Le combo de La Nouvelle-Orléans Twisted Teens s'apprête à publier son nouvel opus, The Holy Cross Tigers, le vendredi 6 novembre 2026 chez Sub Pop. Menée par Caspian et RJ « The Razor » Santos, la formation concrétise ainsi sa signature sur le mythique label. Pour accompagner cette annonce mondiale, le duo propose de découvrir deux vidéos officielles : l'histoire d'amour médiévale à haute tension de « When We First Met », réalisée par Anthony Simpkins, ainsi que le clip de « Stalks » mis en images par Bobbi Rich.
Ce disque marque le troisième projet du band pour la seule année 2026, succédant aux elpees Blame the Clown en janvier et Florida Water Blues en juillet.
Nouvel opus pour les cultes Teenage Fanclub et deux concerts en Belgique cette semaine... Cette formation écossaise, née dans les années 80 et digne héritière de Big Star et des Byrds, signe son treizième disque, Do Not Dare To Dream. Une collection de chansons délicates, ouvragées, qui flirtent avec une indie pop intemporelle. Entretien mené auprès de Norman Blake, l'un des deux seuls membres originels du quintette actuel...
Ce long playing paraît plus joyeux que son prédécesseur ?
Norman Blake : En général, nos compositions dépeignent le monde et traduisons notre expérience de celui-ci. Elles reflètent fidèlement notre situation à un moment précis de notre existence. Nous affichons généralement un bel optimisme, même s’il subsiste un léger courant sous-jacent de cynisme, de prudence peut-être... en tout cas d'ironie. Mais, en tant que collectif, nous demeurons plutôt optimistes.
« Over and Over » évoque Simon et Garfunkel. Représentent-ils un modèle en termes de voix, au même titre qu'ABBA ?
Norman Blake : Je n'oserai nous comparer à de telles légendes : les harmonies de Simon et Garfunkel se révèlent incroyables, tout comme les arrangements et le génie compositionnel d'ABBA. Simplement, croiser nos voix de la sorte et chercher à les harmoniser s'imposait à nous comme une évidence. C'est particulièrement vrai depuis trois albums, depuis qu'Euro Childs a rejoint le combo, car il possède une magnifique voix d'alto. Je me situe quelque part au milieu, tandis que Raymond en couvre les parties inférieures. Nous pouvons désormais façonner des harmonies à trois voix que nous prenons plaisir à explorer. Lorsque nous enregistrons les morceaux, nous travaillons en formation complète dans une même pièce, puis nous les arrangeons par la suite. Raymond ou moi-même arrivons au studio d'enregistrement munis de la composition, que le band s'approprie ensuite progressivement. Nous tenons à enregistrer ensemble pour fixer l'essentiel du morceau en une seule prise.
Stonehenge
Le disque a été enregistré dans les Hébrides extérieures ; ces îles ont-elles exercé une influence sur l'œuvre, selon vous ?
Norman Blake : Nous aimons explorer différents lieux afin de stimuler notre inspiration. Nous avions conçu un album à Glasgow et, concrètement, nous avions fini par passer des mois en studio à observer notre nombril. Or, pour nous, l'enregistrement doit constituer un événement. C'est pourquoi nous avons mis en boîte quelques disques ces dernières années à Hambourg, une ville formidable. Nous en avons également enregistré un à Chicago, et ce dernier-né sur l'île de Great Bernera : le paysage y est vraiment magnifique, aride et désert. Le Black Bay Studio se niche dans une petite baie, un endroit isolé qui abrite plus de moutons que d'humains et qui se situe à environ une heure de route de toute civilisation. À cet endroit se dressent de nombreux sites néolithiques, dont l'un très célèbre appelé Callanish : un alignement de pierres plus ancien que Stonehenge, mais contrairement à ce dernier, totalement préservé du tourisme. Vous pouvez marcher jusqu'aux mégalithes et les toucher, exactement comme le faisaient les hommes il y a quelques milliers d'années. Ce lieu dégage une atmosphère unique, un environnement qui a profondément imprégné notre musique, dictant la façon dont les chansons ont évolué pour devenir ce qu'elles sont.
Détendus
Il ne reste que deux membres originaux sur cinq. Comment évolue la dynamique de la formation ?
Norman Blake : Techniquement, nous comptons trois membres originaux, puisque Francis Macdonald, qui se chargeait de la batterie sur notre premier album, s'est absenté pour étudier à l'université avant de revenir sept disques plus tard. Quoi qu'il en soit, la dynamique se révèle géniale. Nous avons parfois l'impression qu'Euro Childs est le petit nouveau, alors qu'il joue pour le groupe depuis sept ans. Dave McGowan, qui est le véritable dernier arrivé, nous accompagne depuis 20 ans. Mais cet équilibre demeure primordial. Non seulement la dynamique de la formation musicale, mais aussi celle de notre entité de tournée : nous comptons cinq musiciens sur scène, auxquels s'ajoutent notre directeur de tournée, nos ingénieurs du son et des retours, ainsi que notre responsable des produits dérivés. Nous voyageons à neuf sur la route, il s'avère donc crucial qu'une excellente entente règne entre tout le monde. La vie d'un band repose entièrement sur cette alchimie. Nous ne nous épanouissons pas dans le chaos ou les bouleversements ; nous sommes tous plutôt décontractés et nous apprécierons la compagnie les uns des autres. Teenage Fanclub reste un groupe très serein, où tout le monde s'entend à merveille, et cet équilibre s'avère capital pour notre créativité.
13 disques en 37 ans, ce rythme vous semble-t-il soutenu ?
Norman Blake : Nous aurions pu être un peu plus productifs, mais cela représente une moyenne d'environ une sortie tous les trois ans, ce qui reste honorable. Nous avons traversé une période intermédiaire, il y a 15 ou 20 ans, durant laquelle nous publiions un opus tous les quatre ans. Désormais, nous nous efforçons d'en proposer un tous les deux ans et demi ou trois ans. Pour pouvoir tourner aujourd'hui, il faut impérativement présenter un nouvel album qui serve de moteur à la tournée. Nous avons la chance de pouvoir enregistrer et tourner ; nous en profitons tant que nous le pouvons.
Like a Virgin et Kurt Cobain
Exprimez-vous toujours de la satisfaction envers la reprise de « Like a Virgin » de Madonna que vous aviez commise, et l'interprétez-vous durant vos concerts ?
Norman Blake : Nous ne l'avons plus interprétée depuis probablement trois décennies. Ce morceau provenait d'un disque intitulé The King. Il avait été mis en boîte en une seule soirée. En réalité, nous participions à un jeu en studio en nous suggérant mutuellement des reprises. L'une des règles de ce défi stipulait qu'il fallait jouer uniquement de mémoire, sans effectuer la moindre recherche, internet n'existant pas à cette époque. Il fallait tout reconstituer de tête. En raison de cette contrainte, nous ne l'avons jamais jouée en ‘live’, et je ne l'ai pas réécoutée depuis bien longtemps...
Kurt Cobain décrivait à l'époque votre formation comme le meilleur groupe du monde. S'agissait-il d'une malédiction ou d'une bénédiction ?
