur/guitariste Thibault Christiaensen et le drummer Pieter Bruurs.
Les sonorités de gratte sont instinctives, huileuses, graisseuses même. La frappe du batteur est à la fois primaire et métronomique. Pensez aux Ramones ! On aura cependant droit à une reprise étonnante du « Ca Plane Pour Moi » de Plastic Bertrand, une version qui reflète l’esprit bien punk du tandem. Et la prestation va s’achever par un « Put My Head In The Ground » sismique…
Johannes Verschaeve est coiffé de son éternel chapeau noir et chaussé de souliers de couleur rouge. Il se consacre à la guitare et au chant. Il est soutenu par son frère Michael, aux drums, le second gratteur Wolfgang Vanwymeersch et le bassiste Frederik Tampere. Ce soir, le line up est enrichi d’un claviériste, probablement engagé pour accompagner le quatuor en tournée. Tant derrière que devant, des toiles, de dimensions différentes, ont été tendues. Y sont reproduits, tantôt le titre du dernier long playing, un soleil, un revolver, des signes cabalistiques ou un majeur pointé vers l’avant.
Le musique de The Van Jets puise son inspiration à la fois chez Bowie, The Stooges, T. Rex, les Stones, et parmi les bands les plus contemporains, The Raconteurs et les Black Keys. Bref, pas de contestation, les références sont bien rock’n’roll, même si le tout est régulièrement assaisonné à la sauce électro. Et l’ensemble tient la route. En outre, charismatique, le vocaliste ne tient pas en place et arpente le podium, de long en large.
Issu du dernier LP, « 21st century boy » ouvre le concert. Incontestablement, malgré les boucles électro, c’est un clin d’œil adressé à Marc Bolan (NDR : ce titre !) Quatre autres plages de ce nouvel essai figureront dans la set list. « Rewild » d’abord. Un morceau caractérisé par ses cordes torturées à la manière de Jimi Hendrix, sur « Highway chile ». Puis le sémillant « Fiction vs Fiction », réminiscent des B52’s. Et encore le bondissant « Bang », moment choisi par Thibaut Chrisiaensen, le chanteur/guitariste de The Equal Idiots, pour rejoindre le band et se lancer (NDR : bondir ?) dans la fosse afin d’entamer un long exercice de crowdsufing. Puis enfin, cadencé par ses sonorités électro hypnotiques, « Days On Clouds », un titre qui donne pourtant libre cours à l’agressivité des six cordes. A cet instant, le volume sonore est vraiment à son paroxysme. Et pourtant, il faut avouer que si les compos sont sauvages, les mélodies restent soignées. Verschaeve ose également un petit plongeon dans la foule, pendant « Ready Made Wild Life »…
En rappel, le frontman interprète le bluesy « Here Comes The Light », alors que ses acolytes assurent uniquement les chœurs. Et bien sûr, c’est le hit « The future » qui clôt définitivement le show.
(Organisation : Ancienne Belgique + Live Nation)
Chanteur/guitariste, Lew Jetton vit aujourd’hui dans le Tennessee. Ce qui ne l’empêche pas de présenter la météo sur une chaîne de télévision locale, à Jackson. Ses débuts, il les a accompli dans le Kentucky voisin, au sein de 61 South, à partir de 1994. Et il va finalement en devenir le leader. Depuis le début de ce millénaire, le band à gravé quatre elpees, dont ce "Palestine blues", qui reflète une période difficile traversée par Jetton, ces 10 dernières années. Une décennie au cours de laquelle il a été confronté aux addictions à l'alcool et aux drogues, à la dépression, à la frustration et à l'absence de travail! "Palestine" est un quartier de Paducah qui abrite une communauté urbaine où il vit! La Palestine est aussi bien sûr un lieu de conflit, c'est un peu ce qu'il a vécu lui-même. Dix épisodes personnels, qui bénéficient, pour l'essentiel, du concours de la section rythmique de 61 South ; en l’occurrence le batteur Erik Eicholtz et le bassiste Otis Walker.
"Will I go to hell" pose d’emblée une question existentielle. Introduite par des sonorités de cordes empruntées à John Lee Hooker, la plage est rapidement contaminée par l'harmonica percutant de J.D. Wilkes (NDR : il a autrefois, milité au sein de 61 South et se consacre, depuis de nombreuses années, au chant, chez les Legendary Shack Shakers). Un brûlot abordé à la manière d’un boogie. Les riffs rythmiques sont puissants tout au long de "Oh my my", un rockin' blues dont le vocal solide ouvre la voie à envol enflammé sur les cordes. Ballade roots, "For the pain" est un morceau savoureusement suranné. Remarquable, la voix de Letton rappelle parfois celle du Van Morrison de la grande époque. Des riffs ‘rollingstoniens’ découpent "Mexico", une piste aux tonalités southern rock. Excellent ! Shuffle entraînant, "Sold us out" annonce le retour de J.D. Wilkes à l'harmonica ; et ses interventions sont toujours aussi saignantes ! Imprimé sur un mid tempo, "Don't need no devil" macère dans le delta. Les percus d’Erik tirent parfaitement leur épingle du jeu, alors que la voix est possédée et autoritaire. Très soudée, la section rythmique balise le troublant "Christ have mercy". Elle talonne les cordes du leader qui crachent des notes menaçantes. Roots/rock, "Drama" ne manque pas de charme. Une compo qui se singularise par l’excellente intervention vocale. Et l’elpee de s’achever par "Bout time", un blues/rock rapide et de toute bonne facture…
Originaire du Tennessee, Lew Jetton a longtemps partagé son emploi du temps entre la musique et les prévisions climatiques. Ce chanteur/guitariste a ainsi longtemps bossé comme présentateur de la météo, sur une chaîne de télé locale. Dès 1994, il est engagé au sein de 61 South, un groupe établi dans le Kentucky ; un combo au sein duquel militait alors l’harmoniciste Col JD Wilkes des Legendary Shack Shakers. A ce jour, le collectif a commis trois opus : "State Line Bues", en 2000, "Tales from A 2 Lane", en 2006, et "Rain", en juin dernier. Soit après dix ans d’attente. Les sessions se sont déroulées au Coffee Street de Paducah, dans le Kentucky. Jetton est un artiste qui a plus d’une corde à son arc. Au chant, il est particulièrement convaincant. A la guitare, c’est un musicien affirmé. Et ses compos sont excellentes.
