Révélée par « My One And Only Thrill », un second ouvrage plein de charme, Melody Gardot a accompli une véritable opération séduction auprès du public belge, ce 4 novembre. La Pennsylvanienne de 24 ans a présenté au Cirque Royal un show réglé comme du papier à musique et d’un professionnalisme bluffant. Le spectacle qui, à priori, aurait pu s’avérer froid et calculé s’est révélé étonnamment envoûtant. Une bien belle prestation. Et ce n’était pas la seule.

En effet, alors qu’aucune première partie n’était annoncée, une jolie surprise attendait le public du Cirque Royal. Flanqué uniquement de sa guitare, Gabriel Rios s’avance sur le devant du podium et entame un petit concert acoustique qui va durer près de quarante minutes. Entre chants hispaniques et pop anglophone, le Gantois d’origine portoricaine déballe le meilleur de ses deux ouvrages studio ainsi que quelques nouvelles compos. Plutôt bien accueilli, le pauvre jeune homme a pourtant l’impression de se produire devant un public qui n’a jamais entendu parler de lui. D’ailleurs, à la fin du set, un ‘What’s Your Name ?’ va fuser du fond de la salle, à son grand étonnement. Après sa prestation, Rios dépose sa guitare et se joint au public pour assister à la suite des événements.

Du haut de ses 24 ans, Melody Gardot a déjà tout d’une grande dame. Après avoir survécu de justesse à un accident de voiture qui a notamment endommagé sa vision six ans auparavant, la demoiselle a entamé un long processus de réhabilitation débouchant aujourd’hui sur une belle carrière musicale. Ce soir, elle défend « My One And Only Thrill », un second recueil qui a atteint les plus hautes sphères des charts, lors de sa sortie en avril dernier. Vêtue d’une jolie robe couleur bordeaux, coiffée d’un voile noir et arborant une longue chevelure blonde (NDR : qui doit certainement exiger trois heures d’entretien), Gardot s’avance dans la pénombre jusqu’au micro devant lequel elle s’agenouille. Elle s’empare ensuite d’une petite tasse dont elle déverse le contenu à terre. Du sable. Ou peut-être les cendres d’une vie antérieure. Une mise en bouche intrigante qu’elle enchaîne d’un chant a cappella, particulièrement bouleversant. Ses trois musiciens viennent ensuite la rejoindre tandis qu’elle se presse au piano et entame l’intro de « The Rain » en triturant les cordes à l’intérieur même de l’instrument. La prestation est d’une intensité inédite et le son est tout simplement d’une perfection rarement atteinte.

Au bout de quelques titres, Melody a déjà mis le public dans sa poche. Mais elle se retire le temps d’un petit bœuf entre les musiciens, au cours duquel Irwin Hall, le préposé au saxo, enflamme la salle en jouant un solo… à deux saxophones. Bien qu’il ne soit pas le premier à avoir exécuté ce type de voltige, être témoin d’une telle performance est pour le moins impressionnant. La prêtresse de la soirée réapparaît ensuite discrètement sous un imperméable et s’empare de la guitare pour dispenser un « Who Will Comfort Me » swinguant. La jeune femme fait souvent sourire le public en lui adressant la parole dans un français approximatif et à la deuxième personne du singulier. Elle clôture la soirée par « Over The Rainbow » une reprise joliment exécutée du grand classique de Judy Garland extrait du « Magicien d’Oz », interprétée en hommage à sa grand-mère.

Après un premier rappel, Gardot réapparaît à nouveau sur le podium, tandis que la salle commence à se vider. Devant les acclamations des moins pressés, la jolie blonde décide d’interpréter un dernier morceau pour la route. Elle tente une reprise de Trenet apprise le matin même. Deux essais plus tard, elle prend conscience qu’elle ne connaît pas encore assez bien le morceau et rend les armes, non sans rappeler ses musiciens pour un « Our Love Is Easy » qui pose la touche finale à un spectacle de deux heures envoutant et parfait en tous points.