Norman Blake : Un tel compliment s'avère toujours plaisant, mais je ne pense pas que nous représentions son band favori à Glasgow, car Kurt vouait une immense admiration aux Vaselines. Cela dit, nous avons partagé les planches avec Nirvana lors de la tournée européenne de Nevermind. Vivre un tel phénomène de l'intérieur et côtoyer une telle déferlante au moment où elle se produit constituait une expérience extraordinaire. Ces jeunes gars de l'État de Washington se montraient d'une gentillesse absolue... Nous ne réalisions pas encore que leur musique se transformait en un raz-de-marée mondial. Mais cette déclaration de Kurt Cobain demeurait une délicate attention…
Teenage Fanclub : Do Not Dare To Dream (Merge Records/Konkurrent)
En concert à Liège le 23 octobre, à Bruges le 24 octobre
Teenage Fanclub publiera le 9 octobre Do Not Dare To Dream, son treizième album studio, via Merge Records. Trois ans après Nothing Lasts Forever, la formation écossaise poursuit son travail d’orfèvre autour d’une pop à guitares lumineuse, soulignée par des harmonies vocales souples et dont l’écriture est chargée de nuances. Pour accompagner cette annonce, le quintette partage “Day In The Sun”, premier extrait de l’opus, désormais assorti d’un clip officiel tourné au Black Bay Studio, sur l’île de Great Bernera, sous l’œil de Donald Milne ; et il est à découvrir là
Le titre condense ce que le band affine depuis près de quatre décennies : des mélodies limpides, des guitares qui se répondent sans en remettre une couche et une mélancolie tenue à distance par une forme d’apaisement. “Day In The Sun” aborde le renouveau et le changement de regard. Son clip, capté dans le même studio que le long playing, prolonge cette sobriété en privilégiant le lieu, les gestes et la présence des musiciens plutôt qu’un récit détaillé.
Enregistré au Black Bay Studio, à Great Bernera, Do Not Dare To Dream puise dans l’isolement de cette île écossaise une concentration particulière. Norman Blake et Raymond McGinley y retrouvent Euros Childs, Francis Macdonald et David McGowan, partenaires de longue date. Plutôt que d’arriver en studio sur des arrangements préparés, les deux auteurs laissent les idées circuler au sein du combo. Cette méthode donne au disque une respiration collective, nourrie d’orgue, de textures acoustiques et de guitares entrelacées.
Le titre de l’elpee, emprunté à “I Do Not Dare To Dream”, répond avec ironie aux slogans d’optimisme facile. Blake le résume : ces injonctions à rêver lui paraissent éloignées de la manière dont le monde fonctionne. Le disque n’en sombre pas pour autant dans le renoncement. Il observe l’incertitude, cherche des points d’équilibre dans le quotidien et laisse filtrer une confiance discrète, davantage acquise par l’expérience que proclamée.
À l’arrivée, Do Not Dare To Dream s’annonce comme une nouvelle étape cohérente dans le parcours de Teenage Fanclub : une collection de chansons directes, patiemment assemblées, où la durée de la collaboration compte autant que l’éclat immédiat des refrains. Fidèle à son art de la retenue, le quintette ne cherche pas à se réinventer à tout prix ; il continue plutôt d’approfondir un langage qui lui appartient, entre chaleur mélodique, précision artisanale et élégance naturelle.
Le Boss, Bruce Springsteen, se lève une fois de plus pour affronter un moment difficile de l’histoire des États-Unis, en écrivant un nouvel hymne urgent intitulé « Streets Of Minneapolis », qu’il a partagé plus tôt cette semaine.
À propos du morceau, Bruce déclare :
‘J’ai écrit cette chanson samedi, je l’ai enregistrée hier et je vous la présente aujourd’hui en réaction à la terreur d’État qui s’abat sur la ville de Minneapolis. Elle est dédiée au peuple de Minneapolis, à nos voisins immigrés innocents et à la mémoire d’Alex Pretti et Renee Good’.
Le single est en écoute ici
Quatre ans après l’apparition des titres de « Forever » sur KEXP, le trio indie rock gantois Teen Creeps est de retour. Il sortira son troisième elpee, « Today Is The Day », ce 5 septembre. Sur cet album, le chanteur Bert Vliegen digère une rupture amoureuse et réapprend à être heureux. ‘Même si c'est parfois difficile, on finit toujours par sortir du tunnel. C'est le message de « Today Is The Day »’, explique-t-il.
Musicalement, le groupe, composé de Bert Vliegen (Sophia, Whispering Sons), Ramses Vandeneede (Hypochristmutreefuzz, Mooneye) et Joram De Bock (Batsmasher), déborde de confiance en lui. Teen Creeps mêle habilement des influences des années 90 à un rock indie moderne. Le single « Anywhere », véritable hymne, fait autant écho à Japandroids qu'à Dinosaur Jr. Plus discret, « Automatticaly » pourrait être diffusé sur Duyster. ‘Les influences des années 90 font partie de notre ADN. Nous ne sommes pas un groupe rétro, mais nous voulons reprendre le flambeau de nos héros. Ou du moins, entretenir la flamme’, avoue Joram De Bock (guitare).
Pour en connaître davantage sur Teen Creeps cliquez sur le nom du groupe, en rouge, dans le cadre ‘Informations complémentaires’, ci-dessous.
Après avoir publié « Delaware », en 1992, et « National coma », l’année suivante, Drop Nineteens se sépare. Un peu plus d’un quart de siècle plus tard, la formation bostonienne nous propose son troisième elpee, « Hard light ». En fait, son leader, Greg Ackell, voulait tout simplement savoir à quoi pourrait bien ressembler une compo contemporaine du groupe. Qui s’est donc reformé au 4/5 de son line up originel.
A l’instar de ses deux premiers opus, le band replonge dans le shoegaze, et bien sûr, sous une forme plus actuelle : des harmonies vocales diaphanes (en boucle tout au long de « A Hitch » et ‘byrdsiennes’ sur « Tarentula », une plage qui adresse un clin d’œil à Ride) des cordes de guitares cristallines, crépitantes, brumeuses, fuzzées, entrelacées ou qui hurlent en douceur (« T », une ballade de 7’), une ligne de basse cold ou ondoyante. Un vrai régal pour les oreilles. Le long playing recèle encore une compo jazzyfiante (« Lookout ») un instrumental dépouillé (« Rose with smoke ») et une version acoustique d’un titre de Clientele, « Policeman getting lost » …
Il y a presque 30 ans, Drop Nineteens splittait. Il avait gravé son chef-d'œuvre shoegaze « Delaware » en 1992 et partagé la scène avec des groupes comme Radiohead, Hole, Blur, PJ Harvey et Smashing Pumpkins. Lorsque la formation a cessé d'exister, son chanteur et compositeur Greg Ackell s'est senti satisfait. Il avait le reste de sa vie devant lui pour trouver ce qu'il voulait faire. La musique était un chapitre clos.
Dans les décennies qui ont suivi, malgré le fait que le groupe se soit éloigné des projecteurs, l'héritage de Drop Nineteens s'est accru. Delaware est considéré comme un classique du genre, figurant sur les listes des meilleurs albums de shoegaze de tous les temps.
C'est dans ce contexte qu'en 2021, un ami des débuts du groupe a appelé Ackell au téléphone pour lui proposer de créer de la musique ensemble, juste pour voir le résultat. Au lieu de fermer les yeux comme il l'avait fait au fil des ans, il a décidé d'envisager cette possibilité. Pour la première fois depuis près de 30 ans, il a repris une guitare avec l'intention d’en jouer.
Greg Ackell explique : ‘J'ai eu du mal à trouver une réponse à la question ‘pourquoi maintenant. Quel a été le catalyseur qui m'a poussé à me remettre ensemble après une si longue période ? La meilleure réponse que je puisse donner est que c'est le premier moment de ma vie, depuis que j'ai arrêté de faire de la musique, où j'ai eu envie d'entendre à quoi Drop Nineteens pourrait ressembler aujourd'hui. Et il n'y avait qu'une seule façon de le découvrir !’
Aujourd'hui, Drop Nineteens a annoncé son retour officiel. Le groupe original au complet, réunissant Ackell, Steve Zimmerman, Paula Kelley, Motohiro Yasue et Peter Koeplin, a enregistré un nouvel album. Intitulé « Hard Light », il paraîtra ce 3 novembre 2023.