"Who’s texting you" ouvre l’elpee. Bien rythmé, ce superbe blues est très proche du style de Memphis. Spécifiquement southern, malgré son ton légèrement funk, il bénéficie d’interventions de guitares soignées, des interventions que se réservent Jetton et Alonzo Pennington, invité pour la circonstance. De bonne facture, "Move on Yvonne" adopte les accents swamp de la Louisiane, des accents entretenus par le vocal flemmard et l’harmonica tonique de Col J.D Wilkes, une piste au cours de laquelle J Solon Smith siège derrière le piano alors que Miranda Louise (NDR : issue de Nashville elle a notamment accompagné Lonnie Mack et Stevie Ray Vaughan) épaule Lew aux vocaux. Un riff bien acide et réverbéré hante "Mississippi rain", un titre alimenté par d’excellentes cordes, pendant qu’Erik Eicholtz imprime autoritairement le tempo et que Wilkes se révèle toujours aussi déterminé sur son harmonica. "Lay me down" est une ballade qui ne manque pas de style. Le chant est expressif et l’orgue de Dan Bell particulièrement chaleureux. Superbe ! Caractérisé par sa touche de country/gospel franchement savoureuse, le bref "Glory train" est à la fois rythmé, dynamique et rafraîchissant. Signé John Hiatt, "Feels like rain" campe un blues lent très roots. La voix de Lew est brûlante. Et tout est parfaitement mis en place, dans un univers southern, que domine l’orgue Hammond et la guitare de Sam Moore. Boosté par la section rythmique, "Done done it" est un blues/rock particulièrement entraînant. Blues plus classique, "Sandy Lee" est une plage nonchalante. Les cordes acoustiques et le piano de Smith y tirent parfaitement leur épingle du jeu. Un des meilleurs morceaux de l’elpee ! Chicago shuffle, "Keeping me awake" est un autre blues excitant. Le titre final nous replonge dans le climat de la Nouvelle Orléans. A travers une excellente version du "It’s raining" d’Allen Toussaint. Soutenue par les ivoires de Smith, la voix de Lew est éclatante. Excellent !
C’est en 2006 que des gamins issus du quartier londonien de Twickenham publient « Making Dens ». Des jeunes encadrés par Henry Harisson, père de Blaine, l’actuel leader du groupe. Le paternel prend néanmoins rapidement du recul et laisse son fils et ses amis continuer leur chemin, sans guide… Et le parcours des Mystery Jets devient sinueux. Dix ans et quatre elpees plus tard, les Anglais peuvent se targuer d’avoir exploré de nombreux styles musicaux. D’abord un poil expérimentale, la musique des Mystery Jets a glissé vers une pop tendre avant de s’aventurer dans le rock, pour finalement atterrir dans le folk yankee. Réalisé au sein de la campagne texane, « Radlands », gravé en 2012, reflète parfaitement cette dernière option.
Quatre ans plus tard, le band nous propose « Curve Of The Earth ». Le line up implique un nouveau bassiste. Et la musique opère un retour aux sources, par la même occasion. Pas de prairies, mais une ancienne usine de boutons sise à Londres, pour servir de décor aux sessions d’enregistrement. Le contraste entre les lieux est saisissant. Tout comme le style entre cet opus et les précédents. Bref, le band a concocté plus que probablement l’album de la maturité. Découpé en 9 plages, son titre et la pochette rappellent immédiatement le « Dark Side Of The Moon » du Pink Floyd ; et ce n’est pas un hasard. Ce quatuor mythique insulaire constitue la source principale d’inspiration de Mystery Jets. Tout au long de « Curve Of The Earth », Mystery Jets aborde des thèmes existentiels liés à l’univers, la vie à l’autre bout du monde, l’exploration de soi, le sang, etc. Elles sont bien loin les chansons qui se contentaient de relater des histoires d’amourettes, comme « Young Love » ou « Two Doors Down » !
Et pourtant, le groupe a continué de composer des morceaux sans prétention. Des compos trempées dans une pop délicate mais terriblement addictive, à l’instar de l’entraînant « Bubblegum », susceptible de provoquer une véritable débordement de joie. Mielleuse, la voix de Blaine Harisson rend la plupart des compos accessibles. Les effets sonores sont judicieusement dispensés. Comme sur « Tellomere », la chanson d’ouverture, « Midnight’s Mirror » ou encore sur « Blood Red Balloons », une piste balayée par une guitare atmosphérique.
L’elpee s’achève par le sublime « The End Up » (NDR : choix judicieux pour ce morceau !) D’une durée de 6 minutes 30, cette ballade mélancolique est ponctuée d’une explosion magistrale, invitant le mélomane à écouter ce « Curve Of The Earth », en boucle. A mon humble avis, la plage la plus réussie du long playing. Qui est probablement le meilleur du band à ce jour, et constitue le fruit d’une expérience acquise pendant une bonne décennie. Pas de doute, « Curve Of The Earth » est un des premiers albums incontournables de ce début d’année !
L’Objet est une formation issue de la région lilloise. Fondée en 2003, elle s’est déjà illustrée en supporting act de groupes notoires comme Russian Circles, Shipping News, Troy Von Balthazar ou encore DAAU. En outre, elle a également eu le loisir de participer à plusieurs ciné-concerts. Arnaud Boulogne et Julien Harpagès sont donc loin d’être des néophytes. A l’origine, le line up campait un trio. Réduit à un duo, le combo nous propose déjà son quatrième opus, « Toucan ».
Malgré son curieux patronyme, le combo dispense une musique intéressante et diablement efficace. Découpé en 6 plages, cet elpee navigue entre kraut-rock et post-rock. Pensez à Aucan ou à Maserati. Les deux musicos intègrent des lignes de guitare au cœur de rythmiques captivantes, tout en arrosant le tout de synthés tout droit sortis des 70’s. Même si l’expression sonore est essentiellement instrumentale, certains titres bénéficient de vocaux bien sentis, communiquant alors un plus grand raffinement au sens mélodique (« Abidjan », « Transparent »).
Bref, comme « Toucan » brille par son originalité, L’Objet mérite donc une attention toute particulière.
Petites célébrités locales, les lads de Mystery Jets comptent déjà 3 albums à leur actif. Si le pop/rock de ces Insulaires véhicule des accents psyché, il faut reconnaître que leur expression sonore lorgne de plus en plus vers les States. Leur précédent elpee, « Serotonin », en était une belle illustration.
Et pour concocter « Radlands », les Anglais son allés au Texas ! En regardant l’illustration de la pochette, les intentions de Mystery Jets sont claires. Et puis il y a le titre de cet opus. Fruit d’une contraction entre celui du premier film de Terence Malick (Badlands) et le nom de la maison de Keith Richards (Redlands). En enregistrant ce disque dans l’Etat pétrolier cher aux Bush(s), le quatuor allait-il carburer à la super yankee ? Pas vraiment ! En fait, si on décèle des interventions à la slide, un zeste de country et un chouia de chœurs gospel dans leur musique, l’ensemble de l’œuvre nous renvoie carrément aux Kinks. Et en début de parcours, la formule fonctionne à merveille. Depuis le titre maître qui ouvre l’album (NDR : très réussi, par ailleurs), jusqu’au très référencé single « Greatest Hits ». Mais, progressivement, la formation s’essouffle, sans pour autant jamais démériter, lorgnant même en chemin, vers Erland & the Carnival (« The Nothing ») ou Blur (« The Ballad of Emmerson Lonestar »).