(Organisation : Live Nation) 

Le fils de l’immense John nous pond ici une ‘œuvre’ inqualifiable. Néo-classique, progressiste ? Impossible à dire. Une chose est sûre, musicalement, la pilule est difficile à avaler. Après quelques minutes, on frôle l’indigestion ; et il faut une sacrée dose de courage pour aller au bout de l’épreuve. Essayez. C’est surprenant !

De temps en temps, on a l’impression d’entendre un ‘ersatz’ du grand bleu. Sinon, rien à ajouter. En un seul mot : bizarre ! Ah oui, j’oubliais, Sean Lennon signe ici la BO du film du même titre. Mais sans les images comme support, ce Cd n’a aucun intérêt…

Difficile, ces dernières semaines, d’échapper au single « Clock ». « Lucy Lucy » (ex-Vagabonds) ronronne régulièrement sur nos ondes radios. A peine vainqueur du concours Pure Démo en 2007 et finaliste du Concours Circuit en 2008, la presse enthousiaste compare déjà le groupe aux grands noms de la scène pop-rock belge (Girls In Hawaii, Sharko…) Les cinq jeunes Brainois gravissent alors subitement les strates et sortent leur premier Ep judicieusement appelé « The Morning Can Wait ». Indéniablement, il est encore un peu tôt pour affoler les foules. En particulier, après l’écoute de leur six titres sorti ce 21 septembre 2009. Album pop-folk intimiste de bonne facture mais qui manque cruellement de chien. Il ne suffit pas d'être mignon, d’exhaler juste un délicat parfum mêlé de charme et d’un subtil ‘je-ne-sais-quoi’ qui attire et fascine. L’auditeur craque fréquemment, il est vrai. Encore faut-il qu’il reste vigilant et qu’il n’abdique jamais de sa belle exigence. Non ! Le groupe n’est pas d’emblée au faîte de son art. C’est d’ailleurs la tête bien accrochée sur les épaules que les jeunes artistes nous expliqueront le choix d’un six titres au lieu d’un elpee : ‘On ne se sentait pas prêts pour un album’. Le premier opus devrait cependant voir le jour dans le courant de l’année 2010.

Il est indéniable que Lucy Lucy trace l’esquisse d’une folk-rock irrésistible et rafraîchissante qui touche un certain public. Un public, souvent jeune, en manque de jolies histoires et de ballades romantiques. Mais cette galette trop linéaire ne transpire pas, ne sue pas. Elle échoue à toucher l’auditeur exigeant. Elle le promène simplement sur des pistes sonores ingénues et mielleuses. Un pop folk bluet évanescent, exempt d’aspérité, exsangue, sans caractère.

« Clock », titre phare du Ep, nous plonge dans une jolie mélodie légère et fragile. L’album privilégie globalement les mélodies et l’harmonie des voix ne laisse guère d’espace ou un simple soupçon, aux instruments. Tout au plus une basse folk timide, une guitare rock évaporée décorent de jolies chansons au format très radiophonique.

Sur les autres rives, tandis que « I can Give It » décharge une vague électrique ‘cellophanée’, les guitares de « Lizzy Lizzy » s’élèvent sans jamais décoller. Quant au final de « Deepest Coma », il se métamorphose en un simple étourdissement. La pop-folk ‘rageuse’ du quintet bruxellois se referme tendrement sur le douloureux « Bottom First ». Les influences clamées par « Lucy Lucy » effleurent la douce folie de Baby Shambles, les lettres nobles de Belle & Sebastian, le charisme de Johnny Cash. Sans jamais parvenir à marquer au fer rouge l’identité du groupe.          

« The Morning Can Wait » évoquerait assez une chambre dorée merveilleusement ordonnée dans laquelle on aurait peur d’allumer le vieux transistor de crainte de faire trembler le mobilier contemporain.