Pour marquer cette annonce, le groupe partage le premier single issu de l’elpee, « Scapa Flow » qui incarne un excellent exemple de ce à quoi ressemble une chanson moderne de Drop Nineteens. Les voix d'Ackell et de Kelley sont froides et rêveuses, enveloppées dans une brume de réverbération. C'est incontestablement charmant.
« Scapa flow » est disponible sous forme de clip là
Teenage Bed est un chaman du Do It Yourself nouvelle génération.
De la réalisation de ces morceaux à celles de ces clips, il démontre un art du bricolage certain qui vient définir les contours d’un projet forcément à part. Le Lorientais a notamment fait ses armes du côté de Philadelphie où il a squatté le canapé de Shelf Life et mangé un burger avec Alex G pour mieux s’imprégner de cette scène lo-fi est-américaine qui le fascine tant (The Microphones, Attic Abasement, Coma cinema, ...)
C’est à la suite de cette aventure qu’il sort l’album collaboratif enregistré sur place, « Shelf Life x Teenage Bed » en 2019. Porté par un recueil de chansons déjà fourni, il s'accompagne sur scène d'un lecteur k7 pour bricoler une musique enveloppante et impactante.
Des prestations à l'énergie presque grunge entre humour et introspection, qui mettent en valeur une voix et une qualité d’écriture bien à lui. « Grand Val », son premier album, est un bijou de songwriting et paraîtra le 7 avril 2023.
« Big Sur / Pop Urbaine » est à voir et écouter ici
Teenage Bed nous plonge dans « La violence », tube pop lo-fi intense et généreux ponctué par la guitare électrique de son ami Mikoune (Gwendoline, Tropique Noir). Qu’à cela ne tienne, le Lorientais en profite pour prouver que le français s'accorde parfaitement à sa science du bricolage musical.
« La Violence » déroute en même temps qu’elle embarque. Comme un train qui nous emmènerait dans une gare inconnue à un rythme effréné et pourtant serein. Ceux qui suivent le musicien expatrié au Mans savent qu’il ne s’agit pas ici de la première incursion du jeune homme dans la langue de Molière.
Cependant il s’agit là de sa plus maitrisée à ce jour, ouvrant de nouvelles portes à sa musique. Le résultat est une chanson aux apparats tubesques qui sonne comme une évidence. Rarement la pop indé à l’anglo-saxonne se sera aussi bien mariée avec le français.
Ce qui n’augure que du bon pour la sortie de « Grand Val », son premier long playing, dont la sortie est prévue pour le 7 avril 2023.
La vidéo de « La violence » est disponible là
Le nouvel elpee du boss est dédié à des camarades décédés ; des musiciens qui figuraient, à une époque ou une autre, dans ses backing groups. Et tout particulièrement son saxophoniste Clarence Clemons, disparu en 2011 (E Street Band) et puis George Theiss, plus récemment, des suites d’un cancer. Ce dernier est l’avant-dernier membre de Castiles, band au sein duquel ils militaient au cours de leur adolescence. « One minute you’re here », morceau qui ouvre l’opus et « I’ll see you in my dreams », qui le clôt, évoquent le souvenir de ces défunts.
Coproduit par Springsteen et Ron Aniello, « Letter to you » traduit le sentiment de nostalgie éprouvé par l’artiste. Autant dans les lyrics que la musique. Alternant ballades mélancoliques et plages rock mid tempo, généreusement alimentées par les musicos de l’E-Street Band (Hammond, piano, drums, basse, sax, grattes électriques et acoustique), le 20ème LP studio du septuagénaire ne devrait pas perturber ses nombreux aficionados. Sur l’excellent « If I was a priest », compo qui date de 1972, et « Song for orphans », il emprunte des inflexions à Bob Dylan. On retrouve également l’un ou l’autre refrain hymnique. A l’instar de « Ghost », un rock flamboyant souligné de chœurs. On épinglera encore la très jolie mélodie de « Last man standing » et l’offensif « Burning train » ; mais il faut reconnaître que ses berceuses romantiques, parfois enrobées d’orchestrations symphoniques auraient plus facilement eu leur place sur le dispensable « Western stars ».
Soit la musique de Bruce Springsteen est riche, alors fertilisée par des tas d’instruments basiques (basse, guitares, orgue, piano, drums), ou épurée, trempant alors dans le country/folk. Mais pour enregistrer ce « Western stars », le boss a voulu ajouter des arrangements symphoniques. Parfois subtilement, mais souvent, jusqu’à l’emphase. Ce qui ne pose pas trop de problème, lorsqu’il marche sur les traces de The Divine Comedy. A l’instar de « The wayfarer » ou de « Sun down », deux morceaux au cours duquel, il croone comme Neil Hannon voire Neil Diamond. Mais en général, ces arrangements surchargent inutilement les compos, et notamment les plus country/rock. Pourquoi en remettre une couche, lorsque les interventions de pedal steel et de Hammond sont aussi lumineuses ? Enfin, étonnant, sur « Chasin’ wild horses », une plage traversée par un violoncelle, et « Somewhere north of Nashville », Springsteen emprunte les intonations de Dylan. Sans quoi, sur ce long playing, il décrit une nouvelle fois l’Ouest américain, à travers ses road trips, mais aussi nous parle des héros qui l’ont inspiré, dont John Wayne sur le titre maître. Une petite déception ! M’enfin, pour la fin de l’année, Bruce devrait graver un nouvel LP, mais flanqué de son E Street Band…
Rien que le générique de l’album annonce la couleur : il y aura de l’amour et de l’adolescence. Des intentions reflétées à travers sa musique qui sera sucrée et lumineuse ! Emmené par les 3 sœurs Lieberson, TEEN est un groupe issu de Brooklyn. Et « Love Yes » constitue son troisième long playing (NDR : on ne parle donc pas des Eps). Un elpee dont les compos électro/pop un brin cérébrale sont boostées par des sonorités synth-pop réminiscentes des 80’s (« Example »). Jouissant déjà d’une belle expérience, le combo yankee a décidé de s’autoriser une totale liberté de ton en nous réservant des airs de valse contemporaine (« Tokyo »), des morceaux parcourus de jazzy crapuleux (« Superhuman ») ou sculptés dans des harmonies subtiles (« Gone For Good ») pour aborder des thèmes tels que leur sexualité, leurs amours, le sexisme ambiant ou les diktats du monde moderne… le tout sous une forme dansante. Un cocktail qui agrège le divertissement purement frivole et une certaine dose d’exigence et de modernité que l’on a déjà vu chez Chairlift… ‘Love’ ? Yes’ !
C’est en 1999 que votre serviteur a découvert Atari Teenage Riot, dans le cadre du festival de Dour, et sous une chaleur étouffante. Et il reconnaît avoir pris une claque monstrueuse…
Peu après, la seconde choriste, Hanin Elias, avait tiré sa révérence. Mais c’est surtout le décès de Carl Crack, dans des conditions obscures, qui avait remis l’aventure du band en question. Cependant, malgré un long hiatus traversé jusqu’en 2010, il a continué sa route, de manière intermittente. Et tout particulièrement sur les planches, ne publiant qu’un seul elpee studio, en 2001, « Is this hyperreal ? ».
Le duo charismatique Alec Empire et Nic Endo a donc gravé un nouvel opus, en 2015, « Reset », tout en continuant à enflammer les scènes. Une œuvre découpée en 10 pistes qui entretient la flamme du digital hardcore.
D’entrée « J1M1 » démontre que non, non rien n’a changé, mais tout a évolué. Les beats numériques cognent toujours aussi dur. Dans l’esprit de leurs cousins germains Scooter ou encore des Insulaires The Prodigy. Surtout en ce qui concerne le rythme breakbeat. Les guitares sont perpétuellement tranchantes et c’est le backing vocal de Nic qui vient booster l’ensemble.