Mungolian Jet Set réunit deux artistes norvégiens, Pal Nyhus et Knut Petter Saevik ; un duo qui puise essentiellement son inspiration dans l’électro et le disco. Et quand on parle de disco on pense inévitablement aux seventies. A ses boules à facettes et aux pattes d’éph’.
Découpé en 8 titres, « Schlungs » constitue déjà le troisième opus du band.
« 2010 – A space Woodysey » ouvre l’elpee. Il évoque inévitablement le film de Kubrick. Enfin presque. Le jeu de mot est quand même subtil. Et ce titre est plutôt agréable, respectueux de la bande son originale tout en se révélant suffisamment travaillé pour s’en différencier. Un bon démarrage donc.
Malheureusement, la suite est moins drôle. La forme, aussi la production que le mixing, est irréprochable. Mais le fond est anodin voir fadasse.
Les titres s’enchaînent parfaitement et bénéficient d’arrangements bien équilibrés. Mais il manque un petit quelque chose, une dynamique susceptible de rendre cet elpee différent. Un peu comme si le tandem avait eu peur d’expérimenter. La première plage avait pourtant démontré qu’il en était capable. Elle méritait donc un prolongement. Qui n’est jamais venu. Faute de deuxième étincelle, l’elpee n’a jamais décollé. Il s’avère donc sympathique mais sans prétention et s’adresse évidement aux adeptes du genre…
L’Objet est une drôle de chose. Fondée en 2003, dans le nord de l’Hexagone, elle nous revient flanquée d’un 3ème Ep, intitulé, « Plank », partagé en 6 morceaux. Récemment devenu duo, ce combo lillois pioche à gauche et à droite des éléments musicaux pour concocter sa musique. Et ses influences ne sont pas toujours faciles à discerner, même si son expression sonore évolue dans une forme de post-rock contaminé par la pop et le shoegaze. Six plages instrumentales –sans le moindre temps mort– imprimées sur un tempo hypnotique. Mais pour baliser des compos sculptées dans une pop aussi légère que celle de Battles, parce que nourries aux guitares, loops et claviers. Un bel Objet, pas nécessairement volant, mais finalement parfaitement identifié…
En 2006, Mystery Jets publiait « Making Dens », une première œuvre sans saveur, sans détermination. Depuis, les Britons ont publié un deuxième essai, « Twenty One », orienté pop électro, passé quasi-inaperçu. Ils ont ensuite quitté Warner Music pour rejoindre le circuit indépendant. Grand bien leur en a pris tant « Serotonin » se démarque de la première bouse pop qu’ils avaient engendrée. Plus proche de l’univers de Syd Barrett, leur héros ultime, ce troisième labeur présente un quatuor qui prend enfin conscience de son potentiel et de la direction à prendre pour exploiter ce dernier au maximum. Les Londoniens délivrent onze morceaux de pur rock british parsemés d’une dose idéale de synthés. Il leur reste bien entendu de la marge pour progresser mais des titres tels que « Dreaming Of Another World », « Serotonin », « Show Me The Light » et « Melt » sont de véritable tubes en puissance, susceptibles d’amener Mystery Jets un chouïa plus près de la lumière des spotlights. Ne reste plus qu’à espérer qu’ils continuent sur la même voie.
The Van Jets avait remporté l’édition 2004 du Humo’s Race Rally. Organisé par le magazine flamand, ce concours bisannuel se déroule à l’Ancienne Belgique et consacre tous les deux ans, un groupe en devenir. Evil Superstars, Das Pop, Admiral Freebee ou encore plus récemment Hickey Underworld, en sont certainement les plus illustres lauréats. Donc, cette épreuve accouche rarement de mauvaises surprises.
Le premier essai de la formation ostendaise n’est cependant paru qu’en 2007. Une publication qui leur a permis d’entamer un périple à travers l’Europe, mais également de se produire sur les scènes des festivals belges (Pukkelpop, Dour, Rockwerchter). En Flandre, le groupe jouit d’une certaine notoriété. En cause, plusieurs hits qui ont sévi au sommet des charts pendant plusieurs semaines. Malheureusement, il faut bien reconnaître, que de l’autre côté de la frontière linguistique, la popularité du combo en est encore à ses premiers balbutiements. En concoctant, « Cat Fit Fury ! », The Van Jets a donc décidé de séduire le public du Sud du pays.
Lors de la confection de cet elpee, la troupe des frangins Verschaeve a bénéficié du concours de Jon Gray (The Subway, Editors, The Kooks) à la mise en forme. Quant au mixage, il a été opéré par Greg Gordon (Wolfmother, Jet, Soulwax). Côté technique, le combo a donc fait le max.
« Cat Fit Fury ! » est sculpté dans une forme de pop/rock glamoureux bien britannique. Un fil conducteur : les guitares. Une plage comme « Our Head » puise ainsi manifestement son inspiration chez David Bowie. La voix de Johannes Verschaeve ne manque pas d’expression. Et il le démontre à nouveau sur « Matador », un des meilleurs morceaux de l’opus, au cours duquel, son timbre puissant se fond parfaitement dans les lignes de gratte électriques. Imprimé sur un tempo entraînant, le single « The Future » est un hit potentiel (NDR : des deux côté de la frontière linguistique ?) Plus langoureux, « Comes The Crying » évoque même les White Stripes. Mais le reste ne propose strictement rien de révolutionnaire. On a même parfois l’impression d’avoir déjà entendu certains morceaux. Attention, « Cat Fit Fury ! » n’est pas un album de mauvaise facture. Il recèle même d’excellents titres ; mais il est vraiment trop inégal et souffre d’une trop grande carence en originalité pour convaincre. Surtout si le public est très exigeant… Ce sera peut-être pour la prochaine fois ; encore que « The Future » est un tube en puissance, et il suffirait que les radios décident de le diffuser, pour que The Van Jets trouve l’ouverture. Enfin c’est tout le mal qu’on lui souhaite.
L'Avo Session Basel est un festival qui se déroule d’octobre à novembre à Bâle. L’an prochain, il fêtera d’ailleurs son 25ème anniversaire. La particularité de ce rassemblement procède de l’organisation de concerts intimistes (NDR : tables, chaises, chandelles et proximité des artistes à la clef), ainsi que de nombreuses (re)diffusions en radio et télévision. Sans oublier la confection de Dvds immortalisant ces événements.