Malgré de brillantes prestations scéniques et une remarquable entame de carrière, laissons le temps au temps. Ne précipitons pas trop vite ce jeune groupe vers les gouffres impatients de la célébrité. Laissons-le doucement éclore avant de le confronter aux monstres de la scène indépendante belge. Le temps demeure toujours maître de la raison.

Mickaël Furnon revient à ses premières amours. Il reforme son groupe mais place entre cochets l’extension 3d afin de faire comprendre que même si la formation est de nouveau d’actualité, elle a changé et il en est bel et bien toujours le ‘patron’… Mickey, c’est lui… Deux ans ont passé, deux ans pendant lesquels il a voulu se la jouer perso.

Après avoir commis l’excellent « Tu vas pas mourir de rire », lauréat des victoires de la musique en 2004, le groupe s’essouffle et « Matador » qui suit n’est pas à la hauteur des espérances. Mickaël décide alors de voler de ses propres ailes mais le soufflet retombe bien vite. C’est un peu la traversée du désert, hormis son duo avec Jane Birkin, seul morceau (bof bof) qui passera sur les ondes. On était donc un peu dans l’expectative voire le doute en ce qui concerne la sortie de ce nouvel opus. Il faut cependant admettre que le train est de nouveau sur les rails.

Un bon cru que cette « Grande évasion ». L’humour et le talent de Mickaël Furnon refont surface et il nous sert 14 titres de très bonne facture. L’album navigue entre humour noir, poésie, fables, nostalgie, émotions, rires, larmes… Il pousse même un point dans le surréalisme et c’est à mourir de rire lorsqu’il demande dans l’intro de « Personne n’est parfait », le numéro de téléphone de Dieu, au service de renseignements téléphoniques. Les textes font de cet album un petit recueil de morceaux qui racontent la vie et donnent envie de vivre. Rien d’extraordinaire mais des chansons ‘justes’ ; et jamais on ne se lasse en les écoutant ou les réécoutant.

Les musiques entrent vite dans l’oreille et sont vite assimilées. Le style peut être qualifié de ‘pop joyeuse et légère’. Ce qui ne veut pas dire médiocrité, loin de là. Mickey 3d nous présente un album plein, des mélodies bien ‘sculptées’ et entraînantes. « Playmobil », « Je m’appelle Joseph », « Personne n’est parfait » entre autres sont prêtes à envahir les ondes.

L’auteur de « J’ai demandé à la lune » nous livre ici un album ‘complètement abouti’. On retrouve le Mickey 3d des débuts. La boucle est bouclée… A écouter sans modération.

Mondo Generator est le bébé de Nick Oliveri, l’ex-bassiste un peu taré (NDR : et pour cause, l’hurluberlu avait pris l’habitude de jouer sur scène dans son plus simple appareil) des Queens Of The Stone Age et de Kyuss. « Cocaïne Rodeo » a été enregistré en 1997, mais n’a été mis en vente, pour la première fois, qu’en 2000.

Pour les fans de QOTSA et de Kyuss, ce disque est sans aucun doute possible un album culte. En effet, pas moins de trois musiciens militant chez ces deux formations y participent. Nick Oliveri, bien sûr, à la basse et aux vocaux, Josh Homme à la guitare et Brant Bjork à la batterie. Pourtant, la musique pratiquée n’a pas grand-chose à voir avec celle des ‘Desert  Rockers’ californiens. On y décèle un peu de ‘stoner’ quand même, parce que l’on ne se refait pas ; mais c’est surtout du punk mâtiné de hard rock ou même du post hardcore qui est ici consommé.

Les vocaux écorchés d’Oliveri et le son brut des guitares préservent Mondo Generator de la philosophie plus commerciale adoptée chez les groupes qui l’ont rendu célèbre. On reconnait circonstanciellement l’intensité d’un Black Flag, la folie d’un Dead Kennedys (au niveau de la basse), la fougue du Nirvana pré-« Nevermind », mais aussi, parfois, l’esprit des jam bands des seventies. L’équilibre est d’ailleurs un peu difficile à trouver entre hymnes punk d’une minute trente (« Uncle Tommy », « I want to to die ») et jams susceptibles de s’étendre jusque 13 minutes (« Another Tension Head »). Ces variations de style reflètent probablement l’esprit un peu tordu et décousu de l’ami Nick.