Le titre maître du long playing rappelle que l’engagement sociopolitique du combo est intact (‘Nous vivons dans une décennie au cours de laquelle la violence engendre davantage de violence. Les forces destructives sont au travail ! Il est temps de se poser les bonnes questions. Prenez votre destin en main’).
Certains morceaux semblent avoir été enregistrés en public ou carrément au milieu d’un centre urbain (« Modern liars »).
L’énergie est palpable tout au long de cet album, et il a fort à parier que ces compos devraient prendre davantage d’ampleur en ‘live’. Atari Teenage Riot se produira d’ailleurs dans le cadre de l’Ieper Fest, ce 13 août 2016.
De son véritable nom Jamison, Teen Daze est canadien. Issu de Vancouver, en Colombie Britannique, très exactement. A son actif quelques singles (NDR : « Célébrer », son dernier est sorti en décembre dernier), Eps et trois elpees, dont le dernier, « Morning World », remonte à août 2015. Son électro se sert paradoxalement de l’instrumentation organique (arrangements de cordes surtout), une expression sonore destinées à faire danser, et sur laquelle il pose sa voix éthérée…
Il n’y qu’une soixantaine de personnes dans l’hémicycle, lorsqu’il débarque sur l’estrade pour entamer son set. Un set au cours duquel il jongle entre ses platines et machines magiques.
Un DJ qui remue et chante en même temps, ce n’est pas courant. Et ce l’est encore moins quand il parvient à faire danser son auditoire. L’aspect mélancolique de ses compos est souligné par les sonorités de violons, de harpe, d’ivoires ou de grattes, à l’instar de ce fameux single atmosphérique « Célébrer ». Des images défilent dans votre tête. Celles des grandes étendues qui peuplent le Canada. Grandes plaines, prairies, forêt boréale, grands lacs… que l’on imagine recouverts de neige. D’ailleurs sa musique pourrait servir de bande sonore à un documentaire qui traite de ces thèmes. Parfois, le spectre de Marie-Pierre Arthur se met même à planer. Encore que son humour, son sens de la dérision et sa bonne humeur, qu’il dispense avec un accent si caractéristique, évoquent plutôt Lisa Leblanc. Pourtant, les compos de Jamison incitent aussi à danser. A cause de ces beats électro qui vous remuent les tripes. Et votre serviteur a fini par succomber à la tentation. Comme s’il avait retrouvé ses jambes de l’adolescence… Stupéfait ?
(Organisation : Le Botanique)
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Au cours des 90’s, cette formation teutonne était devenue culte. Elle était même considérée comme dangereuse par la pensée unique. Elle s’était séparée en 2001, suite au décès de MC Carl Crack, un de ses membres fondateurs, une disparition consécutive à une overdose médicamenteuse. Atari Teenage Riot avait repris du service en 2011, publiant par ailleurs « Is This Hypereal ? », un LP qui n’a jamais atteint ma platine. Je rattrape donc aujourd’hui mon retard en découvrant « Reset », nouvelle œuvre du groupe anarchiste et antifasciste, drivé par Alec Empire ; et c’est un euphémisme de dire que leur mélange d’électro hardcore et de punk est toujours aussi difficile d’accès et même éprouvant à écouter ! La chanteuse d’origine japonaise Nic Endo s’époumone sur une fusion de synthés trafiqués et stridents (« New Blood »), des samples furieux, des rythmes technos martiaux (« Modern Liars ») et des riffs de guitares distordus et métalliques (« Death Machine ») ; une expression sonore qui véhicule des lyrics engagés et extrêmement politisés, abordant des thèmes comme la violence au boulot (« Reset ») ou le contrôle d’Internet par les Etats modernes (« We Are From Internet »).
Atari Teenage Riot est avant tout un groupe de scène. Son message est plus important que sa musique. Aussi se farcir « Reset » est une fameuse épreuve ; et je ne vous parle pas de son écoute au casque… Mais le discours politique et la révolte prônés par le band restent plus d’actualité que jamais, bien que parfois à la limite du cliché.
Produit par Ridley Scott, ce documentaire aligne toute une série de témoignages recueillis auprès des fans du Boss qui expliquent la raison pour laquelle il mérite leur admiration. Des anecdotes, des souvenirs, des moments d’émotion entrecoupés de quelques archives qui s’adressent surtout à ces inconditionnels.
Le plus intéressant procède des 6 titres immortalisés sur la scène d’Hyde Park, dont deux en compagnie de McCartney (« When I saw her standing there » des Beatles ainsi que le standard de r&b popularisé par les Isley Brothers et les Fab Four, « Twist and shout »). Et franchement ce (trop) court bonus vous donne vraiment envie d’aller assister à un concert de Srpingsteen. Soutenu par son E-Street Band (cuivres et chœurs y compris), il s’y révèle impressionnant de maîtrise et de charisme…
Les 18 compos les plus populaires du boss, enregistrées entre 1973 et 2012, réunies sur cette compile. Il doit d’agir déjà de la septième. Bref, si vous ignorez tout de Bruce Springsteen, ce disque constitue la meilleure manière de se familiariser avec son style bien yankee. Mais si vous êtes un inconditionnel, seul le booklet peut vous sembler intéressant. En ce mois de septembre l’artiste et son E Street Band tournent en Amérique du Sud (‘Wrecking ball tour’), puis feront un break avant d’accorder toute une série de dates aux Antipodes, soit en Australie et en Nouvelle-Zélande, à partir de février 2014.
Teengirl Fantasy est le projet de Nick Weiss et Logan Takahashi, deux gars originaires de l’Ohio qui se découvrent une passion commune pour les musiques électroniques pendant leurs années collège. Inévitablement, le duo décide d’explorer ce point commun en engendrant Teengirl Fantasy. Pari réussi puisqu’un an plus tard, les deux Ricains signaient auprès de True Panther Sounds (Girls, Cloud Nothings, Ty Segall, Delorean, Glasser, etc.) et publiaient discrètement « 7AM », leur premier LP.
Deux ans plus tard, le duo titille d’abord les oreilles de Crystal Castles, qui traîne les deux garçons à travers les Etats-Unis. Puis celles de Panda Bear, l’une des têtes pensantes d’Animal Collective, qui décide à son tour de les embarquer sur la tournée européenne de sa formation ; mais également d’enregistrer un morceau en leur compagnie. Et la maison belge R&S Records (James Blake, Lone, Model 500, Egyptian Hip Hop) leur fait les yeux doux. Il n’en fallait pas beaucoup plus à Weiss et Takahashi pour être transcendés et concocter un second disque plus ambitieux que le précédent. Outre Panda Bear, les deux hommes ont mis le sampling, qui étayait « 7AM » en sourdine et réuni quelques potes en qualité de guests vocaux (Lauren Halo, Kelela ou encore Romanthony –mais oui, celui du « One More Time » des robots français).
Le résultat figure sur « Tracer », un opus dégoulinant de bonnes idées parfaitement canalisées. Le duo jongle entre Dream Pop, Electronica, Breaks, Deep House et R’n’B déconstruit. Une macédoine de genres qui a d’autant plus de saveur que la tambouille se déguste d’une traite sans haut-le-cœur. Un seul regret, l’absence de l’excellent single « Motif », publié un mois avant l’album, et disponible uniquement en vinyle. Si Weiss et Takahashi gardent le cap et entretiennent la détermination et l’ambition distillée sur « Tracer », on ne peut que prévoir un avenir brillant à Teengirl Fantasy
Derrière Teen, dont le patronyme équivoque pourrait aiguiller le mélomane, à tort, vers les préoccupations senti-menthe à l’eau de jeunes filles en fleurs, on retrouve Kristina Lieberson, claviériste des Here We Go Magic et trois autres charmantes demoiselles (dont deux de ses sœurs, pour l’anecdote) dont les voix se succèdent en cascade tout au long de ce premier essai, ma foi, fort réussi.