Comme celui auquel a participé Jethro Tull, automne de l’année dernière. Pour la circonstance le groupe a privilégié ses classiques, dont de nombreuses chansons, écrites à leurs débuts. Depuis « Serenade to a Cuckoo » à « Living in the past », en passant par « A new day yesterday », « Bourée » (NDR: la célèbre adaptation de Bach), “Nothing is easy” et “My Sunday feeling”. Sans oublier les inévitables “Thick as a brick” (NDR: un extrait), “Aqualung”, “Too old to rock & roll, too young too die” et le tubesque “Locomotive breath”. Bien sûr, l’audience qui assiste au set, n’est plus toute jeune ; et elle ne se lève que lors de ce dernier morceau. Pas très rock & roll tout ça. Mais bon, le public de la bande à Ian Anderson a probablement le même âge que lui. Soit entre 55 et 65 ans (NDR : Ian est né le 10 août 1948). N’empêche, l’Ecossais pète la forme ; et puis à la flûte, il est toujours aussi fantastique. Sa voix a perdu un peu de timbre (NDR : raison pour laquelle il a dû arrêter les clopes), mais heureusement pas ses inflexions si caractéristiques. Et son groupe, constitué de vétérans, étale toute son expérience. Y compris Martin Barre à la guitare. Après presque 40 années de bons et loyaux servies, ce serait un comble pour ce gratteur limité. Mais qui fait quand même partie de la légende. On a même droit à un solo de batterie aussi ridicule que ringard. Anderson souffle un peu dans un harmonica et nous rappelle qu’il excelle à la sèche ; d’ailleurs les sonorités alors libérées par ses cordes vous flanquent des frissons partout, nous rappelant que le Tull a aussi vécu une période folk fort intéressante (NDR : à contrario de son épisode métallique, complètement grotesque). Ce Dvd s’adresse bien évidemment aux sexagénaires et aux quinquas qui ont toujours la nostalgie d’une certaine époque. Personnellement, j’avoue toujours être séduit par le sens mélodique des chansons de cette formation mythique ; mais estime que si Jethro Tull a écrit une des plus belles pages de l’histoire du rock & roll ; en 2009, il est, à l’instar de Marc Ysaye et George Lang, « Living in the past »…
Pour un concert de rentrée au Bota, We Were Promised Jetpacks constituait une véritable attraction. Raison pour laquelle je m’étais déplacé afin d’assister leur set. Cette formation écossaise s’est d’ailleurs forgé une excellente réputation. Surtout depuis la sortie de leur premier elpee, « These Four Walls », paru le 15 juin dernier. Le combo accomplit aujourd’hui la dernière date de sa tournée. Et Adam Thompson, le leader, promet que la soirée sera réussie. Il tiendra parole…
Rendez-vous donc au Witloof Bar. Une salle de petite taille, mais qui accueille un parterre bien garni. Etonnant pour un groupe aussi peu notoire tant en Belgique qu’à travers le monde. Les quatre musicos débarquent vers 20h30. Ils sont très jeunes mais semblent très à l’aise. Sculpté dans le rock, le début de leur set est tendu et hanté. Mais je ne connais guère leurs compos. Pourtant, les chansons séduisent d’emblée. A cause des mélodies qui libèrent une belle dose d’énergie et d’émotion. Et puis du drumming particulièrement impressionnant de Darren. La plupart des morceaux débutent en mode mineur avant d’exploser sous de véritables déflagrations soniques. A l’instar de « It’s Thunder And It’s Lightning », « Quiet Little Voices » ou encore, « The Conductor » ; manifestement des sommets de leur prestation.
La formation avoue pour influences majeures Frightened Rabbit, The Twilight Sad et le Biffy Clyro originel. C’est indéniable. J’ajouterai Futureheads et Arcade Fire, à des degrés divers. Ce qui explique pourquoi leur power-rock teinté de post-punk, responsable de petits hymnes très efficaces, est susceptible de séduire un public bien plus large. Véritable source de talents, l’Ecosse n’en finit plus de surprendre. Agréablement, bien sûr ! Après Mogwai, Franz Ferdinand, Belle And Sebastian ou encore The Phantom Band, il faudra compter sur We Were Promised Jetpacks…
(Organisation Botanique)
Jet Black Crayon est une formation née en 1999. Tommy Guerrero venait de convaincre deux complices susceptibles de partager les mêmes perspectives musicales, de tenter l’aventure d’un groupe. Depuis, il faut reconnaître que le projet est en constant développement, et qu’il a acquis une fameuse réputation dans le monde de la découverte musicale.
« In The Interim » constitue une nouvelle étape dans leur exploration musicale. Pour y parvenir, le trio de San Francisco a reçu la collaboration de différents compositeurs. Des réalisateurs de films. L’univers sonore de « In The Interim » est troublant, atmosphérique, mélancolique. Alimenté par quelques beats cérébraux, des cordes de guitares douces, des rythmes drum’n bass et un piano aux accords profonds, le disque audio passe néanmoins trop vite pour pouvoir être apprécié à sa juste valeur. Faut dire que 26 minutes, c’est un peu court. Par contre, le Dvd prend une toute autre dimension. Ce magnifique voyage dans le monde audiovisuel propose une série de sept courts métrages mis en musique par le combo. Et il faut reconnaître que l’association entre l’image et le son est une parfaite réussite. Le trio yankee s’est d’ailleurs investi totalement pour atteindre son objectif. Et apparemment, l’‘Art Concept’, c’est vraiment son truc. D’ailleurs, on se demande si le projet ne risque pas de récolter davantage de succès dans le cadre d’une exposition d’art contemporain que lors d’un concert…
C’est le ‘petit’ Forest National qui accueille ce soir le mythique Jethro Tull. La salle est bien remplie, mais pas sold out. C’est dire que l’évènement rassemble trois à quatre mille personnes. Score honorable pour un groupe certes emblématique, mais sans actualité et aux performances scéniques en dents de scie. Le public est mélangé : quinquas et quadras, majoritaires, se mêlent à de plus jeunes, dont certains visiblement encore aux études-leurs enfants ? Le groupe, il est vrai, n’est pas bien loin des quarante ans de carrière. Me concernant, j’ai assisté à mon premier concert de Jethro Tull ici même, en 79.
Premier constat : le père Anderson-chanteur rencontre de vrais problèmes. Son chant est poussif, manque de puissance et ne s’aventure plus du tout ni dans les attaques dures, ni dans les aigus (et ce qui n’arrange rien, c’est qu’il est parfois sous-mixé). L’artiste en est parfaitement conscient et gère clairement son show de façon à s’économiser. Par contre, Anderson flûtiste a bonifié au fil du temps. La flûte est d’ailleurs la vraie vedette de la soirée, tant elle ne quitte plus que rarement les mains du maître, pour le plus grand bonheur des fans. Fidèle à la tradition, l’homme en jouera sur une seule jambe à plusieurs reprises. C’est pourtant à l’harmonica qu’il inaugure son concert, interprétant un vieux blues, seulement accompagné de son vieux complice Martin Barre. Lequel se révèle toujours aussi redoutable à la guitare.
Jethro Tull pourrait se contenter d’un show très classique et satisfaire facilement son public en alignant ses morceaux les plus connus dans des versions convenues. Mais Anderson a ce très grand mérite de toujours chercher à s’amuser sur scène. C’est pourquoi il propose souvent des versions revisitées de ses standards. Ainsi, ‘Aqualung’ patiente derrière une longue intro décoiffante, ‘Jack in the Green’ ne reconnaît plus son ventre, et même une relique aussi vénérable que « Bourée » n’échappe pas au dépoussiérage. « Thick as a Brick », dans sa version contractée et dynamisée, s’avère quant à lui un des points forts du concert, au même titre que « My God ».