Pour qu’une réédition soit intéressante, il faut, bien sûr, qu’elle contienne son lot de cadeaux et celle de 2009 nous gâte, car c’est carrément un deuxième disque qui nous est proposé en bonus. Ce second opus est un live, brut de décoffrage (mais au son correct) intitulé « Alive and Wired ». Il a été enregistré au Troubadour de Los Angeles en décembre 2003. Une exception : le dernier titre. Intitulé « Autopilot », il est issu de la prestation du groupe immortalisée lors de l’édition 2004, au Reading Festival, et bénéficie de la participation de Mark Lanegan (Screaming Trees, Mad Season, QOTSA) au chant.

Une réédition plutôt agréable pour les fans, mais pas vraiment indispensable pour les autres.

Depuis la sortie du remarquable « La Maison de mon rêve », les sœurs Cassidy se contentent de nous servir des elpees aussi médiocres que prétentieux. Et on a beau attendre un signe venant d’outre-Atlantique, il tarde à se manifester. Finalement, c’est d’Italie que vient de nous parvenir la bonne nouvelle. De Brescia, très exactement. Là où sont originaires deux filles : Luisas Pangrazio (Lu) et Marialuisa Balzi (Mu). Il leur a fallu quand même quatre longues années après leur formation pour donner naissance à ce premier opus : « Garage Bleu ». Le pop rock de ce duo féminin est expérimental, mais il est surtout de très bon goût. Et pour cause, leurs compos évoquent tour à tour Björk, Portishead, CocoRosie (NDR : of course !) et encore Au Revoir Simone.

« Garage Bleu » est découpé en neuf morceaux. Des titres relativement dépouillés. Claviers, guitare, rythmique électronique et objets insolites alimentent habilement de superbes mélodies. Rien que les deux premiers morceaux de la plaque, « Spleen » et « Melonhead », suffisent à mettre tout le monde d’accord. Les Transalpines conversent (NDR : tantôt en français, tantôt en anglais). Mais pas seulement. Leurs voix sont superbes, mais aussi sensuelles et bouleversantes. Elles se conjuguent et s’entrelacent, conférant une intensité impressionnante aux différentes chansons.

Si vous en avez marre d’attendre le prochain elpee de CocoRosie, n’hésitez plus, procurez vous celui de Mulu. Vous ne serez pas déçus.  

Vu le pseudo, je m’attendais à me farcir un album de chanson française. Et bien j’en suis pour mes frais. Hormis deux ou trois titres, le reste est interprété en langue ‘étrangère’. Depuis l’anglais à l’italien, en passant par l’espagnol et j’en passe. En fait, Séverin signe 14 chansons pour 14 filles différentes (NDR : bizarrement elles ne sont que 12 sur la pochette !) Ce petit chef d’orchestre, comme il se définit lui-même, écrit et compose quasiment tout et joue de plusieurs instruments : clarinette, piano, guitares…

Ces voix féminines issues d’horizons différents (NDR : russe, française, allemande, suédoise, brésilienne,…) sont donc mises au service de la muse de cet artiste. Une espèce de Mika peint en rouge qui a grandi dans la pop acidulée/sucrée. Il nous propose 14 titres. 14 bonbons ou plutôt chewing-gums à mâchonner quelques instants, puis à jeter dès la disparition du goût (NDR : soit assez rapidement). Pas de quoi laisser un souvenir impérissable. C’est une certitude. A contrario de Mika, capable un tant soit peu d’accrocher les souvenirs des amateurs de pop (NDR : même si on n’apprécie pas trop le genre) et dont les compos sont bien plus dynamiques et plus dansantes.