Musicalement, cet opus baigne clairement dans les mêmes eaux que Warpaint, tout en privilégiant les vocalises éthérées, les nappes de synthé diluées et les guitares délayées.
Mixé partiellement par Sonic Boom (Spaceman 3), « In Limbo » se découvre lentement, émoustillant nos sens par touches subtiles et mérite qu’on porte attention à ces différentes textures sonores, savamment orchestrées, au-delà d’une apparence fragile.
L’excellent « Better » en ouverture, l’imparable « Electric » un peu plus loin, attirent déjà l’oreille à la première écoute.
Quelques tours de galette plus loin, on est définitivement sous le charme de ce disque qui tel un chat, rôde autour de nous en ronronnant, se laissant apprivoiser petit à petit, jusqu’à s’installer confortablement sur nos genoux et refuser de les quitter.
Et on reste là encore un moment, à prolonger le plaisir, voyageant mentalement entre ciel et terre.
Originaire de Laramie, dans le Wyoming, Teenage Bottlerocket est le prototype même du groupe punk. Autrement dit, une formation dont l’originalité n’est pas le principal objectif, mais bien l’efficacité. Onze années déjà que le band étasunien roule sa bosse. Une période au cours de laquelle, il a publié cinq albums, dont le dernier en date s’intitule « Freak Out ! ». Les cinq elpees affichent le même artwork ; c’est-à-dire une tête de mort tapissée sur une toile de fond dont la couleur est chaque fois différente. Une constante visuelle mais également musicale qui est complètement assumée par le combo.
Dynamisé par une section rythmique rapide et découpé dans des riffs de guitares affûtés, le punk de Teenage Bottlerocket évoque instantanément un groupe mythique comme NOFX, en compagnie duquel il a d’ailleurs tourné. Les quatorze morceaux de « Freak Out ! » débordent d’énergie et leurs mélodies font mouche à tous les coups. Une seule écoute suffit pour vous filer un bon coup de fouet.
Bruce Springsteen serait en colère. Enfin, c’est ce qui transparaît dans les lyrics des chansons de son nouvel opus. Il rejoint en quelque sorte les rangs des indignés aux States, qui en ont marre des spéculations financières, des institutions bancaires qui jouent aux apprentis-sorciers, etc. Bref, de cette dérive du néo-libéralisme. Ce sont d’ailleurs les thèmes qu’on retrouve dans les textes de ses chansons. Très bien ! Mais, Bruce ne nous apprend rien de bien neuf. Il enfonce, en quelque sorte, des portes ouvertes. M’enfin, il est populaire, et si son message peut avoir un quelconque impact sur les décideurs à travers le monde, alors on pourra le remercier. Mais honnêtement, j’en doute…
Venons-en maintenant à l’aspect musical de son 17ème album studio. Lors des sessions d’enregistrement, outre son E-Street Band, il s’est entouré d’une armée de collaborateurs. Sur trois compos, on retrouve même feu son ami saxophoniste Clarence Clemons, membre de son groupe, décédé l’an dernier. La plupart des plages de ce « Wrecking Ball », sont inondées d’arrangements. Luxuriants, ils asphyxient littéralement les mélodies. On a même droit à des chœurs gospel. Les hymnes ‘springsteeniens’ sont plutôt rares, et lorsqu’ils émergent, c’est sans grande conviction. Finalement, c’est quand le boss en revient à plus de simplicité qu’il retrouve des couleurs. Sur son rock plus carré, « We take of our own » qui ouvre la plaque, tout d’abord. Mais surtout lors de ses compos qui trempent dans le country/folk. Tout d’abord, « Easy money », un morceau digne des Pogues et puis « Death to my hometown ». Caractérisé par ses interventions de flûte celtique (penny whistle), il aurait pu figurer au répertoire des Dropkick Murphys. Et puis en fin de parcours, l’excellent « We are alive », une plage allègre, balisée par un banjo et hantée par le spectre de Johnny Cash. On épinglera encore une piste qui sort du lot par son originalité, « Rocky ground », une ballade mid tempo, légèrement soul, au milieu de laquelle un intermède de rap a été judicieusement glissé, un peu dans l’esprit de Beck. Dommage que tout l’album ne soit pas de cette trempe. Une petite déception…
Réédition de la compile de Teenage FanClub, parue en 1995, un recueil qui réunissait des versions alternatives, des raretés, des flip sides de singles et des covers. Parmi les reprises, figurent ainsi celles du « The ballad of John & Yoko » des Beatles, le « Don’t cry no tears » de Neil Young, « Free again » de Big Star et le « Bad Seed » de Beat Happening.
Fondée en 1989, la formation écossaise a été assimilée, à ses débuts, à la vague noisy. Et pourtant, ses références majeures, elle les puisait déjà chez les Byrds et Big Star. A cause de la conjugaison des deux guitares aux sonorités cristallines, distordues, bruitistes, du sens mélodique contagieux et puis du soin apporté aux harmonies vocales. Les références puisées chez les formations insulaires comme My Bloddy Valentine et Orange Juice, sont cependant encore bien présentes sur ce « Deep Fried Fanclub ». Elles disparaîtront cependant progressivement, pour laisser la place à une pop et plus léchée, même si les cordes de guitares et les vocaux limpides constituent toujours la base de leur écriture.
Et le quatuor, qui compte toujours 3 membres originels au sein du line up est toujours en activité. Son dernier elpee, « Shadow » est d’ailleurs paru en 2010.
Comme son sous-titre le précise, cette œuvre réunit des titres qui avaient été éliminés de l’album “Darkness on the Edge of Town”, publié en 1978. Dont « Fire », popularisé par Robert Gordon. Et surtout le célèbre « Because the night » que le boss avait écrit en compagnie de Patti Smith, en 1978. Une compo traduite, à l’époque, en hymne rock, par la Chicagolaise. La compile recèle, en outre, des versions différentes de morceaux, qui figuraient sur l’édition originale. La plupart d’entre eux avaient cependant déjà été retenus pour différentes compiles, dont le triple elpee « Live 1975-1985 » ; mais il en restait encore. De quoi ficeler ce double opus, en attendant une suite à « Workin on a dream », dont la sortie remonte à janvier 2009.
Je ne vais pas vous décortiquer toutes les compos qui figurent sur cette double plaque. Simplement vous préciser qu’elles avaient été enregistrées en compagnie du E Street Band. Et puis qu’à cette époque, le boss était en bisbille avec son ex-manager, un conflit qui va même se muer en conflit juridique. Ce qui explique le ton ténébreux et austère de la plupart des chansons, même si la seconde plaque se révèle un peu plus allègre. N’empêche le résultat est tout à fait convainquant et échappe à la catégorie des compiles de type ‘Fonds de tiroirs’…
De son véritable nom Virginia Westbrook, Teeny est née en 1958. C’est fille de Tommy Tucker, le compositeur du célèbre "High heel sneakers", publié en 1964! Elle est originaire de Dayton, dans l'Ohio. Dès son plus jeune âge, elle chante dans la chorale de son église de quartier. Elle a embrassé une carrière de musicienne professionnelle, en 1996. Et a été deux fois finaliste de l'International Blues Challenge, organisé annuellement à Memphis. Elle s'est déjà produite à plusieurs reprises en Europe.