En bref, Jethro Tull a fourni une prestation tout à fait honorable, énergique et enthousiaste, teintée d’humour british (les claviers sont dissimulés dans un… piano à queue) et d’autodérision. Et après un seul rappel (« Locomotive Breath »), le band a pris congé d’un public ravi !
(Organisation : Live Nation)
Vainqueur du Humo’s Rock Rally en 2004, The Van Jets vient d’enregistrer son premier album sur son propre label, Belvédère Records. Un groupe belge que la presse du Nord du pays ne tarit pas d’éloges. Le titre de ce disque ? « Electric Soldiers ». C’est également celui du single destiné à faire connaître la formation ostendaise. Et surtout son engagement politique. Influencé – suivant ses propres dires – par Bowie, Thin Lizzy ou encore The Datsuns (dont ils ont assuré la première partie, en 2006, à l’AB), le band pratique un rock, à première écoute, clair. Pourtant, lorsqu’il est volontairement mixé, il se révèle un peu plus ‘crade’. Très entraînant, bourré d’énergie positive, le cd est découpé en 12 titres parfois un peu courts. Dommage d’ailleurs que le band ne s’autorise pas davantage de développements instrumentaux. Une exception qui confirme la règle : « Run ’n’ Hide », un morceau un peu plus long et logiquement le plus captivant de l’opus. Les riffs de guitare électrique alimentent efficacement un rythme soigneusement et pertinemment construit. Un bon moment à ne pas écouter au garde à vous ; mais plutôt en prévoyant une activité physique à la hauteur de l’ambiance générale du disque… Rompez !
Aaah, ce difficile exercice du second album… Certains groupes devraient vraiment s’abstenir. Après la salve de critiques dithyrambiques adressées à « Get Born », les Australiens de Jet ont sans doute imaginé remettre le couvert en nous pondant à nouveau le même canevas wok’n’wol. Le côté tranchant en moins. Pas de tube de la trempe de « Are You Gonna Be My Girl ? » ou « Cold Hard Bitch ». On ne s’en plaindra pas vu la surexploitation de ces morceaux. Mais, pris dans leur ensemble, « Shine On » et sa série de ritournelles tantôt sympathiques (« Rip It Up », « Eleanor », « Come On Come On »), tantôt casse-couilles (« Stand Up », « That’s All Lies », « Shiny Magazine ») ont, à la longue, une fâcheuse tendance à exaspérer. Bref, le genre de disque qui nous fait hurler ‘Ta gueule !’ avant de se rendre compte que l'on s'adresse à la chaîne hi-fi. S’habiller comme un Beatle et hurler à la AC/DC dans le micro, il en faut bien plus pour convaincre…
En provenance du New Jersey, ces quatre touffes ébouriffées sont à l’image du monde entier : câblés en permanence sur les chaînes télé. A l’écran, les derniers clips de Green Day et Jimmy Eat World passent en boucle. A s’en décoller la rétine ! Lobotomisés, Misha Safonov (chanteur et guitariste d’origine russe), le batteur américain Dan Di Liberto et les deux Roumains, Vlad et Matei Gheorghiu, consacrent leur jeunesse à singer les riffs télévisés de leurs modèles médiatisés. Aussi, à son tour, Jet Lag Gemini pourrait-il se payer une petite gloriole. Le temps d’un gentillet single pop-punk (« Don’t Leave Me Hanging »), le groupe squatterait le téléviseur. Pop-punk ? D’ici, on voit déjà quelques crêtes vertes fluo s’hérisser... A la grande tristesse des fans des Ramones et autres Damned, les blousons cuivrés de Jet Lag Gemini sont taillés pour les charts... Cependant, ces quatre enfants ne sont pas méchants. « Business » renferme 6 titres énervés à écouter sur une rampe de skate entre un ‘ollie’ et un ‘flip’. Mais une fois la planche au placard, le « Business » peut attendre...
En février dernier, les Mystery Jets s’évertuaient à faire vibrer une Orangerie pleine à craquer, en première partie de leurs compères, The Subways. En vain. La prestation, plutôt tiède, ne laissa que le souvenir vague d’un groupe qui se faisait légèrement chier sur scène. Ce sentiment, on le garde un peu à l’écoute d'un « Making Dens » quelconque. A l’exception du semi instrumental « Diamonds In The Dark » et de la plage d’ouverture « You Can’t Fool Me Dennis / Purple Prose », le sextet donne l’impression de s’emmerder royalement et qu’il ne délivre là que le résultat d’une commande. Ok les gars, c’est cool de faire de la musique et d’être dans un groupe de rock mais faudrait peut-être y mettre un tout petit peu de passion et d’originalité. Bref, circulons (NDLR : circulez ?), y’a rien à entendre…
Anorak Supersport est un des derniers labels à avoir fait son apparition dans le paysage musical belge. Suite à une judicieuse politique artistique, il peut déjà se vanter d'avoir signé une série de projets musicaux qui ont déjà rencontré un succès critique et public. On peut citer Showstar (fortement influencé par la pop anglaise), Jéronimo (et ses comptines désabusées) ou encore Starving (baigné dans une électro-pop sur fond d'affres sexuelles féminines).
A l'instar des deux derniers projets cités, Projet A7 a uniquement recours à la langue de Molière. Les sept membres du collectif proposent une dizaine de morceaux teintés d'électro estampillée années 80, sur lesquels plusieurs voix racontent plus qu'elles ne chantent (NDR : habitude fastidieuse et récurrente de la chanson française d'aujourd'hui) leurs vicissitudes. A cheval entre Alain Chamfort et Jean-Louis Murat (en moins inspiré), on a bien du mal à entrer dans l'univers froid de Projet A7 ; et l'abus de vocoder et de vocalpitch utilisés sur les voix n'arrange pas les choses. Musicalement peu inspiré, la multiplication de tics sonores faisant référence aux années 80 (comme par exemple ces guitares funky façon Gainsbourg période " You're under arrest "), même si cette tendance semble être à la mode aujourd'hui, ne rend pas aisée l'écoute de l'album, plongeant l'ensemble dans une désagréable uniformité.
Pour expliquer le concept fumeux de ce maxi 7 titres, reposons-nous sur le dossier de presse : ‘Le Projet A7 est un collectif de 7 personnes ayant un lien étroit avec la musique (…) Chacun des 7 participants crée un son, une mélodie, un événement sonore. C'est le premier tour. Les 7 embryons de morceaux passent ensuite d'un joueur à l'autre, chacun traitant la matière reçue à sa façon, en ajoutant, retirant ou modifiant les éléments qu'il veut’. Et cetera. Si c'est un ‘jeu’, autant dire qu'il n'amuse que ces géniteurs, 7 ‘anonymes’ qu'on pense avoir déjà croisés chez Anoraksupersport sous le nom de Jeronimo, Crystal Palace, Pink Satellite, Starving, Showstar, Nietzsche et Gagarine…. Les sept groupes signés par le label huttois ! Attention : c'est une supposition, en rien une certitude… Les sept zozos qui ont signé ce maxi n'ont en tout cas pas peur du ridicule : voilà de l'électro-pop de basse classe, sans inspiration ni séduction, aux relents snobs nauséabonds. Du foutage de gueule, pas moins : 7 titres dont 5 remixes pour illustrer ce concept à la masse, parfait pour se flatter l'ego entre potes, mais nul pour accrocher l'auditeur. On espère que cette flatulence pleine de suffisances les fera réfléchir quant à l'intérêt de leur démarche collective, peut-être louable sur papier, mais au final d'un nombrilisme affligeant.