Insipide et sans relief, ce disque n’est pourtant pas dérangeant. Simplement, il ne risque pas de déchaîner les passions. On a même droit à une compo puérile, à la limite du débile : « Adieu à Dieu ». En mon for intérieur, il a suscité une réaction épidermique : celle de vouloir éjecter le cd et de le jeter directement à la poubelle ! Too much ! Point positif cependant, quelques-unes valent le coup d’œil. Pas sur la pochette, sur le site… (NDR : je parle des filles, bien sûr !)

Originaire du sud de l’Angleterre, Ian Siegal est né en 1971. Il a découvert le blues dès son plus jeune âge, en écoutant Muddy Waters et Howlin' Wolf. Il se met alors à jouer de la guitare ; et à l’âge de 20 ans, il décide de partir à Berlin, où il chante dans la rue. Il revient ensuite à Nottingham. Il y demeurera cinq ans. Puis débarque à Londres où il partage la scène en compagnie de différents artistes ; et notamment le Lee Sankey Group. Il commence alors à se produire sous son patronyme et s’illustre lors des festivals européens. Ce qui va lui permettre un jour, de rejoindre sur les planches, le vétéran Pinetop Perkins (NDR : l'ancien pianiste du Muddy Waters Band), alors âgé de 92 ans. Un épisode qui constitue sans doute le meilleur moment de la carrière du jeune musicien.

Son premier elpee remonte à 2002. Intitulé "Standing in the morning", il sera réédité en 2004 sur le label allemand Taxim. En paraissant sur le jeune label anglais Nugene, son opus suivant, "Meat & potatoes", bénéficie d’une meilleure distribution. A cette époque, il recrute le bassiste Andy Graham et le drummer/percussionniste Nikolaj Bjerre et fixe ainsi déjà le line up de base de son band. L'année suivante, il commet "A bigger plate of meat & potatoes". En réalité, il s’agit du cd enrichi d’un bonus Dvd. Il grave "Swagger" en 2007, un disque pour lequel il reçoit à nouveau la collaboration de Jonny Henderson et Matt Schofield, les compagnons de l'écurie Nugene.

Siegal possède une voix superbe. Puissante, naturelle, relativement ravagée, un tantinet graveleuse. Manifestement idéale pour interpréter son répertoire, largement imprégné de blues. Et elle impressionne dès le morceau d’ouverture, "Slaker". Une roots song dominée par la voix, mais caractérisée par une densité instrumentale impressionnante. A cause des interventions de l’artiste à la slide et puis de celles de Jonny Henderson, à l’orgue. "Hard pressed" baigne au sein d’un climat hypnotique, volontairement funky. La voix d'outre-tombe de Ian occupe tout l'espace. Elle rappelle parfois celle de Howlin' Wolf. La section rythmique accomplit un boulot remarquable pour seconder Mr Siegal, pendant que son ami, Matt Schofield, y ajoute ses accès de guitare rythmique, histoire de consolider l'édifice sonore. Quoique fort intéressante, Quarantine" est une plage peu marquée par le blues. Les climats âpres, enlevé, doux et languissants s’y succèdent naturellement. La sonorité de la six cordes est particulièrement réverbérée. Blues bien en rythme, "Kingdom come" emprunte un motif issu du Delta du Mississippi. La puissance de frappe de notre trio est impressionnante. Et notamment le travail accompli par la section rythmique. Ian en profite pour hurler sa colère. Complainte très roots, "The bleeding cowboy's lament" baigne au sein d’une atmosphère sereine, malgré gravité du sujet (NDR : le tourment du cow-boy ensanglanté). "Like hell" constitue la plus longue plage de l’elpee. Plus de huit minutes sculptées dans un funk paresseux, animé par une guitare très rythmique et nappé par l'orgue Hammond de Henderson. D’une voix douce, mais doublée, Ian interprète "Stealing from the Queen", un blues majestueux tapissé par les accords reverb de la slide. Ian attaque "Little paranoia" sur le célèbre Bo Diddley beat. Superbe ballade aux accents dylanesques, "Take a walk in the wilderness" est illuminée par la voix prodigieuse de Siegal et balayée par l'orgue Hammond chaleureux. Et cet elpee généreux s’achève par "The ballad of Big Foot Chester", une compo véhiculant les accents du blues primitif et acoustique. Ian Siegal est manifestement occupé de devenir un tout grand de la scène british blues contemporaine…