Son premier elpee, "Tommy's girl" (enregistré en compagnie de Sean Carney) date de 2001. Le second, "First class woman", de 2003. Le troisième, "Two big M's" est paru en 2008. Il rendait un hommage à deux chanteuses légendaires : Big Mama Thornton et Big Maybelle. Teeny a souvent partagé la scène auprès du guitariste Sean Carney (NDR : très populaire en Europe, il est également né dans l’Ohio, mais à Colombus) ; en outre, elle avait collaboré à la confection de son excellent album "Life of ease", paru en 2006. Au cours des dernières années, Teeny s’est produit au célèbre Festival blues de Monterey. Le 29 mai dernier, elle s’était rendue en Belgique, à Puurs très exactement, pour accorder un set dans le cadre du Duvel Blues Festival. Excellente vocaliste, elle confesse pour influences majeures, son père Tommy, disparu il y a déjà près de 30 ans, Etta James, Big Maybelle et Koko Taylor. Teeny signe huit des onze plages de ce nouvel opus ; un disque pour lequel elle a reçu le concours de son partenaire musical Robert Hughes (NDR : c’est également son guitariste). Au sein du line up figurent également le bassiste Scott Keeler, le drummer Darrell Jumper et l’harmoniciste David Gastel.
"Ain't that the blues" ouvre l’elpee. Il raconte la sombre histoire d'une jeune aveugle, âgé de 12 ans, qui vient de perdre sa mère, victime du SIDA. La voix de Teeny est remarquable et autoritaire. Elle s'étend sur plusieurs octaves. Hughes lui donne une excellente réplique sur ses cordes, en empruntant un phrasé institué par Carlos Santana! Imprimé sur un tempo enlevé, "Make room for Teeny" est hanté par un piano qui me fait penser… à un chant gospel. Soutenue par l’harmo et la slide, elle nous hurle son amour paternel tout au long de "Daughter to the blues", des sanglots dans la voix, un blues lent empreint de nostalgie… Shouteuse sur "Old man magnet", elle charme, envoûte même, sur l’indolent "I wish we could go back", une plage caractérisée par les répliques vocales féminines. Le titre maître trempe dans un gospel d’une grande pureté, une compo bercée par le flux et le reflux des voix puissantes. Gastel son souffleur, se signale sur "I live alone". Mais manifestement, il manque de punch. Morceau acoustique, "John Cephas" rend hommage à cet adepte du Piemont blues tout en témoignant son admiration aux maîtres du préwar blues. Et son timbre s’y révèle cristallin. Deux reprises. Tout d’abord, "Heartbreak", un titre enrichi par les remarquables interventions à l’orgue Hammond de Linda Dachtyl. Ensuite le notoire "Got my mojo working" de Muddy Waters. Féminine, la version est bien différente de l’originale. L'album s’achève par "Respect me and the blues", une composition au cours de laquelle Teeny échange un duo en compagnie de son gratteur émérite, Robert Hughes…
« Sacrifice » constitue le premier elpee de Teenagersintokyo. Et à première écoute on a l’impression de se farcir une mixture toxique entre la pop électro des Belges de Soldout et celle aussi ignoble des Français de Superbus. Vous voyez ce que je veux dire ? Des compos dansantes, ForMatées et parcourues d’une voix féminine criarde. Rien de très original à se mettre dans le tuyau acoustique, il faut le reconnaître. Mais cette première mauvaise impression s’évapore au fil des écoutes. Et pour cause, les compos de ce « Sacrifice » sont bien plus complexes qu’elles n’y paraissent. Pas qu’elles soient géniales, mais pas aussi mal ficelées que mes préjugés avaient laissé supposer.
Essentiellement féminin, le line up de Teenagersintokyo réunit quatre filles (NDR : dont l’excellente bassiste Linda Marigliano, responsable d’interventions métronomiques et dansantes qui valent leur pesant de groove) et un garçon (le drummer). Un combo australien, pas plus teenager qu’originaire de Tokyo, qui s’est installé à Londres. Pour enregistrer « Sacrifice », le combo a reçu le concours du leader de Fautline et producteur de Bat For Lashes, David Kosten. Et sa mise en forme est particulièrement réussie.
Inégal, pas toujours très original, cet opus oscille entre brûlots post-punk soutenus par des synthés ‘dark’ très 80’s et des guitares lancinantes, glaciales, chirurgicales, et morceaux synthé-pop résolument optimistes et enjoués (les très moyens « New Day » et « Sacrifice »). Au sein de cette seconde catégorie, certains titres devraient faire des ravages chez les jeunes et tout particulièrement les fans de Beth Dildo (« Peter Pan ») ; alors que pour la première, ce sont plutôt les nostalgiques de Siouxsie & The Banshees, des Slits voire des B-52’s (NDR : c’est-à-dire les parents de la nouvelle génération) qui devraient apprécier (« Isabella »). A l’instar de petites perles ténébreuses et atmosphériques abordées dans l’esprit des Cure voire de The XX comme « Long Way Home » et « 3046 ». Mais si vous ne jurez que par des références contemporaines, sachez que la musique de ce combo baigne au sein d’un univers sonore, au cœur duquel gravitent Gossip, New Young Pony Club ou encore CSS… Un bémol, la voix racoleuse de Samantha Lim. On croirait presque entendre Cindy Lauper.
En concert le 19 septembre au Leffingeleuren de Middelkerke.
C’est une anecdote qui vaut son poids de grain. Après la sortie de leur nouvel elpee, enregistré au sein des studios Soma (Chicago) de John McEntire (Stereolab, Kaki King, The Ex, Wilco…), Norman Blake a avoué : ‘J'ai une gueule de bois terrible !’ Pas parce qu’il a forcé les mots ou essayé d’arrêter les sons coléreux qui frappent encore les murs du studio qu’il vient tout juste de quitter pour la réalisation du huitième opus de Teenage Fanclub ; mais parce qu’il est sorti boire un verre avec un ami, pour fêter la sortie de son nouvel elpee ; et qu’il est rentré tard la nuit dernière, après avoir bu du whiskey. ‘C'est une chose terrible !’, ajoute-t-il.
C’est, en effet, le 31 mars dernier qu’est paru le très attendu (NDR : par une poignée de fans nostalgiques avouons-le !) « Shadows », un disque publié chez PeMa en Europe (le label du groupe) et Merge en Amérique du Nord. Cinq années de mutisme où les pionniers de la scène indie pop glaswégienne se sont confortés dans l’inaction. Ayant commis l’un des grands opus de la pop britannique des années 1990 (NDR : « Bandwagonesque » avait été élu album de l'année par le magazine Spin devant des elpees tels que « Loveless » de « My Bloody Valentine, « Out of time » de « R.E.M. » ou encore « Nevermind » de « Nirvana »), le retour des Bellshill Beach Boys (NDR : Bellshill : ville natale du groupe située près de Glasgow) était forcément attendu par les critiques.
Ce dernier long playing été entièrement pensé et enregistré loin des rumeurs des villes ; les trois auteurs-compositeurs (Norman Blake, Gerard Love et Raymond McGinley) ayant décidé de se retirer dans les profondeurs des paysages ruraux du Nortfolk (Angleterre) pour tenter de rompre la remarquable linéarité et fidélité artistique qui leur collent à la peau et transmuer la substance volatile de l’intuition en réflexion tangible. Gerard Love a d’ailleurs décrit leur travail comme : ‘un de nos albums les plus travaillés et réfléchis’.
Si l’empreinte bucolique s’imprime incontestablement sur la plaque, celle-ci se griffe cependant de quelques aspérités. Ainsi, « Shadows » se démarque de l’esthétique estivale et du power pop propre au trio écossais par un supplément d’harmonies qui noircit les mélodies de nuages sombres. Mélodies souvent soulignées par les notes obscures du piano de Gorki (musicien invité sur l’album). Une musique qui s’inscrit dans le milieu qui a suscité sa création et épouse les formes d’une pop pastorale.