Une voix d'hôtesse de l'air nous invite à voyager en compagnie de ce jeune équipage français. Un voyage agréable, aux tempos bien enlevés. Le son compact d'un trio soudé séduit toujours. Bénéficiant du concours de Daniel Presley à la production (NDR : il a notamment travaillé pour les Breeders et Faith No More), Alpha Jet atteint rapidement sa vitesse de croisière. Mais il ne franchit pas le mur du son. Rien à redire à la compagnie aérienne, le service est nickel. Mais quelques turbulences pendant le vol secoueraient le voyageur, lui apporteraient quelques surprises au cours de cette escapade trop conventionnelle, dans le registre power-pop (NDR : ils citent les Dandy Warhols et les Undertones pour références majeures). C'est d'autant plus vrai qu'Alpha Jet adopte en quelque sorte l'idée du " concept album ", à travers ces multiples références aux voyages aériens, intersidéraux, ou tout simplement auto-routiers. En soi, c'est plutôt sympa ; mais en l'occurrence, cela accentue le caractère répétitif de l'album. Que ces réticences ne nous fassent pas oublier l'essentiel : Alpha Jet a fait un décollage très prometteur. Au fil des vols, l'équipage gagnera certainement à avoir l'audace de s'éloigner de temps à autre des lignes trop bien tracées.
Avant d’opter pour le patronyme des Umajets (Atlanta), l’ex-Jellyfish, Tim Smith et l’ancien chanteur de Holly Faith, Rob Aldridge, se produisaient en duo sous le nom de Thing 1 Thing 2. Ils n’interprétaient alors que des compositions exclusivement acoustiques, enregistrant d’ailleurs l’un ou l’autre disque dans le même registre. Si la musique des Umajets, dispensée tout au long de ce " Swollen ans tender ", est beaucoup moins dépouillée, incluant l’un ou l’autre arrangement, un zeste d’électricité ou une pincée de drums, de piano, de basse ou de xylophone, elle demeure basiquement folk. Cependant, à l’instar de Cast, la formation accorde un soin tout particulier aux harmonies vocales et au sens mélodique, que nous pourrions qualifier de très contagieux…
Lorsqu’on vend 60 millions d’albums en un peu plus de trente années d’existence, dans un domaine aussi pointu que la musique rock progressive, décrochant au passage deux numéros un aux States, on mérite assurément le statut de légende. A l’instar de Yes, Genesis circa Peter Gabriel, Vander Graaf Generator ou King Crimson. Ce qui n’a pas empêché Jethro Tull de connaître une période relativement creuse au cours des eighties, avant de revenir en force, il y a plus ou moins cinq ans. Sous une forme folk rock tout d’abord, style au sein duquel il a toujours excellé. Puis par le biais de la sortie de deux opus intéressants. En l’occurrence l’œuvre solo de Ian Anderson " Divinities ", instrumental aux accents classiques, pour ne pas dire symphoniques. Puis, le très étonnant, " Roots to branches ", digne de " Thick as a brick " voire d’" Aqualung ". C’était il y a déjà quatre ans.
Aujourd’hui, " J-Tull dot com ", qui ne sort plus chez Chrysalis, mais Papillon (NDR : cherchez l’astuce !), nous a laissé un goût de trop peu. Ian n’a rien perdu de son talent de flûtiste et possède toujours ce baryton chaleureux et profond. Mais le retour de Martin Barre (NDR : qui a dit Martin Guerre ?) n’est pas très judicieux. Parce que le style lourd et hardeux de cet ex guitariste du Tull, n’a guère évolué en trois décennies. Quant aux synthés, ils font un peu tâche d’huile dans l’ensemble. C’est d’ailleurs lorsque le Tull revient aux sources qu’il est le plus performant. Une situation trop rare pour permettre aux inconditionnels du groupe de vraiment s’éclater. Et il ne faut pas nous dire, après coup, qu’ils n’avaient pas été prévenus !
Plutôt que de signes futurs, ce sont plutôt de traces du passé que nous avons relevées. Et il y en a ici une ribambelle. Depuis le glam scintillant des Roxy Music, T Rex, Bowie et consorts, au sens mélodique power pop des Only Ones ou des Buzzcocks, en passant par le psychédélisme robotique de Wire, la lo fi de Pavement (NDR : est-ce déjà du passé ?), la popcore des Pixies ainsi que l’exaltation hymnique de Psychedelic Furs. Faut dire que la voix de Louis Jones, aussi éraillée que celle de Richard Butler, y est aussi pour quelque chose. N’imaginez cependant pas que Warm Jets émarge au revivalisme. Que du contraire. D’abord, son attitude est fondamentalement contemporaine. A la limite, plus proche de Radiohead, de Kula Shaker, d’Elastica et d’Embrace que de Brian Eno, illustre personnage, chez qui ils ont quand même piqué le nom de leur groupe. Si, si, souvenez-vous du fameux elpee " Here come the warm Jets ", caractérisée par sa pochette pornographique. Et pourtant, les musiciens de Warm Jets ne sont pas fétichistes de la muzak. Parce que s’ils s’inspirent de la musique électronique, ils n’utilisent que des instruments basiques. On comprend ainsi mieux pourquoi tous les musiciens du groupe vouent une admiration commune pour le Clash…
Cinquième elpee pour ce groupe texan dont le heavy metal est aussi subtil que le vacarme provoqué par un troupeau d'éléphants qui traverse un pont de bois... Les rares accès de cordes de guitare acoustique à caractère hispanique sont ainsi impitoyablement écrasés sous le déluge de clichés pachydermiques. Et lorsque la solution manifeste un zeste de quiétude, c'est pour dériver (NDR : ‘drift’ se traduit par à la dérive!) dans le hard FM...