Caractérisé par ses accords de guitares rutilants et sa voix issue tout droit d’un pub infréquentable, Sour Jazz à de quoi faire dresser les bananes sur la tête des rockeurs. « American Seizure » exhale ce parfum de bourbon répandu dans certaines caves aux activités interlopes. Brut de décoffrage, Mr Ratboy, Mr Popular et leurs comparses balancent du lourd comme certains ramassent des champignons : pour le plaisir. Le vocal est un rien nasillard. Un héritage des B52’s ? Les envolées oniriques, mais envoûtées, y sont légion et la batterie n’en finit plus de dépoter tous les géraniums qu’elle croise sur son chemin. On l’aura vite compris, les tarlouzes ‘teknotisées’ iront pleurer dans les jupes de leurs mères à la simple écoute du début d’album. On frise le machiavélique à tout moment, tout en gardant une ligne claire et percutante. A noter l’excellent travail des cuivres invités de temps à autre à enrichir la solution sonore. Même si l’ensemble est pêchu, il émane de cet « American Seizure » un cachet romantico-gothique assez truculent. D’assez bonne facture, l’album est cependant loin d’être original. Exempt d’innovations remarquables, il arrive quand même à dégager une touche ‘new-school’ assez persuasive. On se surprendra à taper la mesure et secouer la tête, tel un conditionnement de Pavlov. Evidemment les propriétaires de longues chevelures auront l’air plus crédible que les ‘clash bol’ dans mon genre ; mais le résultat est identique : on gigote de bon cœur. Fini de rire, revoilà les Sour Jazz, et bordel, ça va sentir le souffre et la vinasse dans les chaumières.

Jamie Alexander Treays est un flibustier. Sous le patronyme de Jamie T, il bat pavillon noir tout en pillant les océans où il navigue. Sur son étendard, en dessous du crâne blanc –ne laissant présager rien de bon pour ceux qui s’approcheront de son navire– est inscrit sa ligne de conduite : ‘Même pas peur !!!’ A coup de grand voile et d’attaques sournoises, il enrichit son magot. Ses victimes se nomment pop, folk, jazz et hiphop. Le boucanier ne fait pas dans le détail. En lieu et place d’enterrer son magot sur une île connue de lui seul et de quelques compagnons alcoolisés au rhum, il préfère partager et redistribuer à ceux qui le désirent, les richesses amassées au fil des croisements de fer. Avec l’élégance d’un Mike Skinner ou d’Arctic Monkeys, l’Anglais balance la sauce sans scrupule et surtout sans état d’âme.

Difficile de cataloguer le style original du Briton. Même si les accents hip hop sont forts présents, il y a un réel sens de la curiosité qui propulse « Kings & Quenns » au firmament de l’éclectisme. Savoureux, espiègle, déjanté sont les liants à cet imbroglio des genres. Jamie T déverse dans ses textes des tranches de vie allant de l’amour à la fiesta sans limite, avec un accent savoureux et ronflant de pur Londonien. « Kings & Queens » succède à l’excellent « Panic Prevention » sorti en 2007 qui nous faisait déjà penser que ce bad kids avait du matos dans l’armoire. Qu’ils se nomment Samuel Bellamy, Jack Sparrow ou Capitaine Crochet, les pirates auront toujours un capital sympathie fort élevé ; mais rares sont ceux qui en plus, ont l’esprit altruiste comme le Capitaine T. Vous l’aurez compris, cet album fera partie de mon top 10 de l’année ; et ce, dans la catégorie générosité qualitative.