Rassurons tout de même les fidèles : pas de grande révolution dans le monde tranquille de Teenage Fanclub. Excepté ce léger supplément d’âme plus douloureux dans les lyrics et les compos que par le passé, TFC conserve sa marque de fabrique, ses mélodies en avant et ses rythmiques astucieusement basiques. Un album qui, finalement, préserverait la spontanéité de « Bandwagonesque » et aurait le poli et l’intelligence de « Grand Prix ».
Paru peu de temps après la mort prématurée du prince du power pop, Alex Chilton, « Shadows » pouvait difficilement surgir à un meilleur moment pour permettre au public de redécouvrir le genre.
Le punk est le véhicule idéal de la contestation. Tu es jeune, tu as des problèmes et tu veux le faire savoir. Prends une guitare et crie-le à la face du monde. Pas besoin d’étudier la musique pendant des années, trois ou quatre accords suffisent à exorciser tes souffrances.
A l’écoute des productions punk rock qui nous sont tombées entre les oreilles ces dernières semaines, on peut constater que, d’un continent à l’autre, ces souffrances ne sont pas vraiment identiques. Et, quand les Anglais de Strawberry Blondes hurlent leur malaise face à la société, au racisme et à la pauvreté, il semble que les Américains de Teenage Bottlerocket n’aient pas de plus gros problème que de devenir plus célèbres que Kiss (« Bigger than Kiss), de s’éclater en faisant du skate (« Skate or die ») ou de se faire plaquer par leur copine (« Without You »). D’ordinaire, ces tribulations de teenagers américains me gonflent ; à un point que vous auriez peine à imaginer. Cependant, pour la circonstance, la qualité de la musique de ce combo originaire de Laramie dans le Wyoming, m’incite à faire une exception. Tout d’abord, parce qu’a ma grande joie, si le punk de TBR sonne à l’américaine, c’est plus dans le style des géniaux Ramones que dans celui de ces idiots de Green Day. Ensuite, parce que malgré son côté pop, le combo arrive à garder une certaine urgence keuponne en alignant des titres bien rentre dedans. On a plus envie de pogoter que de danser ; ce qui pour ce genre de musique est plutôt un gage de qualité.
OK, « They came from the Shadows » n’est ni révolutionnaire, ni contestataire. Cependant, son écoute a au moins l’avantage de nous faire passer un bon moment. C’est toujours ça de pris.
Seizième album en 36 ans de carrière pour le boss. Un disque pour lequel il a de nouveau bénéficié de la collaboration de Brenda O’Brien, à la production. Ce qui ne semble plus être une très bonne idée. Car les arrangements sont devenus un peu trop envahissants. D’ailleurs les meilleures compos de cet opus, sont aussi, le plus souvent, les moins sophistiquées. Et je pense tout particulièrement au blues rural « Good eye » et au ‘dylanesque’ « The wrestler », une compo qui a servi de B.O. au film du même nom, réalisé par Darren Aronovky », mettant notamment en scène Mickey Rourke. Bien sûr l’ensemble tient la route, et des plages comme l’‘enniomorriconesque’ « Outlaw Pete », l’hymnique « Queen of the supermarket », caractérisé par ses superbes harmonies vocales et ses cordes de guitares ‘byrdsiennes’ ou encore le ténébreux « Life itself » ne manquent pas d’allure. On épinglera également l’hommage rendu à Danny Federici, l’organiste du E Street Band, décédé des suites d’un cancer l’an dernier, sur « The last carnival ». Mais, ce lyrisme des orchestrations me fout les boules. Alors, imaginez, lorsque Bruce se prend pour un crooner à la Randy Newman (« This life » et « Kingdom of days »), on se demande s’il n’a pas pris un coup de vieux. En outre, on ne peut pas dire que son duo échangé en compagnie de son épouse, Patti Scialfa, sur le morceau country folk « Tomorrow never knows », soit une réussite. Hormis le titre maître pro-Barak Obama, peu de militantisme sur cet elpee pour ce natif du New Jersey qui fêtera ses 60 balais le 23 septembre prochain. Et pour qui on craint quand même des signes d’essoufflement. Enfin, seul l’avenir nous le dira. Si vous parvenez à vous procurer une version collector, sachez qu’elle est enrichie d’un Dvd consacré aux sessions d’enregistrement.
Fondé en 2006, ce quatuor mancunien vient d’enregistrer son premier opus. Un disque produit par Stephen Street (Smiths, Morrissey, Blur, etc.) et dont la musique dérive quelque part entre Kaiser Chiefs, Hard-Fi, Kasabian, The Killers, les Kooks et Shed Seven. Malheureusement, ni le premier morceau, « Aftershow », caractérisé par des cordes de guitare bringuebalantes, ni le vivifiant « Kings of the new world », ne parvient pas à maintenir le navire à flots. D’autant plus que le reste des compos souffre d’un manque cruel de mélodie. En outre teintés d’amertume, de mauvais goût et de cynisme, les lyrics reflètent le machisme plutôt déplacé du chanteur/compositeur, Liam Fray. En réglant ses comptes avec le sexe opposé, à la manière des groupes de métal des 80’s, il en devient pathétique. Et son timbre laconique, emphatique ainsi que son accent épais finissent par couler l’embarcation. Pas la peine d’essayer de jeter une bouée de sauvetage ni d’invoquer le Saint des causes perdues (« St. Jude »), l’épave croupit déjà au fond de l’océan.
Eternels adolescents, Quentin, Dorian et Michael avaient un rêve. Comme beaucoup d’autres, ils s’imaginaient en haut de l’affiche, assailli par une horde de fans en délire. Trois alternatives s’offraient à eux : y arriver (ou pas), coûte que coûte, à la sueur de leur front, tenter l’aventure ‘nouvelle star’ ou passer par la nouvelle porte d’entrée des artistes ‘hype’, l’inévitable MySpace. Le trio aura choisi la dernière option. Leurs premiers émois pop font mouche sur la toile et, en quelques mois seulement, leur rêve est réalisé. Un label signe les trois Parisiens et les Teenagers sont lâchés.
« Reality Check » est alors concocté en deux temps trois mouvements. S’en dégage des mélodies pop estivales et accrocheuses, entre Phoenix et The Killers. Mais également des textes insipides et immatures. On n’en attendait certes pas moins de grands enfants mais l’écriture est malheureusement impossible à ignorer lorsque tous les morceaux de cet ouvrage sont interprétés à l’aide d’un accent frenchy à couper au couteau. De plus, une large partie de « Reality Check » est davantage ‘racontée’ que chantée (cfr « Popular », Nada Surf). Ce qui n’arrange rien. Amusant le premier quart d’heure, ce premier disque aurait plutôt tendance à casser les bonbons sur la longueur. Si ces Teenagers ne mûrissent pas vite, leur ‘reality check’ ne sera manifestement qu’anecdotique.
Quentin Delafon, Dorian Dumont et Michael Szpiner, alias The Teenagers, se confrontent à la réalité d’une carrière décollant sur les chapeaux de roues. Ils remixent les plus grands, recueillent les éloges du NME et accouchent de leur premier bébé, « Reality Check ». Les Teenagers ne sont manifestement plus des enfants.
Les Teenagers, est-ce une histoire d’amour adolescente ou celle d’une relation durable ?
Dorian : On s’est rencontré à l’école. Quentin et moi, nous côtoyions depuis plus de dix ans. Quant à Michael, je le connais depuis plus ou moins quinze ans. Nous n’avions jamais partagé d’expérience musicale auparavant. Mais en 2005, à Noël, on a composé une chanson pour rigoler. Dans la foulée, la même nuit, notre Myspace était créé et cette chanson y était proposée en écoute. Ensuite, nous sommes retournés à nos occupations pendant six mois. L’idée de monter un groupe était en gestation ; puis, en juin 2006, on a composé « Homecoming ». Et tout a commencé. Quelques labels nous ont contactés et The Teenagers est devenu est un vrai groupe.