Depuis la fin des seventies, on ne peut pas dire que le Tull se soit montré particulièrement brillant. Honnête dans sa phase acoustique, mal à l'aise dans sa volonté de maintenir un certain cap prog rock, il est même devenu franchement médiocre lorsqu'il s’est prostitué au heavy metal. Nous pensions même que cette incartade allait définitivement achever le groupe de Blackpool. Enfin, nous le craignions. Car, Ian Anderson possède suffisamment de talent et d'obstination pour revenir dans le parcours. Et il vient aujourd'hui de le prouver sur "Roots to branches". Une œuvre qui aurait pu, vingt ans plus tôt, figurer parmi les meilleurs elpees de la décennie. Aux côtés d'"Aqualung", de "Thick as a brick" ou de "Stand up". A la lecture de ces quelques mots, toute la génération de soixante-huitards risque fort de s'enflammer; et elle a tout à fait raison. Sans vouloir manifester la moindre allusion péjorative, croyez-le sincèrement. Complètement à contre-courant de la scène musicale contemporaine, ce disque ambitieux met inévitablement en valeur le talent des différents instrumentistes. De Martin Barre, incroyablement sobre pour la circonstance (NDR: il bonifie avec le temps, comme le vin!), du claviériste Andrew Giddings, et puis surtout de Ian Anderson. Aussi bien au chant, aux flûtes, qu'à la guitare acoustique. Un elpee qui a bénéficié du concours d'une pléiade de musiciens classiques ; sans doute la même équipe qui avait participé à l'accouchement de "Divinities". Onze fragments qui oscillent du jazz/blues au rock, en passant par l'exotisme, la folk celtique, la musique slave, filmique, symphonique et bien sûr progressive...
Fondé en 1992, cet ensemble islandais en est déjà à son troisième album. Mais ne nous demandez pas le moindre avis sur ses deux premiers elpees, puisqu'ils n'ont bénéficié que d'une distribution très confidentielle. "Fuzz" trahit une charpente fondamentalement rock. Urban rock même. A l'instar du premier titre du morceau de plastique, "Motor Maniac". Criblé, de riffs de guitare saignants, stoogiens, fouetté par les agressions de basse caoutchoutée, viscérale et imprimé sur un tempo sauvage, excitant. Une formule qui rejaillit ponctuellement tout au long de l'œuvre. Même si au fil du sillon, Jet Black Joe parvient à révéler les multiples facettes de son talent. Tantôt glamour sur la cover des Kinks "Wicked Anna Bella", pastoral sur "Higher and higher", spectral sur "Metal Maniac", post punk ou ‘doorsien’ en d'autres circonstances avant d'embrasser, fin de parcours, une pop revisitée par le prog rock des seventies (Jethro Tull ?), le synthétisme glacé de The The ou l'insouciance juvénile, presque caricaturale d'un Bonzo Dog Band. Comme quoi la scène islandaise ne se limite pas à Björk et à ses ex-Sugarcubes !
Si pour les teenagers, Jethro Tull ne représente plus qu'un vestige du passé, dans l'histoire du rock'n roll cette formation constitue un véritable monument, au même titre que le Floyd, Led Zeppelin, le Who, les Kinks, Yes ou King Crimson. Fondé en 1968, le Tull n'est toujours pas prêt à déposer les armes, même si sa démarche ne colle plus tellement à l'actualité. Son leader, Ian Anderson a toujours, en tous cas, bon pied bon œil et possède un avis terriblement lucide sur le monde contemporain ; et pas seulement musical. Lors de la sortie de son album " Divinities ", il nous a accordé cette interview ; une occasion unique de lui parler de son passé, de son présent, et bien sûr de son futur…
Dans la musique de Jethro Tull, j'ai toujours ressenti une ambiguïté entre le mode de vie rural et le mode de vie urbain. Pourquoi?
Je vis à la campagne et je travaille en ville!
Au cours de la première moitié des seventies, Jethro Tull a fait partie d'un mouvement typiquement britannique que l'on a appelé rock progressif. Et des oeuvres comme "Aqualung" et "Thick As a Brick" reflètent parfaitement cet état d'esprit. Ne penses-tu pas que l'aspect cyclique du rock 'n roll pourrait, dans un futur proche, conférer à ces deux oeuvres un rôle plus indicatif?
Je ne crois pas. La différence entre la fin des sixties, le début des seventies et aujourd'hui c'est que les grands musiciens du passé, tels que Jimi Hendrix, Grateful Dead, Frank Zappa, Captain Beefheart, Yes, Emerson Lake & Palmer, Genesis dans son contexte originel, Fleetwood Mac lorsqu'il était encore drivé par Peter Green, ont apporté des éléments d'autres cultures à la musique rock. Le deuxième elpee de Jethro Tull, "Stand up", bien que basiquement partagé entre blues et folk britannique, s'inspirait de l'Orient, du Moyen Orient. Nous avons toujours tenu compte de ces éléments extérieurs pour élaborer notre création. A la fin des seventies, lors de l'explosion du punk, et tout au long des eighties, le rock a essayé de se ressourcer par l'intérieur. Mais au bout de quelques années de pauvre ballet génétique, il s'est complètement asphyxié sur lui-même. Le regard vers l'extérieur a toujours été crucial pour le rock et la pop. Depuis le début des nineties le mouvement commence à évoluer positivement. Je ne parle pas des revivalistes insulaires, comme Oasis et Blur qui se contentent de reproduire des clichés consommés il y a vingt ou trente ans en Angleterre, mais des formations américaines comme Nirvana, Pearl Jam ou Soundgarden qui ont apporté incontestablement quelque chose à la musique. Bien sûr, ils se sont inspirés des sixties, mais ils regardent également le monde extérieur. Et je pense que c'est une bonne chose pour permettre une ouverture vers de nouveaux horizons musicaux...
A l'instar de Tea Party?
Pourquoi me poses-tu cette question? Je la trouve cocasse et en même temps déconcertante. Voici quinze jours, je suis allé remettre les dernières bandes du nouvel album de Jethro Tull chez Chrysalis. Et lors de cette visite, l'attachée de presse m'a refilé deux CD dont un de Tea Party, en ajoutant: "Ecoute ce disque, tu vas certainement apprécier". J'ai été agréablement surpris. Mais en même temps, j'ai voulu en connaître davantage sur ce trio canadien. Justement, il se produisait près de chez moi, et j'ai rencontré Jeff Martin auquel j'ai demandé quelques explications sur ses sources d'inspiration. Il m'a bien sûr parlé de Bert Jansch, John Renbourn, Roy Harper, des Doors, de Led Zeppelin et puis de Davy Graham. Mais comment a-t-il pu connaître Davy Graham puisqu'il n'a jamais rien gravé sous son propre nom. Quel âge avait-il à cette époque! Il m'a simplement répondu qu'à partir de seize ans, il était très intéressé par la musique des sixties et fasciné par tous ces musiciens. Mais je trouve incroyable qu'il soit parvenu à se forger un style de phrasé de guitare sans avoir véritablement connu cette époque et puis que sa musique entretienne certains climats proche du prochain album du Tull! N'empêche, ce combo m'a beaucoup plus. Sa musique est très rafraîchissante, innovatrice, mais risque d'être frappé d'ostracisme aux States. Dangereux d'y afficher des opinions anti-fondamentalistes en se servant d'une musique à coloration orientale...
Que sont devenus les vieux potes du Jethro Tull?
Jeffrey Hammond a quitté le groupe en 75 et mène depuis une vie de rentier. Il se consacre à la peinture. Deux fois par an, il vient s'enquérir des royalties issues du back catalogue du groupe. John Evan s'est tiré du groupe en 79 ou en 80! Mais il a dépensé son argent dans des projets foireux. Il a d'abord investi dans un chantier naval, puis dans une entreprise immobilière. Mais ses affaires ont mal tourné. Tout comme son mariage d'ailleurs. Résultat des courses. Il s'est retrouvé sur la paille. Ou presque! La dernière fois que j'ai entendu parler de lui c'était il y a deux bons mois. Il suivait, paraît-il, des cours à l'université. Barriemore Barlow a également essayé de se lancer dans le business. Il a monté un studio d'enregistrement, joué au producteur. Au manager. Mais l'an dernier, ses affaires ont capoté. Banqueroute! Glenn Cornick vit depuis plusieurs années au States. Il est toujours infecté par le virus de la musique, mais comme semi-professionel. Partageant son temps entre la vente de pitas et ses expérimentations... mais il joue encore! Finalement, tous ces gars vivent encore grâce au chiffre d'affaire du back catalogue de Jethro Tull. Cela leur permet de survivre. C'est triste, car je pense qu'ils étaient capables de faire autre chose. D'apporter un plus à la musique. J'ai été très affecté lorsqu'ils ont décroché...
Est-il facile de faire accepter au nouveau line-up du Tull, de jouer des anciennes chansons du Tull sur scène. Y a-t-il des morceaux que le groupe refuse d'interpréter?
Nous jouons des compositions plus anciennes sur scène. Mais les arrangements sont totalement différents. Ce qui souvent peut se révéler très intéressant. Mais c'est un choix opéré de commun accord. Et je respecte cette décision. Et des chansons comme "Living in the past" ou " Witches promises" ne figurent plus dans notre répertoire. Regarde Plant et Page, ils ne veulent plus jouer "Stairway to Heaven", malgré leur réunion...
Qui t'a donné l'idée d'enregistrer ce "Divinities"? Pour un artiste réputé peu conventionnel, n'est-il pas paradoxal de le voir tâter de la musique classique?
C'est Roger Lewis, manager/ directeur d'EMI département classique qui m'a demandé de réaliser ce projet, il y a un an et demi. Figure-toi qu'au même moment, Chrysalis m'a sollicité pour faire un album de blues. Un projet qui n'a pas encore été concrétisé, puisqu'il nécessitera l'engagement de musiciens spécifiques. D'autant plus que j'avais dans la tête l'idée de graver un disque plus acoustique, sans oublier la place à accorder au nouvel opus de Jethro Tull... Mais je ne pense pas m'être investi dans la musique classique. J'ai simplement écrit et mis en application de la musique pour instruments classiques. Je joue de la flûte. C'est toujours ce que j'ai joué. Mais elle figure dans un contexte orchestral à côté du violon, du violoncelle, du cor, de la trompette, etc. Je ne crois pas trop que l'on puisse parler de musique classique. Pour prétendre être un compositeur de ce style, tu dois être passé de vie à trépas depuis plus de cent ans. Et même les critiques les plus intraitables concèderont que je ne suis pas mort, il y a cent ans. Or même si cette musique possède des affinités avec le classique, elle accuse de nombreuses influences: folk, celtique, moyenâgeuse, sémitique, scandinave, jazz, africaine... et bien sûr classique. Un élément parmi les autres, qui caractérise "Divinities" comme la musique de Jethro Tull!
Quels dieux honores-tu sur "Divinities? Y a-t-il une place pour Pan?
Si j'ai voulu donner une dimension religieuse, spirituelle à cette œuvre, c'est parce que j'ai voulu afficher l'idée d'un Dieu unique. Aussi bien pour les catholiques, les protestants, les juifs et même les hindouistes. Un créateur identique pour les adeptes du monothéisme. Un seul Dieu représenté à travers douze références différentes susceptible de transcender l'imagination. Chaque culture vit sa religion suivant ses dogmes, son rituel, son folklore, sa culture. Je n'essaie pas de porter un jugement, mais plutôt d'élaborer une philosophie toute personnelle qui n'engage que moi même...
Depuis quelques années, tu sembles de plus en plus branché par les questions d'écologie. Une raison?
L'écologie est une science qui mériterait d'être enseignée dans toutes les écoles et même à l'université. Je ne crois pas d'ailleurs, qu'au cours des trois prochaines décennies, beaucoup d'améliorations soient enregistrées dans ce domaine. Ce serait même plutôt l'inverse! Pour l'instant, les mouvement écologistes sont beaucoup trop subordonnés aux idéaux politiques. Aussi bien Greenpeace que Friends of the Earth. Et à cause de cette implication, ils n'ont pas toujours l'influence positive qu'ils devraient naturellement manifester. J'ai rencontré les responsables de ces organisateurs à différentes reprises. Et je leur ai fait comprendre que si leurs objectifs étaient justifiés, leurs méthodes l'étaient beaucoup moins. Je pense que les problèmes vont se multiplier si vous entretenez des relations destructrices. Il ne faut pas se contenter d'assurer la police environnementale. Il est nécessaire d'agir à d'autres niveaux. Je n'ai aucune relation particulière avec ces mouvements, mais dans le domaine de l'écologie, je crois que j'ai mon mot à dire...
Est-il exact que tu passes tes loisirs à jardiner?
Pas tout à fait! En fait, je dispose d'une grande propriété en Angleterre entourée d'un immense jardin. Deux hommes y travaillent en permanence. Mais ma passion pour le jardinage se limite aux pipéracées. Et en particulier les poivriers du Chili. J'adore la cuisine épicée. C'est la raison pour laquelle je suis intéressé par cette culture. Mais je ne porte guère d'intérêt aux fleurs ou aux arbres fruitiers.
Même aux légumes?
Non, je préfère me rendre dans les bons supermarchés et y acheter mes légumes. Ils y subissent un contrôle drastique en Angleterre. Et je préfère consommer leur marchandise que celle des particuliers qui passent leur temps à pulvériser leur production de produits chimiques...
(Version originale de l'interview parue dans le n° 36 - septembre 95 - de Mofo)
Jethro Tull a rencontré une énorme popularité au cours des seventies. Drivé par Ian Anderson, personnage excentrique et saisissant qui insistait sur l'aspect satirique des choses en jouant de la flûte d'une manière peu conventionnelle, cet ensemble insulaire est aujourd'hui à la tête de près de vingt albums, sans compter les compilations, devenus pour la plupart des best-sellers. Difficile dans ces conditions de concocter un " Very best of " sans faire des mécontents. Car si la période concernée, choisie entre 68 et 82, nous semble la plus judicieuse, avec notamment "Bourée", "Aqualung", "Locomotive breath", "Living in the past", "Minstrel in the gallery", "Songs from the wood" et autre "Bungle in the jungle", nous ne pouvons que regretter l'absence de classiques comme "The witch's promise", "Sweet dream" et "Nothing is easy"… Qui a dit rien n'est facile ?
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