Dans les textes, on retrouve beaucoup de préoccupations adolescentes. Le nom du groupe reflète-t-il votre état d’esprit lorsque vous composez ?
D. : On est à un âge où l’on ne sait pas vraiment s’il faut grandir et devenir plus sérieux. On a plutôt penché pour l’autre option, celle de rester jeunes et de continuer à faire la fête. Nos textes viennent de préoccupations que l’on a aussi (rires). Ils sont arrivés sans que l’on ne doive se forcer.
La femme a une grande place dans « Reality Check ». Hormis Nicole Ritchie et Scarlett Johansson, que vous célébrez à votre manière, respectivement sur « Fuck Nicole » et « Starlett Johansson », quelles sont les femmes qui ont influencé vos textes ?
D. : - Ma maman. (rires)
Quentin : - Ma sœur.
D. : - On a effectivement écrit une chanson au sujet de Nicole Ritchie et une autre sur Scarlett Johansson ; mais je sais pas si les femmes, en général, ont vraiment influencé les textes…
Q. : - Les paroles de nos chansons pourraient être considérées comme misogynes, mais nous ne le sommes pas du tout. On est juste timides (rires). Je peux comprendre qu’il y ait une mésinterprétation, mais on est vraiment loin d’être misogynes.
« Homecoming » a été élu 4e meilleur single de 2007 dans le fameux magazine anglais NME. Vous attendiez-vous à un tel accueil en Grande Bretagne ?
D. : - Je suis content qu’on nous pose cette question, je l’ai attendue toute la journée ! Tout le monde s’en fout, apparemment ! (rires)
Q. : - Quand on a commencé, c’était vraiment pour s’amuser. Il n’y avait aucune attente. On était donc très surpris et super content de retrouver l’une de nos chansons dans le top 4 des meilleurs morceaux de l’année. On était juste avant ou après Rihanna, il me semble…
D. : - Avant !
Q. : - On a battu Rihanna et son parapluie !
D. : - Pas mal…
Q. : - Ouais. Le classement était un top 50. Quand on a regardé l’ensemble, on a tout de même constaté qu’il y avait pas mal de beau monde. C’était étrange de se voir en photo devant tous les groupes anglais qui avaient cartonné pendant l’année.
« Reality Check », est-ce votre propre confrontation à la réalité ? Un bilan de ce qui s’est passé pour vous ces derniers mois ?
D. : - Entre autres.
Q. : - Parce qu’on peut lui attribuer différentes significations. Mais la majorité des chansons sont basées sur l’imaginaire, le fantasme. C’était donc marrant d’avoir un disque qui s’intitule « Reality Check ».
D. : - Comme on le disait, au départ, The Teenagers n’était pas un véritable groupe. Juste trois mecs qui balançaient des chansons sur MySpace. Et là, on se retrouve chez un vrai label, responsable d’un véritable album qui va sortir partout dans le monde et à la veille de participer à de vraies tournées mondiales. Un dénouement qui pousse au questionnement. Tout ce qui arrive, c’est un peu notre ‘reality check’. Une confrontation avec notre nouvelle vie…
Vous vous êtes exilés en Grande Bretagne. Un choix artistique ?
Q. : - En fait, après mes études, j’ai vécu pendant trois ans en Angleterre parce que je ne savais pas trop quoi faire. Les autres sont restés à Paris. Entretemps, The Teenagers est né. Les deux autres se sont finalement décidés à venir me rejoindre. On n’a donc pas vraiment débarqué là-bas dans l’espoir que ça marche mieux pour nous.
D. : - Michael et moi y avons effectivement émigré pour des raisons pratiques. Le label, le tourneur et le manager du groupe sont domiciliés à Londres. De plus, The Teenagers a pas mal tourné l’année dernière en Grande Bretagne. C’était donc plus simple que les trois membres du groupe se retrouvent dans la même ville.
Musicalement, est-ce la vie parisienne ou votre aventure londonienne qui vous influence le plus ?
D. : - Je sais pas trop. The Teenagers n’appartient pas à une scène spécifique. Des chansons ont été composées à Paris et d’autres à Londres. Cette dernière est sans doute une ville où tu peux exprimer un peu plus aisément ta créativité. Hormis cette réserve, je pense qu’on exprimait déjà assez bien la nôtre à Paris. Il est vrai qu’à Londres, les gens ont moins honte de tenter des expériences. Mais on ne s’est jamais gêné chez nous, à Paris, de les entreprendre. Le déménagement n’a pas vraiment changé grand-chose.
Et vos influences artistiques ?
D. : - Elles sont très larges. Elles vont de Jacques Lu Cont (NDR : Les Rythmes Digitales), aux Strokes en passant par Britney Spears. On est aussi bien influencés par des groupes indés que d’autres plus électroniques. Et également par tout ce qui est ‘mainstream’.
Vous avez remixé Au revoir Simone, Chromeo, Air, ou encore Simian Mobile Disco. D’autres projets de remixes ou de simples collaborations en vue ?
D. : - Pas pour le moment. Terminer notre album était une priorité qui nous semblait beaucoup plus importante qu’une collaboration. Aujourd’hui, tout le monde cherche des ‘featurings’ pour vendre des disques. The Teenagers n’a jamais vraiment bataillé pour obtenir des collaborations. Elles arrivent plutôt naturellement. Quant aux remixes, nous avons reçu beaucoup plus de sollicitations que nous n’avons proposé d’offres. Parfois, il arrive que des artistes demandent à leur label de les mettre en contact avec d’autres artistes. D’autres fois, ce sont juste les maisons de disques qui effectuent la démarche.
Q. : - Cependant, bosser en compagnie de Jacques Lu Cont ne nous déplairait certainement pas.
Vous venez de terminer une tournée aux Etats-Unis, quel bilan tirez-vous de cette aventure ?
Q. : - C’était ‘ouf’ ! ‘C’est la folie’ ! (chantant un extrait de « Streets Of Paris »)
D. : - On a vécu trois semaines dingues. Je rêvais d’y aller. Et le fait que le séjour se soit bien passé n’a rien gâché. Le groupe s’est produit dans des salles qui pouvaient accueillir entre 400 et 600 personnes. La moitié des concerts étaient sold-out. En sachant que l’album n’était même pas encore sorti, le bilan est tout simplement : ‘génial !’.
Des rencontres artistiques intéressantes ?
D. : - Non, pas vraiment. Juste les gens du label.
Q. : - Il faut avouer que les groupes programmé en première partie étaient assez miteux. Nous n’étions pas du tout sur la même longueur d’ondes. A Los Angeles par contre, on a découvert deux groupes assez bien et on est descendu les voir. Rien d’autre.
Pour finir, dans le morceau « Steets of Paris », vous chantez ‘Les rues de Paris, c’est la folie’. Quelle est l’histoire la plus folle qui vous est arrivé en Ile de France ?
Q. et D. (en chœur) : - La nuit où on s’est fait agresser à Paris.
Q. : - On a du courir vite. Si on n’avait pas pris nos jambes à notre cou, on se serait bien fait castagné, je pense. « Streets Of Paris » est en fait la seule chanson autobiographique de l’album.
D. : - Sinon en Grande Bretagne, c’est plus palpitant. Il s’y passe des aventures qui ne se produiraient pas à Paris. A Londres, tu ne sais jamais où, quand et comment la fête s’arrêtera…
Album : « Reality Check », sortie le 14-03-2008 (XL Recordings / Merock / V2)
Concert : Les Nuits Botanique, 17-05-2008
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